Color Me Blood Red (1965)

También conocida como "Model Massacre".

Un pintor trata de encontrar el color perfecto para sus cuadros. Un día la chica con la que vive se hace un corte con un clavo y mancha un lienzo y eso le da una idea. Tras el éxito de su primera pintura usando sangre se da cuenta de su potencial, pero eso le crea un problema.

Volvemos a las películas de un director que nunca defrauda, Herschell Gordon Lewis. Para los que no le conozcáis, en pocas palabras es conocido como el padrino del gore.

No sé si es porque el personaje es así o porque tenían algún problema a la hora de decir tacos pero la cosa es que el protagonista procura evitarlos aunque son bastante obvios por ejemplo dice "F is for... Fansworth".

Tanto la temática como los personajes están bien, sin embargo la historia se queda prácticamente paralizada desde el momento en que aparecen las dos parejas en la playa. Parecen olvidarse un poco del pintor, que viene a ser lo más interesante.

Si bien no la considero lo mejor de su obra sigue siendo interesante la cantidad de sangre que llega a usar en cada una de las muertes. Y el cuadro no es que esté pintado usando el color rojo de la sangre para poner, por ejemplo, un vestido, sino que más bien está manchado como si la sangre salpicase al que lo mira. Me ha parecido la mar de interesante ese detalle.

No deja de ser una de las primeras películas de este estilo y creo que tampoco hay que cebarse con ella. Está bien y poco más.

The Train (1964)

Aquí la titulamos "El tren".

Estamos en París, en el día 1511 de la ocupación alemana durante la Segunda Guerra Mundial. En el Museo del Juego de Palma se encuentran almacenadas numerosas obras de arte de gran valor. Los nazis deciden llevárselas todas usando un tren.

Está basada en hechos reales aunque lo que sucedió en realidad dista mucho de como la pintan en la película.

Dirigida por John Frankenheimer. En aquella época hizo títulos como "The Manchurian Candidate" (1962), "Grand Prix" (1966) y "The Iceman Cometh" (1973), por decir tres.

Protagonizada por Burt Lancaster (Paul Labiche), acababa de salir en "Il gattopardo" (1963) y en "Birdman of Alcatraz" (1962). Paul Scofield (Coronel Franz Von Waldheim), salió en "Quiz Show" (1994). Jeanne Moreau (Christine), salió también en "Nikita" (1990).

El Museo del Juego de Palma es el lugar que usaron los nazis para almacenar todas las pertenencias artísticas de los judíos que fueron confiscadas.

Burt Lancaster se hizo daño en una pierna mientras jugaba al golf y el director hizo que su personaje recibiese un balazo para poder explicar su cojera.

La escena en la que el tren está a punto de partir me ha recordado bastante a "Schindler's List" (1993) y cuando el tipo que está obsesionado con robar las pinturas recibe una llamada no he podido evitar pensar en "Top Secret!" (1984) y el teléfono enorme.

Lo que no me acaba de gustar de esta película es que hayan elegido a Burt Lancaster para protagonizarla. Me hubiera gustado más ver a un actor francés o al menos que pudiera pasar por uno. El resto de actores sí dan el pego como nazis y como franceses.

El supremo acto de cobardía sucede en la parte final cuando los nazis huyen con el rabo entre las piernas y ejecutan sin ningún tipo de sentido a la gente que estaban usando de escudos humanos. Supongo que es la mejor manera de plasmar el sinsentido que es la guerra.

En fin, está bien. En general no me ha parecido nada especial aunque el choque de trenes es bastante espectacular.

West Side Story (1961)

Le llegó la hora a este musical. También conocida como "Amor sin barreras".

Por un lado tenemos a los Sharks, una banda de puertorriqueños, y por otra a los Jets, una banda de estadounidenses. Son jóvenes y sólo piensan en dominar el barrio donde viven. Pero un chico de los Jets y una chica de los Sharks se enamoran.

Está basada en la obra de Broadway que tuvo más de 700 pases en dos años. Cambiaron la letra de "America" porque la original era muy insultante hacia Puerto Rico y sus habitantes. Otro cambio fueron las frases "sperm to worm" a "birth to earth" y "you came with your pants open!" a "you came with your mouth open!", por la censura. Hay más cambios por el estilo.

Tiene dos directores, Robert Wise y Jerome Robbins. En realidad Robbins quería ser el director pero el estudio prefirió contratar a Wise porque Robbins no había dirigido nada anteriormente. El problema es que Wise se dedicó a hacer demasiadas tomas y lo terminaron por despedir.

Para mantener la tensión durante el rodaje cuando no estaban rodando los miembros de las bandas rivales se gastaban bromas.

Rita Moreno (Anita) lo pasó muy durante la escena en la que los Jets la acosan porque se acordó de cuando fue violada en la vida real. Al ponerse a llorar los actores pararon y trataron de confortarla.

Natalie Wood (Maria) lleva un brazalete en su muñeca izquierda. No es algo hecho por mero esteticismo sino que se la había dañado en un rodaje anterior y lo usaba para disimular su herida. Posteriormente se convirtió en una de sus señas y lo llevó en todas las películas.

No es Natalie Wood quien canta, su voz la puso Marni Nixon. Además tampoco sabía chasquear los dedos, tuvieron que agregar el sonido a posteriori.

En esencia es la historia de "Romeo y Julieta". Pero cantando y bailando. Mucho.

Lo primero que me viene a la mente al verla es el capítulo de "The Simpsons" en el que Moe enseña como pelear bailando. Eso que resulta tan ridículo es exactamente lo que sucede aquí.

Es que hay tantas cosas... por ejemplo las pintadas para "marcar" el territorio parecen hechas por un niño de 10 años. Me ha hecho gracia una en particular en la casa de Maria, al lado de unas escaleras pone "TECHO" con una flecha y en realidad se refiere a la azotea.

Creo que mi personaje favorito es la chica con el pelo corto a la que no acaban de aceptar en la banda de los Jets.

Personalmente las peleas coreografiadas como si fuesen números de baile no me entusiasman. Mientras la miraba me era inevitable pensar en títulos como "The Warriors" (1979) o "The Outsiders" (1983), especialmente esta última, pero están a años luz en comparación.

Y la historia de amor no es nada del otro mundo, como dije antes es básicamente lo mismo que la obra de Shakespeare. Casi prefiero la versión de la Troma.

Steven Spielberg ha dirigido y producido un remake que está previsto que se estrene a finales de este año. No tengo ninguna necesidad de verla.

Conocía muchas de las canciones y no sabría decir donde las he escuchado, probablemente en algún tipo de homenaje. Pero me refiero a que incluso recordaba la letra de memoria. Eso me ha sorprendido.

Es lo único positivo que saco de esta película. Intuí sin verla que no me gustaría porque raras veces sucede con un musical y así ha sido.

Plácido (1961)

Una española, que no se diga.

Plácido Alonso tiene un motocarro y no le alcanza para pagar la letra así que pide un adelanto para que no se lo embarguen. Pero antes tendrá que realizar un trabajo, lo cual hará que llegue tarde al pago.

Originalmente iba a ser titulada "Siente a un pobre en su mesa" pero la censura no se lo permitió. Lo cual es realmente peculiar porque era el lema de una campaña del gobierno (recuerdo algo sobre el tema, creo que porque lo leí en algún cómic de la época).

Efectivamente la campaña funcionaba, pero no de la manera más correcta. Por ejemplo los ricos se comían las pechugas de los pollos y los pobres las alitas. Y en realidad estaba todo pensado para tranquilizar las conciencias de los burgueses, no para ayudar al prójimo desinteresadamente.

Dirigida por Luís García Berlanga. Ya gozaba de gran popularidad en aquel momento pues había hecho "Bienvenido Mister Marshall" (1953). Posteriormente hizo "El verdugo" (1963) y la trilogía de "La escopeta nacional" (1978) la cual tengo pendiente de volver a ver.

En el reparto tenemos a Cassen (Plácido Alonso), un cómico catalán a quien yo conocí en sus papeles en series de la TV3 como "De professió: A.P.I.". José Luis López Vázquez (Gabino Quintanilla), un incombustible que salía en todas partes en los años 60. Manuel Alexandre (Julián Alonso), conocido por "Los ladrones van a la oficina". Agustín González (Álvaro Gil), también de la misma serie. Luis Ciges (pobre en casa de Helguera), conocido por "El milagro de P.Tinto" (1998). Y Antonio Ferrandis (Ramiro), conocido por "Verano Azul".

Fue el debut de Cassen en el cine, aunque se había labrado una carrear como humorista nunca había interpretado un personaje frente a una cámara. La acogida de la crítica en su momento fue bastante buena.

El dueño del banco al principio es irritante, incapaz de interceder por un señor que anda apurado a la hora de pagar un dichoso recibo. Y de hecho le trata como si ni existiese.

La escena en la que una multitud va a esperar a un tren me ha recordado tanto a "Bienvenido Mister Marshall" (1953) como a "L'arrivée d'un train a La Ciotat" (1896).

Es una crítica sin tapujos a como incluso en Navidad los ricos se lavan las manos y quedan bien y los pobres acaban muertos de hambre, enfermos y malcenando.

Desde luego resulta muy interesante ya que tengo la impresión de que muchas de las cosas que suceden podrían pasar perfectamente hoy en día.

Muñecos infernales (1961)

Hora de una de habla hispana, para variar.

Cuatro hombres terminan malditos por un sacerdote vudú por robar un objeto de su templo. Ellos no creen en ello pero al volver a su casa empiezan a morir de maneras muy extrañas.

Hablan del vudú y sus ritos de forma correcta, lo cual es bastante sorprendente. De hecho aparece una mujer al principio que resulta ser toda una experta en el tema, convenientemente.

Los muñecos en sí son señores bajitos (podrían ser niños) con unas máscaras. Por el aspecto que tienen creo que les costaría ver.

Una cosa que no acabo de comprender es que justo antes de cada asesinato aparece un mechón de pelo trenzado cerca de la siguiente víctima y el muñeco se lo lleva. La pregunta es ¿cómo llega el mechón a cada lugar?, eso no lo muestran.

Se la podría considerar una antedecesora de títulos como "Puppetmaster" (1989) o "Dolls" (1987) aunque con el componente de magia vudú. De hecho pensándolo mejor quizás también lo sea de la tercera historia de "Trilogy of Terror" (1975).

En cualquier caso es bastante cutre. Me explico, cuando sacan un muñeco de una caja tiene un tamaño bastante más pequeño que cuando cobran vida. Aparte que el asesino hace básicamente lo mismo que en "The Four Skulls of Jonathan Drake" (1959), que ya es curioso que la viese justo ayer (os garantizo que las elegí al tuntún y se ordenaron así por los años).

Está bien por tratarse de un producto mexicano, no he visto demasiado cine de terror de dicho país pero la calidad viene a ser la misma. Así que, dentro de lo cabe, no me parece tan mal.

The Angry Red Planet (1959)

Aquí la titulamos "La furia del planeta rojo".

Un cohete perdido en el espacio durante 61 días es por fin localizado aunque no da señales de vida. Concluyen que lo mejor es manejarlo de forma remota de vuelta a la Tierra. Descubren en su interior que una doctora sigue viva y les narra lo sucedido.

Cuando hablé de "Journey to the Seventh Planet" (1962) mencioné que algunas escenas estaban sacadas de ésta película.

El primer detalle interesante es que no establecen el año en que transcurre la acción, aunque tampoco tratan de mostrar nada con aspecto futurista. Así que o dan por sentado que iban a haber viajes tripulados a Marte en poco tiempo o simplemente no quisieron gastarse dinero en esos detalles.

Con otras películas soy benevolente a la hora de describir los efectos especiales porque según de qué época sea no se les puede exigir demasiado. Sin embargo esta vez son realmente cutres. Para empezar la astronauta tiene una especie de visión de un extraterrestre mirándola desde una ventana de la nave y es literalmente un dibujo.

Luego cuando aterrizan en el planeta y se dan un paseo usan un filtro para que todo sea rojo, pero muy mal hecho. Parece que la hayan grabado en el jardín de alguien y, de nuevo, usan dibujos para mostrar los planos de las plantas alienígenas.

Me había parecido interesante que fuese una película en color pero cuando sale la parte de la imagen en rojo es como ver una película en blanco y negro, así que no acabo de ver el sentido.

Personalmente me quedo con la rusa "Planeta Bur" (1962), y no sólo me refiero a los efectos especiales sino a la historia, los personajes e incluso el robot que usan. Esta se me ha hecho un poco aburrida a partir del momento en que la tipa empieza a narrar lo que les ha sucedido porque la parte interesante tarda mucho en llegar.

No es lo peor que he visto, pero creo que salió en una época donde había un exceso de títulos de ciencia ficción espacial y dudo mucho que llegase a destacar.

The Four Skulls of Jonathan Drake (1959)

También conocida como "Las calaveras errantes".

Jonathan Drake acude al funeral de su hermano y descubre que le han cortado la cabeza al cadáver. Un doctor en arqueología es el responsable, se la ha llevado para reducir su tamaño como castigo por lo que hicieron sus antepasados.

Del reparto destaca el nombre de Henry Daniell (Dr. Emil Zurich), ha salido en títulos como "The Great Dictator" (1940), "Witness for the prosecution" (1957) y "The Body Snatcher" (1945).

Está basada en la práctica de un pueblo indígena del Amazonas llamado shuar (o jíbaros, aunque ellos lo consideran despectivo) en la que tras sacar la calavera van reduciendo el tamaño tratando de conservar el pelo y la forma. De ahí el nombre "cabezas reducidas". Las usaban como trofeos de guerra y talismanes. En la película vemos con bastante detalle el procedimiento, incluso el uso del curare como veneno para paralizar a las víctimas es correcto.

Los efectos especiales están a la altura de lo que uno podría esperar de una película de los años 50. Por ejemplo las cabezas falsas están bastante bien, incluso las reducidas.

En un momento dado examinan tres calaveras (muy bien conservadas, por cierto) y usando un spray mágico revelan unas huellas dactilares sobre ellas. Aunque lo realmente gracioso de la escena es la frase "las huellas son idénticas", dicha tras verlas por primera vez. Menudo ojo.

En mi opinión le agregan demasiadas características "mágicas" a la historia. No quedan mal pero eso les da mucho margen para hacer lo que les venga en gana, tenga sentido o no. No me malinterpretéis, me ha gustado y mucho pero quizás hubiera sido mejor sin tanto componente fantástico.

Machine-Gun Kelly (1958)

Aquí la titulamos "La ley de las armas".

George Kelly es un ladrón de bancos que usa una ametralladora Thompson y por ello le apodan "Machine Gun". Es un hombre temeroso de la muerte y durante un atraco se queda congelado al cruzarse con un ataúd lo cual le cuesta un brazo a su segundo. Su siguiente paso es el secuestro de una niña y su niñera a cambio de un rescate.

En la vida real George Kelly pasó a ser el hombre más buscado por el FBI tras el secuestro del millonario Charles F.Urschel en 1933. La película está basada en esa historia, aunque muy ligeramente.

Dirigida por Roger Corman, se trata de su primera película de gángsters.

Protagonizada por Charles Bronson (George R. "Machine Gun" Kelly), fue la única que vez que trabajó con Corman. Destaca también el nombre de Lori Martin (Sherryl Vito) quien pocos años más tarde saldría en "Cape Fear" (1962).

Tiene escenas bastante bestias como cuando tira a un tipo a un león para que se lo coma (esa parte queda fuera de imagen).

A Charles Bronson le queda bien un personaje que es malo, muy muy malo. De hecho es el líder de una banda y no se amedrenta ante nada o nadie.

Pero vamos, es una película de gángsters al 100% con todo lo que ello conlleva. Los típicos coches de los años 30, las Tommy guns, los hombres trajeados con sombreros...

De hecho me ha parecido incluso demasiado básica. Supongo que la hicieron para aprovecharse un poco de la fama del caso real y por ello fueron a lo seguro.

Frankenstein's Daughter (1958)

Aquí la titulamos "La hija de Frankenstein". También conocida como "She monster of the night".

Dos amigas tienen el mismo sueño, en él aparece una mujer con la piel de color azuloso y un aspecto horrible. Una de ellas es engañada por un científico y le hace beber una poción que la desfigura. Al día siguiente la otra va a hablar con ella porque ha sido portada de los periódicos y el científico la atropella con su coche.

En realidad el monstruo está interpretado por un hombre. Cuando Harry Thomas creó el disfraz no sabía que tenía que ser para una mujer y era demasiado pesado. En el último momento le puso pintura de labios para apañarlo. Según Thomas esto se hubiera solucionado si alguien se hubiera molestado en darle uno de los guiones antes de empezar.

El director Richard E. Cunha al ver el maquillaje de la criatura por primera vez se fue del plató y rompió a llorar.

Me parece brutal que la policía se ponga a dispararla nada más la ve, sólo por el hecho de tener una cara horrible.

El monstruo en sí tiene más bien poco de femenino. De hecho si no fuera porque la llaman "her" difícilmente podría intuirse.

Total que al final resulta que el científico es un descendiende de Frankenstein, qué sorpresa. Y yo que por un momento pensé que era un error llamar al monstruo "hija de Frankenstein" porque no es ese el nombre del monstruo.

Me quedo con la duda de si "Jesse James Meets Frankenstein's Daughter" (1966) es una secuela (o continuación de algún tipo). Diría que no, apenas la recuerdo pero me suena que otro tipo de hija.

Los efectos especiales son penosos. Pero vamos, es una película que resulta difícil tomársela mínimamente en serio.

Witness for the Prosecution (1957)

Aquí la titulamos "Testigo de cargo".

Sir Wildrid Roberts es un abogado que acaba de salir del hospital tras un ataque al corazón. A pesar de que los médicos le recomendaron que no aceptase casos que le pudieran excitar se encuentra con uno de asesinato y no puede dejarlo pasar.

Otra película de Billy Wilder, parece que las haya juntado adrede pero es pura casualidad. Está basada en una historia corta de Agatha Christie publicada en 1925 que luego fue obra de teatro estrenándose en 1953. Previamente tuvo una versión para televisión en 1949.

Según la autora fue la única adaptación de una de sus obras que le gustó. Aunque dijo lo mismo cuando vio "Murder on the Orient Express" (1974).

En el reparto tenemos a Tyrone Power (Leonard Vole), conocido por "The Mark of Zorro" (1940) y "Rawhide" (1951). Marlene Dietrich (Christine), salió en "Touch of Evil" (1958). Charles Laughton (Sir Wilfrid Roberts), salió en "Spartacus" (1960) y "Mutiny on the Bounty" (1935). Ian Wolfe (Carter), salió en "THX 1138" (1971).

Es la última película que completó  Tyrone Power ya que falleció de un ataque al corazón durante el rodaje de "Solomon and Sheba" (1949).

Marlene Dietrich estaba convencida de que sería nominada al Oscar por su papel aquí y por ello hizo una introducción nueva a su show de Las Vegas. Al final no la nominaron.

Los intercambios cómicos entre Charles Laughton y Elsa Lanchester (Miss Plimsoll) no estaban en la obra original, fueron escritos adrede para esta versión.

Tuvo mucho secretismo durante el rodaje, concretamente Billy Wilder sólo dejaba que se leyera un guión al que le faltaba las últimas 10 páginas. Justo antes del estreno, en los pases previos, los asistentes tenían que firmar un papel en el que ponían que no revelarían el final. De hecho incluso los miembros de la casa real británica que tuvieron la suerte de verla antes, tuvieron que prometer que no lo contarían.

En los primeros 40 minutos sucede más que en muchas películas de abogados y es tan sólo la presentación de los personajes y el planteamiento inicial. Básicamente cómo están conectados y cuál es el caso.

La escena en la que vemos cómo se conocieron Leonard y Christine fue añadida única y exclusivamente para que Marlene Dietrich enseñase una pierna.

El final es de los que no han de contarse, ciertamente. Aunque he de decir que no me esperaba que fuese tan retorcido todo, pero al menos consiguen que cada detalle encaje perfectamente.

Está muy bien, Charles Laughton es quien más me ha gustado. De hecho la condición de su personaje me ha hecho sufrir un poco.

Paths of Glory (1957)

Aquí la titulamos "Senderos de Gloria".

Estamos en 1916, en Francia. El ejército francés quiere tomar una colina lo antes posible. Se trata de una misión realmente peligrosa en la que pueden perder la mitad de sus hombres.

El presupuesto fue inferior a 1 millón de dólares de los cuales 300.000 fue el salario de Kirk Douglas (Coronel Dax). Aún así no resultó un éxito en taquilla.

Stanley Kubrick se planteó poner un final feliz para así tener una mejor acogida pero tras darle vueltas decidió dejar el original de la novela. Para lograr engañar a los ejecutivos de la productora mandaron el guión con los cambios hechos sin explicar qué habían hecho porque intuían que no se lo leerían, cosa que así fue y le dieron luz verde sin más.

Siguiendo la costumbre de escenas repetidas hasta la saciedad, Kubrick hizo 68 tomas de la última cena de los hombres condenados. En casi todas ellas hubo que preparar un pato asado porque Timothy Carey (soldado Maurice Ferol) los despedazaba de una manera diferente cada vez.

Según Winston Churchill la manera en la que muestran la guerra de trincheras era muy precisa. Las trincheras en sí eran medio metro más grandes que las reales para poder usar las cámaras portátiles.

Fue prohibida en España por su mensaje antibelicista en la época de Franco y hasta 1986 no fue estrenada. También fue prohibida en Francia hasta 1975 por la manera en la que retrata al ejército francés, en suiza por ser "propaganda subversiva contra Francia", y en Bélgica pusieron un aviso diciendo que la historia representaba un caso aislado y no reflejaba la "galantería de los soldados franceses".

A medida que avanza la historia entiendo mejor el problema que tuvieron los franceses pues no sólo se ven algunos cobardes, que matan a los suyos (por accidente), temerosos...

Acabo de percatarme de que el que manda es exactamente igual que el de "Uomini contro" (1970). Está decidido a matar a sus hombres porque no siguen sus estúpidas órdenes. De hecho creo que la italiana es una parodia de ésta.

La parte más ridícula de la historia es la del consejo de guerra. Las preguntas del fiscal son estúpidas y está claro que todo es un paripé sin sentido. Y cuando van a fusilar a uno que ha sufrido una conmoción cerebral es para mearse.

He leído bastante sobre la Segunda Guerra Mundial y recuerdo un par de libros en particular que hablaban de cómo ejecutaban los nazis a los suyos. Esta película es básicamente igual. El encargado de dicha tarea era alguien que bien podría estar al otro lado del fusil y todo ello carecía de sentido.

De todas maneras me parece muy exagerada la reacción de los franceses, al fin y al cabo la situación que viven los soldados y su manera de reaccionar me parece de lo más natural.

Una película interesante, era una de las pocas que no había visto de Kubrick.

Ace in the Hole (1951)

Aquí la titulamos "El gran carnaval".

Chuck Tatum le echa cara y consigue un trabajo en un pequeño periódico de Alburquerque, Nuevo Mexico. Tras un año empieza a sentirse estancado pero de repente se encuentra con el caso de un hombre que está atrapado en el interior de una mina y decide seguir la historia de cerca.

Dirigida por Billy Wilder. La segunda película suya que veo en pocos días, aunque esta tiene más bien poco que ver con la otra.

Protagonizada por Kirk Douglas (Chuck Tatum). Se trata de uno de sus papeles más bien valorados y eso que llevaba apenas una docena de títulos a sus espaldas por aquel entonces.

Está catalogada como cine Noir y aunque tiene bastantes elementos del género (el protagonista, el uso de las sombras...) es muy diferente a lo que nos tiene acostumbrado.

El tal Tatum sabe como explotar la noticia y para asegurarse la exclusiva consigue meterse en el bolsillo al jefe de policía en una jugada maestra (básicamente se aprovecha que vienen elecciones y que le puede dar buena prensa, muy buena). Aparte le gusta tenerlo todo bien atado aunque para ello tenga que hacer daño a los que le rodean.

Tras verla pienso que tanto el título original como el que pusimos aquí son poco acertados. Con el primero parece que la historia tenga que ver con alguna competición, con el otro hubiera sido mejor usar la palabra circo.

Pero en cualquier caso supongo que es la primera (o de las primeras) en llevar a la palestra una crítica a esa manera tan exagerada que tienen los estadounidenses de aprovecharse de las noticias llamativas acudiendo en masa a los lugares y montando un tinglado en poco tiempo.