Days of Wine and Roses (1962)

Aquí la titulamos "Días de vino y rosas".

Joe Clay conoce a Kirsten Arnesen durante una fiesta en un yate. Él es el nuevo encargado de las relaciones públicas de una empresa y ella la secretaria del jefe. Pronto harán buenas migas y eventualmente se casarán y tendrán una hija. Pero ambos tienen un problema con el alcohol.

Dirigida por Blake Edwards. Conocido por dirigir "The Pink Panther" (1963), "Breakfast at Tiffany's" (1961) y "The Party" (1968).

Protagonizada por Jack Lemmon (Joe Clay), conocido por "The Apartment" (1960) y "Some like it hot" (1959). Y Lee Remick (Kirsten Arnesen Clay), salió en "Anatomy of a murder" (1959) y "The Omen" (1976).

Tanto el director como ambos actores tenían problemas con el alcohol en la vida real y tras terminar la película se metieron en Alcohólicos Anónimos en busca de ayuda.

Fue la película que ayudó a reforzar la idea de la necesidad de los grupos de alcohólicos anónimos en la sociedad estadounidense.

Me resultaba curioso que Blake Edwards haga una película tan sombría sin embargo Lemmond hace un papel bastante en su línea.

Tratan de mostrar el alcoholismo de Lemmond desde el minuto uno. En realidad no tengo la impresión de que vaya a peor a medida que avanza la historia porque bebe mucho desde la primera escena. Lo que sí va a peor son las consecuencias.

Sin embargo el hecho de que ella empiece a beber porque él se lo pide y que poco a poco vaya haciéndolo a escondidas sí es preocupante. Especialmente porque cuando él trata de dejarlo ella va a mucho peor.

En mi opinión el problema del alcoholismo en EEUU es debido a que no tienen una cultura de beber y a que es algo que está mal visto, la vergüenza que sienten hace que lo hagan a escondidas y eso acaba derivando en un problema muy grave. Es una película de los años 60 y las cosas siguen igual (o peor). No digo que aquí en España no hayan alcohólicos, ni mucho menos, pero creo que la mayoría de gente que bebe lo hace sólo cuando sale de fiesta y no llegan a engancharse del todo.

Es una película cuyas últimos 20 minutos son realmente duros. Las recaídas de Joe y la espiral en la que cae ella afectan especialmente a su hija y al padre de ella.

Es bastante larga, cerca de dos horas de duración, y eso que contiene un montón de elipsis en las que pasan meses. Pero es la mejor manera de contar la historia, centrándose en los puntos clave.

Se trata de una película magnífica de principio a fin y si en su momento sirvió para hacer entender a la población el verdadero problema del alcoholismo me parece genial.

Master of the World (1961)

Aquí la titulamos "El amo del mundo".

Estamos en 1868 en Morgantown, Pennsylvania. Una voz tenebrosa resuena desde lo alto de un nido de águilas. John Strock, un agente del departamento de interior, va a investigarlo usando un globo pero es derribado cuando se encontraban cerca y él y sus acompañantes despiertan en el Albatross, un barco volador comandando por un tal Robur.

Basada en dos historias de Julio Verne, "Robur el conquistador" de 1886 y "Dueño del mundo" de 1904.

Protagonizada por Vincent Price (Robur), el mismo año que hizo "Pit and the Pendulum" (1961). Con Charles Bronson (John Strock), en aquella época se dedicaba a salir en series de televisión aunque ya tenía labrada una buena carrera en el cine.

La película arranca con una especie de documental con los primeros intentos de aparatos voladores con un toque sarcástico. Son imágenes que he visto usadas en múltiples ocasiones.

En la novela original el aparato no sólo podía volar sino también circular como un coche, navegar como un barco e incluso ir por debajo del agua como un submarino.

Tenían intención de hacer una secuela e incluso empezaron a hacer los diseños pero fue desechada.

El Albatross es capaz de dar la vuelta al mundo en 10 días (quizás sea una referencia a "La vuelta el mundo en 40 días"), se encontraba en el interior de un volcán (parece una referencia a "Viaje al centro de la Tierra"), está hecho de papel prensado y funciona con electricidad generada por un campo magnético.

El contrapunto cómico lo pone el cocinero italiano sufriendo en la cocina cada vez que la nave maniobra o es atacada. Aunque sus apariciones son puntuales.

De todos el personaje del prometido es el más irritante. No sólo se porta como un celoso contínuamente sino que odia a Strock desde el principio sin razón aparente.

En cuanto al diseño de la nave no me parece demasiado eficiente tener los mandos para lanzar bombas tan distanciados del visor para apuntar, del mismo modo las palancas para manejar el aparato están demasiado apartadas del timón.

Robur me recuerda al Capitán Nemo, no sé si en los libros es así pero son prácticamente iguales. De hecho ambas historias guardan demasiadas semejanzas.

Me hace gracia la parte en la que tratan de evitar chocar con unas montañas usando unos palos. También que con una mísera cuerda atada a un ancla se quede flotando en el aire y que la cuerda no esté en tensión.

Peca de muchas cosas, entre ellas su duración es bastante larga y aún así sabe a poco. Las batallas se resuelven de una manera demasiado rápida y da la impresión de que no tenían claro si el prometido odia a Strock o no y por ello va cambiando de parecer sin lógica alguna. En fin, pasemos a otra cosa.

Der schweigende Stern (1960)

También conocida como "First spaceship to Venus". El título original se traduce como "La estrella silenciosa".

Estamos en 1985. En el desierto del Gobi descubren un material de origen extraterrestre. Las investigaciones concluyen que pertenecía a una nave proveniente de Venus así que montan una expedición para que investigue el planeta.

Es la primera película de la Alemania del Este del blog. No sé si lo habéis notado pero hago una distinción entre Alemania unificada y dividida desde hace ya mucho tiempo, porque sabía que llegaría este día.

Está basada en la novela del polaco Stanisław Lem titulada "Astronauci" y publicada en 1951.

Aún siendo una coproducción polaca fue la película más cara de las que hizo la DEFA (Deutsche Film AG) hasta ese momento.

El diseño de la nave es el típico con forma de punta aunque esta vez tiene 3 propulsores con la misma forma.

Existe una federación espacial y hay una base lunar llamada Luna 3. Lo más destacable en ese sentido es la diversidad de naciones de los científicos involucrados. Hay japoneses, estadounidenses, polacos, africanos (no especifican de donde), indios, alemanes, chinos... y todos hablan el mismo idioma.

Los primeros 15 minutos de película son, esencialmente, el entrenamiento y la preparación del viaje. Resulta todo demasiado fácil creo yo.

Seguidamente va un viaje de 25 minutos de duración en el que pasan por algunas dificultades pero llegan a Venus.

Una vez allí deciden explorar el planeta pero sus condiciones hacen que sólo puedan permanecer sobre su superficie durante 10 minutos como máximo.

En esa parte vemos que le echaron mucha imaginación para recrear la superficie. Incluso hay plantas con formas extrañas y todo tiene una tonalidad azulosa.

En un momento dado el explorador atraviesa el suelo por accidente y se ve claramente que es una alfombra.

Personalmente creo que está bastante bien, imagino que resulta risible desde un punto de vista moderno pero se nota que no es algo hecho con desdén. De hecho lo único negativo que veo es que juegan con factores como una posible relación romántica pero se olvidan pronto de ella.

Les yeux sans visage (1960)

Aquí la titulamos "Los ojos sin rostro".

El profesor Genessier identifica un cadáver desfigurado que ha aparecido en el Sena como el de su hija Christiane. En realidad ella sigue viva y él anda buscando una chica a la que quitarle la cara para hacerle un trasplante.

Basada en la novela homónima de Jean Redon publicada en 1959.

Cuando salió en EEUU la titularon "The horror chamber of Dr. Faustus". No sale ningún Doctor Faustus.

John Carpenter afirmó que la máscara de Michael Myers en "Halloween" (1978) está influenciada por la de esta película.

La película empieza con la narración del profesor sobre el método mediante los el se podrían hacer trasplantes de órganos. En esencia es irradiar con rayos x tras haber sacado la sangre del cuerpo.

Los ojos de la actriz que hace de Christiane son enormes. Eso unido al hecho de que está muy delgada y que su cara está cubierta por una máscara le otorga una expresión tétrica.

La escena en la que operan a la chica es muy realista. Además el hecho de ser en blanco y negro facilita mucho las cosas pues no se nota que es una máscara falsa.

La parte de la operación me ha recordado a "Face/off" (1997) de Travolta y Cage. Y a pesar de los casi 40 años que las separan tiene muy poco que envidiarle.

No acababa de entender muy bien por qué se dedican a recoger perros abandonados en el bosque que rodea la casa. Resulta que el profesor se dedica a experimentar los trasplantes de piel con ellos y tiene mucho éxito.

La historia termina de una manera bastante brutal, de hecho me esperaba algo más en plan la policía descubriendo el pastel pero qué va. Me ha gustado mucho, más aún teniendo en cuenta el año en que fue hecha.

東海道四谷怪談 (1959)

El título se traduce como "La historia del fantasma de Yotsuya".

Estamos en Okayama, Bizen. Iemon Tamiya está enamorado de Oiwa pero su padre no les permite casarse y por ello se enfrentan y el padre muere. Luego hace creer a todo el mundo que no saben nada y encima le promete a ella que formará parte de la venganza.

Está basada en una obra escrita en 1825 titulada "Yotsuya kaidan" que fue representada en el teatro Kabuki. Es considerada la historia japonesa de fantasmas más famosa, ha sido adaptada en numerosas ocasiones (la primera es de 1912) y es la influencia de muchos títulos modernos.

El tal Iemon es una pieza, no sólo mata al padre de Oiwa sino que cuando ella le rechaza decide ir a por la hija de Ito. Y en parte la culpa la tiene Naosuke, un tipo que fue testigo del primer asesinato quien anda comiéndole la oreja y que termina con la hermana.

Puedo ver perfectamente que está basada en una obra de teatro. Los lugares donde transcurre la acción son diversos aunque no demasiado complejos y aunque tratan de usar algunos ángulos de cámara complicados no dejan de ser escenas planteadas como si fuese un escenario.

Por algún motivo a Oiwa le sale una cosa rara en la cara y decide suicidarse, aunque antes se toma la molestia de lanzar una maldición a Iemon. No recuerdo cuales eran los tres tipos de fantasmas japoneses tradicionales pero no hace falta fijarse demasiado para darse cuenta de que se convertirá en uno.

En vez de hacer sonidos tétricos la fantasma habla de forma... em... fantasmal. Aún así sus apariciones son numerosas y consiguen atormentar tanto a Iemon que acaba matando a varios inocentes.

Me ha parecido interesante un palo que usa un tipo para pescar anguilas. Tiene la punta con forma de serpiente y lo usa arrastrándolo por el lodo.

La vida en el momento en que transcurre la acción (la era de los samurais) tiene diferentes valores según el estatus social. En esta película la muerte de dos de los sirvientes por parte de su señor apenas tiene importancia. De hecho lo siguiente que vemos es que está en un templo rodeado de religiosos en una ceremonia para expulsar a los espíritus, osea que se han creído todo lo que les cuenta a pesar de sonar fantasioso.

Desde luego la he disfrutado bastante. Es muy japonesa, pero mucho. Y aunque sea una de las historias más clásicas no deja de ser una adaptación muy buena.

Invisible Invaders (1959)

Aquí la titulamos "Invasores invisibles".

El Dr.Karol Noyman muere en una explosión. Un alienígena devuelve su cuerpo a la vida para poder avisar a la Tierra de que se preparen para ser invadidos. El problema es que nadie cree a la persona con la que habló.

Atentos a John Agar (Mayor Bruce Jay), salió en títulos como "Fort Apache" (1948), "The Mole People" (1956) o "Nightbreed" (1990). Y John Carradine (Dr.Karol Noyman), conocido por "The Grapes of Wrath" (1940) y "Stagecoach" (1939).

Hacer a los alienígenas invisibles no sólo fue por la trama sino porque así ahorraban costes. Básicamente son actores con las caras pintadas a lo zombie cutre porque se supone que son muertos revividos.

El argumento me recuerda a "Plan 9 from outer space" (1959). De hecho también van a un cementerio para tratar de comunicarse con los invasores.

Para saber donde están situados los bichos invisibles mueven ligeramente la tierra formando surcos. Da la impresión de que se desplacen arrastrándose. Me imagino que era la forma más barata de hacerlo.

Hacen uso de imágenes reales de incendios, edificios cayendo y demás para ejemplificar la cantidad de destrucción que causan los invasores.

La primera solución que se les ocurre es rociar los cadáveres poseídos con un líquido que les impide salir de los cuerpos. De esa manera consiguen capturar a uno y así experimentan con métodos para volverlos visibles. Finalmente dan con uno, el sonido. Esa parte me ha recordado mucho a "Mars Attacks!" (1996).

El presupuesto debió ser ridículo. Salvo los zombies son 4 actores quienes prácticamente lo hacen todo. Es bastante sencilla aunque me parece particularmente interesante que parece ser una influencia de títulos posteriores.

A Bucket of Blood (1959)

Aquí la titulamos "Un cubo de sangre".

Walter Paisley es un camarero tímido que se dedica a esculpir con arcilla. Por accidente mata al gato de su vecina y decide hacer una escultura con él la cual es todo un éxito, por ello su jefe le dice que se tome un descanso. Una vez en casa un policía le quiere detener por posesión de narcóticos y Walter lo mata.

Dirigida y producida por Roger Corman. Hacía ya bastante tiempo que no veía alguna de sus producciones. Al año siguiente haría "The Little Shop of Horrors" (1960) y "House of Usher" (1960).

Protagonizada por Dick Miller (Walter Paisley), un actor conocido principalmente por "Gremlins" (1984), aunque ha salido en títulos como "The Howling" (1981), "The Terminator" (1984), "The 'Burbs" (1989). Además para cuando hizo esta película ya llevaba unas cuantas apariciones (algunas menores) en diversos títulos.

La película arranca en un bar en el que un poeta está recitando acompañado por un saxofón. Me recuerda a un capítulo de "Los Simpsons".

Llaman a Walter "busboy" en diversas ocasiones. Se podría traducir como ayudante de camarero, mesero o mozo.

El título de la película tiene que ver con el primer asesinato aunque carece de peso en la trama.

Juegan con la comedia y el terror de la misma forma que lo haría Corman un año más tarde en "The Little Shop of Horrors" (1960), de hecho me sorprende no haber oído hablar más de ésta porque son muy parecidas en general.

La he disfrutado mucho.

The Smallest Show on Earth (1957)

También conocida como "Big time operators".

Matthew Spencer acaba de recibir la herencia de su tío abuelo Simon. Acuden al pueblo donde vive y él y su esposa Jean descubren que principalmente le dejó un cine llamado Bijou. Su intención es vendérselo al dueño del otro cine local pero para ello primero tienen que convencerle de que van a abrirlo, aunque ello suponga una pequeña inversión.

El título pretende parodiar "The Greatest Show on Earth" (1952), aunque su temática tiene más bien poco que ver.

Otra película de Peter Sellers (Mr. Percy Quill) que no he visto. Su papel es secundario y hace de un señor mayor, concretamente es el proyeccionista.

"Comin' Thro' the Rye" (1923) es una película real. Tanto Alma Taylor (una de las mujeres en la audiencia) como Margaret Rutherford (Mrs. Fazackalee) salen en ella.

En cambio las películas "Killer Riders of Wyoming", "The Mystery of Hell Valley" y "The Devil Riders of Parched Point" fueron creadas adrede.

Es bastante graciosa la escena del tren pasando junto al cine mientras proyectan una película de vaqueros en la que se ve un tren.

Es una comedia y se aprovechan de ello para hacer más absurdas las partes en las que la película que proyectan se estropea por el motivo que sea.

Me ha recordado un poco a "The Majestic" (2001), salvando las distancias. En ambas la historia trata de la restauración de un cine abandonado y su posterior éxito.

Me hubiera gustado ver más a Peter Sellers quien apenas nos brinda algunos de sus momentos, aunque se hace notar. Por otra parte la historia termina quizás demasiado rápidamente. En un plumazo cambia todo y fin.

Trapeze (1956)

Aquí la titulamos "Trapecio".

Tino Orsini acude al circo donde trabaja Mike Ribble para proponerle hacer un acto en el trapecio cuyo clímax es un triple mortal. Pero Ribble sufrió un accidente que le dejó lisiado y desde entonces ha perdido todo el interés en volver a volar.

Basada en la novela de Max Catto titulada "The Killing Frost" publicada en 1950.

Dirigida por Carol Reed. También suyas son "The Third Man" (1949), "Oliver!" (1968) y "The Running Man" (1963).

Como bien dice el cartel, tenemos a Burt Lancaster (Mike Ribble), Tony Curtis (Tino Orsini) y Gina Lollobrigida (Lola).

Burt Lancaster hizo casi todas las acrobacias en el trapecio porque antes de dedicarse al mundo del cine trabajó en un circo. La única acrobacia que no le permitieron hacer es el triple mortal.

La doble de Gina Lollobrigida murió tras romperse la espalda en una caída de 12 metros de altura.

Llega un punto en la historia en la que ya no se saben cuáles son las intenciones de Lola, qué quiere Mike o qué va a pasar con Tino. Sin embargo se resuelve todo de una manera bastante rápida en los últimos minutos.

No tengo muy claro si es un buen final o no, quiero decir al final cada uno logra lo que quiere, más o menos, pero está claro que es el final de la carrera en los aires de Mike y que a Tino le aguarda un destino incierto, quizás lleno de éxitos o quizás sufra un accidente en su siguiente intento con el triple mortal.

En cualquier caso me ha gustado que hayan incluido tantos números acrobáticos en el aire.

Cesta do pravěku (1955)

El título se traduce como "Viaje a la prehistoria". Conocida también como "A Journey To The Beginning Of Time".

Cuatro amigos atraviesan en barca un lugar cubierto de hielo en busca de animales prehistóricos tras encontrar el fósil de un trilobite. Allí hayan una cueva en la que habitó un hombre prehistórico y en ella ven sus pinturas y los utensilios que ha fabricado.

Combinan la técnica de stop-motion con muñecos enormes para dar vida a los dinosaurios. El primero que encuentran es un mamut, de espaldas es el muñeco y de frente la animación. He de decir que está muy bien hecho.

Me recuerda en cierta manera a las novelas de Julio Verne (a quien nombran en la parte inicial). La historia está narrada por uno de los chicos mientras lee el diario que escribió durante sus aventuras. En él incluye además un mapa que trazó con los nombres con los que bautizó las diferentes zonas por las que van pasando.

Puntualmente aparecen también animales reales. De hecho no entiendo algunas de las animaciones como las de una jirafa o unos cocodrilos pudiendo haber usado animales reales.

Yo diría que está más cerca de un documental sobre la prehistoria que de una película, o quizás un film educacional. No sólo vemos a los animales en sus diferentes hábitats (cada zona representa un periodo) sino que uno de los niños lleva un libro con el que reconoce a las especies y las va nombrando, en ocasiones dando algún que otro dato extra.

Me fascinan las animaciones, aunque no son demasiado fluidas la integración con el entorno es perfecta y cuando componen imágenes de por ejemplo los niños en la barca y los animales en la orilla consigue que encaje perfectamente.

Me pregunto cómo animarían a los pterodáctilos volando. No es una escena corta precisamente y salen unos cuantos. Lo que me intriga es cómo lograron suspenderlos del "cielo".

El combate de los dos dinosaurios parece un homenaje a Ray Harryhausen.

Me ha gustado mucho. Me imagino que fue una de las influencias principales de Jan Svankmajer, un director checoslovaco caracterizado por el uso de animación frame a frame.

Stalag 17 (1953)

Aquí la titulamos "Traidor en el infierno".

Estamos en Diciembre de 1944. El Stalag 17 es famoso porque ningún prisionero ha logrado escapar con vida de él. Tras el último intento fallido sospechan que tienen a un chivato entre ellos y el principal sospechoso es uno que hace buenas migas con los guardias.

La obra de teatro en la que está basada fue estrenada en 1951 y tuvo 472 funciones. Varios actores de ella retomaron sus papeles en la película.

Dirigida por Billy Wilder. Fue uno de sus mayores éxitos y por ello esperaba ganar mucho dinero sin embargo la Paramount le dijo que dado que habían perdido con "Ace in the Hole" (1951), su anterior película, le descontarían las pérdidas de su sueldo. Digamos que no le sentó bien y abandonó la Paramount.

Hay otra explicación de lo sucedido. Para mejorar las posibilidades de éxito en Alemania del Oeste un ejecutivo de la Paramount sugirió al director que pusiera a los guardias del campamento como si fuesen polacos y no nazis. Al director no le hizo ni la más mínima gracia porque había perdido familiares en campos de concentración y exigió una disculpa del ejecutivo. Dado que nunca llegó decidió abandonar el estudio. Puede que la decisión final fuese tomada tras ambas historias.

Un Stalag es como denominaban los nazis a sus campos de prisioneros de guerra. La palabra es una abreviación de Stammlager. No confundir con los campos de concentración, en los Stalag sólo habían militares capturados durante la guerra. Originalmente eran sólo para tropa y suboficiales pero tenían tantos prisioneros que tuvieron que poner allí también a los oficiales quienes hasta ese momento eran metidos en los Oflag (Offizier-Lager).

Me gusta que usen bastante el idioma alemán. Aparte del fuerte acento van soltando palabras sueltas de manera casual y alguna que otra conversación puntual.

La parte cómica de la película es un tanto sutil. Por ejemplo cuando leen las cartas y descubrimos que uno que tiene un montón en realidad son avisos de retrasos de pago y a otro su esposa le dice que se ha encontrado un bebé en su puerta que tiene sus ojos.

La verdad es que cuesta adivinar quién es el traidor. Hasta pasada una hora y 20 minutos no lo descubrimos.

En el campo cuentan con una radio secreta, un telescopio improvisado, un alambique e incluso organizan carreras de ratas en las que apuestan cigarrillos, la moneda de cambio.

Me ha gustado mucho, el toque cómico está sólo para aligerar un poco el ambiente, sin pasarse demasiado. Juegan con elementos típicos de películas de campos de prisioneros de una manera muy inteligente. De hecho creo que fue una de las principales influencias de películas como "The Great Escape" (1963) "Victory" (1981) o la serie "'Allo 'Allo".

The Painted Hills (1951)

Aquí la titulamos "Las colinas pintadas".

Jonathan por fin da con una veta de oro tras años de búsqueda. Pero al regresar a casa descubre que su socio ha muerto dejando huérfano a su hijo Tommy Blake por ello decide darle su perra Shep para que le cuide.

La séptima y última película que hizo la MGM sobre Lassie. Las otras son, por orden, "Lassie Come Home" (1943), "Son of Lassie" (1945), "Courage of Lassie" (1946), "Hills of Home" (1948), "The Sun Comes Up" (1949) y "Challenge to Lassie" (1949). No sé si veré más en el futuro, no me lo he planteado.

En realidad Lassie es un macho llamado Pal. Interpretó a Lassie en las 7 películas y en la serie que hicieron posteriormente. En la película uno le llama "boy" y le corrigen, cuando en realidad estaba en lo cierto.

Los primeros 15 minutos son bastante absurdos. El tal Jonathan le da el perro a Tommy y luego Tommy se lo devuelve.

La película juega con los típicos elementos que caracterizan a Lassie. Osea un "malo" que trata de matarla, ella encontrando a alguien que se ha perdido o muerto, un niño que la cuida y que siempre dice la verdad...

No me ha parecido una mala película pero imagino que a cuando fue estrenada ya eran fórmulas repetidas hasta la saciedad y decidieron enfocar el personaje hacia la televisión.

Entra dentro de la categoría western por los pelos en realidad ya que la historia trata de buscadores de oro. Pero se parece más a "La casa de la pradera".