Honey, We Shrunk Ourselves! (1997)

Aquí la titulamos "Cariño, nos hemos encogido a nosotros mismos".

Wayne, su hermano y sus esposas terminan miniaturizados de forma accidental. Tres de sus hijos creen que simplemente se han ido dejándolos solos en casa y deciden montar una fiesta. Mientras tanto ellos tratarán de comunicarse para que les devuelvan a su tamaño normal.

Me pregunto cómo consiguieron engañar a Rick Moranis (Wayne) para regresar por tercera vez. Pero vamos, es el único que repite.

Entre las novedades del reparto destacan Robin Bartlett (Patti Szalinski), salió en "City of Angels" (1998) y "Shutter Island" (2010), salió en "Mad about you". Mila Kunis (Jill), conocida por "Black Swan" (2010) y "Jupiter Ascending" (2015). Allison Mack (Jenny Szalinski), conocida por "Smallville". Y Stuart Pankin (Gordon Szalinski), salió en "Striptease" (1996) y "Congo" (1995).

Aunque tenían planteado estrenarla en cine al final la Disney decidió que iría directamente a vídeo.

Carece de una animación durante los créditos iniciales, cosa que pusieron en las dos primeras películas.

Me he percatado de que las tres empiezan exactamente igual, un cartero entregando las cartas en casa de los protagonistas.

Es una historia a la que no le han dado demasiadas vueltas, esencialmente viene a ser como la primera pero mucho más simplificada. Hay varios ejemplos de ello como que cogen una "montaña rusa", se enfrentan a bichos y casi son comidos.

Aún así no me parece una película mala per se, se nota que el presupuesto era bajo pero no deja de ser una película simpática y entretenida hasta un cierto punto. Además muestra a los jóvenes aprendiendo algunas lecciones, que siempre está bien.

¡Vámonos con Pancho Villa! (1936)

Es lo más parecido a un cartel que he encontrado.

“Los leones de San Pablo” son un grupo de 6 amigos que deciden unirse a Pancho Villa y su revolución. A medida que avanza la guerra van muriendo uno a uno y van perdiendo la fe.

Tras ver “Viva Zapata!” (1952) me picó el gusanillo de conocer un poco más sobre la historia de México y esta vez preferí apostar por algo hecho por ellos mismos. Lo cual no supone ninguna garantía de que sea más fiel a lo que sucedió (me asombra lo acertado que estuve cuando escribí esta frase antes de leer sobre ella).

Es considerada la primera superproducción mexicana. Lo cual tiene mucho sentido ya que fue financiada por los banqueros para dar una imagen muy negativa de lo que fue la revolución mexicana encabezada por Emiliano Zapata y Pancho Villa.

Su idea es distorsionar la realidad mostrando a un Villa inhumano, lo cual dista mucho de la realidad. Pero no sólo eso, muestra la guerra como algo honorable y glamuroso.

Lo primero que quiero destacar es que el título en pantalla pone “!Vámonos con Pancho Villa!” con las dos exclamaciones iguales. Me he percatado de que en los carteles no quisieron jugársela y pusieron el texto sin ellas.

El juego de los 13 es para mearse. En esencia es una ruleta rusa planteada porque hay 13 sentados en una misma mesa de un bar, lo cual quiere decir que uno de ellos va a morir esa noche, así que ¿qué mejor que asegurarse?.

Los productores obligaron al director a cambiar el final original en el que Pancho Villa asesinaba a Tiburcio Maya y obligaba a su hijo a unirse a la revolución. En el que dejaron Tiburcio decide abandonar a Pancho Villa, osea le da la espalda a la susodicha revolución.

Es una película bastante dura donde los soldados son tratados como algo prescindible y que sólo sirven para alcanzar un fin, no como personas. A pesar de todo me ha gustado, aunque no cuente nada en concreto, sólo vemos algunas batallas sueltas sin explicar demasiado qué está sucediendo.

Der Sieg des Glaubens (1933)

El título se traduce como "La victoria de la fe".

Dirigida por Leni Riefenstahl. Fue su tercera película, la primera considerada de propaganda nazi. De su obra ya he comentado “Triumph des Willens” (1935) y las dos partes de “Olympia 1. Teil – Fest der Völker” (1938).

Se consideró perdida durante décadas debido a que Hitler ordenó que fuese destruida. Por suerte en los años 90 se encontró una copia en el Reino Unido. Vale, acabo de leer otra versión que dice que se encontró una copia en los años 80 en la República Democrática Alemana. En todo caso, ha llegado a nuestros días.

La razón por la que fue prohibida es que se ve a Hitler junto a Ernst Röhm llevándose bien. Es uno de los que fueron ejecutados durante la conocida como “noche de los cuchillos largos” en Julio de 1934. Tras matarle ordenó que toda prueba de su “existencia” fuese borrada, esencialmente.

La copia llegó al Reino Unido cuando Leni Reifenstahl fue allí en 1934 a dar conferencias en las universidades sobre técnicas de filmación de documentales. Se cree que alguien hizo una copia y permaneció guardada en un almacén.

Las siglas N.S.D.A.P. son de Nationalsozialitsche Deutsche Arbeiter Partei. Traducido es el Partido Nacionalsocialista Obrero Alemán. Leni no formaba parte de él cuando rodó este documental lo cual hizo que tuviera algunos detractores, más aún por ser mujer.

Se ve que la versión que poseo es una “limpieza” de una de las dos copias que mencioné previamente, aunque no sabría decir de cuál. En todo caso la original fue restaurada en el año 2003 y esta se ve un poco mejor aunque al principio se ven un par de logos superpuestos para tapar lo que ponía originalmente (el copyright).

En esencia viene a ser lo mismo que se ve en “Triumph des Willens” (1935), la cual fue grabada durante el 6º Congreso también en Núremberg.

Empieza con tropas desfilando por la ciudad, luego esperando la llegada del tren en el que viajan algunos mandatarios y seguidamente vemos a Hitler descendiendo de un avión (con un montaje no muy bien hecho de las tropas saludándole).

Se nota que es el primer documental que hizo Leni, la cámara está posicionada en la espalda de Hitler cuando va en coche por las calles tapando buena parte de la imagen. Queda bastante mal.

Cuando llega al lugar donde hará el discurso aparece Joseph Goebbels de pasada y una vez dentro se sienta junto a Rudolf Hess. Durante su discurso van saliendo imágenes de diferentes altos cargos del partido, entre ellos Ernst Röhm.

Rudolf Hess lo bautiza como el congreso de la victoria. Los nazis subieron al poder en Alemania en Marzo de 1933 y este congreso tuvo cabo entre Agosto y Septiembre de ese año.

Buf, esto es más complicado de lo que me esperaba. Algunas de las regiones alemanas cambiaron de nombre justo cuando los nazis subieron al poder, no entendía porque Julius Streicher (el líder de la región, quien además se autoproclamó “Rey de Núremberg”) denomina Franken a los habitantes de Núremberg, es el nombre que le pusieron a la región. Por cierto, resulta fascinante ver los mapas de evolución de las regiones alemanas entre 1926 y 1943.

Me llama la atención que el siguiente en hablar sea Arturo Marpicati, vicesecretario del Partido Fascista Italiano. Por supuesto habla en italiano y dice que viene en representación de los camisas negras y de Mussolini.

Seguidamente pasamos a un momento musical, que viene a ser el punto y final de la parte de los discursos, para luego pasar al multitudinario despliegue donde Hitler vuelve a dirigirse a ellos.

Tras ello vemos a unos 65.000 miembros de las juventudes hitlerianas y hace aparición un zepelín sobrevolando el lugar. Cosa que me ha recordado a una escena de “Hell’s Angels” (1930).

Es Baldur von Schirach quien anima a los jóvenes con Hitler a su lado antes de que les hable.

Y luego pasamos al desfile por las calles de la ciudad por parte de las tropas de los SA y SS. Entre los diferentes altos cargos que aparecen destacan Hermann Göring y Heinrich Himmler. Aquí apenas vemos a Himmler pero en “Triumph des Willens” (1935) tendría una presencia más significativa.

Es fascinante la cantidad de planos del desfile, lo grabaron desde multitud de lugares.

Lo siguiente es lo que podríamos denominar una marcha de las banderas. Y un último discurso de Hitler.

Definitivamente me gusta por lo que representa, especialmente ahora que sé un poco más sobre qué sucedió y como casi nos quedamos sin poder verlo. Entre las dos películas que hizo Leni sobre los congresos de los nazis hay algunas diferencias pero también muchas similitudes. De hecho casi podría apostar a que aprovechó alguno de los planos por lo similares que son.

Westfront 1918: Vier von der Infanterie (1930)

Aquí la titulamos "Cuatro de infantería".

Los soldados alemanes luchan contra los franceses durante la primera guerra mundial. Es una situación desesperada en la que ver morir cada día a alguno de sus compañeros más cercanos.

De verdad os aseguro que no lo he hecho adrede, han coincidido varios títulos casi seguidos cuya temática es la Primera Guerra Mundial. Claro que esta vez desde el punto de vista alemán.

La primera vez que dirigía una película sonora Georg Wilhelm Pabst. Autor de títulos como “Don Quixote” (1933), “L'Atlantide” (1932) o “Der Prozeß” (1948).

Como primera curiosidad, fue una de las películas prohibidas durante el régimen nazi cuando se alzaron con el poder en 1933.

La versión que poseo es la restaurada y digitalizada en calidad 2k en el año 2014 a partir de tres copias diferentes.

Jaja, en las primeras escenas uno llama al café “sudor de hombre negro”. Qué bestias.

Un detalle interesante es que usaban perros para enviar mensajes por las trincheras. Eran pastores alemanes, obviamente.

Creo que es una película que debería verse junto con “All quiet on the western front” (1930). De hecho me estaba imaginando un montaje de ambas que mostrase lo horrible que fue la guerra desde ambos frentes.

Tiene momento simpáticos, como la representación de los payasos, musicales, románticos y dramáticos. También algunos bastante duros. Aunque lo exagerado de algunas actuaciones es su punto más débil.

El Cine Mudo

Últimamente he visto varias películas de cine mudo y hay algunas cosas que quería comentar.

El fotograma más famoso de Méliès.

Empezando por que no acabo de entender si está hecho adrede, si era una moda o qué pero las actrices en las películas de principios del siglo XX aparecen con los ojos pintados de una manera similar. Casi parece un estilo "gótico". Lo que yo pienso es que llevaban maquillaje normal de colores como rojo o azul que al pasarlo a blanco y negro se volvía muy oscuro. Pero sabiendo que, por ejemplo, para dar un aspecto más pálido (como en "Frankenstein" (1931)) pintaban a los actores de color verde, no me cuadra que no se percatasen y tratasen de usar un maquillaje que quedase un poco más natural.

Dejando eso a un lado, me fascina la cantidad de superproducciones que se hicieron.

The Man Who Laughs.

Por ejemplo he estado leyendo sobre "Cleopatra" (1917) y fue una de las películas más impresionantes jamás rodada, aparte de polémica. Básicamente a los directivos de Hollywood les pareció demasiado impúdica y un incendio en 1937 acabó con las dos últimas copias, hoy en día sólo quedan algunos trozos sueltos.

O el caso de "Ben-Hur: A Tale of the Christ" (1925), la película más cara de aquel momento con la friolera de 4 millones de dólares de presupuesto. La locura que supuso "Intolerance: Love's Struggle Throughout the Ages" (1916), en la que D.W.Griffith invirtió toda su fortuna. La trilogía que se quedó en una película "Napoléon vu par Abel Gance" (1927), pero qué película. Y a Cecil B.De Mille con "The Ten Commandments" (1923), quien no se quedó del todo contento e hizo un remake en 1956 todavía más grande.

Por otra parte me fascina descubrir películas de diferentes nacionalidades de dicha época. Como el cine soviético de Sergei Eisenstein, con "Броненосец Потёмкин" (1925), o el del sueco Victor Sjöström, el autor de "Körkarlen" (1921).

Der Golem.

Y ojo, que Hollywood nos trajo títulos muy interesantes como "The Man Who Laughs" (1928), "London After Midnight" (1927), "The Hunchback of Notre Dame" (1923), y "The Phantom of the Opera" (1925). Apenas se nota que Lon Chaney es uno de mis actores favoritos.

Pero vamos, para mí el mejor cine se hizo en Alemania de la mano de gente como Fritz Lang, con "Metropolis" (1927) y "Der müde Tod" (1921), F.W.Murnau, con "Nosferatu, eine Symphonie des Grauens" (1922), "Sunrise: A Song of Two Humans" (1927) y "Faust: Eine deutsche Volkssage" (1926), Robert Wiene, con "Orlacs Hände" (1924) y "Das Cabinet des Dr. Caligari" (1920), y Paul Wegener con su trilogía de "Der Golem" (1915).

Metropolis.

Luego tenemos auténticas rarezas como la australiana "The Story of the Kelly Gang" (1906), conocida como el primer largometraje de la historia, la japonesa "狂った一頁" (1926), un precedente del cine de terror japonés, y la danesa "Atlantis" (1913) en la que vemos hundirse un barco de una manera similar a la que lo hizo el Titanic un año antes (en realidad está sacada de una novela que salió anteriormente).

Destacan, por supuesto, los numerosos títulos de los hermanos Lumière, Georges Méliès, Thomas Edison, Segundo de Chomón, Alfred Clark y George Albert Smith que, en esencia, son los precursores de cientos de aspectos cinematográficos y pequeñas proezas que han pasado a formar parte de "lo normal" en una película.

El polifacético Lon Chaney, Sr.

También tenemos joyitas como "The Lost World" (1925) en la que se ven algunas animaciones en stop motion que preceden a Harryhausen. O "The Three Musketeers" (1921) de Douglas Fairbanks, la cual no tiene nada que envidiar a las múltiples adaptaciones posteriores que ha tenido la novela de Dumas.

Y hablando de adaptaciones literarias, una de las que más versiones se hicieron en la época muda es la de "Dr. Jekyll and Mr. Hyde" (1920), he de decir que esa versión en particular la considero la mejor con una transformación "en directo" increíble.

Otro autor con múltiples adaptaciones en la época muda es Edgar Allan Poe, entre las que destaca especialmente "La chute de la maison Usher" (1928) donde participó Luís Buñuel. Curiosamente su título más famoso, "Un chien andalou" (1929), es también de la época muda.

Körkarlen.

Detalles como que ya existía el sonido sincronizado con el vídeo a finales del siglo XIX. También las primeras imágenes en color, de las cuales destaca la de "The Great Train Robbery" (1903). que además fue el primer western de la historia. O el uso las cámaras subacuáticas como las que se usaron en "20,000 Leagues Under the Sea" (1916).

Creo que es un tema en el que si pensara a fondo me podría explayar demasiado... y eso que considero que no he visto tantos títulos como desearía. Siempre hay alguno de autores que me gustan o que incluso desconozco pero sé que serán interesantes. Aparte de filmografías de gente como Charles Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd... en fin, en pocas palabras, el cine mudo me encanta y os garantizo que en el futuro habrán muchos más títulos en el blog.

Hells' Angels (1930)

Aquí la titulamos "Los ángeles del infierno".

Estamos en 1914. Monte y Roy son dos hermanos ingleses que deciden alistarse en la fuerza aérea. Roy está enamorado de Helen pero ella no siente lo mismo por él y de hecho termina acostándose con Monte.

Dirigida por Howard Hughes. También formaron parte de la dirección Edmund Goulding y James Whale (dirigió los diálogos) pero no recibieron crédito por ello.

Howard Hughes ha recibido más créditos por ser productor de títulos como “Scarface: The Shame of the Nation” (1932)  o “Jet Pilot” (1957). Este fue su debut en la silla de director y posteriormente sólo dirigió otra película titulada “The Outlaw” (1943). Para los que no le conozcáis recomiendo la película “The Aviator” (2004), de Leonardo DiCaprio.

Hasta 1989 se consideró perdida la versión coloreada. Encontraron una copia que tenía John Wayne por parte de su hijo Michael.

Con lo cual existen varias versiones. La más completa dura 2 horas y 7 minutos y también hay una reedición de 90 minutos que fue lanzada en 1939, a la cual le agregaron un prólogo de 6 minutos.

Los pilotos rechazaron hacer una secuencia así que el propio Howard Hughes, quien también pilotaba aviones, se puso a los mandos y la realizó aunque terminó estrellando el avión y rompiéndose algunos huesos.

En realidad la reacción de los pilotos tiene sentido pues de los 72 que participaron en la grabación de la película 3 perdieron la vida y también un mecánico.

La grabó dos veces, la primera en 1928 sin sonido y luego con él. Eso hizo que el coste se disparase de forma exagerada llegando a los 3,5 millones de dólares. Aún así fue la segunda película más cara hasta ese momento ya que “Ben-Hur: A Tale of the Christ” (1925) costó 4 millones.

Un análisis más detallado ha probado que aprovechó algunas de las secuencias mudas y las dobló posteriormente.

Al dotarla de sonido tuvo que reemplazar a la actriz principal. Originalmente iba a ser la noruega Greta Nissen pero su marcado acento hizo que tuvieran que buscar a Jean Harlow (Helen).

Otra película más sobre pilotos de la Primera Guerra Mundial. El impacto que causó la guerra en los años 20 es realmente impresionante. Poco se imaginaban la que les vendría encima un par de décadas más tarde.

La primera escena coloreada sucede a los 26 minutos. Es un baile y dura unos 7 minutos. Por lo que he podido comprobar en la versión que poseo (bastante moderna) faltan partes coloreadas, pero bueno, menos es nada.

En un momento dado aparecen unos alemanes hablando en alemán y en vez de poner subtítulos al estilo moderno usan los típicos carteles de las películas mudas. He de decir que no lo subtitulan todo.

Uno de los planos que más me ha gustado (y que además repiten) es el de un zepelín atravesando las nubes.

Los alemanes están locos. Para que su zepelín no caiga en manos enemigas deciden obligar a suicidarse a la tripulación (saltando al vacío) y así aligerar la carga. Al primero ni le preguntan. Lo peor del tema es que no les sirve de nada.

La verdad es que no paro de ver semejanzas con “Wings” (1927). El triángulo amoroso, el descubrimiento de que ella no ama a uno de ellos, que sean pilotos de la primera guerra mundial y se apunten a las misiones más peligrosas… Incluso en un momento dado usan un avión del enemigo (aunque es un planteamiento completamente diferente).

Dicho lo cual, la escena en la que atacan el arsenal es espectacular. Me hace gracia porque al verla lo primero que pensé es que sería una maqueta pero qué va, todo es a tamaño real. Se nota especialmente por las explosiones.

Y en el combate aéreo posterior vemos un montón de aviones en algunos planos. Aunque cuesta saber a qué bando pertenecen. También vemos muchas muertes, algunas sangrientas.

Me es imposible no pensar en los nazis cada vez que aparecen los alemanes por la manera en la son retratados. En aquel entonces aún no eran nada fuera de Alemania así que dudo que el director estuviera influenciado, pero es fascinante.

Pero bueno, es un título bastante interesante. No se hace aburrido, tiene algunos combates aéreos que están muy bien y drama no le falta.

Honey, I Blew Up the Kid (1992)

Aquí la titulamos "Cariño, he agrandado al niño".

Wayne Szalinski ha vendido su invento a un laboratorio y no consiguen hacer que funcione. Pero un día a él se le ocurre una solución pero por accidente el rayo golpea en su bebé y desde ese momento no cesa de crecer.

Repite el reparto principal de la primera parte. De las novedades destacan Lloyd Bridges (Clifford Sterling), conocido por "Hot Shots!" (1991) y "Airplane!" (1980). Keri Russell (Mandy), conocida por "Felicity", ha salido en "Mission: Impossible III" (2006) y "Dawn of the Planet of the Apes" (2014), fue su debur en el cine. Y Gregory Sierra (Terence Wheeler), salio en "Vampires" (1998) y "The Towering Inferno" (1974).

Destaca también la breve intervención de Kenneth Tobey (Smitty). Salió en títulos como "It Came from Beneath the Sea" (1955), "The Beast from 20,000 Fathoms" (1953) o "The Thing from Another World" (1951). Se dice pronto.

Buena parte de los diálogos entre Wayne y Adam fueron improvisados. Rick Moranis (Wayne) se dedicaba a responder a las palabras que decían los gemelos Daniel Shalikar y Joshua Shalikar (Adam).

En realidad el guión estaba escrito y no tenía nada que ver con la anterior película. Eso explica por qué Amy, la hija, aparece brevemente al principio diciendo que se va a estudiar a la universidad ya que en el guión original no había ningún personaje que se asemejase. Aparte la acción tenía cabo en Las Vegas y el bebé acababa convirtiéndose en una especie de monstruo que recorría la ciudad. Vamos, lo que viene a ser el guión de "Attack of the 50 Foot Woman" (1958).

Lo realmente curioso del tema es que demandaron a la Disney porque había un guión circulando con una historia prácticamente igual y les obligaron a pagar 300.000 dólares a su autor.

El actor que interpreta al bebé cuando crece es Alex Daniels. Se ponía una cabeza animatrónica y aprendió a moverse como un bebé pero de forma más lenta. Era un traje muy grande, pesado y pasó muchísima calor, hasta el punto que tuvieron que ayudarle a salir en un momento dado.

Cuando los Szalinski van al almacén en busca del invento aparecen el trineo de "Citizen Kane" (1941) y una caja que pone "Arca de la Alianza" de "Raiders of the Lost Ark" (1981).

En fin, es una película infravalorada en mi opinión. No me ha parecido tan mala al volver a verla y, de hecho, me lo he pasado bastante bien viéndola.

Honey, I Shrunk the Kids (1989)

Aquí la titulamos "Cariño, he encogido a los niños".

Los Szalinski son los vecinos de los Thompson. Tienen sus más y sus menos pero cuando de repente sus hijos quedan reducidos de tamaño de forma accidental. Al regresar a casa los padres se ponen a buscarlos y al no dar con ellos llegan a la conclusión que ha sido cosa de la máquina de Wayne.

Protagonizada por Rick Moranis (Wayne Szalinki). Un actor desaparecido que desde que hizo "Honey, We Shrunk Ourselves!" (1997) se dedicó al doblaje durante un tiempo y luego dejó la actuación. Recientemente ha confirmado que saldría en la secuela "Shrunk", sin fecha de momento.

Aparte en el reparto también tenemos a Matt Frewer (Big Russ Thompson), salió en títulos como "Watchmen" (2009) y "Max Headroom" (1985). Jared Rushton (Ron Thompson), conocido por "Big" (1988). Marcia Strassman (Diane Szalinski), salió en la serie "Tremors". Mark L. Taylor (Don Forrester), salió en "Innerspace" (1987) y en "Arachnophobia" (1990).

En una versión temprana del guión eran 5 los niños y uno moría en la parte del aspersor.

En realidad el título original es incorrecto, deberían haber usado la palabra "shrank". La explicación de un ejecutivo de la Disney es que la frase está sacada de una diálogo donde la dicen tal cual.

Resulta que usaron partes instrumentales de la BSO de "The Goonies" (1985) y pensándolo bien guardan bastantes similitudes.

Los coches que conducen los Szalinski son un Volkswagen Caribe I (el de ella) de 1981 y un Volvo PV 544 de 1959 (el de él).

Tiene escenas que no me acaban de encajar demasiado como la aparición de un escorpión en el jardín o cuando se bajan desde la nariz del perro a la mesa, similar a la imagen que usaron en la portada. Pero en general es una película que ha envejecido bien y los efectos especiales (casi siempre) están a la altura.

The Magician (1926)

Aquí la titulamos "El mago".

Margaret Dauncey es una escultora que sufre un accidente cuando le cae parte de una estatua que estaba construyendo encima pero un médico evita que quede paralítica. Mientras tanto Oliver Haddo, un estudiante de medicina que también es hipnotista y mago, busca el secreto de la vida en antiguos libros de magia.

Fue la película que influyó en James Whale cuando rodó “Frankenstein” (1931). Es la parte final donde vemos más claro qué escenas se parecen más.

Estuvo perdida durante muchos años.

Destaca la participación de Paul Wegener (Oliver Haddo), conocido por protagonizar la trilogía “Der Golem” (1915). Y también Michael Powell (hombre con un globo), fue su debut en el cine aunque no recibió crédito por ello, años más tarde dirigiría títulos como “Peeping Tom” (1960) y “The Thief of Bagdad” (1940).

Haddo consulta libros de la Biblioteca del Arsenal, que se encuentra en el barrio de la Bastilla, en París. Lo curioso es que en 1934 esos libros fueron trasladados a la Biblioteca Nacional de Francia. En realidad eran de literatura francesa escritos entre los siglos XVI y XIX.

La presencia en pantalla de Paul Wegener es realmente impresionante. Cada vez que aparece los ojos se te van a él.

En un momento aparece un fauno con su flauta y sus pezuñas de bestia. Es una escena que me recuerda, de nuevo, a “Häxan” (1922).

Una de las curiosidades es que emplean la palabra “to-morrow”, escrita tal cual, varias veces. Al principio no le di importancia porque es obvio a qué se refieren pero tras verla en una carta escrita a mano me ha picado la curiosidad y… sí, se trata de una forma arcaica de la palabra “tomorrow”. Y es que, de hecho, en inglés la palabra para “el día de mañana” es morrow.

Y hablando del idioma inglés una de mis expresiones favoritas es “the horror of it all”, que curiosamente la emplean en un momento dado. También es una canción de Anthrax.

Veo mucha influencia en títulos posteriores como el que mencioné al principio, pero también en la figura del científico loco, aunque ahora que lo pienso de esa misma época también tenemos al Dr.Mabuse o al Dr.Caligari, entre otros.

Personalmente me ha gustado mucho, no sabía exactamente de qué iba a ir y me ha sorprendido gratamente.

Дом на Трубной (1928)

Aquí la titulamos "La casa de la plaza Trubnaya".

Parasha Pitunova se va a vivir a Moscú pero al llegar allí la dirección que le han dado es de un edificio cerrado. Tras desesperarse en medio de las calles de la ciudad acaba siendo encontrada por el hombre que la había contratado, un barbero. La lleva a vivir a un edificio ruinoso donde tendrá que trabajar sin parar.

Seguimos en la época muda con otra película soviética. He de decir que la tanda actual de películas es de lo más variada en cuanto a nacionalidades y que apenas he comenzado.

Por cierto, se trata de uno de los títulos más destacables de la Unión Soviética.

Protagonizada por Vera Maretskaya (Parasha Pitunova). Su vida es bastante interesante. En 1937 sus dos hermanos fueron ejecutados por Stalin por apoyar a uno de sus rivales políticos. Ella trató de imponer una apelación pero fue ignorada. Su marido murió en 1941 durante la Segunda Guerra Mundial. Tras ello tuvo que hacerse cargo de sus hijos y sus sobrinos. En 1940 se convirtió en una de las caras de la propaganda soviética y acabó ganando varios premios Stalin. Y murió en 1978.

En los primeros cinco minutos vemos un plano de las escaleras del edificio que llegan hasta 5 alturas. Me ha recordado tres cosas, el descenso por la fachada de “The Burglar’s Side Slide for Life” (1905), la escena de la prisión de “The iron mask” (1929) y el hotel de “Les vacances de Monsieur Hulot” (1953).

La diferencia esta vez es que también vemos una toma desde arriba. Similar al famoso plano de “Vertigo” (1958) pero sin moverse.

En un momento dado vemos una representación teatral sobre la toma de las Bastilla. Me ha hecho gracia la manera en la que se comporta el público antes de empezar. También la parte en la que vemos como creaban los efectos sonoros (que, obviamente, no escuchamos).

Queda muy lejos de ser una película propagandística y aunque juega con elementos dramáticos acaban convirtiéndose en situaciones divertidas.

Curiosidades de los Oscar

Tras ver "Wings" (1927) me ha picado la curiosidad por saber más sobre la ceremonia de los Oscar. Y es que a pesar de que considero que es una patochada claramente influenciada por el "tema de moda" de cada año ha tenido cosas realmente peculiares a lo largo de los años.

De nuevo sucede que no tengo intención de dedicarle una entrada a la ceremonia de este año, como hacía en el pasado, pero esto me resulta muy estimulante. El año pasado hice algo similar con una entrada dedicada a los "Oscars y Remakes".

Como dije en su entrada "Wings" (1927) fue la primera en ganar el premio a la mejor película (aunque en la primera entrega era a la mejor producción), y es la única película muda en hacerlo hasta "The Artist" (2011). Eso es correcto pero hay un detalle importante y es que ese mismo año "Sunrise: A Song of Two Humans" (1927) ganó el premio a la "mejor película artística y única", así que se podría considerar como la ganadora a la mejor película también, supongo que depende cómo quiera verse ya que dicha categoría sólo existió ese año.

Con lo cual, a partir de 1928 las películas ganadoras son sonoras y eso tiene mucho sentido pues el cine sonoro nació con "The Jazz Singer" (1927) y supuso una revolución a pesar de que acabó con las carreras de un montón de actores y actrices de renombre.

Lo que a mí me llama la atención, sin embargo, es que la ganadora de la segunda entrega de premios fuese "The Broadway Melody" (1928), la cual no sólo tenía sonido sino que era un musical e incluía una parte de la película en color (en Technicolor para ser más concreto), aunque dicha parte se ha perdido con el paso de los años, por desgracia.

Durante los tres primeros años para nominar a un actor se fijaban en los trabajos que realizaba en un periodo de tiempo en una categoría en concreto, eso hizo que Emil Jannings el primer año ganase el premio por dos películas: "The Last Command" (1927) y "The Way of All Flesh" (1928). Como curiosidad extra le dieron la estatuílla antes porque se encontraba en Europa, convirtiéndose en el primero de la historia en recibir una. Y en cuanto a actrices Janet Gaynor también el primer año se llevó el premio por tres películas: "7th Heaven" (1927), "Street Angel" (1928) y "Sunrise: A Song of Two Humans" (1927).

A partir de la cuarta entrega cambiaron la norma a una nominación diferente para cada actor por película.

El premio a la mejor película en color (íntegramente) fue para "Gone With The Wind" (1939) en la 13ª entrega. También es la película más larga en ganar dicho premio.

Con respecto a las películas extranjeras hasta 1957, en la 29ª entrega, no tuvieron su propia categoría. Hasta ese momento simplemente recibían el "premio al logro especial". En el año 2020, en la 92ª entrega, se dio el premio a mejor película a "Gisaengchung" (2019), lo que la convirtió en la primera película de habla no inglesa en recibirlo. Como curiosidad extra el país extranjero con más premios es Italia con un total de 10.

En 1969, osea en la 42ª entrega, ganó el premio a la mejor película "Midnight Cowboy" (1969), la cual tenía una calificación X. Es la única película con dicha calificación en ganarlo.

En 1974, en la 47ª entrega, ganó el premio una secuela, es la única vez que ha sucedido. Fue "The Godfather Part II" (1974). Ese año también tiene la peculiaridad de que Robert De Niro ganó el Oscar al mejor actor por esa misma película, osea por interpretar a Vito Corleone, el mismo personaje que interpretó Marlon Brando en la "The Godfather" (1972) por el cual también ganó la estatuilla. Sólo ha sucedido esa vez que dos actores interpretando el mismo personaje ganasen el premio al mejor actor.

Creo que el dato más triste sobre los Oscar es que John Cazale hizo sólo cinco películas en toda su carrera antes de fallecer y las cinco fueron nominadas. Concretamente fueron "The Godfather" (1972), "The Conversation" (1974), "The Godfather: Part II" (1974), "Dog Day Afternoon" (1975) y "The Deer Hunter" (1978).

En cuanto a la animación hasta el año 2002, en la 74ª entrega, no tuvo su propia categoría, osea la de "mejor película de animación".

Por primera vez este año, osea el 2021, las películas que se han estrenado en streaming formarán parte de las nominaciones. El año pasado pusieron la norma de que debían haberse estrenado en cines pero debido al COVID-19 han tenido que cambiarlo (esperemos que de forma única).

Y para terminar existen lo que se llama los ganadores EGOT, osea que han ganado al menos un Emmy (televisión), un Grammy (música), un Óscar (cine) y un Tony (teatro). Hasta el momento son 15: los actores John Gielgud, Helen Hayes, Audrey Hepburn, Rita Moreno y Whoopi Goldberg; los compositores Quincy Jones, Marvin Hamlisch, Richard Rodgers, Jonathan Tunick, Robert López, John Legend, Andrew Lloyd Webber y Tim Rice; el director y guionista Mel Brooks; el director Mike Nichols y el productor Scott Rudin. Aparte hay tres más que han ganado los cuatro premios pero alguno de ellos de forma honorífica (osea fuera de competición) que son Liza Minnelli, James Earl Jones y Barbra Streisand.