Paris, Texas (1984)

Hora de este clásico.

Travis Henderson va caminando por un desierto hasta llegar a un bar donde coge unos hielos y tras metérselos en la boca se desmaya. El médico que le atiende decide hacer una llamada a su hermano y él acude al lugar remoto de Texas en el que se encuentra porque hace 4 años que no sabe nada de él.

Dirigida por Wim Wenders. El mismo que hizo "Der Himmel über Berlin" (1987) y "Alice in den Städten" (1974).

En el reparto destacan Harry Dean Stanton (Travis Henderson), conocido por "Alien" (1979) y "The Green Mile" (1999). Nastassja Kinski (Jane Henderson), conocida por "Cat People" (1982) y "Terminal Velocity" (1994). Y Dean Stockwell (Walt Henderson), conocido por la serie "Quantum Leap", salió en "Dune" (1984).

Las bandas Texas y Travis sacaron sus nombres de esta película.

En realidad no sé prácticamente nada de esta película, salvo que en su momento estuvo muy bien valorada y que ha pasado a ser un título de peso. Pero nunca me he parado a verla, ni siquiera la he buscado.

La película empieza con un sonido de guitarra que fue usado en un programa de televisión de España dedicado al cine, no sabía que éste era su origen.

Una de las pocas cosas que he leído sobre ella antes de verla es que tiene una duración bastante larga. En realidad son dos horas 25 minutos, lo cual no es para tanto, estoy habituado a películas mucho más largas.

Lo primero que me viene a la mente al verla es que Harry Dean Stanton y Dean Stockwell sí parecen hermanos.

La primera palabra que dice Travis es "Paris" y sucede a los 25 minutos. Es fascinante como consiguen tener una narrativa con el personaje principal mudo durante tanto tiempo.

La parte en la que Travis se niega a coger el avión me ha recordado mucho a "Rain Man" (1988). Pero no tengo la impresión de que Travis tenga algún problema mental más allá de una ligera disasociación con la realidad debido a la exposición prolongada a los rayos de sol, vaya.

Por cierto, en el aeropuerto, justo tras esa escena, se oye a la megafonía decir "A message for Joy Stockwell, Joy Stockwell. Austin will arrive at any minute.". En aquellos momentos Dean Stockwell estaba casado con una mujer llamada Joy y Austin es el nombre del hijo de ambos, quien nació durante la grabación.

En un momento dado oímos a Harry Dean Stanton cantando en español, creo que se titula "Canción Mixteca".

Me hace gracia que la conspiración de Anne para hacer que Travis se aleje de su hijo acabe con ambos yéndose juntos a buscar a la madre.

El chaval, Hunter, dice lo de "en una galaxia muy muy lejana" y las sábanas en las que duerme son de "Star Wars: Episode VI - Return of the Jedi" (1983).

Aunque la vemos en unos vídeos familiares mucho antes la primera aparición de Nastassja Kinski en persona sucede pasada hora y media.

El trabajo de Jane viene a ser el mismo que el que hacen las que posan en Chaturbate y páginas similares, sólo que el público se reduce a una sola persona. Ahora que lo pienso es lo mismo que los shows privados que hacen.

No tenía ni idea de qué me esperaba tras este título y ha resultado una película que me ha gustado mucho. Aparte entiendo que tenga detractores, o gente a la que simplemente no le guste debido a su larga duración o su ritmo paulatino. Pero en mi opinión eso no es un problema, algunas historias es mejor contarlas paso a paso, deteniéndose de vez en cuando en el camino para observar lo que rodea a los personajes.

Personalmente no sabría si recomendarla, porque depende un poco de cada uno. Pero vamos, ahora entiendo mejor que los tres actores principales gozasen de reconocimiento en aquellos momentos.

The Sword and the Sorcerer (1982)

Aquí la titulamos "Cromwell, El Rey de Los Bárbaros".

El rey Cromwell decide acudir a la magia negra para resucitar a Xusia y que así le ayude a luchar contra el reino de Enan y su rey Ricardo. Pero es un pacto con el que ambos han de ganar algo y por ello Cromwell decide deshacerse de él en cuanto tiene oportunidad. Tras derrotar al rey Ricardo sólo queda vivo uno de sus hijos llamado Talon y consigue huir durante años.

Una de esas películas que no sabía que existían en su momento pero que hubiera visto con toda seguridad.

Dirigida por Albert Pyun, fue su debut en el cine. Suyas son "Radioactive Dreams" (1984), "Captain America" (1990), "Dollman" (1991) y la saga "Nemesis" (1992), la cual es en realidad una secuela de "Cyborg" (1989) y en total forman unas 11 películas (y ahora quiero verlas).

El especialista en escenas de acción Jack Tyree murió durante el rodaje cuando saltó desde lo alto de un acantilado y no aterrizó sobre los colchones de aire que tenían preparados.

En realidad Richard Moll (Xusia) sólo aparece durante las escenas iniciales, tras ello usaron a un actor que se le parecía y él puso su voz. Esto es debido a que tuvo una mala reacción a las lentes de contacto.

Oliver Reed era la primera opción para hacer de narrador pero no les gustó su forma de hacerlo y fue sustituido por Simon MacCorkindale (Mikah).

No acababa de ver la utilidad de una espada con 3 filos hasta que he visto que puede disparar dos de ellos. Definitivamente es algo que me ha sorprendido.

Es una película donde el valor de una vide humana es nulo. De hecho nada más empezar se cargan a la hechicera que ayuda al rey y a nadie parece importarle lo más mínimo.

La película termina con el mensaje de "las aventuras de Talon continúan en Tales of the Ancient Empire" y que saldría pronto. Y sí existe dicha película, sólo que salió en el 2010 y tuvo muy malas críticas. Aunque el protagonista fue Kevin Sorbo.

Eso en realidad dice bastante sobre este título. Es mediocre a lo sumo, principalmente porque surgió en una época plagada de películas similares que se comieron todo el pastel. Pero también porque el argumento no es especialmente complejo ni tan solo hay un giro argumental que te llegue a sorprender, porque en realidad intrigas hay pocas y resultan evidentes sus respuestas bastante fácilmente.

Es una película de las que yo diría que son para ver una tarde si estás aburrido. Pero poco más.

She's In The Army Now (1981)

Sigamos.

Un grupo de 48 mujeres acaba de alistarse para el ejército. Allí cada una de ellas tendrá que aguantar y superar sus problemas personales para poder llegar al final del periodo de instrucción. Pero algunas simplemente no están hechas para ser militares o prefieren meterse en líos.

Destacan dos nombres del reparto, el de Jamie Lee Curtis (Soldado Rita Jennings) y el de Melanie Griffith (Soldado Sylvie Knoll) quienes a pesar de su juventud ya habían aparecido en unos cuantos títulos. De hecho Griffith ese mismo año salió en "Roar" (1981), la que es considerada la producción más accidentada de la historia del cine.

Aunque lo que me llama más la atención del reparto es que ninguna de las dos es la protagonista. De hecho tienen papeles secundarios.

Aparece también Steven Bauer (Nick Donato), conocido por "Scarface" (1983) y "Breaking Bad".

No había caído en que es similar a "Private Benjamin" (1980) de Goldie Hawn. De hecho es más que probable que la hicieran siguiendo su éxito.

Sinceramente lo que más gracia me ha hecho del arranque es la soldado a la que le dan un ladrillo (Melanie Griffith) para que sepa distinguir la derecha de la izquierda. Pero porque lo sigue llevando posteriormente, incluso cuando hacen instrucción.

Por el comportamiento de algunas, más que un barracón de soldados parece una cárcel de mujeres.

Y es que más que una comedia, que es como la definen, yo veo bastante drama con algunos momentos simpáticos. Entiendo por qué no llegué a verla en su momento, no es una película demasiado destacable, menos aún considerando las alternativas.

Pero no por ello es mala, se puede ver pero no te esperes nada del otro mundo.

Roadgames (1981)

Aquí la titulamos "Juegos de carretera" y "Carretera Mortal".

Pat quid se queda a dormir frente a un motel en su camión al quedarse sin habitaciones. Ve a una chica que hacía autostop entrando con un tipo extraño. Al día siguiente ve al mismo tipo asomado viendo a los basureros y le parece sospechoso. Poco después se lo encuentra cavando en medio de la nada para enterrar una bolsa de basura. Entonces se da cuenta de que puede ser el asesino en serie que anda suelto y del que hablan en la radio.

Protagonizada por Stacy Keach (Patrick "Pat" Quid), conocido por "Body Bags" (1993) y "Escape from L.A." (1996). Y Jamie Lee Curtis (Pamela "Hitch" Rushworth). acaba de estrenar "Halloween Ends" (2022), la cual tengo aún pendiente, tras esta película salió en "Halloween II" (1981) y en "She's in the Army Now" (1981), que será mi siguiente entrada curiosamente.

Fue la película más cara hecha en Australia en aquel momento.

El ambiente durante el rodaje era un poco raro pues a la gente no les parecía bien que los dos protagonistas fuesen de Estados Unidos.

El perro de Quid se llamaba Bosco en el guión original. Lo cambiaron a Boswell por sugerencia de Stacy Keach quien les comentó que Bosco era una marca de bebida de chocolate en Estados Unidos.

La película está inspirada en "Rear Window" (1954) de Alfred Hitchcock. De hecho el apodo de "Hitch" es una referencia al director. Lo cual es discutible pues es una autoestopista, o "hitchhiker" en inglés, que de hecho es lo primero que pensé al verlo.

La pintada "Don't root abos mate" se les pasó por alto a los de EEUU probablemente. Significa "no folles con aborígenes, tío". De hecho está tachada la palabra "abos" y debajo pone "white" "goats" "girls"... me meo.

Es parecida a "Duel" (1972), salvo que esta vez el conductor del camión es el bueno. Hay algunos planos que parecen sacados de la película de Spielberg.

El tipo que lleva un barco parece sacado de una comedia. Al final se cabrea dando saltos y todo.

Si no hubiera sabido de antemano lo de que está basada en "Rear Window" (1954) me hubiera costado poco pillar la referencia pues está cargada de escenas que la recuerdan.

Con lo ENORME que es Australia me hace mucha gracia que al final coincidan en un mismo sitio un montón de personajes con los que se cruzó casualmente el protagonista a lo largo de su viaje. De hecho es muy raro que siempre se encuentre con la furgoneta, incluso en los lugares más inhóspitos.

Desde luego es de esas películas que me encanta descubrir. No sé si hubiera mejorado con actores australianos, pero tengo la impresión de que me hubiera interesado por ella igualmente. En todo caso salvo el protagonista que anda un poco perdido al no ser su país en realidad no hay ningún factor que suponga un cambio notable.

Es interesante, sin embargo, el hecho de que veamos la cara del asesino tan temprano. Igual es porque no querían copiarse de otras películas similares pero creo que hubiera agregado un factor de intriga extra.

Polyester (1981)

Todo un clásico.

Francine está casada con Elmer Fishpaw, el dueño de un cine X. Pero los vecinos no están demasiados contentos con ello y se dedican a hacer protestas en su puerta. Tienen dos hijos, Lu-Lu (está con un tipo llamado Bo-Bo al que en realidad tiene prohibido ver y se pasa el día bailando) y Dexter (un obseso con pisar los pies de las mujeres que esnifa productos domésticos). Por su parte Francine tiene un olfato muy fino.

Regresamos de nuevo al cine de John Waters con una película que vi hace tiempo y de la que guardo buenos recuerdos. Y no es un título cualquiera, de hecho fue su primera incursión fuera del cine underground.

Cuando fue estrenada se les entregaba una tarjeta a los espectadores con el nombre "Odorama", en ella había que ir rascando ciertas partes en momentos concretos de la película y olerla para una mayor inmersión. Años más tarde hicieron algo similar en "Spy Kids 4: All the Time in the World" (2011) aunque con el nombre de "Aromascope".

Cuando lanzaron la película en VHS la tarjeta pasó a llamarse "Videodorama".

Los olores eran, por orden:
- Rosa.
- Una flatulencia.
- Pegamento para modelos de aviones.
- Pizza.
- Gasolina en una lata.
- Mofeta.
- Gas natural de un horno.
- Tapicería de cuero de un coche nuevo.
- Zapatos sucios.
- Ambientador en bote.

La película porno que ponen en el cine de Elmer se titula "My Burning Bush". No es real.

Acabo de enterarme de que la palabra otorrinolaringólogo en inglés es ENT specialist (Ear, Nose and Throat).

La parte de los jóvenes en el coche dando escobazos a los transeúntes me ha recordado un poco a "The Toxic Avenger" (1984).

Me acabo de dar cuenta de que la protesta dice que las películas con calificación R están bien, como por ejemplo "Benji" (1974). Esta es la primera película de John Waters que obtuvo una R, a sus obras previas le dieron siempre X o directamente no tenían calificación.

En el despacho de Elmer hay varios posters de películas como "Faster, Pussycat! Kill! Kill!" (1965) y "Vixen!" (1968), de Russ Meyer, "Bayou" (1957) como "Poor White Trash", "Truck Stop Women" (1974) y "Jag - en oskuld" (1968).

Cuddles Kovinsky está leyendo un libro titulado "Social Register 1979", es un registro de los miembros de la alta sociedad.

Hasta un cierto punto la historia tiene sentido, pero la parte en la que las monjas se llevan a las chicas adolescentes embarazadas a dar una vuelta en un carro con paja mientras está diluviando no acabo de entenderla.

La única mención que hacen al poliéster es por parte de la secretaria y amante del marido cuando habla de la ropa que lleva.

A pesar de lo "moderado" que está Waters en esta película incluye escenas realmente bizarras como un tipo decapitado en un accidente de automóvil, drogas, alcohol y un ligero toque de pervesiones sexuales.

Sin embargo no deja de ser una película suya, es inconfundible el estilo. Me encanta, tengo que ver más.

The Time Machine (1978)

Apuesto a que esta versión no la conocíais.

Un satélite ruso descontrolado está a punto de caer en Los Angeles y la única solución que tienen los EEUU es una nave experimental. Por suerte el doctor Neil Perry consigue evitar la catástrofe. Está trabajando en otros proyectos, entre ellos una máquina para viajar en el tiempo, de la cual sólo tiene una pequeña versión creada hasta el momento pero le han cancelado ese proyecto justo el día en que consigue la última pieza. Por ello decide probarla él mismo por primera vez.

De hecho yo la descubrí de pura casualidad. Se trata de una versión para televisión, de ahí que no sea demasiado conocida.

En realidad hubo una versión televisiva anterior hecha por la BBC en 1949 de la cual no existen copias porque fue transmitida en vivo. Por lo que he podido leer se trató de una adaptación más fiel a la novela original. Sólo se conservan algunas fotografías.

Había leído que es la primera adaptación en la que el primer viaje en el tiempo es al pasado. En realidad no lo tengo tan claro pues el primer viaje lo hace el pequeño prototipo y no sé a ciencia cierta a qué fecha es enviado. Sin embargo el primer viaje tripulado por el doctor sí es al pasado.

Entre las múltiples cosas que se ven durante ese viaje está el movimiento del sol en reversa cada vez más rápidamente. Claro que al acelerarse sólo vemos la nave en el centro de la imagen con formas y una imagen distorsionada moviéndose a toda velocidad sobre un fondo negro.

Vemos también algunos time lapse de plantas naciendo y creciendo.

Sus paradas en el tiempo son, por orden:
- 1692: nada más llegar trata de ayudar a una mujer que ha sido acusada de bruja, al ver la máquina del tiempo le acusan a él y acaban quemándole sobre ella acusado de brujo, por suerte logra escapar.
- 1871: aparece en una mina y al salir unos tipos le disparan, acaban encerrándole en la cárcel local por ladrón. Escapa y tras una serie de tiroteos y persecuciones logra huir.
- 1978: regresa al presente brevemente para enterarse que el jefe del proyecto necesita pruebas de las posibles consecuencias futuras de sus experimentos.
- 2029: tras un holocausto nuclear la tierra es inhabitable debido a la alta radiación.
- Un año indeterminado posterior. Ha aparecido una puerta de metal y una espesa vegetación, tras salir a investigar descubre que le han robado la máquina. De repente descubre a los Eloi quienes tienen miedo de los Morlock así que les ayuda a combatirlos.
- Tras ello regresa a 1978 y les cuenta todo lo que ha vivido.
- Por último regresa con los Eloi.

Se supone que el año en el que están los Eloi es el 802701, pero no queda claro en ningún momento.

Podría ser discutible lo del aspecto futurista, pues no lo parece. Sin embargo sí vemos algunas cosas que parecía lógico que sucedieran en los años 70 como un conflicto nuclear a escala mundial o la bomba de antimateria.

Es una película bastante sencilla, de hecho podría haber sido perfectamente una serie de televisión si hubieran extendido cada parada en el tiempo para hacer un episodio. En todo caso los efectos especiales no son nada del otro mundo, pero creo que es una buena adaptación.

F.I.S.T (1978)

Pasemos a algo un tanto diferente.

Estamos en Cleveland, en el año 1937. Johnny Kovak trabaja descargando camiones en unas condiciones nefastas. Es un trabajo pecario, mal pagado y del que te pueden echar a la mínima sin miramientos. Tras una protesta hablan con el jefe y mejoran un poco las cosas, pero al regresar al trabajo al día siguiente les han echado a todos a la calle. Por suerte recibe una oferta para unirse a una unión de trabajadores y acepta.

Es uno de los títulos más peculiares de Sylvester Stallone (Johnny Kovak) pues interpreta un papel bastante serio. La grabó al poco de cosechar el éxito con "Rocky" (1976) lo cual hizo que muchos fans fuesen al lugar donde estaban rodándola y él de vez en cuando se acercaba a ellos para hacerse alguna fotografía o estrecharles la mano.

La historia está basada en Jimmy Hoffa y la conocida en España como "Hermandad internacional de los camioneros" o "Teamsters Union". Las siglas F.I.S.T. son de "Federation of Interstate Truckers", aunque también es un juego de palabras con la palabra "puño".

Stallone recibe crédito como guionista, sin embargo según he podido entender en realidad sólo hizo algunas sugerencias de cambios durante el rodaje.

Detalles como que el título podría parecer una referencia a "Rocky" (1976) (no lo es) o el pulso que se echan en el bar recuerda a la película "Over the Top" (1987).

Destaca la aparición de Peter Boyle (Max Graham) aunque sus intervenciones son más bien puntuales, pero de bastante peso pues se trata del presidente de la unión.

Por cierto, el protagonista es húngaro y le oímos hablar dicho idioma con su madre brevemente.

Se trata de una película de cuando la gente de EEUU aún tenía el valor de plantarle cara a los que dirigen las empresas imponiendo sus criterios. Ahora simplemente se dedican a tragar todo lo que les echan, no sólo sin protestar sino sonriendo mientras lo hacen e incluso presumiendo de tener tal o cual cosa sin ni siquera plantearse si existe una alternativa más barata y mejor.

No es la primera película sobre Hoffa que he visto, de hecho no hace tanto hicieron la de "The Irishman" (2019), en la que dan la enésima teoría sobre donde está enterrado su cadáver. De hecho tras ella aún sigue sin saberse y dudo mucho que se llegue a saber.

Ostras, no me esperaba ver a Brian Dennehy (Frank Vasko), coincidió también con Stallone en "First Blood" (1982), donde hace de Sheriff. Me ha pillado totalmente por sorpresa.

Al protagonista no dejan de llamarlo "hunky". Es un término peyorativo para alguien descendiente de europeos del este.

He de decir que a lo largo de la película lo único que no me ha gustado es la manera de hablar de Stallone, que no deja de ser su forma natural de expresarse, pero queda un poco raro que un líder sindical balbucee cuando grita o se pone nervioso (para que os hagáis una idea, como Rocky al final de los combates).

Me ha costado lo mío reconocerle, tenemos también a Rod Steiger (Senador Madison), es el mismo que hizo del general que la lía parda en "Mars Attacks!" (1996).

Un detalle que me ha faltado es ver a Johnny plantándole cara al jefe de la que posteriormente se convertiría en su esposa por mangonearla. También a los mafiosos haciendo más cosas de mafiosos, apenas aparecen y salvo algún que otro chanchullo y un posible asesinato no les vemos hacer nada.

Me ha gustado, es una película que apenas recordaba y creo que lo más interesante es que se trata de un reflejo de algo que sucedió en la vida real. De hecho podría decirse que incluso está suavizado el tema, porque con tantas elipsis temporales se dejan algunos otros grandes momentos de Hoffa (aunque no sea una adaptación fiel de su vida y milagros).

Count Dracula (1977)

Otra del chupasangres más famoso.

El abogado inglés Jonathan Harker viaja a Transilvania para ir al castillo del Conde Dracula. Una vez allí el Conde le pide que se quede con él durante un mes para tramitar todos los papeles y mejorar su inglés. Sin embargo las intenciones del Conde son otras. Tiempo más tarde un barco llega a las costas de Inglaterra en el que hay unos ataúdes y un extraño diario de abordo. El Conde aparece por Londres y lo primero que hace es ir a por Lucy.

Regresamos a una de las novelas que más veces ha sido adaptada y de la que más versiones he visto. En concreto se trata de una que hicieron para televisión en el Reino Unido.

La primera peculiaridad es su larga duración, dos horas y media. De hecho en 1977 fue estrenada como un todo pero en 1979 la dividieron en 3 episodios y en 1993 en 2.

Dracula es una de las novelas que más variaciones ha tenido, de hecho cuesta pensar en alguna que haya seguido al pie de la letra la historia original. Casi siempre son cosas que en realidad no son imprescindibles en la trama general y en ocasiones me he llegado a preguntar el por qué de algunos de los cambios porque al fin y al cabo seguía siendo lo mismo.

Dicho lo cual, a esta película se la considera una adaptación bastante fiel de la novela. Aún así hay algunos cambios:
- En la película combinan los personajes Quincy P. Morris y Arthur Holmwood en uno llamado Quincy P. Holmwood, el prometido de Lucy.
- Mina y Lucy son hermanas, en la novela son sólo amigas.
- Dracula en la novela empieza siendo un hombre anciano y luego rejuvenece al tomar sangre, en la película es joven directamente.
- En la película Van Helsing clava una estaca en el corazón de Dracula para matarle, en la novela Jonathan Harker le corta el cuello y Quincey P. Morris le clava un cuchillo en el corazón.
- En la novela Dracula se para varias veces con su carruaje para marcar el lugar donde está el tesoro.
- También en la novela la madre del bebé que Dracula entrega a sus esposas aparece en el castillo y él la mata usando sus lobos.

De todos los cambios el único que le veo sentido es que no pongan a un Dracula viejo al principio y luego lo rejuvenezcan porque no deja de ser una película con un presupuesto ajustado. Pero no os llevéis a engaño, los paisajes, el castillo, en fin todo lo que aprece en general está muy bien.

Ya es curioso que la fecha en la que llega a Transilvania sea el 4 de Mayo, osea el conocido como el día de Star Wars. Por cierto, ese diálogo está sacado tal cual de la novela original. En todo caso habla de que el 5 de Mayo es el día de San Jorge, sin embargo el día en el que se celebra es el 23 de Abril. Esto es por el ajuste que se produjo progresivamente del calendario Juliano al Gregoriano (y eso es largo de explicar, así que dejaré que lo investiguéis por vuestra cuenta).

El idioma que habla la mujer en el carro es rumano (dice "Nu te duce"). No he pillado el que habla la mujer que reza en el campo, pero me imagino que también es rumano.

El vino que le ofrece el Conde a Jonathan durante su primera cena se llama Tokay. Se trata de un vino de origen húngaro cuyo nombre original es Tokaji porque están elaborados en la región de Tokaj. Su origen data de la época de los celtas y ha sido considerado a lo largo de la historia como uno de los mejores vinos dulces del mundo. Como última curiosidad sobre el tema, en 1993 unos españoles crearon una bodega allí de nombre Oremus.

Me estoy fijando especialmente en la interpretación del actor que hace de Dracula, Louis Jourdan (Conde Dracula). No trata de imitar a ninguno de los anteriores dándole su propia forma de ser. Por ejemplo no habla pausadamente ni exagera la interpretación.

Como dije antes tenían muy poco presupuesto y eso se hace notar especialmente cuando usan trucos de imagen para crear el efecto de "vampirismo". Es algo digno de un videoclip de los años 80.

Me impresiona el trabajo de cámaras en ciertas partes, por ejemplo cuando Jonathan y el Conde entran en el castillo donde la cámara les sigue haciendo un movimiento muy peculiar o cuando muestran una habitación del psiquiátrico y la cámara está en el techo enfocando hacia abajo.

También me resulta genial el efecto de los ojos rojos de las esposas y del propio Dracula. Más realista imposible.

La primera aparición de Van Helsing sucede a la hora y 10 minutos.

Definitivamente se trata de la versión más densa que he visto, lo cual hace que se haga un poco pesada de ver a ratos debido a que se lo toman con bastante parsimonia. Aún así tiene algunas elipsis que ayudan bastante a avanzar la trama, que vienen a ser las mismas que en libro, vaya.

En definitiva me ha parecido interesante porque le da una amplitud a ciertos personajes que en ocasiones son apartados a un lado en cuanto pueden en otras versiones que he visto. Además los escenarios me han sorprendido, especialmente la parte externa e interna del castillo.

Silent Movie (1976)

Pasemos a algo más ligero.

Mel Funn viaja en su coche junto con Marty Eggs y Dom Bell para tratar de convencer a un estudio de Hollywood de que le financien su próxima película. Pero él quiere hacerla al estilo mudo y Dom no está del todo seguro. El jefe del estudio está en apuros económicos pero Mel le convence de hacerla si consigue hacer que las mayores estrellas de Hollywood salgan en ella.

El cine de Mel Brooks me encanta, he disfrutado todas y cada una de las películas suyas que he visto. Osea, las 10 de las 11 que ha dirigido pues me falta por ver "High Anxiety" (1977). Y es que la película que nos ocupa la vi hace ya un tiempo y me pareció tan peculiar y extravagante que he sido incapaz de olvidarla.

En esencia se trata de una película muda pero rodada al estilo moderno, bueno de los años 70. Y técnicamente es la primera que se hizo desde el estreno de "Modern Times" (1936). Aunque si nos ponemos tiquismiquis en realidad sí contiene una línea de diálogo, lo cual hizo que entrase en el libro Guinness.

Más concretamente la dice Marcel Marceau, cuando le ofrecen participar en la película él responde "Non!". Lo cual tiene mucha gracia cuando sabes que se trata de uno de los mimos más famosos del mundo.

Los tres protagonistas son el propio Mel Brooks (Mel Funn), Marty Feldman (Marty Eggs) y Dom DeLuise (Dom Bell). Y sí, los nombres de sus personajes son los de ellos mismos, pero cambiando los apellidos.

Creo que ya comenté en alguna de las películas mudas que en su momento era normal que los actores soltasen tacos pues no se iban a oír, pero claro con el paso del tiempo ha habido gente que ha podido leerles los labios. Hacen una referencia a este hecho cuando aparece un texto que dice "You bad boy!" pero en realidad Mel Brooks dice "You dirty son of a bitch!".

En una de las escenas cortadas veíamos a unas langostas gigantes en un restaurante eligiendo humanos para ser devorados. Por algún motivo no gustó en los pases previos.

La mujer embarazada que recogen al principio de la película es Carol Arthur, la esposa de Dom DeLuise.

Otro detalle es que no sólo la música es lo único que acompaña a la acción, también hay sonidos para enfatizar los gags cómicos. Pero en ningún momento oímos el sonido real de lo que está sucediendo.

El nombre de la compañía "Engulf & Devour" es una referencia a Gulf + Western, la cual se "tragó" a otras 8 entre 1965 y 1970, inluyendo la Paramount Pictures en 1966. El logo incluye dos manos cogiendo el mundo, lo cual recuerda mucho al famoso goatse.

Si no fuera porque se trata de una película de los años 70 malpensaría y diría que el MF de la gorra de Mel no sólo son las siglas de su nombre sino la palabra "motherfucker". Tratándose de Mel Brooks me atrevería a pensar que es capaz de algo así.

Está plagada de chistes visuales, la gran mayoría muy poco sutiles. Además de el toque "slapstick", porque no deja de ser una película muda, pero yo creo que también consigue que parezcan dibujos animados.

Destacan también algunas caras famosas que decidieron participar cobrando un sueldo ínfimo. Empezando por Burt Reynolds, pasando por James Caan, Liza Minnelli, Anne Bancroft (la esposa de Mel Brooks), Marcel Marceau y Paul Newman.

Una década antes de los "Three Amigos!" (1986) tuvimos "The (new) three flamencos". Me pregunto si fue el origen de la idea.

En el cine donde preestrenan la película hay varios carteles de "Young Frankenstein" (1975).

El proyeccionista lleva, literalmente, unas gafas de culo de botella (de Coca-Cola, más concretamente). Y hablando de dicha bebida aparece en bastantes ocasiones aunque hay una explicación que tiene que ver con Joan Crawford y Anne Bancroft.

En fin, una comedia más de Mel Brooks. No es la mejor, pero no deja de ser entretenida. En mi opinión se trata de un buen homenaje al cine mudo.

Зеркало (1974)

También conocida como "El espejo".

Estamos en 1935. Una mujer espera a su marido mientras sus dos hijos duermen cerca de ella, pero él nunca llega. Poco después se quema la casa de su vecino. El pequeño Ignat crece con su madre tras el divorcio de sus padres.

Antes que nada, a veces tengo problemas a la hora de poner un año de una película. En general me baso en su fecha de estreno, pero en este caso hay una discrepancia pues técnicamente según los soviéticos fue estrenada en 1974, pero otras fuentes dicen que fue en 1975. Lo que sí sé por seguro es que en otoño de 1974 fue aprobada por el comité de cine soviético.

Ha pasado ya bastante tiempo desde la última película que vi de Andrei Tarkovski a pesar de que recientemente vi una adaptación previa de una de sus películas más famosas, la de "Солярис" (1968). 

Una cosa que sé seguro es que es un director que no defrauda. El primer dato es que hizo 32 versiones previas antes de llegar al que consideró el corte definitivo. Su origen data de 1964, durante varios años estuvo escribiendo diferentes guiones, principalmente porque le costó mucho que lo aprobase el comité de cine soviético.

Antes de ver esta película tienes que tener claro que no es fácil de entender, no hay una trama per se ni una historia continua. Las escenas se suceden y ocurren en diferentes momentos además combina el color y el blanco y negro para dar una sensación de presente y pasado (o flashback), sin embargo también hay futuro. Fácil de explicar no es.

De hecho la primera escena que vemos es de una mujer curando la tartamudez de un chico mediante la hipnosis. Es algo que aún no he conseguido encajar con el resto de las cosas que suceden posteriormente.

Los textos de crédito iniciales empiezan y terminan con el título de la película. Esto es algo que no recuerdo haber visto antes.

Para lograr el efecto del viento creando olas en el campo al principio el director usó dos helicópteros situados de manera que no los captaran las cámaras que encendían sus rotores en el momento indicado.

Un elemento que aparece en buena parte de la película es el agua. Bien sea en forma de lluvia o cuando alguien se lava o se ducha, por ejemplo.

Como dato peculiar, los personajes españoles están intepretados por verdaderos españoles. Que también te digo lo único que muestran de España es un aficionado a los toros, música flamenca y unas calles que parecen de la época de la Guerra Civil. Por cierto, en la versión que he visto esa parte está sin subtitular cuando hablan en español.

Me ha parecido muy curiosa la parte de los globos porque vemos escrito en uno de ellos СССР y en otro URSS. Que viene a ser lo mismo en diferentes alfabetos, pero no por ello es llamativo.

La película avanza mostrando diferentes momentos sin correlación y de vez en cuando inserta vídeos de cosas dispares como videos reales de la Segunda Guerra Mundial, creo que con la intención de reforzar la idea del momento.

Aparte está salpicada por la voz de un hombre leyendo textos (o poemas, al menos los recita como tal).

Evidentemente otro elemento que aparece en buena parte de las escenas son los espejos, a veces de maneras poco sutiles como una mujer que va por la calle llevando uno roto. Aunque no acabo de entender la simbología, lo que representan. Quiero decir, son espejos y los personajes los usan en ocasiones para mirar su reflejo, pero no capto si hay un significado más profundo. Claro que igual es porque no soy de darle demasiadas vueltas a las cosas.

Lo que sí he hecho es leer un poco sobre ella y por lo visto otro elemento clave son los pájaros, los cuales aparecen en diferentes momentos. Según la explicación que he leído el que lanzan a volar al final de la película es el mismo que vimos antes estrellándose contra un cristal, personalmente no acabo de ver la relación. Pero bueno, se supone que su significado es la unión entre el hombre y la naturaleza.

De hecho recomiendo leer sobre ella, porque entenderás mejor las cosas. Personalmente la encuentro un tanto caótica y cuesta un poco ver qué quiere expresar el director con ella. Aunque quizás sea esa su intención y que cada uno busque en ella el significado que quiera entender.

Flame (1975)

También conocida como "Slade in Flame".

Dos bandas rivales terminan siendo arrestadas tras unos altercados. Lo cual hace que terminen hablando y formando un grupo uniendo miembros de ambas, de ahí nace Flame. Durante una entrevista en una radio pirata son atacados con armas de fuego y eso les da mucha publicidad y ocasiona el salto a la fama. Pero efímera como ella misma los miembros terminan por discutir y tras una serie de contratiempos terminan separándose.

Normalmente la hubiera reservado para un especial sobre música, pero dado que no tengo ninguno previsto próximamente la veré ahora.

Slade es una banda británica que se formó en 1966. Son conocidos por temas como "Mama Weer All Crazee Now" y "Cum on Feel the Noize" que fueron versioneados por Twisted Sister y Quiet Riot, respectivamente. Una de sus peculiaridades es que cometían faltas de ortografía adrede en sus títulos.

Sus miembros son Noddy Holder (Stoker), Dave Hill (Barry), Jim Lea (Paul) y Don Powell (Charlie).

Esta película surgió en lo que se considera el principio del primer declive de la banda.

Todos los temas que suenan son de Slade.

Me ha gustado la bromita de una vez metido el cantante en un ataúd (desde el que canta) ponerle un candado para que no pueda salir.

Me cuesta compararla con otras películas de grupos musicales. Por decir algo, no tiene nada que ver con las de The Beatles cuyos argumentos son bastante alocados (eso cuando tienen algo de sentido).

He leído que algunos la consideran una auténtica obra maestra dentro del género de cine musical, lo cierto es que para ser una historia de ficción interpretada por una banda no está nada mal y, de hecho, me hace gracia que la banda real terminase por separarse (aunque fuera momentáneamente) poco tiempo después, supongo que en unas circunstancias muy diferentes.

En todo caso es una banda que me parece muy interesante, musicalmente hablando, en esta película aparecen algunos temas que no me importaría volver a escuchar.

Por lo que he podido entender en su día los fans esperaban algo más ligerito, quizás con un estilo más cómico o relajado, y cuando vieron esta historia tan dramática y con un final tan negativo a muchos no les gustó. Pero no es una mala película, ni mucho menos, simplemente no estaban preparados para ella.

Linda Lovelace for President (1975)

Cambiemos drásticamente de estilo.

Un commité ha de elegir al nuevo candidato a presidente de los EEUU, pero les cuesta ponerse de acuerdo. De repente a una chica se le ocurre proponer a Linda Lovelace. Pero ella primero ha de acudir a su tío Sam para ver qué opina del tema, y tras su aprobación emprende una campaña por todo el país.

Si te preguntas quién es Linda Lovelace (ella misma) quizás esta no sea la mejor película para conocerla, es más quizás deberías empezar por "Lovelace" (2013). Pero bueno, en resumidas cuentas, fue la protagonista de la infame película pornográfica "Deep Throat" (1972), tras la cual salió en "Deep Throat Part II" (1974) y en esta comedia. También ha aparecido en una serie de cortometrajes pornográficos, los cuales perdí hace unos años antes de poder incluir una entrada sobre ellos en el blog, por desgracia.

Acabo de descubrir que algunos afirman que salió también en "Sexual Ecstasy of the Macumba" (1974), en el póster aparece su nombre, pero no lo tengo del todo claro. Sí que sé que en "The Confessions of Linda Lovelace" (1977) usaron una doble a la que nunca le enfocan la cara y de relleno pusieron algunas escenas de "Deep Throat" (1972). Y tanto en "Linda Lovelace Meets Miss Jones" (1975) como en "Exotic French Fantasies" (1974) usaron imágenes de archivo.

Pero bueno, he decidido introducir su presencia en el blog con su título más suave, ya que está calificado como R (o erótico).

La película arranca con la frase "esta película está hecha con la intención de ofender a todo el mundo, independientemente de la raza, la creencia o el color.". Lo cual me parece una forma perfecta de dejar las cosas claras desde bien pronto.

Vemos a Linda desnuda llevando sólo un casco con cuatro estrellas y una cartuchera con dos pistolas plateadas mientras está situada frente a una bandera enorme de EEUU con una marcha militar sonando de fondo, osea está parodiando a "Patton" (1970), curiosamente la vi no hace demasiado.

Desde luego cumplen con lo que prometen. Empieza con una voz en off mientras vemos una serie de imágenes de "gente corriendo para llegar a un lugar", pero de lo más dispares (negros en una canoa, pioneros en sus carretas y cosas así), pero lo bueno viene un poco más tarde cuando aparece un tipo del KKK que se levanta la capucha y vemos que es un negro, luego salen un "indio de sudamérica" realizando el sacrificio de una virgen mientras la gente le aplaude, una tienda de campaña donde se suicida la gente por diversión y un oso fumando (que termina provocando un incendio)... dicho de otra manera está cargadísima de chistes visuales ofensivos incluso para la época en la que fue grabada.

Me ha hecho gracia uno sutil, sale un cartel que pone AA (alcohólicos anónimos) y vemos a unos borrachos, al lado otro que pone AAA (asociación americana del automóvil) con unos mecánicos y luego uno que pone AMA (sería algo así como que te vas de un hospital en contra de lo que te dicen los médicos) y vemos a dos médicos oscultándose el uno al otro.

Me recuerda a dos cosas principalmente, el estilo de humor de "Airplane!" (1980) (pero mucho más caótico) y el de Bennie Hill. Además el principio se parece a la película "Gimme Shelter" (1970) de los Rolling Stones.

Hacen uso de un humo negro para indicar que aún no tienen candidato a la presidencia, como cuando en la iglesia eligen a un nuevo Papa. Luego aparece un mensajero portando una antorcha a modo olímpico, pero en realidad parece un porro enorme.

Salen un montón de carteles con paridas como "Liberad a los periquitos", "Comité para que volvamos a Vietnam", "Partido Nazi Americano", svástika incluida, "bombardeemos Uruguay"...

Tras ser elegida candidata aparece Linda Lovelace rodeada de gente que no para de hacerle preguntas, todas referidas al sexo, a las cuales da respuestas con toques cómicos.

Llevan al límite el "chiste" de que los del sur de EEUU se casan entre parientes. Quizás demasiado.

Pero vamos, eso no es nada comparado con el grupo que va con la protagonista. El nazi, el cura, el tipo que va regalando dulces a los niños, el chino y sus mil estereotipos, el negro con una peluca de afro... y todos tienen su momento.

He leído a alguno clasificarla como "la peor película que ha visto jamás". No es para tanto, de hecho no es excesivamente diferente de otras películas paródicas de los años 70. De hecho lo único que veo diferente es que al incluir a una actriz famosa por hacer porno como protagonista hace que sea más fácil encajar escenas de sexo (no explícitas).

Personalmente me ha hecho gracia a ratos, también es porque hay mil millones de paridas y a la fuerza alguna termina por hacerte gracia. Pero en general no me ha parecido tan mal. Es un poco lo que podrías esperarte.