The Blob (1958)

Aquí la titulamos "La masa devoradora".

Un meteorito ha caído en las cercanías de un pequeño pueblo estadounidense. Sus habitantes no son conscientes de que se trata de una especie de masa con vida que devora todo ser viviente con el que entra en contacto. Sólo hay un testigo, un joven llamado Steve que la ha visto en acción pero le resulta muy difícil hacer entrar en razón a la policía y al resto de adultos.

Sigamos con otro título de los años 50, uno de mis favoritos además.

Primeramente el título de la película era "The Molten Meteor", luego lo cambiaron a "The Glob" pero un dibujante ya había puesto ese nombre como título de un libro para niños así que lo volvieron a cambiar. Este último cambio hizo que muchos cómicos en televisión mencionasen la película dándole publicidad gratis.

El "Blob" era una mezcla de silicona y pintura roja, permanece igual que cuando fue creado para la película dentro del recipiente de 19 litros en el que fue guardado originalmente. En ocasiones lo han mostrado en alguna convención sobre la película, las llamadas "Blobfest", junto con algunas miniaturas y el cine que sale en la película.

Cuando aparece por primera vez es de color transparente pero a medida que consume gente fueron agregando pintura roja al monstruo. Originalmente su nombre era "The mass".

A Steve McQueen le ofrecieron 2500 dólares (o 3000) o un 10% de los beneficios, el nunca pensó que esta película tendría grandes ingresos así que tomó el dinero. En su momento recaudó más de 4 millones de dólares, con el paso del tiempo sobrepasó los 40.

Fue su primer papel protagonista, por aquel entonces tenía ya una carrera labrada en la televisión con apariciones en diversas series. El coche que conduce es un Plymouth Cranbrook convertible azul de 1953, su padre lleva un Chrysler New Yorker de 1954 y la policía un Plymouth Plaza de 1957.

La película que están viendo en el cine es "Dementia" (1955) aunque bajo el título "Daughter of Horror". En la marquesina aparece también el nombre de Bela Lugosi. También se ve el poster de "The Vampire and The Robot" aunque en realidad es de "Forbidden Planet" (1956) con el título cambiado.

Los nombres de algunos actores están escritos de forma diferente en los créditos. Por ejemplo Steve McQueen sale como Steven McQueen, Olin Howland como Olin Howlin, Stephen Chase como Steven Chase, Vincent Barbi como Vince Barbi y Aneta Corsaut como Aneta Corseaut. Es algo que sucede habitualmente pero llama la atención que sean tantos.

Tuvo una secuela titulada "Beware! The Blob" (1972) y un remake titulado "The Blob" (1988). Se supone que iba a salir otro remake este año pero de momento no se sabe nada.

En la comisaría se ve un calendario con fecha Junio de 1957, es cuando fue rodada.

Es una película con un presupuesto muy ajustado y por ello el final es bastante repentino, es el único pero que le pongo. El remake de 1988 arreglaba un poco ese detalle. La secuela no la he visto y no dispongo de ella en este momento, quizás caiga más adelante.

The Bad Seed (1956)

Aquí fue titulada "La mala semilla".

Rhoda es una niña de 8 años con algunos comportamientos demasiado adultos para su edad. Su madre Christine está preocupada por ello y no sabe como reaccionar cuando tras la muerte de un compañero de clase de la niña ésta no muestra ningún tipo de sentimiento.

Originalmente fue una novela que tuvo una adaptación para Broadway estrenada a finales de 1954 y que tuvo 334 pases. De ella repitieron papel para la película los actores Nancy Kelly (Christine), Patty McCormack (Rhoda), Eileen Heckart (Hortense Daigle), Evelyn Varden (Monica Breedlove), Henry Jones (Leroy Jessup) y Joan Croydon (Claudia Fern).

Bette Davis expresó su interés en participar pero decidieron no cambiar la actriz que había hecho la obra teatral.

La película está basada en la adaptación teatral así que tiene bastantes cambios respecto a la novela. Por ejemplo la acción transcurre a lo largo de todo un verano y no en unas pocas semanas, el padre de Christine lleva muerto varios años y se conocen más detalles de los personajes.

Alfred Hitchcock no quiso dirigirla. Billy Wilder en cambio sí pero no le dejaron porque en su versión los crímenes quedaban sin castigo. Había una ley de los años 50 llamada "Hays Code" según la cual una película no podía mostrar crímenes impunes.

Finalmente fue dirigida por Mervyn LeRoy, conocido por títulos como "Quo Vadis" (1951), "Little Women" (1949) o "Mister Roberts" (1955) y aunque no obtuvo el crédito también participó en la dirección de "The Wizard of Oz" (1939).

Me he percatado de lo mucho que cambia una película cuando los actores han interpretado sus papeles en multitud de ocasiones. Es todo muy fluido y los personajes están mucho mejor definidos.

Además posee una cierta influencia de Hitchcock, en concreto me lo ha evocado la escena en la que la madre encuentra la medalla y como se enfrenta a su hija por ello. Hay un momento en esa escena en que la cámara está situada en la parte exterior de la casa, como si fuese alguien que se asomase por una ventana.

Dos detalles muy años 50, el primero el consejo de "toma muchas vitaminas para sentirte mejor", hipervitaminarse es contraproducente en realidad. El segundo sucede en la parte final, el médico le da un cigarrillo al abuelo y se ponen a fumar juntos, algo impensable hoy en día.

Según las notas de producción de la Warner Bros se grabaron tres finales. El final definitivo fue guardado en secreto hasta que no estuvieron apunto de filmarlo. Originalmente la historia terminaba con Rhoda viva y su madre muerta.

La película termina con la presentación del reparto de actores que han participado en ella, muy al estilo teatral. Seguidamente hay una pequeña escena en plan broma con las dos protagonistas y un texto que pide a los espectadores que no divulguen su final.

Tuvo dos remakes, el primero fue turco con el título "Kötü Tohum" (1963) y más adelante sacaron otro americano titulado "The Bad Seed" (1985).

Definitivamente interesante, la temática del niño frío y calculador que comete asesinados ha sido tratada de muy diferentes maneras en el cine. En esta ocasión es simplemente terrorífico ver como la niña tiene éxito eliminando gente incluso siendo muy pequeña y que no hay ninguna esperanza de que vaya a dejar de hacerlo.

Terror Firmer (1999)

Hora de una de la Troma, ¡yuju!.

La historia de un grupo de cineastas de bajo presupuesto liderados por un director ciego que intentan crear arte. Y en medio de los rodajes hay un triángulo amoroso, un asesino que no para de cargarse gente y mucho drama.

Ya hacía un tiempo desde la última película de la Troma y esto no puede ser. Y no es una cualquiera, es conocida como "El gran tributo a todas las películas de la Troma". Toma ya.

Basada en ligeramente el libro "All I Need To Know About Filmmaking I Learned From The Toxic Avenger" de Lloyd Kaufman y James Gunn.

Kaufman aparece haciendo comentarios como "eh, un gran arranque de película, un tío al que le arrancan la pierna y una mujer a la que le sacan su feto" e interpretando al director ciego.

Ron Jeremy tiene un papel pequeño pero significativo, no es su primera participación en una película de la Troma. Lemmy Kilmister hace un cameo como reportero intrépido y en los créditos finales aparece con Trey Parker y Matt Stone en un pequeño corto sobre hermafroditas..

Está plagada de referencias a otras películas de la productora. Por ejemplo la embarazada del principio lee una revista sobre "The Toxic Avenger" (1984) o el director lleva una cabeza dorada de Toxie en la parte superior de su bastón. Aparte que recrean algunas escenas de películas como "The Toxic Avenger" (1984), "Tromeo & Juliet" (1996), "Sgt. Kabukiman N.Y.P.D." (1990), "Mad Cow" (2010) y "Troma's War" (1988). Y aparecen los posters de "The Incredible Torture Show" (1976) y "Les mémés cannibales" (1988).

Aviso que el nivel de humor está por el subsuelo aproximándose a toda velocidad al núcleo terrestre. Preparaos para ver al director ciego meándose encima de dos actores que practican el sexo o a uno con una toga que se pone a vomitar de tanto beber y a cagarse encima. A ese nivel me refiero.

De todas maneras hay que tomárselo todo como una parodia o una burla a un estilo de cine e incluso a sí mismos. Claro que resulta difícil tomarse en serio una película de la Troma así que no veo problemas.

Por otra parte los desnudos (parciales) están a la orden del día casi siempre femeninos y mayormente inesperados y gratuitos. El mejor de todos es el de un tío que va en pelotas corriendo y gritando desesperado por las calles de Nueva York.

Existen tres versiones, la calificada R de 98 minutos, la unrated de 114 minutos y la extendida de 124 minutos. Yo he visto la R y es gracioso porque en un momento dado salen carteles diciendo cosas como "si quieres ver esta escena busca la versión unrated" o "recreación para la versión con calificación R" además de algunas cosas censuradas. Incluso ponen como conseguir la versión unrated en medio de una conversación.

En los créditos finales aparece un texto agradeciendo la colaboración de la policía de Nueva York en todos los aspectos de la producción. En realidad es una ironía, en el making of se ve como tuvieron muchos problemas con ellos, por ejemplo les denegaron algunos permisos para grabar.

En la escena del interrogatorio muestran uso desproporcionado de la fuerza, a un policía riéndose como un cerdo y seguidamente vemos una escena en la que salen dos disfrazados de polis comiendo donuts. Creo que el mensaje está claro.

Es una película 100% Troma con todo lo que ello conlleva pero también es un autohomenaje a sus mejores títulos. Los créditos finales tienen un par de escenas extras y contiene algunos "Tromovie fun facts" y comentarios del tío que hace los créditos.

White Rabbit Project (2016)

Antes que nada quisiera poneros en antecedentes para saber de qué va todo esto.

Todo empezó en "Mythbusters", un programa del Discovery Channel que empezó a emitirse en 2003 presentado por Adam Savage y Jamie Hyneman en el que se dedican a comprobar mitos de todo tipo, usando métodos científicos acordes a cada mito. En la primera temporada (2003) son ellos dos los que conducen el programa, construyen las cosas (con un equipo de apoyo) y hacen los experimentos. En dicho equipo de apoyo están Kari Byron y Tory Belleci quienes acabarán cogiendo más protagonismo a partir de la segunda temporada (2004) junto con Scottie Chapman en lo que se conocerá como "The Build Team". A mitad de la tercera temporada (2005) Scottie dejó de salir de forma regular (reaparecería en algunos momentos puntuales posteriormente) y se une Grant Imahara. Luego en la séptima temporada (2009) Kari se tomó un descanso para su embarazo y fue reemplazada temporalmente por Jessi Combs. Al final de la doceava temporada (2014) anunciaron que Kari, Tori y Grant no volverían a salir.

Durante el 2015 Kari y Tory presentaron "Thrill Factor" para el Travel Channel en el que van viajando por el mundo probando todo tipo de montañas rusas y similares con un pelín de experimentación científica.

Y llegamos a "White Rabbit Project", en 2016 de la mano de Netflix. Con un total de 10 episodios presentados por Kari, Grant y Tory. En cada uno de ellos buscan un tema e intentan encontrar 6 ejemplos sobre él haciendo finalmente un ranking de mejor a peor según una serie de criterios.

Es más fácil de entender con un ejemplo, el segundo episodio trata sobre fugas, buscan 6 de las más increíbles y las clasifican según cuanta gente huyó, durante cuanto tiempo y el grado de dificultad.

El primer problema que noté es que el primer episodio empieza como si fuese uno más, de hecho dicen una frase en plan "como siempre" que me dejó un poco descolocado. Y tras ver los 10 aún tengo dudas sobre si había realmente un primer episodio o si simplemente los rodaron todos siguiendo el mismo patrón y luego los ordenaron al tuntún.

Todo es muy estricto, juegan con 6 ejemplos y de ahí no salen. Es divertido verles fabricar cosas al más puro estilo "Mythbusters" pero en ocasiones queda muy forzado. Aparte que a veces comentan el tiempo que les costó realizar alguno de sus "inventos" y se rompe la continuidad de la serie.

Luego algunos temas son muy interesantes, me encantó el de las fugas, por ejemplo, pero hay otros muy triviales e incluso aburridos como el de "qué tecnología moderna odiamos más", en ese se les va mucho la pinza con las máquinas que toman el control sobre los humanos por ejemplo.

Y es que es eso, si quieren hacerlo en plan gracioso vale, pero se esfuerzan demasiado en hacerlo todo verídico, usando a expertos, con frases en plan "tras una intensa búsqueda he encontrado tal" y a veces me da la impresión de que hay mejores ejemplos.

Pero bueno, la verdad es que "Mythbusters" con ellos mejora una barbaridad, a pesar de que casi siempre eran el equipo perdedor que todo lo hacía mal y que tenían que recurrir a los dos presentadores principales, pero en parte esa era la gracia. Con lo de ahora parecen un poco desubicados, no me parece una cosa horrible pero tampoco es demasiado buena, hay mejores cosas en Netflix.

Rogue One (2016)

Aquí la hemos titulado "Rogue One: Una historia de Star Wars".

Jyn Erso es rescatada de una prisión por la alianza para encargarle la misión de localizar a su padre quien tiene información vital sobre la nueva arma del imperio, la estrella de la muerte.

Ya tenemos una entrega más de la saga espacial más famosa. Para variar no es George Lucas quien está a los mandos, ni tampoco J.J.Abrams, sino un tal Gareth Edwards. El mismo que dirigió la última versión americana de "Godzilla" (2014) y una película titulada "Monsters" (2010). Y ya. Ese es su currículo como director. Podéis echaros a temblar.

Pero bueno, tampoco quiero dramatizar en exceso, en general no me ha resultado una mala experiencia aunque tengo muchos peros en diferentes aspectos.

Antes que nada, por si alguno no la ha visto ni sabe sobre el tema, la acción se sitúa justo antes de "Star Wars" (1977). De hecho tiene más conexión con la cuarta parte que con las tres anteriores, eso siempre es un punto a favor.

El reparto está encabezado por Felicity Jones como Jyn Erso, una actriz inglesa quien tras su aparición en "The Amazing Spider-Man 2" (2014) parece que está encarrilando su carrera en la buena dirección. Junto a ella tenemos a Diego Luna como Cassian Andor, de este mexicano destaca su aparición en "The Terminal" (2004). Alan Tudyk es quien pone voz a K-2SO, el robot cachondo, conocido por "Firefly". Por último quisiera destacar a Donnie Yen, nacido en Honk Kong conocido por sus escenas de acción, destaca por protagonizar la saga "Yip Man" (2008).

Igual os habrá parecido curioso el que haya mencionado el lugar de procedencia de algunos actores. Es porque una de las críticas que ha recibido esta película es la cantidad de razas que son representadas. Personalmente me parece una soberana estupidez como crítica.

Por otra parte hay unas cuantas caras conocidas como por ejemplo Forest Whitaker como Saw Gerrera, lo más destacable son sus piernas robóticas y su respiración a lo Darth Vader. También aparece Mads Mikkelsen, conocido por la serie "Hannibal" y "Casino Royale" (2006).

Entre los actores que repiten tenemos a Jimmy Smits como Bail Organa. Genevieve O'Reilly vuelve a ser Mon Mothma. James Earl Jones vuelve a poner la voz a Darth Vader. Anthony Daniels es C3PO en un cameo junto a R2-D2, interpretado esta vez por Jimmy Vee (Kenny Baker murió en Agosto de este año). También aparecen Drewe Henley como el Líder Rojo y Angus MacInnes como el Líder Dorado en escenas recuperadas de "Star Wars" (1977).

Y por último con las caras digitalmente modificadas tenemos a Ingvild Deila como Leia y a Guy Henry como el Governador Tarkin. He de decir que estos dos detalles están bastante mal hechos, en particular ella, y que se los podrían haber ahorrado.

Intentan recrear ciertas escenas de la trilogía original, lo cual obviamente es para que haya más conexiones, pero lo hacen torpemente. Por ejemplo en la primera escena vemos una granja casi idéntica a la de Luke, incluso tienen la misma leche azul encima de una mesa. Otra, cuando despegan unas naves en la base rebelde la cámara pasa a un primer plano de un vigía mientras vemos como se alejan. O en la batalla final cuando en la base enemiga vemos puertas y complejos similares a los del planeta de los Ewoks.

Detalles curiosos:
- No hay letras que se van al infinito tras sonar la típica fanfarria con el logo de Star Wars al inicio de la película. El director lo vió innecesario porque lo que narra es, esencialmente, el texto que aparece en la cuarta película.
- El logo de "Rogue One" aparece con una fuente bastante simple, podrían haber usado la de los trailers que le pega mucho más.
- El escuadrón azul iba a salir en "Star Wars" (1977) pero lo quitaron porque tenían problemas con la croma (usaban una azul entonces). Su primera aparición fue en Hoth en "Star Wars: Episode VI - Return of the Jedi" (1983).
- Atentos al cameo del Dr.Cornelius Evazan y Ponda Baba en Jedha, son los mismos a los que se enfrenta Luke en la famosa escena de la cantina.
- A Watto en el mercado de Jedha, se le oye entre la multitud y su nariz aparece en la parte derecha de la pantalla.
- Y cuando nombran a un tal "Capitán Antilles" en la base rebelde. Es el que estrangula Darth Vader al principio de "Star Wars" (1977).
- Dos Stormstroopers dicen que el VT-15 va a ser retirado del servicio. En "Star Wars" (1977) dos Stormstroopers comentan que el nuevo VT-16 es algo digno de verse. No tiene nada que ver con el T-17 que mencionan en "Star Wars: Episode VII - The Force Awakens" (2015).
- "Rogue Two" es la señal que usa el piloto rebelde que encuentra a Luke y Han en Hoth en "Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back" (1980).

En el aspecto más positivo tenemos algunas escenas memorables. Para empezar cuando un rebelde mata a otros rebeldes de la forma más rastrera (no quiero entrar en detalles), es algo diferente y por eso me ha gustado. La escena de Darth Vader en el pasillo, brutalérrima (quizás lo mejor de la película). Las paridas de K-2SO, rozando el romper la cuarta pared, son estúpidas, manidas y por ello me encantan (además muchas fueron improvisadas).

En el más negativo, al igual que pasó con "Star Wars: Episode VII - The Force Awakens" (2015) estamos empezando a padecer las primeras consecuencias de que la Disney haya adquirido la franquicia. Para empezar el exceso de merchandising y de publicidad. Luego están los "Mickeys ocultos", que paso de mencionar. Y lo que está empezando a ser una nueva costumbre, la película por año sobre el tema. Empiezo a estar cansado, no tengo interés alguno en la octava parte ahora mismo y el spin off de Han Solo espero que tarde mucho en llegar.

Para terminar decir que no es una mala película, la historia está bastante bien, la protagonista me ha gustado y termina de forma perfecta. Pero tiene fallos que me han distraído demasiado y algunas cosas no tienen lógica (como lo de almacenar los datos en cintas en una torre kilométrica a la que se accede de una manera muy ineficiente, no parece el mejor sistema).

Ale, otro día más.

人喰いの大鷲トリコ (2016)

Un juego conocido con el título internacional "The Last Guardian".

El título japonés se traduce como "La gran águila devora-hombres Trico". El creador es Fumito Ueda, fue tanto el director del proyecto como el diseñador, conocido por juegos como Ico o Shadow of the Colossus.

Todo empezó en 2007 aunque hasta el 2009 no hubo nada oficial, es cuando fue presentado en la e3 y por aquel entonces esperaban sacarlo para el 2011 exclusivamente para ps3. Tras retrasos y complicaciones decidieron pasarlo a la ps4 en el 2012, por aquel entonces Ueda abandonó la dirección del proyecto aunque permaneció como asesor. En la e3 del 2015 fue anunciado de nuevo y de ahí pasamos a su lanzamiento exclusivo para ps4 a principios de Diciembre de este año.

Hay que tener en cuenta que para el 2011 ya hubo una demo jugable y en ese momento se convirtió en uno de los juegos más deseados. La espera ha sido larga pero ha merecido la pena.

Y en realidad ¿de qué va? ¿qué tipo de juego es?. Bien, pues para el que no jugó la demo ni vio los vídeos y se pone a jugar por primera vez le parecerá una cosa bastante simple. Eres un niño y tienes como mascota un bicho enorme que parece una mezcla de gato, perro, pez y pájaro, tu objetivo es salir del sitio en el que te encuentras.

Esencialmente es un juego de puzzles en el que vas sorteando obstáculos y en el que no te cuentan nada. Así es si no avanzas lo suficiente, y dicho así podría parecer algo decepcionante pero... en realidad la intriga pica lo suficiente como para darle algo de tiempo.

Eventualmente verás a Trico volverse malo, te enfrentarás a una serie de enemigos e incluso aparecerá un vídeo en el que explican el origen de la historia. Y ahí es cuando el juego se pone interesante.

A pesar de las dificultades y los puzzles a veces algo liosos las ganas por avanzar para saber más deberían ser suficientes. Y, sin contar más de lo necesario, diré que merece mucho la pena llegar  hasta el final.

Así a bote pronto le calculo unas 8-9 horas de juego, más si te pierdes o te atascas bastante. Gráficamente es agradable y con mucha profundidad, aunque la cámara en ocasiones dificulta un poco las cosas. El manejo está bien, aunque cuesta un poco adivinar cuando necesitas ayuda de Trico y es bastante parsimonioso en algunos momentos.

Y quizás os estéis preguntando por qué hablo de él. Cuando fue presentado en su momento me llamó la atención, vi la demo y la manera en la que estaban planteados los puzzles, la sensación de no tener límites (a pesar de ser muy lineal) y el querer saber más sobre la historia fueron las tres cosas que más me interesaron. Ahora que ha salido y tras ver su final he podido comprender que realmente es un gran juego con una historia muy buena.

Además que el animalito es muy carismático y su relación con el niño no hace más que llenarte de intrigas a medida que avanzas. ¿Es bueno? ¿es malo? ¿qué o quién es el último guardián?, incluso cuando ves el origen de la historia hay un montón de cosas que no quedan claras. Y todo queda bien respondido (bueno, mayormente, tampoco es que lo hagan en plan súper detallado).

Igual me he emocionado demasiado con el final, puede ser, pero es de esos juegos que merecen la pena pasárselos aunque sea una vez. No sé si tiene secretos en plan zonas ocultas pero quizás resulte pesado pasárselo más de una vez de forma consecutiva. Yo le daría un buen tiempo antes de volver a empezar.

En fin, poco más que añadir. Si queréis echarle un ojo en Youtube hay muchos jugadores que lo están subiendo, algunos con más gracia comentando que otros, como siempre.

Taxi Driver (1976)

Un título imprescindible.

Un ex-soldado pasa su vida deambulando por la ciudad y decide hacerse taxista porque cree que se adaptaría fácilmente. Aunque no tiene problema alguno en recoger a pasajeros de todo tipo termina por obsesionarse con una mujer e incluso llega a pedirle salir. Por otro lado una chica se mete un día en su taxi para huir y un chulo se la lleva sin que él pueda hacer nada al respecto.

Robert De Niro (Travis) se pasó trabajando 15 horas al día durante un mes conduciendo taxis para prepararse el papel. También estudió enfermedades mentales.

Ya había firmado un contrato por 35.000 dólares antes de ganar el Óscar por "The Godfather: Part II" (1974), cosa que le aumentó el caché de forma considerable, pero él no quiso renegociar su contrato (lo cual podría haber dado al traste con todo) debido a que quería que se hiciese la película.

Jodie Foster (Iris) tenía 12 años así que no podía hacer las escenas más explícitas (su personaje también tiene 12 años). Por ello usaron a su hermana, Connie Foster, que en aquel entonces tenía 19 años, para hacer de doble de su cuerpo. Es algo que repitieron en "The Little Girl Who Lives Down the Lane" (1976) en la escena que sale de espaldas desnuda.

Harvey Keitel (Sport) por su parte ensayó con chulos reales para prepararse el papel. La escena en la que baila con Iris fue improvisada. Eligió ese personaje aunque le ofrecieron el de un trabajador de la campaña, el personaje del chulo era negro originalmente y tenía apenas 5 líneas de diálogo.

Cybill Shepherd (Betsy) tuvo problemas a la hora de memorizar sus líneas en la escena del café y tarta con Robert De Niro, lo cual hizo enfadar al actor y que los editores acabasen tomándose a cachondeo la cantidad de cinta malgastada. Aparte tuvo una relación de trabajo complicada con Scorsese.

Del resto del reparto destaca Peter Boyle como Wizard, otro taxista. Conocido por hacer de monstruo en "Young Frankenstein" (1974), salió también en "Red Heat" (1988) y en "Species II" (1998). Albert Brooks es Tom, un ayudante en la campaña, conocido por "Private Benjamin" (1980), salió también en "Twilight Zone: The Movie" (1983).

John Hinckley dijo que su intento de asesinato contra Ronald Reagan en 1981 fue causado por la obsesión de matar al candidato a presidente del personaje de De Niro en esta película. A su vez el guionista Paul Schrader se inspiró en Arthur Bremer quien disparó al candidato George Wallace en 1972.

La lucha entre Martin Scorsese y los ejecutivos de la MPAA (los que ponen las calificaciones) de la Columbia llegó a un punto en el que el director se pasó una noche entera bebiendo junto a una pistola con intención de asesinarles al día siguiente (otras versiones dicen que quería suicidarse), pero al final sus amigos le convencieron y cambió el tono de los colores de la parte final para recibir una R en vez de una X.

Al volver a verla lo primero que me ha llamado la atención es la BSO, al volver a oírla me vinieron a la mente escenas de un coche bajo la lluvia por la noche adentrándose en las calles de Nueva York. Más acorde con la situación imposible. Es una música tranquila pero que parece que va a ser acompañada por una historia interesante.

Al principio le preguntan "are you moonlightning?", es una expresión que significa si quiere coger como su segundo trabajo el de taxista (osea si tiene un trabajo de día). Normalmente al usar esta expresión se refiere a trabajos secundarios considerados de mala reputación (como stripper).

Curioso, cuando entra por primera vez en un cine porno vemos la pantalla y está emborronada porque claramente muestra una escena explícita.

Cuando Travis pide una tarta de manzana con queso derretido es una referencia al famoso asesino Ed Gein quien pidió lo mismo a cambio de una confesión.

Uno de los temas más interesantes de la historia es la ineptitud social del protagonista. Se ve claramente reflejada cuando trata de conocer a Betsy, acechándola desde su taxi, estudiando sus movimientos y quehaceres diarios.

Aunque el momento álgido es cuando la lleva a ver una película porno (titulada "Ur kärlekens språk" (1969), también conocida como "Swedish Marriage Manual" y "Language of Love"). Pero habría que contextualizarlo un poco. En los años 70 los cines porno estaban en auge y había parejas que acudían a ellos a pasar la tarde porque era algo novedoso y diferente, un poco por darle una chispa a la relación. Travis los frecuenta en solitario pero se da cuenta de esta circunstancia y lo ve como algo totalmente normal, no se da cuenta de que es algo que en realidad no está plenamente aceptado por la sociedad.

La cámara hace un movimiento interesante cuando tras la cita él la llama para disculparse e intentar quedar a buenas con ella. Vemos como mientras habla se va quedando poco a poco fuera de encuadre y al final sólo vemos un pasillo que da al exterior. La idea es que resulta demasiado embarazoso verle suplicar.

El director hace un cameo justo después de la escena en la que va a recriminarle a Betsy el que le repudie. Es el tío que se monta en el taxi y le dice que se pare y empieza a darle órdenes en plan "no pare el taxímetro, no escriba, no haga nada..." para poder espiar a su mujer mientras le pone los cuernos.

La película retrata tanto el racismo como la homofobia de algunos, de hecho incluso se meten con los enanos. Pero lo hace sin alentarlos, simplemente es un reflejo de una realidad social del momento.

Ya hablé en la entrada de "Dirty Harry" (1971) de como el Magnum .44 se hizo popular en aquel momento. Aquí hace una aparición estelar también. La describen como un arma muy cara pero que es capaz de detener un coche de un disparo y que la usan en África para matar elefantes.

Durante la escena en la que va preparando diferentes sitios donde llevar sus armas vemos que coge una bala y con un cuchillo le hace una X en la punta. Técnicamente eso no tiene efectos prácticos pero en aquel momento se creía que eso ayudaba con la defragmentación.

La famosa escena del espejo fue improvisada por De Niro. De hecho el guión sólo ponía "Travis se mira en el espejo". Scorsese dijo que se inspiró en una escena de "Reflections in a Golden Eye" (1967) en la que Marlon Brando habla frente a un espejo. De Niro por su parte dijo que la frase está basada o en lo que decía Bruce Springsteen en sus conciertos durante los años 70.

En la parte final de la historia el protagonista se rapa el pelo tras realizar un pequeño ritual quemando flores y aplicando cera a sus botas de vaquero. La calva y la cresta que lleva son falsos porque De Niro tenía que grabar algunas escenas previas aún. El pelo que usaron es en realidad crin de caballo.

El detalle es que parece pelo real y no se nota la calva falsa, pero además el corte es descuidado, tal y como se lo haría alguien que no está habituado a ello.

La razón del corte la explicó Martin Scorsese en su momento. Travis es un veterano de la guerra de Vietnam, allí algunos soldados se cortaban el pelo de ese estilo antes de las misiones peligrosas o especiales.

El cambio de fotografía a tonos apagados empieza tras la escena en la que el chulo (Harvey Keitel) paga un dinero a uno y Travis va en su taxi a toda velocidad cruzando la ciudad. Se mantiene así hasta el final del tiroteo y la famosa escena con el plano del "ojo de Dios".

Algunos ven al protagonista como un héroe, la verdad es que cuesta verle así a pesar de que es muy noble su esfuerzo por sacar a una pobre niña del mundo de la prostitución. Pero de igual manera también quiere asesinar a un inocente tras sentirse rechazado por una mujer. Yo creo que simplemente es un desequilibrado asocial con  impulsos psicópatas que eventualmente le resurgirán. Aparte de que está vivo de puro milagro ya que su intención originalmente era suicidarse.

En cualquier caso una película genial de principio a fin, una de esas que no hay que dejar pasar (en mi opinión, claro está).

Targets (1968)

Aquí la titulamos "El héroe anda suelto".

Byron Orlok es un actor que ha decidido dejar de hacer más películas tras una prolífica carrera en el cine de terror. Por otro lado el joven Bobby Thompson parece estar organizando una matanza, tiene un arsenal en el maletero de su coche y se comporta de manera extraña.

No confundir con "Target" (1985) de Gene Hackman y Matt Dillon.

Roger Corman le dijo a Peter Bogdanovich que podía grabar la película que él quisiera con dos condiciones, que usase imágenes de "The Terror" (1963) y que debía contratar a Boris Karloff durante dos días (que le debía Corman por contrato). A Karloff le gustó tanto la película que trabajó un total de cinco días sin cobrar nada extra.

De nuevo otro de los últimos títulos que rodó Karloff. Éste al menos pudo verlo estrenado. Durante el rodaje tenía que sentarse en una silla de ruedas entre toma y toma y no podía caminar sin su bastón.

Aunque la película es famosa por la escena en la que Bobby Thompson se pone a disparar a gente que va por la autopista desde lo alto de un contenedor. Está inspirada en hechos reales, en 1965 Michael Andrew Clark, un joven de 16 años, mató a tres personas e hirió a otras 10 antes de cometer suicidio estando situado en lo alto de una colina.

Para dotar de más realismo a dicha escena se puede oír como el tirador aguanta la respiración justo antes de disparar. Sin embargo en la mirilla se ve que está apuntando a los conductores (o acompañantes) en los vehículos en movimiento, lo normal es apuntar al sitio hacia el que se dirigen y no donde están para no fallar, pero según el director algunos espectadores no lo comprenderían y pensarían que en realidad erra todos sus tiros.

La película empieza con la escena final de "The Terror" (1963), en la que incluso sale Jack Nicholson. Aunque consiguen darle un sentido ya que es la película que acaba de rodar Byron y están viéndola en privado antes del estreno. También salen varias escenas durante la parte del autocine.

Bobby conduce un Buick LeSabre de 1963. Me ha impresionado la sangre fría con la que empieza la matanza. Saca una pistola y mata a su esposa, al hermano de ésta y a su madre como si nada.

Y luego la forma impersonal con la que va disparando a gente elegida aleatoriamente a medida que pasan conduciendo sus coches por la autopista.

Me han gustado mucho dos detalles. El primero la frase "todas las películas buenas han sido hechas ya" (en 1968 y no está tan errado como pueda parecer). Luego los asesinatos indiscriminados de Bobby, un tema que parece muy moderno y sin embargo era de total actualidad ya en los 60.

Me ha encantado, además tiene un final perfecto. Me fascina descubrir tantos títulos de Karloff.