The Little American (1917)

Regresemos al cine más... normal.

Karl von Austreim es un súbdito del emperador alemán que vive en EEUU con su padre alemán y su madre estadounidense. Angela es una chica joven de EEUU, cuya abuela le pide que regrese a Paris. Llega el cuatro de julio, el día de su cumpleaños, y Karl le dice que quiere casarse con ella, pero que tiene que irse a Hamburgo urgentemente.

Dirigida por Cecil B. DeMille, quien también la produjo y co-escribió, y Joseph Levering. A estas alturas DeMille ya llevaba una treintena larga de títulos dirigidos.

Protagonizada por Mary Pickford (Angela Moore). Así a ojo calculo que ella había parecido en unos 200 títulos cuando la rodó. Menuda barbaridad. Fue uno de los dos títulos en los que trabajó con DeMille, el otro es "A Romance of the Redwoods" (1917).

La película arranca con un mensaje. Empezó a rodarse en 1917 justo cuando EEUU entró en la Primera Guerra Mundial, lo cual ocasionó que la población pasara de mantenerse neutrales a apoyar mayoritariamente a los aliados. Tras ser estrenada fue considerada la película patriótica que más había hecho por el reclutamiento.

Fue restaurada el año 1990 a partir de una copia original de 35mm. En el 2019 la escanearon para darle una calidad 4k mediante una restauración digital.

En el arranque vemos una mansión de lujo, que resulta ser la casa del propio Cecil B.DeMille.

Me hace mucha gracia que el alemán le enseñe el "paso del ganso" alemán a un niño estadounidense.

En la tarjeta que le dan al prusiano pone el mensaje secreto "Gehorcht", que se traduce como obedece.

La guerra estalla entre Francia y Alemania y la primera noticia que reciben es que han muerto 10.000 alemanes. No tengo muy claro si es algo positivo o negativo desde el punto de vista estadounidense.

Desconocía la existencia de batallas de submarinos durante la Primera Guerra Mundial. Los alemanes llegaron a hundir más de 5000 barcos, incluído el RMS Lusitania en 1915 que provocó la entrada de EEUU en la guerra. Dicho lo cual, conozco sólo esbozos de esta guerra, apenas he leído sobre ella y sólo he visto películas del frente o de las batallas aéreas.

En realidad la película refleja de una manera fiel lo que sucedió (aunque llaman al barco "Veritania"). El barco fue objetivo de los alemanes porque sospechaban que llevaban municiones a los aliados, cosa que así era, les atacaron sin previo aviso y murió más o menos la mitad de la gente que iba en él.

Según recientes investigaciones el hundimiento se produjo tan rápido porque una caldera estalló, provocando una segunda explosión.

La ciudad francesa donde sucede la acción es Vangy. No existe ninguna escrita tal cual, aunque hay un par que tienen nombres similares.

Para sorpresa de nadie, el alemán (Karl) que estaba apunto de violar a una mujer (Angela) decide no interponerse cuando sus compañeros de regimiento van a por un grupo de mujeres indefensas.

Una cosa que retratan muy bien es la eficiencia alemana.

No puedo decir que me gusten los finales felices, de hecho hubiera sido mucho mejor si Karl hubiera muerto durante el bombardeo, pero bueno, no creo que se le pueda pedir mucho en ese sentido a una película de esta época.

Ha sido interesante ver un poco más de la guerra, especialmente la parte de los ataques de los submarinos. Está muy bien hecha, mejor de lo que uno podría anticipar. Y ojo, que fue rodada cuando la contienda aún no había terminado, aunque dan a entender que esperaban que los aliados ganaran y que los alemanes eran realmente malos.

Mater dolorosa (1917)

Pasemos a algo más serio.

Martha Beliac está casada con el doctor Gilles Beliac, pero quiere abandonarle para irse con el escritor Claude Beliac, el hermano de Gilles. Claude le dice que no lo haga porque se va lejos, pero ella le visita igualmente. Tras ser rechazada decide suicidarse usando una pistola y acaba matando a Claude accidentalmente cuando él trataba de impedírselo. Antes de morir él le pide que vuelva con su marido y cuide de su hijo, escribiendo una carta de suicidio para encubrirlo todo. Ella le hace caso.

Escrita y dirigida por Abel Gance. Tras ver "Napoléon vu par Abel Gance" (1927) me quedé con ganas de ver más títulos de este autor, bueno, pues llegó el momento de ver otro.

Durante la época del cine mudo sacaron diferentes versiones. En 1993 tres de ellas fueron restauradas por el Cinémathèque Royale de Bélgica, procedentes de la Cinémathèque francesa, del Госфильмофонд (abreviatura de Государственный фонд кинофильмов Российской Федерации, osea el fondo estatal de cine de la federación rusa) de Moscú y de archivo televisivo de Londres. La copia que poseo es de la primera versión de la película usando el guión original de Abel Gance.

Lo primero notable es que tras la introducción de los personajes pasamos a la primera escena y tiene un fade in, poco a poco vamos viendo más y más del lugar donde tiene cabo.

Gilles Beliac es un pediatra que trabaja en una clínica gratuita. Eso hace que esté muy ocupado en su trabajo y apenas pueda hablar con su esposa.

Tiene pequeñas escenas graciosas protagonizadas por el niño principalmente en las que no para de hacer trastadas por la casa mientras el mayordomo va detrás de él.

Pero mayormente tiene un tono sombrío y triste, especialmente porque un periodista encontró la carta que escribió Martha a Claude y pretende chantajearla, pero su marido se entera y la abandona llevándose al niño. Luego él quiere asesinar al niño porque cree que no es suyo, ya que ella no le dice a quien iba dirigida la carta y cree que le puso los cuernos.

Me resulta realmente peculiar que una madre no se acuerde del cumpleaños de su hijo.

En realidad no explican gran cosa sobre por qué Martha está tan mal desde un principio. La única pista que tenemos es que quiere irse con Claude, pero poco más.

Hacen uso de una imagen icónica, que es la que da título a la película, para mostrar la "transformación" de la esposa.

Por una parte entiendo que ella no pueda decirle que mató a su hermano, por otra también que el marido se sienta mal porque no le cuente quién es el otro. Es una situación realmente complicada con una solución difícil ya que ambos salen perdiendo tanto si ella le dice la verdad como si se calla (que es lo que hace).

Juegan con las cartas para darle más fuerza a ciertas partes. Es un buen recurso al carecer de sonido.

Es un pedazo de drama. No hay mucho más que añadir salvo que en algunos momentos sobre-actúan un poco, aunque era lo normal en la época.

The Butcher Boy (1917)

Aquí la titulamos "El carnicero".

En una tienda de ultramarinos Grouch es el dueño, su hija es Amanda, Slim Snavely el encargado de ventas, Luke el perro ayudante y Fatty el carnicero. Amanda y Fatty hacen planes de boda, para evitar que Slim se interponga, pero les ve juntos y terminan peleándose. Por eso Amanda termina en un colegio privado para chicas.

Su duración es de 24 minutos.

Dirigida, co-escrita y protagonizada por Roscoe "Fatty" Arbuckle (Fatty). Fue el primer actor en ganar más de un millón de dólares al año, pero debido a su modo de vida era vilipendiado por los más puritanos. Y lo lograron ya que se le acusó de la violación y asesinato de una chica que estuvo en una de sus fiestas. No fue considerado culpable (tras dos juicios nulos y uno en el que fue declarado inocente) pero poco importó, su imagen fue dañada hasta el punto que retiraron todas sus películas y fotografías de lugares públicos. Tras ser un proscrito en Hollywood terminó dirigiendo algunas películas bajo un seudónimo pero cuando ya todo parecía apuntar a que levantaría el vuelo falleció de un ataque al corazón a los 46 años.

Destaca la aparición de Buster Keaton (Buster) en lo que sería su primer papel en el cine. Y también tenemos a Luke el perro, quien apareció en varios cortometrajes de Fatty.

A pesar de ser un despistado, Fatty es realmente hábil con el cuchillo.

Me impresiona cómo lograron entrenar al perro para que se montase en una cinta corredera que está a bastante altura (para él) y se pusiera a correr sobre ella inmediatamente.

En la época era normal que la gente fumase, cómo no, pero es que vemos a Fatty liándose un cigarro (de tabaco) y fumando delante de la carne que está expuesta a su lado.

Buster aparece a los 6 minutos y lo primero que hace es mirar unas escobas. Lleva unos zapatos realmente largos y también nos demuestra lo habilidoso que es.

Eventualmente terminan en una clásica "pelea de tartas".

Fatty decide vestirse de chica y llevar a Luke para visitar a Amanda en el colegio, es para mearse. Además se hace llamar Candy. Sin saberlo Slim decide hacer lo mismo y terminan los dos ingresando en el colegio femenino.

Me encanta, la mitad de la historia es la carnicería y la otra mitad lo del colegio femenino, pero todo tiene mucho sentido. Y a Buster se le ve muy suelto en su papel, aparte de aparecer bastante.

Tenemos la figura del bueno, la del malo y la de la chica siguiendo una trama bastante básica pero no por ello menos interesante.

Bucking Broadway (1917)

Pasemos a un western.

Buck Hoover es el líder de los vaqueros de un rancho. Allí Helen Clayton, la hija de Ben Clayton, el jefe, le tiene hipnotizado con sus encantos, hasta el punto que decide casarse con ella, pero primero le pide permiso a Ben. La llegada de Eugene Thornton, un tipo rico que quiere comprar unos caballos, altera la normalidad del rancho. Todos los rancheros se reúnen para celebrar la pedida de mano de Buck, pero Helen se ha marchado con Thornton a Nueva York para casarse con él y sólo ha dejado una nota a su padre. Ben está destrozado y Buck decide ir en búsqueda de su enamorada tras leer una carta que le envió ella.

Dirigida por John Ford. Fue su cuarta película, pertenece a la época en la que firmaba con Jack Ford. De estos cuatro primeros títulos sólo dos han llegado a nuestros días.

Protagonizada por Harry Carey (Cheyenne Harry) uno de los primeros "vaqueros" cinematográficos.

Fue considerada perdida hasta el año 2002 cuando encontraron una copia en el archivo de Francia.

Incluye pequeños momentos graciosos. Como por ejemplo cuando Buck compra un traje y al salir se encuentra a otro tipo que lo lleva, con lo cual decide devolverlo. Es además una escena en la que vemos como la cámara se mueve apuntando ligeramente hacia abajo para que podamos ver la vestimenta completa de ambos, cosa que no debió ser nada fácil de realizar.

Helen toma la decisión de irse muy a la ligera sólo porque Thornton le promete el oro y el moro.

No hay montajes de cámara para mostrar cómo Buck se monta en el tren desde su caballo.

Termina con una gresca importante entre los neoyorkinos y los rancheros, los cuales ganan sin demasiados problemas, y al final Buck rescata a Helen de su agresor, que es lo que acaba siendo el tal Thornton.

Por lo que tengo entendido fue la primera de Ford que estaba planteada como un largometraje y se nota, la estructura es correcta y la historia requiere de una larga duración para establecer bien los perfiles de los personajes y su desarrollo.

Es un western por los personajes y lo que son, pero en realidad es una historia romántica ambientada en Wyoming.

A Modern Musketeer (1917)

Aquí la titulamos "Un mosquetero moderno".

Ned Thacker salta al rescate de una mujer a la que maltrata un hombre y luego los amigos del tipo intentan pegarle, sin éxito. Pero resulta que uno de los amigos era el marido de la mujer y le echa a patadas. Elsie Dodge es una chica que vive en Park Avenue. Forrest Vandeteer es un tipo que está dispuesto a conseguirla a cualquier precio, pero a ella no le gusta.

Está basada en la historia corta "D'Artagnan of Kansas" de Eugene P. Lyle, Jr., publicada en 1912.

Dirigida por Allan Dwan. Suyas son "Zaza" (1923), "The Iron Mask" (1929) y "Sands of Iwo Jima" (1949).

Protagonizada por Douglas Fairbanks (Ned Thacker / D'Artagnan).

Empieza con una pequeña escena donde vemos a D'Artagnan enfrentándose a un montón de hombres armados con espadas para recuperar el pañuelo de una mujer. Aparte vemos a Fairbanks presentándose al público como los dos personajes que interpreta.

El actor hace gala de sus dotes físicas, haciendo pequeñas acrobacias y demostrando su agilidad.

Después de plantearnos el pasado y el presente del personaje principal pasamos a cómo nació y cómo desarrolló la afición de defender a las mujeres.

En un momento dado agregan a la imagen dos bordes negros, uno arriba y otro abajo, haciendo un efecto panorámico. Definitivamente esto no lo había visto en ninguna película anterior. Sí lo de agregar zonas negras para poder mostrar varias acciones a la vez o hacer algún tipo de figura geométrica (círculos casi siempre, pero también triángulos), pero esto no.

La película acaba derivando en una historia estilo western de un indio que se cree mejor que los demás y tiene intención de conseguir una mujer blanca para él. Y. por supuesto, la elegida es Elsie.

Al final el "malo" recibe un castigo no demasiado severo, consiguen que confiese un crimen y paga un dinero al protagonista por rescatarle, aparte de tener que renunciar a la chica para regresar con una de sus esposas (vale, igual eso sí es severo).

En todo caso es un personaje que, tal y como lo describen en la película, se comporta como si fuera un chaval pero como es noble al final consigue salirse con la suya. Está bien, me gusta que hagan paralelismos con D'Artagnan en vez de copiarlo sin más (que es lo habitual).

Terje Vigen (1917)

También conocida como "A man was there".

A principios del siglo XIX Terje Vigen tuvo una hija. Los ingleses bloquearon las rutas de comercio acuáticas así que los pobres empezaron a morirse de hambre y los ricos cada vez tenían menos. Sin embargo él no podía dejar de pensar en el mar y decide salir con una pequeña barca.

Basada en un poema de Henrik Ibsen publicado en 1862. De hecho los textos que acompañan a la acción están sacados de dicho poema, mayormente.

Volvemos al cine de Victor Sjöström. Es la segunda película que veo suya tras la magnífica "Korkarlen" (1921). Aunque también apareció como actor en "Smultronstället" (1957). En esta ocasión es co-guionista y protagonista además de director.

La versión que he visto es la restaurada en el año 2005.

Los suecos no parecen querer plantar cara a barco solitario inglés, aunque probablemente en aquellos momentos no tuvieran nada a su altura. Pero aún así me da la impresión de que se rinden demasiado fácilmente. Aparte que tal y como vemos en la película mandan una barca con unos pocos hombres para intentar detener al protagonista, de haber ido unos cuantos podrían haberlos sometido fácilmente y quieras que no es una manera de al menos combatir.

El viaje entre su pueblo y la ciudad donde compra avituallamientos está a cuatro días de distancia.

El bloqueo naval inglés de 1809 fue a Noruega, no a Suecia puesto que eran aliados. La historia es una ficción situada en Suecia basada en historias de marineros, y más concretamente de un noruego que viajó en barca hasta Dinamarca.

Pero vamos, al final es lo de siempre. Los pobres son los que más sufren por culpa de unos imbéciles que quieren guerrear por los motivos más estúpidos posibles.

Es fascinante como se parece a la película danesa que vi antes que esta. En ambas el protagonista pierde a su mujer (aquí también a su hijo) por culpa de un tercero y pasados unos años se reencuentra con el tipo y decide cobrarse venganza. Aunque con un desenlace bastante diferente.

Me ha gustado, porque tiene escenas realmente buenas en el mar y porque narra una parte de la historia desde el punto de vista de los que sufrieron más. Pero también porque el final tiene poco que ver con lo que anticipa.

Klovnen (1917)

El título se traduce como "El Payaso".

Joe el payaso está saliendo con Daisy, la hija del director del circo. De casualidad un crítico teatral ve el numerito de Joe y se interesa por él. Así que se lo lleva junto con Daisy para que trabaje en un teatrillo. Pero una vez allí ella empieza a tontear con un conde y Joe les descubre.

Lo primero interesante es que al principio vemos auténticos números de circo, muy bien grabados además. Y, sí, algunos son algo más sencillos que los que se hacen hoy en día, pero no por ello dejaban de asombrar al público.

Un detalle importante es que Joe sale sin maquillaje. Lleva un traje notorio y un sombrerito, pero poco más.

En su primer número Joe toca un banjo mandolina. Y he aquí la curiosidad, desde hace unos meses estoy interesado en comprarme una mandolina, por eso he podido identificarlo fácilmente. No deja de ser un instrumento peculiar.

El segundo instrumento que toca es un arpa/guitarra. Es un instrumento bastante raro y difícil de tocar. Además el cuerpo es realmente raro porque es de una mandolina sin caja de resonancia para la parte del arpa.

Me ha gustado especialmente la escena en la que el protagonista descubre la infidelidad porque usan un espejo pero no es visible hasta el momento clave.

Ella está toda triste cuando tiene que irse de la casa de Joe pero en cuanto llega a la del conde se la ve muy alegre. Aunque le dura poco porque el conde es un pendenciero.

Me encanta como exageran los gestos, es muy teatral. Aunque dado que no podemos oír su voz es lo normal.

Una tragedia de tomo y lomo, aunque no podía esperar nada menos de una película con ese título. Me ha gustado como la narrativa se centra en los momentos clave de la historia, sin rellenos innecesarios y la parte en la que el protagonista tiene flashbacks sobre sus momentos vividos más felices.

The Little Princess (1917)

Regresemos al cine mudo.

Sara Crewe se tiene que quedar en un colegio para niñas de Londres mientras su padre se va a la guerra. Pero el día de su décimo cumpleaños recibe la noticia de que ha muerto y tiene que ponerse a trabajar en el colegio para poder pagarse los gastos.

Si mal no recuerdo esta es la tercera adaptación que veo de la obra. Siendo las otras dos “The Little Princess” (1939), con Shirley Temple, y “A Little Princess” (1995), con Liesel Matthews. Aparte existen varias series televisivas, una versión italiana titulada “Principessina” (1943) y la filipina “Sarah... ang munting prinsesa” (1995).

Protagonizada por Mary Pickford (Sara Crewe), una actriz con casi 250 títulos a sus espaldas entre 1909 y 1933. Curiosamente Shirley Temple siguió sus pasos en más de una ocasión haciendo su propia versión (sonora) de películas que había hecho Pickford anteriormente.

Estaba fijándome en que el aspecto de la protagonista era el de una niña demasiado maquillada para su edad. Bueno, pues resulta que en aquellos momentos tenía 25 años (su personaje cumple 10 años en un momento dado). Claro que medía poco más de metro y medio.

En 1919 fue una de las fundadoras de United Artists junto con Charles Chaplin, D.W. Griffith y Douglas Fairbanks. Y como dato extra fue la actriz de mayor éxito de su época, llegando a cobrar un millón de dólares anuales en un momento dado, lo cual era una burrada.

La historia que cuenta Sara a las otras niñas es la de “Ali babá y los cuarenta ladrones”.

El líder de los ladrones usa la expresión “mourning bier”. Personalmente no la había oído nunca, y no tengo excesivamente claro si tiene una traducción literal. “Mourning” es el luto y “bier” es el féretro, son dos conceptos que tienen que ver pero no acabo de entender la expresión. Por el contexto me figuro que se refiere a asesinar a toda una familia.

En todo caso he leído un comentario que decía que la parte de las mil y una noches era la mejor y empiezo a pensar que es así. Aparte de ser una historia bastante conocida incluye un par de muertes violentas y un romance.

Igual la mejor manera de comunicar la muerte del padre no era “Tu padre ha muerto, vístete de negro”. Especialmente cuando Sara estaba celebrando su cumpleaños.

La escena más peculiar es una breve animación en stop motion de unas muñecas que se mueven solas.

El final de la historia es ligeramente diferente. En las otras versiones el padre de Sara sigue vivo pero ha perdido la memoria y al final se vuelven a reunir. En esta está muerto y su mejor amigo le dice a Sara que es la heredera de un millón de libras.

Der Golem

La trilogia del Golem fue dirigida e interpretada por Paul Wegener, aunque es interesante mencionar que no fueron adaptaciones de la novela de Meyrink como algunos defienden. Tambien hubo un par de peliculas mas que se aprovecharon del lanzamiento de la pelicula original en forma de comedias, la primera fue "Der Neue Golem" (1915) y la segunda "Albert Als Golem" (1916), no me he molestado en buscarlas porque las que mas me interesan son las originales. Claro que hoy en dia resultan algo dificiles de encontrar (salvo la ultima que es tambien la mas famosa) y yo crei poseer una copia de la version de 1915 que resulto ser una copia de baja calidad de la tercera parte. De todas maneras hago una sinopsis y algunos comentarios de las dos primeras.

Der Golem (1915)

La primera parte de esta trilogia. Se la suele confundir con la tercera parte y para mas coñas el director danes Urban Gad dijo haber hecho su propia version en 1916, aunque no se ha encontrado ningun resto de dicha pelicula.

Durante años se considero perdida pero en el año 2007 hallaron un fragmento de 77 metros pertenecientes al Acto IV, fue presentado en un festival de cine junto con los 20 metros que se conservaban del Acto I. Hay un dvd que contiene ambos fragmentos pero no he conseguido dar con el. Si mas adelante lo consigo intentare comentar la pelicula mas en profundidad.

El argumento: el Golem, una estatua de arcilla moldeada por un mago ancestral, toma vida en la Praga del siglo XVI gracias al rabino Loew para proteger a los judios de la persecucion brutal por parte de los que mandaban en la ciudad. En el siglo XX encontraron al Golem en una sinagoga antigua y tras ser devuelto a la vida se convirtio en un sirviente fiel, pero acabo enamorandose de una mujer y empezo a cometer asesinatos a diestro y siniestro por un amor no correspondido.

Der Golem und die Tänzerin (1917)

Esta es la segunda parte de la trilogia, hoy por hoy se considera perdida (aunque existen rumores de que hay copias en algun pais de Europa del Este).

La pelicula esta planteada como una comedia sexual. La dirige y protagoniza Paul Wegener, al igual que las otras dos partes y tambien aparece Lyda Salmonova en uno de los papeles principales.

Lo primero es que Tänzerin se traduce como "bailarina" aunque en la pelicula se refiere a una prostituta.


El argumento: Paul Wegener acude a un cine de Berlin para ver un pase de su pelicula "Der Golem" (1915) alli tambien se encuentra Helga (interpretada por Salmonova) con una amiga y al salir del cine le confiesa a la amiga que esta enamorada del Golem, tanto que posee una estatua de tamaño real del Golem en su habitacion de hotel.

Wegener escucha lo que se dicen y decide ir a por el disfraz que de casualidad lleva en el maletero del coche y tras cogerlo se dirige al hotel, alli descubre que ella es una prostituta pero que en esos momentos se encuentra en la calle trabajando aunque le comentan que ha de volver al hotel en algun momento. El decide convencer a un empleado del hotel para que le cuele en la habitacion de Helga y alli ve la estatua y decide esconderla (casi herniandose en el proceso) y ponerse el disfraz reemplazandola.

Ella llega al hotel y tras decir "Oh mi orgulloso Golem, ninguno de los hombres que me desean pueden superar tu hombria, eres tan fuerte, tan poderoso... como deseo que pudieras volver a la vida y hacerme el amor". En ese momento Wegener se mueve y acaba acostandose con ella.

Tras una apasionada escena de sexo en la que Helga ve por fin satisfecho su fetiche el que ayudo a Wegener a entrar en la habitacion del hotel entra y descubre todo el engaño, lo cual ocasiona que la chica se enfade.

Ya se que no es un gran resumen pero dado que esta contado por alguien que la vio nos da una idea de lo ligera que era.

Der Golem, wie er in die Welt kam (1920)

La tercera y mas famosa parte de esta trilogia.

Nos encontramos en la Praga del siglo XVI, un rabino judio llamado Loew teme por un mal venidero que acecha a los judios y decide crear un Golem de arcilla y mediante hechiceria le da vida para que los proteja. Aunque se percata a tiempo de que segun la profecia el Golem se volvera contra el creador y lo desactiva. Pero un triangulo amoroso volvera a hacer renacer al monstruo sembrando el terror en la ciudad.

La persecucion de los judios esta correctamente situada pues durante la edad media en Europa tuvieron que migrar de un pais a otro a medida que les iban echando y tan solo con el beneplacito de reyes a cambio del dinero que ganaban comerciando conseguian establecerse de nuevo. Con ello conseguian un lugar donde alojarse, en un guetto, y una forma de ser reconocidos, estaban obligados a llevar un circulo en su ropa.

Y aunque la tematica de la pelicula parezca que este señalando a los judios de usar practicas ocultistas y magia negra en realidad son rituales sacados de leyendas propias del judaismo, incluso hay una corriente que las defiende.

Aunque hay que situarse historicamente en el lugar donde se origino esta pelicula para entender mejor su transfondo. Alemania, principios de los años 20, acababa de salir de la primera guerra mundial siendo la gran derrotada. Tras la abdicacion del rey y convertirse en republica el pais necesitaba recuperarse del descalabro economico y poco a poco empezo el proceso de recuperacion. Para ello habia una comunidad especialmente destacable, la judia, que ocupo puestos de cada vez mas relevancia en prensa y politica, algunos lo tildaron de la gran amenaza roja... aunque eso es otra historia. No es de extrañar que una pelicula donde se retrata los padecimientos del pueblo judio en el siglo XVI tuviera mucho apoyo en la prensa con criticas favorables haciendola famosa en breve tiempo.


Adoro el cine expresionista aleman de principios de siglo XX, es una delicia poder contemplar como cada director es capaz de enfocar sus peliculas de una manera unica pero a la vez dentro del mismo genero. En este caso vemos diversos juegos de luces y sombras, las diferentes habitaciones, los detalles de las puertas y ventanas, incluso una ciudad con un perfil muy particular.

Mientras veia la pelicula me preguntaba hasta que punto se parecia con "Frankenstein" (1931) y si Boris Karloff se fijo en la actuacion de Wegener para la forma de moverse del monstruo. He concluido que en realidad las semejanzas de actuacion son quizas lo unico en lo que realmente se parecen, aunque al Golem en realidad mas que torpe es lento. Lo demas es mas bien justo al reves:
- La creacion del monstruo: el Golem nace de la arcilla y es devuelto a la vida mediante poderes misticos, Frankenstein es un conjunto de piezas humanas unidas y su vida proviene de la ciencia.
- La motivacion para crearlo: el Golem es un defensor, su principal tarea es ayudar a su creador. Frankenstein es pura teoria llevada a la practica sin ningun tipo de pretension real respecto a que hacer con el mas alla que el puro estudio cientifico.
- La expresividad: el Golem posee una cara que habla por si misma (cosa bastante normal en las peliculas mudas) mientras que la de Frankenstein apenas gesticula en toda la pelicula.

En definitiva una de las mejores peliculas de terror de cine mudo, sin duda alguna. La pena es no poder ver la version de 1915 para poder compararlas, pero me conformo de momento.