The Cocoanuts (1929)

Aquí la titulamos "Los cuatro cocos".

Estamos en Florida, en el Hotel de Cocoanut, dirigido por el señor Hammer. Las cosas no le van demasiado bien, encima la Sra. Potter está siendo estudiada por un par de ladrones que quieren su valioso collar y tratarán culpar a Chico y Harpo del robo.

Llevo ya años queriendo ponerme con las películas de los Hermanos Marx, son muchas y por ello nunca me he decidido, sin embargo tenía hecha una selección desde hace unos meses y no veo mejor momento que este para ponerme con ellas. Diría que son sus títulos más conocidos, de los cuales he visto la mayoría, pero como voy a verlas seguidas y tal y como fueron estrenadas seguramente cobraré una nueva perspectiva del tema. Cosa que me parece muy interesante, aparte de lo ameno que es ver a estos locos.

Empecemos por hablar de los 5 hermanos. Groucho fue el primero en unirse al mundo del espectáculo de la mano de su madre Minnie, quien incluso tocaba el harpa, luego le siguieron Gummo y Harpo, mientras que Chico inició su acto de manera independiente. Luego Gummo se fue a la Primera Guerra Mundial y le sustituyó Zeppo. Tuvieron una disputa con E.F.Albee que les propició irse a Broadway donde tuvieron gran éxito gracias a las obras "I'll Say She Is", "The Cocoanuts" y "Animal Crackers". Y así es como llegamos a esta, su primera película, de la mano de la Paramount. Su éxito fue lo que les alejó de los escenarios para centrarse en hacer películas durante unos 20 años, aunque intentaron retirarse antes pero Chico pasó apuros económicos y tuvieron que hacer un par de títulos más. La selección actual cubre todos sus títulos (creo).

Tuvo dos directores. Groucho dijo que uno no sabía inglés (el francés Robert Florey) y el otro no entendía la comedia (el ex-director de baile Joseph Santley).

Por desgracia ninguna copia completa de la película ha sobrevivido a nuestros días. Lo que circula es una composición de 3 versiones parciales encontradas en los años 50 y por ello hay cambios en la calidad de imagen. Aparte que faltan unos 7 minutos, en los cuales aparecía principalmente Zeppo.

En realidad a los hermanos Marx no les gustó nada la película cuando la vieron terminada, incluso intentaron comprarla para que nunca fuese estrenada. Resultó ser todo un éxito.

Es la primera película (de EEUU) en la que usó la técnica de grabar desde muy alto (concretamente desde el techo del estudio) directamente hacia abajo para que los bailarines formen dibujos caleidoscópicos.

En los títulos de inicio destacan dos nombres. Oscar Shaw (Bob Adams), quien tuvo una carrera más bien corta en el cine, de hecho esta fue de sus últimas películas. Y Mary Eaton (Polly Potter), quien salió en otras tres películas. Imagino que la idea era impulsar sus carreras en el cine y no funcionó. Viendo sus personajes en la película es obvio que eran cantantes conocidos, probablemente en obras de teatro.

Luego sale el reparto completo, cosa que me llama la atención al tratarse de una película tan temprana, de hecho sería una de las primeras con sonido. Ahí vemos que están Groucho Marx (Sr.Hammer), Harpo Marx (Harpo, el señor de Harpeño), Chico Marx (Chico Joseph Maria de Accunia) y Zeppo Marx (Jamison). También Margaret Dumont (Sra. Potter), quien sí logró fama gracias a los Marx.

Los personajes intepretados por Chico y Harpo no tienen nombres, sin embargo en la versión de Broadway en la que está basada Chico es Willy the Wop y Harpo es Silent Sam. Aparte Groucho era Henry W.Schlemmer y no el Sr.Hammer.

En la escena de arranque podemos ver que fue filmada en un plató. Hay arena y palmeras reales pero el fondo es una pared pintada simulando una playa o isla. De hecho fijándome más, el agua real no se ve, pero da la impresión de estar ahí.

Unas chicas hacen un "numerito" en la playa. Seguidamente tenemos la primera escena de Groucho y sus ocurrencias, quien no quiere pagar a sus botones, y sucede la magia, desaparecen todos los botones chicos en el corte y ahora son 12 chicas, quienes empiezan a hacer otra coreografía.

Harpo y Chico tardan unos 20 minutos en aparecer.

El pelo de Harpo se ve muy negro, en realidad era una peluca pelirroja. En títulos posteriores usó una de un color algo más claro.

La escena en la que Harpo regresa a la recepción, se come un teléfono y bebe la tinta no estaba en el guion. En realidad el teléfono era de chocolate y la tinta era Coca-Cola.

Mencionan al príncipe de Gales. En aquellos momentos era el que terminaría siendo el rey Eduardo VIII, quien en 1936 estuvo menos de un año desempeñando  dicho cargo.

En esta primera película vemos muchos de los diálogos y situaciones que más tarde formarían parte de su estilo único. Por ejemplo Groucho y sus comentarios, Chico y su carácter o Harpo y su falta de habla y el caos que crea por donde pasa.

No recuerdo ningún personaje de comedia posterior que esté a la altura de Harpo a la hora de crear caos de una manera tan natural y bien integrada con las escenas. Y definitivamente no hay ninguno con su talento musical.

El personaje interpretado por Chico tiene un marcado acento italiano.

En la secuencia "Why a duck?" Groucho casi llama a Chico "Ravelli", que era su personaje en "Animal Crackers" (1930). Lo cual tiene mucho sentido pues mientras grababan esta película por las mañanas en las noche interpretaban la otra en el teatro.

Hacen cientos de juegos de palabras, bastante asequibles. Pero me llama la atención cuando Groucho dice el nombre Hiawatha, el líder de la tribu Mohawk.

Vale, esto es fascinante, sí sabemos que Harpo es pelirrojo, en un momento dado muestra un papel que pone "mudo pelirrojo es buscado por la policía". Me meo.

Por supuesto no falta la escena de Chico tocando el piano.

Es la primera y ya pusieron el listón muy alto. En realidad sí he notado algunos fallos de edición y de sonido (supongo que por lo que mencioné de las copias de baja calidad que nos han llegado) pero por lo demás me ha hecho reír, especialmente Groucho.

Die weiße Hölle vom Piz Palü (1929)

También conocida como "The White Hell Of Pitz Palu".

Mientras estaban escalando una montaña nevada un matrimonio de recién casados es sorprendido por una avalancha y ella termina atrapada en un glaciar. Durante cuatro años el marido se dedica a recorrer las montañas en busca del cuerpo de su esposa.

El guion está basado en una historia corta que apareció en un periódico sobre unos montañeros que estuvieron perdidos durante 7 días.

Es una película donde aparece Leni Riefenstahl (Maria Maioni) pero no la dirige. De hecho es la segunda suya que veo en la que actúa, siendo la primera "Der heilige Berg" (1926).

La grabación tuvo lugar en temperaturas bajo cero que acabaron por provocarle congelamiento y una infección de vejiga que la afectó durante el resto de su vida.

Una de las avalanchas que vemos sucedió sin estar previsto, la grabaron a pesar del peligro que corría el equipo, acabando casi sepultados por la nieve.

Destaca también la aparición de Ernst Udet (Flieger Udet). Fue un piloto durante la primera guerra mundial que derribó 62 aviones y sobrevivió a la guerra, lo cual le sitúa justo por detrás del Barón von Richthofen, cuya cifra final fueron 80.

Tuvo un remake titulado "Föhn" (1950).

Por lo que estoy viendo se ve que se puso de moda en Alemania en aquella época hacer películas sobre las montañas.

Me hace gracia que en la primera escena veamos a la chica llevando una falda durante una escalada mientras que los hombres van todos con pantalones largos.

La trama me recuerda un poco a uno de los personajes que aparecía en "Vertical Limit" (2000).

Definitivamente lo más curioso es cómo apenas se abrigan, incluso la cama en la que duermen es de lo más precaria, literalmente un montón de paja, una almohada y una manta individual.

Sinceramente no le veo el atractivo a subir una montaña nevada escalando. En esta película vemos que no tienen apenas recursos y que una avalancha puede provocar una caída mortal con una sencillez extrema. ¿Y todo para qué? ¿para poder contar que subiste una montaña? No acabo de verlo.

La historia en sí no tiene demasiada miga, una pareja y el tipo del principio suben a la montaña y quedan atrapados en ella, días después salen a buscarles sin éxito y al final un avión acaba encontrándoles. Todo eso vienen a ser tres cuartas partes de película.

Y la parte final se hace bastante pesada de ver, se recrean demasiado mostrando el avión volando y lanzando paquetes con pequeños paracaídas.

Todo muy triste y muy trágico, pero también muy estúpido. Suben una montaña para morir congelados, qué gran plan.

Bien, tras este título voy a tomarme un largo descanso de las películas mudas y vuelvo al cine más convencional. Aunque no he decidido aún qué voy a ver exactamente, pero os adelanto que quedan pocos días para el especial de tiburones de este año.

The Mysterious Island (1929)

Aquí la titulamos "La isla misteriosa".

Estamos en el reino de Hetvia. Se aproxima el tiempo de la revolución, El pueblo quiere destronar a su rey. Al Conde Andre Dakkar le importan poco esas cosas pues sólo piensa en la ciencia. Está firmemente convencido de que existe una especie de humanos que viven bajo el agua. Por ello construye un barco especial que puede hundirse bajo el agua y navegar sin problemas. En su primer viaje de prueba decide que vaya su ayudante, quien además está enamorado de Sonia, la hermana del conde.

Empezaba a echar de menos alguna adaptación de Julio Verne.

El rodaje comenzó en 1926 y pasaron por todo tipo de calamidades, entre las que destaca el mal tiempo y el hecho de que empezasen a grabarse películas sonoras cuando ya estaban a mitad. Eso hace que parcialmente sea muda, parcialmente sonora, parte en color y parte en blanco y negro.

Claro que la vendieron como que era "toda en Technicolor" cuando las escenas subacuáticas y algunas explosiones que fueron pintadas cuadro a cuadro.

Se encontró una copia en color en el 2013, no sé si es la que poseo pero podría ser.

En todo caso es considerada la primera película de ciencia ficción a color y con sonido.

Si bien hablan de construir un submarino y no queda claro en qué año transcurre la acción, no ayuda que estén en un país ficticio, habría que remontarse a 1776 para el primero que fue funcional, aunque hasta 1859 no hubo el primero más similar al concepto moderno.

En todo caso estaríamos hablando del Nautilus, el vehículo que hizo el capitán Nemo, aunque usando otros nombres.

Me hace gracia que lo primero que hacen antes de zarpar es ponerse a rezar. Menudos hombres de ciencia están hechos.

Para las escenas del submarino bajo el agua usaron miniaturas. Las escenas subacuáticas podrían haber sido grabadas en cualquier sitio.

Es tan extraño ver una película que a ratos tiene diálogos hablados y luego salen textos en pantalla. Pero lo realmente peculiar es cuando una misma escena tiene partes sin voces y otras en las que hablan.

Vemos una escena de tortura cuando capturan al Conde para que revele sus secretos científicos.

He intentando encontrar otros títulos donde pase algo similar con lo de las partes sonoras y mudas, sin embargo los únicos que me han salido son algunos de los que ya he visto y si bien tenían algún cartel ocasional no es, ni de lejos, nada parecido. Es una película única, realmente rara.

Lo único que me ha gustado es cómo consiguieron recrear a esos seres acuáticos humanoides, porque además salen un montón. Y bueno alguna de las escenas de destrucción.

Por lo demás es una historia que no acaba de ser nada en concreto, no es romántica ni bélica ni de ciencia ficción, pero tiene un poco de todo ello. Resulta un poco molesta esa falta de definición, aunque viendo lo mucho que costó rodarla, y no hablo del dinero, y los numerosos cambios que sufrió me sorprende que consiguieran estrenarla.

The Mysterious Dr. Fu Manchu (1929)

También conocida como "The Insidious Dr. Fu Manchu".

Estamos en China, en el año 1900. Los británicos están siendo asedidados en Pekín, uno de ellos envía a su Lia, su hija pequeña, a escondidas para que la cuide el Dr. Fu Manchu. Él cree que está seguro en su casa pero una bomba mata a su esposa y a su hijo, con lo cual jura venganza contra los blancos y para ello usará a Lia. Sus objetivos serán los oficiales extranjeros quienes irán siendo asesinados en extrañas circunstancias. Pero un inspector de Scotland Yard le sigue la pista.

Protagonizada por Warner Oland (Dr. Fu Manchu), le vimos en "The Jazz Singer" (1927) y en "Werewolf of London" (1935), aunque su papel más famoso es el del inspector Charlie Chan en numerosos títulos sobre el personaje. Retomó el personaje de esta película en "The Return of Dr. Fu Manchu" (1930) y posteriormente salieron 10 títulos más sobre el personaje y una serie en los años 50. Fue la primera película de Fu Manchu, pero antes habían hecho una veintena larga de cortometrajes, todos de la época muda (obviamente).

Empieza con el texto "The boxer upristing", se refiere al levantamiento que se inició en 1898 y que terminó en 1901. Fue una intervención de la dinastía Qing contra las grandes potencias internacionales y Japón. Se calcula que murieron unas 100.000 personas. Lo inició la Milicia Unida en Justicia (Yìhéquán), a los que se les llamaba bóxers porque practicaban artes marciales chinas, osea el "boxeo chino". Nueve naciones se unieron contra ellos.

Las actuaciones no son especialmente destacables, aunque no es de extrañar, la mayoría de estos actores no habían hecho cine sonoro hasta ese momentos y por ello se basan en los clásicos manerismos teatrales.

En realidad nunca explican cómo el inspector de Scotland Yard acabó a la conclusión de que Fu Manchu fue el asesino, se supone que todas las muertes fueron calificadas como accidentes o naturales, con lo cual apenas habían pistas, y está claro que sabe moverse en las sombras así que difícilmente podría seguirle la pista sin más.

Se le podría definir como el clásico villano de Bond, pero claro esto es anterior. Hasta un cierto punto entiendo sus motivaciones. Y en realidad si no fuera porque le traicionan se hubiera salido con la suya.

Tiene un final que no debería dar pie a una secuela, pero, como dije, fue la primera de muchas películas sobre el personaje.

No me ha parecido una gran película, aunque asienta las bases de cómo actuará el personaje en el futuro. En realidad me cuesta recordar qué películas he visto de él, pero creo que fueron todas de los años 70 en adelante.

The Broadway Melody (1929)

Otro musical.

Dos hermanas llamadas Harriet "Hank" y Queenie Mahoney acaban de llegar a Nueva York en busca de una oportunidad en Broadway. Allí se encuentran con su tío Jed y con Eddie Kearns, el prometido de Hank, quien les ha conseguido un trabajo y consiguen debutar en Broadway. Pero durante el primer ensayo general el director decide cortar una de sus partes y darle más protagonismo a Queenie.

Se trata la primera película de la MGM con diálogos y sonido por completo. También fue la primera sonora en ganar el Oscar a la mejor película. Sin embargo también fue estrenada como película muda porque la tecnología sonora aún no estaba en todos los cines. De la versión muda no hay copias.

Claro que es la película ganadora de un Oscar a mejor película peor valorada. Y he de decir que tiene mucho sentido, el sonido se corta de repente en algunas de las transiciones, que es cuando aparecen los textos en pantalla como si fuera una película muda (aunque sólo sirven para situarnos).

La escena del numerito "Wedding of the Painted Doll" fue grabada a color, usando la técnica de dos colores de Technicolor, sin embargo sólo han llegado a nuestros días 16 segundos.

Tuvo 3 secuelas tituladas "Broadway Melody of 1936" (1935), "Broadway Melody of 1938" (1937) y "Broadway Melody of 1940" (1940). Por ese motivo esta es conocida también como "Broadway Melody of 1929". Había planeada una más titulada "Broadway Melody of 1943" de la cual se llegó a grabar un numerito musical, pero tras ser abandonado el proyecto terminaron usándolo en la película "Thousands Cheer" (1943). Aparte tuvo un remake titulado "Two Girls on Broadway" (1940).

En aquella época los musicales eran numeritos estilo teatral, esta película los incorporó como parte de la trama.

Las primeras películas sonoras se enfrentaron al problema de que no querían captar el sonido que hacía la cámara al grabar, con lo cual idearon un sistema que las aislaba, pero eso hacía que estuvieran fijas. En esta película innovaron con el uso de cámaras que se podían desplazar, aislando su sonido.

El éxito de esta película impulsó a los cineastas a realizar musicales hasta el punto de estrenar 75 entre los años 1929 y 1930. Lo cual es una conducta habitual en Hollywood.

Charles King (Eddie Kearns) es un actor que proviene del teatro, mientras que Anita Page (Queenie Mahoney) era una estrella de la época muda que nunca había usado su voz en el cine. El primero iba a ser una gran estrella pero su carrera se truncó y tras unos cuantos papeles secundarios regresó a los escenarios. La segunda siguió haciendo cine hasta mediados de los años 30, su última película fue "Frankenstein Rising" (2010), estrenada dos años después de su muerte. Ambos reaparecieron en "The Hollywood Revue of 1929" (1929).

El arranque de la película es una escena grabada desde gran altura de la ciudad de Nueva York.

Tras ello vemos a una serie de personas practicando diferentes melodías en lo que llega a ser un tanto cacofónico. Está hecho adrede, es para acostumbrar al espectador a "escuchar" la película.

Contiene numerosas canciones y he de decir que las que cantan las hermanas no son demasiado harmoniosas, de hecho suenan un poco mal. No sé si es algo hecho adrede.

Resulta que el diseñador del vestuario de los espectáculos es gay. Posteriormente no podían mostrar personajes abiertamente homosexuales por lo que se conoció como el "código".

Me acabo de dar cuenta que la historia es sobre un espectáculo de Broadway, que es de donde provenían algunas de las adaptaciones que se convirtieron en películas de éxito. Viene a ser un poco la representación de cómo el teatro dio paso a la industria del cine.

El tal Eddie es un listillo, está con Hank pero a la mínima ocasión le planta un beso de Queenie. Y eso hace que su relación sea un tanto rara, pues él cree que es algo más que su cuñada. Por eso quiere impedirle que vea a otro hombre.

Otro problema que tiene la película son los silencios. Obviamente no habían desarrollado aún una manera de poner música de fondo en cada una de las escenas y eso hace que cuando se callan, cosa que sucede a menudo, queda un silencio que para un espectador moderno queda la mar de raro.

El desarrollo de la historia es extraño. Eddie y Hank parece que estén juntos al principio pero eventualmente descubrimos que ella sólo lo hace por interés, pero paralelamente él parece más interesado por Queenie y cuando descubre la verdad sobre Hank ella también le dice que sabía que estaba enamorado de su hermana. Y al final Eddie se casa con Queenie, pero sigue sin parecer una relación que ha surgido de manera natural.

No sé cómo pudo ganar el Oscar, supongo que fue más por lo que representó que por la película en sí. Lo cual es sólo un ejemplo más de películas que han ganado estatuíllas sin ser las mejores del año.

Hallelujah (1929)

Creo que esta es sonora.

Una familia trabaja recogiendo algodón. Zekiel "Zeke" quiere casarse con Missy Rose pero ella le rechaza. Al día siguiente va a la ciudad para hacer varias compras y conoce a una bailarina descarada quien cambia de opinión al ver el dinero que posee. Pero termina perdiendo todo el dinero por culpa de ella y en la pelea posterior su hermano muere de un disparo desafortunado.

Me quedan 5 títulos para rematar la década de los 20, de todas ellas sólo la última es muda. No he decidido aún qué veré después.

Dirigida por King Vidor. Espero años a poder hacerla porque quería emplear el sonido.

Fue restaurada en el año 2021.

No fue la primera película cuyo reparto estaba integrando mayoritariamente por actores negros, ese honor se lo llevó "Hearts in Dixie" (1929).

La película arranca con varias canciones. De hecho es frecuente que de repente alguien se ponga a tocar un instrumento o a cantar.

Se nota que eran los primeros coletazos del cine sonoro, los actores aún no estaban hechos a esta manera novedosa de hacer las cosas. Dicho lo cual, el sonido es excelente, supongo que fue grabado posteriormente en un estudio.

Según dice Zeke en un año de trabajo gana unos 100 dólares. No parece mucho pero tampoco es que necesiten demasiado para vivir.

No podía dejar de pensar en las películas de Ralph Bakshi al verla, concretamente en "Coonskin" (1974).

No es muda pero tiene un cartel justo a mitad donde pone que Zekiel se convierte en un predicador y otro en la parte final que pone "meses después" y al final un tercero que pone "probation". Y sí, es otra película de pecadores y de alguien que decide aceptar a dios tras una vida de pecado.

Creo que la escena que más me ha gustado es la de Zeke imitando los movimientos de un tren con un baile.

Al final acaba cayendo a sus instintos primordiales, cuando Missy Rose decide aceptar su propuesta de matrimonio reaparece la bailarina, que ahora es una devota, y decide irse con ella. Pero meses después le vuelve a engañar, porque en realidad ella no ha cambiado tanto.

Como dije, es una película muy musical, probablemente enfatizando ese aspecto conseguían que la gente, que aún no debía estar acostumbrada a ello, se quedasen más fascinados aún con las películas.

En todo caso la trama no es excesivamente complicada y, de hecho, me recuerda a algún que otro título posterior, pero a veces no hace falta más. La historia de un hombre que pasa por todo tipo de situaciones para al final regresar a su casa, donde empezó.

Frau im Mond (1929)

Volvemos al cine alemán. El título se traduce como "La mujer en la Luna".

Estamos en 1896. El profesor Georg Manfeldt expone frente a sus colegas sus teorías sobre las riquezas ocultas en la Luna y que algún día un cohete será capaz de traerlas a la Tierra, pero no le toman en serio. 30 años más tarde él y su socio Wolf Helius se preparan para viajar a la Luna. Pero justo el mejor amigo de Helius e ingeniero, Hans Windegger, acaba de pedir matrimonio a una estudiante de astronomía llamada Friede Velten.

Es la primera película en la que se ve la cuenta atrás antes del lanzamiento de un cohete. Es más, es algo que fue inventado para darle más dramatismo. Hasta ese momento la cuenta era progresiva hasta un cierto número, usualmente el 10.

También es la primera vez que vemos el uso de un combustible líquido, el motor que se enciende en dos fases y la gravedad cero en el espacio.

Respecto a lo del motor de dos fases me sorprende pues fue justo en 1929 cuando un ruso llegó a concebir que para poder escapar de la gravedad terrestre harían falta no dos sino tres motores ejecutándose uno detrás de otro. Lo vimos en "Дорога к звёздам" (1957). Pero desconozco hasta qué punto los soviéticos compartieron ese conocimiento. En todo caso sería una idea muy novedosa en 1929.

Los nazis se percataron de que era demasiado realista el cohete y por ello destruyeron las maquetas y evitaron que la película fuese estrenada.

La versión que poseo es la restaurada en el año 2000 a partir de los negativos del Bundesarchiv-Filmarchiv de Berlín.

Es también una de las primeras películas con "product placement". En las primeras escenas vemos al viejo bebiendo en un vaso con el logo de Odol (claramente visible en primer plano). Es una marca de productos de higiene oral.

Lo que a priori parecía una típica historia de ciencia ficción sobre un viaje espacial en realidad es una trama de espías que ya la quisiera James Bond. El señor Turner, el tipo que lleva a cabo los robos y que pone en jaque a los protagonistas, es capaz incluso de cambiar su aspecto físico. Estoy más que sorprendido.

Y que encima detrás de todo ello haya una conspiración de los hombres más ricos me parece fascinante.

Me llama muchísimo la atención que el malo vaya peinado como Hitler.

Antes de llegar a un entendimiento para realizar el viaje, cosa que es básicamente media película, vemos un dibujo y una representación en 3d de cómo será el vuelo en sí. Y... es idéntico al que salió en "Apollo 13" (1995). Si una explicación está lo suficientemente clara no hace falta complicarla. Lo realmente sorprendente es que tuvieran tan claro cómo hacer un viaje a la Luna en los años 20 de una manera tan precisa.

En el despegue la nave y su base están dentro de un hangar, por medio de unos raíles es trasladada al punto de despegue, el cual está situado sobre una especie de piscina en la que sumergen la nave porque, según explican en la película, sirve para hacer de contrapeso ya que la nave es demasiado ligera. No acabo de entender la lógica, menos aún la necesidad de mover tanto la nave como la plataforma. Supongo que en aquellos momentos pensaban que las naves serían tan ligeras que las podrían desplazar como si fueran aviones.

Una cosa que sí tienen en cuenta es la presión a la que estarán sometidos sus cuerpos durante el despegue, cosa para la que no han entrenado, simplemente se hacen a la idea.

En todo caso me parece un error garrafal que no hayan tenido en cuenta esos problemas a la hora de manejar las palancas y adecuar un lugar para los pilotos donde puedan usarlas incluso en las condiciones más extremas. Están literalmente acostados al lado de los mandos en una postura realmente incómoda para poder usarlos.

Es realmente impresionante lo bien hecha que está la parte científica, especialmente porque aún se tardarían décadas en lanzar un cohete tripulado a la Luna y aciertan en muchas de las que por aquel entonces serían meras especulaciones.

Evidentemente no todo está bien hecho, algunas cosas resultan hasta graciosas de ver. De hecho me pregunto si algunas fueron exageradas para darle un cierto toque dramático extra.

Creo que Fritz Lang trató de hacer un pequeño autohomenaje a "Metropolis" (1927) en algunos de los planos en los que muestra a Friede. Podría verse como una seña de identidad pero tengo la impresión de que es algo muy puntual.

Hacía tiempo que no odiaba tanto a un personaje como Hans. Sus nervios son insoportables.

Me recuerda mucho a las novelas de Julio Verne "De la Tierra a la Luna" y "Viaje al centro de la Tierra". También tiene mucho de "The Flight of the Phoenix" (1965).

No entendía el título. Digamos que les cuesta explicarlo.

En todo caso ha sido una gran experiencia ver esta película. Aunque en realidad no sé de qué me sorprendo si el cine de Fritz Lang en su etapa alemana es de lo mejor que existe.

Арсенал (1929)

El título se lee como "Arsenal".

Una madre con tres hijos continúa con sus labores en el campo mientras ellos están en la guerra. Mientras tanto un tren cargado de soldados avanza hacia el frente pero los que lo llevan no son maquinistas y terminan descarrilando.

Se autodefine como una "epopeya histórico-revolucionaria".

La versión que he visto es la restaurada por el estudio Mosfilm en 1972.

El mensaje visual es demoledor. Por ejemplo las mujeres esperando inmóviles a sus hijos y maridos quienes se encuentran en el frente. Es como ver una serie de fotografías.

Muestran como durante la guerra los oficiales rusos ya seguían esa sana costumbre de matar a los soldados que no actuaban como debían.

La acción está situada al final de la primera guerra mundial.

Pocas veces he visto retratados los efectos de la guerra de una manera tan impresionante. Las caras hablan por sí mismas. Y creo que el sonido no hubiera sido una gran diferencia, quizás agregando una canción triste para enfatizarlo, pero no lo veo estrictamente necesario.

Y dentro de todo ese realismo vemos a un señor que representa el espíritu de los trabajadores ucranianos.

Desde luego ha despertado mi interés el director Aleksandr Dovzhenko. Espero poder ver más de su obra en el futuro.

Человек с кино-аппаратом (1929)

Aquí la titulamos "El hombre con la cámara".

La película empieza avisando de que se trata de algo experimental cuya única intención es encontrar un lenguaje único que pueda entender todo el mundo.

En su día supuso toda una revelación pues introdujo todo tipo de técnicas de grabación al público en general. Hay ejemplos de doble exposición, cámara rápida y lenta, imagen congelada, pantalla partida, primeros planos extremadamente cercanos, escenas marcha atrás y stop motion, entre otras.

Da la impresión de que todo suceda en una ciudad sin embargo fue grabada en Moscú, Odessa, Kharkiv y Kiev.

Originalmente era en ucraniano pero los títulos se perdieron y los sustituyeron por unos en ruso a mediados de los años 30.

La versión que poseo es literalmente muda, no tiene sonido. Aunque no es un problema, obviamente.

No sólo muestra imágenes de diversos lugares de la ciudad, algunos de manera bastante creativa, sino que se ve al propio "hombre de la cámara" grabándolas en ciertos momentos y algunas son realmente peligrosas. Por ejemplo en un momento dado se pone frente a un tren en marcha y no se aparta hasta el último momento.

No tiene historia, no tiene diálogos, no tiene textos (salvo los introductorios). Es simplemente un reflejo de la vida en la gran ciudad. También aparecen eventos deportivos, una carrera de motos o gente tomando un baño en la playa.

Una de las técnicas que muestra es el conocido como "ángulo holandés". Hablé de ello en "Battlefield Earth" (2000) por como abusan de su uso. En realidad no tiene nada que ver con Holanda, el nombre original era "ángulo alemán" pero como "Deutsch" y "Dutch" suenan similar al final acabaron confundiéndolos. Proviene de la, para mí, mejor época del cine alemán, mediados de los años 20 cuando el expresionismo era lo que imperaba.

Tardaron 3 años en realizarla y es que las partes en stop motion les debieron costar lo suyo aparte que la edición es enorme, por ejemplo hay ratos en los que los cortes son super rápidos y cuidan mucho los detalles como las dobles exposiciones para que queden perfectas.

En cualquier caso resulta fascinante ver las genialidades que se les ocurrían en una época tan temprana siempre en busca de la innovación. Hace casi 90 años y muchas de las escenas que se ven se siguen rodando de maneras similares, al igual que el empleo de muchas técnicas de grabación aquí expuestas.

The Iron Mask (1929)

Y ahora la secuela.

Ha pasado un tiempo desde que D'Artagnan fue nombrado mosquetero y desde entonces se han ganado el respeto (o al menos el miedo) de los guardias del Cardenal Richelieu. Hay agitacion en el palacio real pues la Reina esta a punto de dar a luz, al hacerlo el Rey coge ceremonioso a su hijo y lo muestra al pueblo. Pero hay un segundo bebe en camino del cual solo unos pocos conocen su existencia y el Cardenal Richelieu pretende sacarle partido en secreto robandolo y escondiendolo.

Es la continuacion de la historia que empezo con "The Three Musketeers" (1921) y la mayor diferencia es la cantidad de personas que salen en pantalla en cualquier escena. Un ejemplo de escena que podria ser mundana pero se convierte en multitudinaria es cuando un grupo de mujeres persigue a Porthos y este llama al resto de mosqueteros, cuando finalmente se les une D'Artagnan el grupo de mujeres es de mas de 30.

Tambien los vestuarios, esta vez tienen mas detalles y los personajes son tratados mas individualmente. Esto ultimo ayuda a empatizar mas con uno o con otro segun gustos. Personalmente me quedo con D'Artagnan, aunque sea un poco topico, mas que nada por el final de la pelicula.

El protagonista es Douglas Fairbanks, esta seria su ultima pelicula muda y la primera en la que su personaje muere en pantalla. Es algo simbolico que representa su marcha del cine mudo tas unas 45 peliculas. En su etapa de cine sonoro solo participo en 4 peliculas y un corto.

Del reparto destaca otro nombre, el de Nigel De Brulier, es quien interpreta al Cardenal Richelieu tanto en esta pelicula como en la predesora e incluso volveria a retomar el personaje en la version  "The Three Musketeers" (1935) y en su secuela "The Man in the Iron Mask" (1939). Tambien salio en peliculas bastante famosas como "Adventures of Captain Marvel " (1941) o "The Hound of the Baskervilles" (1939).

Media pelicula trata sobre como consigue el Cardenal separar a los 4 mosqueteros, asignandole a D'Artagnan el cargo de escolta del futuro rey, la otra mitad trata sobre una conspiracion para cambiar al futuro rey por su hermano gemelo. Ambas partes de la historia son interesantes y no se hacen para nada pesadas, de hecho la pelicula dura casi la mitad que su predecesora.

Pero bueno, para mi es mejor la parte final, cuando se reunen de nuevo tras la llamada de auxilio de D'Artagnan, ahi salen los escenarios de combate que mas me han gustado y tambien el desenlace final de la trama que es lo mejor.

Fairbanks es un actor muy atletico y no duda en hacer gala de ello en cuanto tiene oportunidad, en ambas peliculas le vemos siempre muy activo y eso hace que esten cargadas de accion y momentos divertidos. Entre las dos son mas de 3 horas de pelicula y siendo mudas eso deberia parecer un impedimento, pero para nada lo es. De hecho yo creo que esta segunda pelicula es la mejor de las adaptaciones de la segunda parte de los mosqueteros.

Un chien andalou (1929)

Hora de hablar de este corto tan famoso a la par que extraño.

Intentar sintetizar el argumento de un film sin argumento propiamente dicho es una tarea dificil pero lo hare lo mejor que pueda:

La pelicula empieza con un señor que esta afilando una cuchilla de afeitar, la cual usa para cortarle el ojo a una mujer. 8 años despues vemos a la mujer esperando a otro hombre que viene vestido de monja en bicicleta mientras mira el cuadro "La Encajera" de Jan Vermeer en un libro. Sube el hombre y mientras ella prepara su ropa en la cama vemos que en la mano del hombre hay un agujero de donde salen hormigas.

Despues aparece una mujer de aspecto androgino en medio de la calle golpeando con un baston una mano cortada mientras se agolpa una multitud alrededor. Un policia se lleva la mano y a la mujer la atropella un coche poco despues. La pareja mira la escena con cierto morbo desde la ventana y el hombre le toca el pecho a la mujer con cara de lascivia, ella se aparta y coge una raqueta para defenderse, de repente vemos al hombre arrastrando dos pianos de cola con 2 burros muertos encima, las tablas de los 10 mandamientos y dos curas que le imposibilitan moverse con lo que la mujer escapa a la habitacion contigua donde vemos al hombre vestido de monja en la cama.

A las 3 de la mañana vemos que llega otro hombre y llama al timbre, representado por dos manos agitando una coctelera, el hombre de la cama se despierta pero no se levanta y el otro hombre le zarandea, le quita las ropas de monja y le obliga a ponerse de cara a la pared.

16 años atras descubrimos que el otro hombre era el mismo, esta admirando una serie de libros en una mesa y se los entrega al otro hombre (que es el mismo) para ponerlo de cara a la pared, entonces los libros se convierten en unas pistolas y lo mata. El hombre muere en medio de un campo mientras acaricia una figura desnuda que desaparece, llega un grupo de hombres y se lleva el cadaver.

La mujer entra en el apartamento y ve una polilla de la muerte. El hombre se limpia la boca con su mano y vemos que le aparece el pelo del antebrazo de la mujer cubriendole parte de la cara. La mujer lo mira asqueada y sale de la habitacion apareciendo en medio de la playa.

En la playa ella se encuentra con un tercer hombre con el que pasea cogidos del brazo. El le enseña su reloj y se acercan a unas rocas donde encuentran las ropas de monja del primer hombre. Se alejan caminando. En la primavera aparece una pareja enterrada hasta la cintura, posiblemente muertos.


Hechos curiosos:

• El hombre de la cuchilla de afeitar es el propio Luis Buñuel.
• El ojo que corta es el de un becerro, aunque esta maquillado para parecer humano.
• "La encajera" de Jan Vermeer era un cuadro que admiraba Dali hasta el punto de realizar una copia y una version surrealista del mismo. Quizas ese fuera el motivo de incluirlo fugazmente en el corto.
• La mujer de aspecto androgino es Fano Messan, un escultor que se hizo famoso precisamente por una obra llamada "Androgino" y por evocar siempre una imagen a medio camino entre un hombre y una mujer.
• El cura mas delgado de los atados a los pianos es Salvador Dali.
• Los burros en los pianos son una referencia a "Platero y tu" de Juan Ramon Jimenez, obra que tanto Dali como Buñuel odiaban.
• La polilla de la muerte esta asociada con lo sobrenatural y malvado. Es del mismo tipo que podemos encontrar en la pelicula y libro "The Silence of the Lambs" (1991), tambien aparece en el relato corto de Edgar Allan Poe titulado "La Esfinge", en la portada del disco de Sigh "Hail Horror Hail" e incluso aparece en el libro mas famoso de Bram Stoker, "Dracula".
• Originalmente la ultima escena iban a ser dos cuerpos consumidos por enjambres de moscas pero tuvo que ser rechazada por limitaciones de presupuesto.

La autoria de la pelicula se atribuye a Salvador Dali y Luis Buñuel y ambos expresaron que las ideas les vinieron en sueños que tuvieron tanto de dia como de noche. La idea de la pelicula no es mostrar un argumento lineal sino mas bien plasmar ideas e imagenes en ella que mostrasen el concepto del humano desprovisto de emociones.

Es una pelicula muda pero la musica elegida para su primer pase en Paris es la que suele acompañarla. Son dos obras de Wagner ("Liebestod" y "Tristan und Isolde") y un tango ("Olé guapa"). En el año 1983 la orquesta Suiza grabo una version que incluia las tres canciones, es la mas habitual en las copias actuales.

Es curioso que de todos los analisis que he leido ninguno haga referencia al propio titulo, me quedare con la intriga de porque se llamo asi. La forma de narrarlo dando saltos en el tiempo adelante y atras esta basado en cierta manera en la asociacion de ideas, no procura seguir un orden estricto de narracion sino mas bien que una escena evoca la siguiente

La palabra que mas leo es influencia, es precisamente lo que es este corto, una influencia en muchas obras que la siguieron. Incluso se llega a decir que fue el origen de la forma de hacer los videoclips musicales.

En definitiva una obra que no paso para nada desapercibida. Una ultima anecdota, Buñuel y Dali llevaban piedras en los bolsillos en la presentacion en Paris por temor a la reaccion del publico, pero les gusto y quedaron un tanto decepcionados, no habian tenido en cuenta que en ese momento ya se les consideraba genios en el arte surrealista.