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sábado, 28 de septiembre de 2024

3 Godfathers (1948)

Aquí la titulamos "Tres padrinos".

3 hombres llegan a un pueblo llamado Welcome, en Arizona, con intención de robar el banco. Logran su objetivo pero uno de ellos es alcanzado en un brazo y se quedan sin agua gracias a un disparo certero del sheriff. Consiguen llegar a un pozo de agua pero justo llega un tren y se queda un grupo de hombres vigilando. Así que siguen adelante sin agua y dan con una mujer a punto de dar a luz escondida. Uno de ellos la ayuda pero ella termina fallece aunque consigue pedirles que sean los padrinos de su bebé, cuyo nombre es Robert William Pedro.

Bien, los 7 títulos que van a continuación giran en torno a una misma trama. No sé si considerarlos remakes o qué, pero esencialmente es la misma historia, osea 3 hombres que han de cuidar de un bebé.

Veamos, acabo de averiguar que hay más títulos con esta trama, aunque algunas de ellas no han llegado a nuestros tiempos por desgracia. Como ya había seleccionado estas siete no voy a ponerme a buscarlas pero sí las voy a listar. Tenemos los cortometrajes "The Sheriff's Baby" (1913) y "Broncho Billy and the Baby" (1915) y las películas "The Three Godfathers" (1916), "Marked Men" (1919), "Action" (1921), "Hell's Heroes" (1929), "Three Godfathers" (1936) y "The Godchild" (1974). También hay una versión animada titulada "東京ゴッドファーザーズ" (2003) y el cortometraje animado "Hells Heels" (1930).

Esta película en concreto está basada en la novela titulada "The Three Godfathers" de Peter B. Kyne, publicada en 1913.

Dirigida por John Ford.

Con John Wayne (Robert Marmaduke Sangster Hightower), Pedro Armendáriz (Pedro Roca Fuerte) y Harry Carey Jr. (William Kearney).

Durante el rodaje John Wayne sufrió quemaduras por el sol tan graves que terminaron por hospitalizarle.

El personaje mexicano suelta bastantes frases y palabras en español, entremezcladas con el inglés.

La parte en la que leen el libro de un doctor experto en bebés es para mearse, especialmente cuando le contradicen.

El bebé que usaron (es real) era una niña, cosa que queda en evidencia cuando la untan con grasa.

Tiene algún momento graciosete pero lo que prima es el drama y la tragedia. De hecho desde el mismo momento en que se quedan sin agua uno puede anticipar que las cosas no les irán demasiado bien. Aún así no termina de una manera sencilla.

Varias cosas, para empezar se me hacía raro ver a John Wayne interpretando a un villano, sin embargo al final gira sus maneras hasta tal punto que le admiran en el pueblo del que atracó el banco. Y aún así es sentenciado, porque no deja de ser un ladrón, aunque sea sólo la condena mínima de 1 año y 1 día, lo cual va en consonancia con las leyes de Hollywood según las cuales el culpable al final de la película debe pagar por sus crímenes.

Definitivamente es muy diferente a las otras películas que nos esperan. de hecho la siguiente fue la primera que vi yo. Pasemos a ella.

viernes, 4 de agosto de 2023

16 Fathoms Deep (1948)

También conocida como "Crimen submarino".

Estamos en las costas de Florida. Ray Douglas acaba de llegar y busca un barco pesquero donde empezar a trabajar tras salir de la marina. Allí tienen buzos que se dedican a recoger esponjas del fondo marino y curiosamente la mayoría son de origen griego. Y así es como conoce a Mr.Dimitri, que es quien controla el comercio de esponjas, en esencia.

Acabo de enterarme de que existe una versión previa titulada "Sixteen Fathoms Deep" (1934) en la que también aparece Lon Chaney Jr. (Mr. Demitri) pero interpretando otro personaje. Lo que desconozco es si aparecen tiburones en esa versión, en esta al menos sale uno en el póster, lo cual promete.

Destaca también la aparición de Lloyd Bridges (Ray Douglas) años antes de destacar por su faceta cómica. De aquel entonces le había visto ya en "Sahara" (1943), en "Ramrod" (1947) y en "High Noon" (1952).

Los primeros animales marinos que vemos cerca de donde cogen las esponjas son delfines, seguidamente tortugas y, cómo no, tiburones. Con lo cual su primera aparición es realmente temprana y usan imágenes reales. Aunque tenemos que esperar casi 40 minutos para la segunda.

Y es precisamente esa segunda escena donde vemos a un tiburón atacando a un buzo, de manera muy realista además.

Me hace gracia que lo primero que hace el buzo al salir del agua es ponerse a fumar.

Tiene bastante drama pero también algunos momentos cómicos.

La acción está situada al terminar la Segunda Guerra Mundial, cosa que acababa de pasar en la vida real, eso explica por qué el protagonista es un ex-marine.

En la escena donde un sacerdote tira una cruz al agua y un montón de buceadores tratan de recuperarla Usaron buceadores griegos reales.

16 brazas ("fathoms" en inglés) son unos 29 metros. En un momento dado vemos a un marinero como se cuentan y llega a unas 40 (unos 73 metros).

Me recuerda un poco a "The Perfect Storm" (2000). Los pescadores deciden seguir buscando el lugar ideal de donde sacar esponjas porque si regresan, en esencia, perderán todo.

Me hace gracia como el saboteador decide confesar inmediatamente después de que haya una muerte. Y eso explica por qué algunos barcos fracasan en sus viajes, Dimitri está detrás de todo ello.

Me he quedado realmente intrigado si la versión anterior incluye una escena de tiburones, pero bueno es algo que he decidido dejar para el año que viene.

En todo caso me ha gustado esta película, tiene un poco de todo y siempre me gusta ver a Lon Chaney Jr. en acción. Aparte que nunca imaginé que se pudiera vivir tanta tensión en la recogida y venta de esponjas.

domingo, 28 de agosto de 2022

Oliver Twist (1948)

Pasemos a un clásico básico.

La madre de Oliver Twist murió durante el parto dejándole a merced de un par de seres crueles. Al cumplir 9 años le ponen a trabajar recogiendo estopa pero pronto se dan cuenta de que pueden sacar más beneficio haciéndole trabajar para otros. Así termina en casa de un enterrador que hace sus propios ataudes. Pero al final huye y se pone a vivir en las calles de Londres donde trabajará para Fagin quien le enseñará a robar.

Dirigida por David Lean. Conocido por títulos como "Lawrence of Arabia" (1962), "The Bridge on the River Kwai" (1957) o "Doctor Zhivago" (1965).

Del reparto destaca especialmente Alec Guinness (Fagin). Famoso por "Star Wars" (1977), "Murder by Death" (1976) y "The Ladykillers" (1955). Esta fue su segunda película tras "Great Expectations" (1946) aunque previamente salió como extra en "Evensong" (1934).

El personaje que interpreta Alec Guinness fue tachado de antisemita lo cual hizo que el estreno en EEUU se retrasase hasta 1951, que fuera prohibida en Egipto e Israel y que hubieran numerosas protestas de grupos de judíos.

Como curiosidad personal. De pequeño salí en la obra de teatro que adaptaba esta novela de Charles Dickens. Es uno de mis papeles más memorables, era el niño que hacía cola pidiendo comida número desconocido.

El arranque de la película carece de diálogos (la primera frase la dicen a los 6 minutos, poco más o menos). Es una escena con la que podrían aprender algunos cineastas modernos.

En el edificio donde empieza la historia hay mensajes escritos en las paredes con letras bastante grandes. Dicen cosas como "God is love", "God is life", "God is just", "God is truth", "God is good"... también hay pequeñas oraciones religiosas.

Su trabajo en la funeraria es de "mute", osea de mudo. En la época victoriana eran las personas a las que se les pagaba para atender los funerales como vigías.

La caracterización de Alec Guiness es magnífica. De hecho si no hubiera sabido que es él no le hubiera reconocido ni por error.

Mencionan el empleo de rotenona. Es un veneno para ratas, esencialmente, pero resulta sólo ligeramente tóxica en humanos.

Es una de esas historias que ha sido adaptada en numerosas ocasiones, sin embargo esta es la primera que veo y aún así tengo la impresión de que es la mejor. La voz y la cara de Sikes, su perro, la escena en la que Nancy espía a Fagin, las vistas de la ciudad, la parte final... no hay nada que no me haya gustado, pero esos detalles en particular me han parecido muy buenos.

Aún así no me importaría ver otra versión para comparar.

miércoles, 19 de agosto de 2020

The Pirate (1948)

Aquí la titulamos "El Pirata".

Estamos en pequeño pueblo llamado Calvados. Manuela sueña con conocer a Mack (alias Macoco el Negro) también conocido como el príncipe de los piratas, pero su tía la ha comprometido con Don Pedro Vargas, el alcalde de la localidad. Antes de que se produzca la boda ella decide ir a ver los barcos en Puerto Sebastián donde conoce a Serafin, un cómico.

Dirigida por Vincente Minnelli. Suyas son "Gigi" (1958) y "An American in Paris" (1951).

Protagonizada por Judy Garland (Manuela), conocida por "The Wizard of Oz" (1939) y "A star is born" (1954). Y Gene Kelly (Serafin), conocido por "Singin' in the Rain" (1952) y "An American in Paris" (1951). Con Walter Slezak (Don Pedro Vargas), salió en "Lifeboat" (1944).

Judy Garland estuvo enferma durante casi todo el rodaje y apenas pudo rodar. Encima fumaba cuatro paquetes de cigarrillos al día.

Como era habitual, Gene Kelly fue también uno de los coreógrafos de las secuencias de baile.

Fue un desastre en taquilla cuando la estrenaron.

La primera secuencia de baile, la de la canción "Niña", tiene una clara influencia española (la música no tanto, aunque parte de ella sea un bolero).

La canción "Be a clown" fue plagiada posteriormente en "Singin' in the rain" (1952) bajo el título "Make 'em Laugh".

Es una película muy teatral, de hecho da la impresión de que estén sobre un escenario en más de una ocasión. Y es que al tratarse de un musical no se calentaron demasiado la cabeza a la hora de recrear los lugares en los que transcurre la acción.

Es entretenida, aunque me esperaba ver una película de piratas más pura y no una comedia musical, pero vamos no me ha parecido del todo mal a pesar de lo poco que me gusta el género.

jueves, 23 de abril de 2020

Red River (1948)

Aquí la titulamos "Río rojo".

Thomas Dunson llega con un vaca y un toro a unos pastos ricos y en 14 años consigue juntar un número de cabezas inmenso pero no hay negocio en la zona así que se dispone a llevarlas a 1000 millas de distancia para venderlas.

Dirigida por Howard Hawks, aunque tuvo la colaboración de Arthur Rosson esta vez. Fue su primer western.

Protagonizada por John Wayne (Thomas Dunson), ya sólo me faltará por ver "Rio Bravo" (1959) para completar sus películas sobre ríos. Y Montgomery Clift (Matt Garth), salió en "Judgment at Nuremberg" (1961), fue su debut en el cine.

Como curiosidad es la única película en la que coincidieron Harry Carey (Sr.Melville) y Harry Carey, Jr. (Dan Latimer), osea su hijo, pero no comparten escenas.

Hay que aclarar que fue estrenada tras "The Search" (1948) pero en realidad la película estaba terminada dos años antes y se vio inmersa en unos problemas legales.

Es la película que convenció a John Ford de que John Wayne sabía actuar lo cual hizo que le diese papeles más complejos y dramáticos en sus siguientes películas juntos.

En el guión original no ponía nada de lluvias pero de repente se vieron inmersos en un temporal y John Wayne convenció a Howard Hawks para que rodase igualmente adaptando la historia a la situación.

Lo primero que me llama la atención es que lo llaman "Red River D". La D es por el nombre del rancho del protagonista. Como curiosidad al terminar el rodaje el director le regaló a John Wayne una hebilla con el logo la cual tiene mucha historia, os dejo una página en inglés donde la explican.

Es una historia típica de vaqueros (además literalmente, son criadores de vacas), pero no por ello deja de ser curioso como el tal Dunson por sus santos cojones se apropia de una tierra, matando a quienes se le oponen y aún así no es ni un asesino ni ha ido en contra de la ley. Estas son las cosas que más me chirrían de las películas del oeste, la ley es tan relativa...

El viaje es una calamidad tras otra, además de ser muy muy largo. Los que van con el protagonista van tramando cosas por su cuenta desde bien temprano pero hasta que las cosas no se ponen realmente mal no hacen nada.

viernes, 24 de enero de 2020

The Amazing Mr. X (1948)

También conocida como "The Spiritualist"

El señor Alexis dice ser un vidente. Christina Faber es una mujer que está experimentando apariciones de su marido fallecido años atrás y decide acudir a él, aunque Janet, la hermana de ella, y David, su prometido, creen que es todo una patraña y por ello deciden investigarlo.

Es otra de esas películas que pasó a ser de dominio público porque no renovaron el copyright, con la consecuente pérdida de calidad posterior debido a las copias sin control. La versión que vi está solo un poco deteriorada, aunque se puede ver bien.

No sabría decir qué me incitó a ver esta película. Si tuviera que apostar diría que fue lo del espiritista.

El adivino o vidente tiene un cuervo, me imagino que es una referencia a Edgar Allan Poe.

En realidad el tipo no viene a ser más que un ilusionista. Usa trucos de magia para hacer creer cosas a sus... clientes.

La ventaja de que sea en blanco y negro es que pueden hacer edición de imagen para lograr efectos "fantasmales". Es lo más interesante de la película. También juegan con lentes como la del ojo de pez.

Lo peor es su final, creo que se olvidan demasiado rápido de que el tal Alexis era un timador.

Aunque en realidad no me quedó excesivamente claro qué es lo que buscaba (supongo que dinero) ni tampoco qué sucedió con su socia a la que vemos aparecer a mitad de la historia sin más.

No me ha parecido mala pero he echado en falta un poquito más de trama porque la resolución es bastante abrupta.

viernes, 11 de octubre de 2019

Rope (1948)

Entrada 3900:

Nos acercamos poco a poco a otro cambio de cifra importante y con ello tendré que pensar algo especial para celebrarlo. Por suerte calculo que hasta Enero no sucederá, así que hay tiempo. Y si no se me ocurre nada improvisaré, como siempre.

Por mi parte pocas novedades, ya tengo el título de principiante de Ruso y sigo aprendiendo, ahora las cosas empiezan a ponerse realmente serias y voy a tener que hincar un poco los codos.

No he cambiado nada en el blog desde hace ya algún tiempo. Sigo arreglando alguna que otra entrada vieja cuando me aburro, pero poco más. Estoy tratando de pensar a largo plazo y puede que el año que viene lo empezaré con un especial de series hasta que me aburra. De momento quiero alcanzar la media de 2 entradas diarias durante todo un año (cosa que va genial de momento).

Hablemos del título que he elegido. He de decir que esta vez ha sido una decisión fácil porque la mayoría de títulos que tenía más a mano eran bastante flojetes así que he ido a lo seguro.

La vi por primera vez cuando iba a la universidad, en aquella época salió una colección en VHS de películas de Alfred Hitchcock las cuales devoraba leyendo todo tipo de curiosidades en los fascículos que las acompañaban. Ya en aquella época me fijaba en las cosas peculiares que veía en las películas, que no eran pocas.

Sin más os dejo con...

Rope (1948)

Aquí la titulamos "La soga".

Phillip y Brandon asesinan a David a sangre fría y ocultan su cadáver en un cofre que se encuentra en su salita de estar. Todo ello sucede momentos antes de la fiesta que han organizado en su apartamento.

El origen es una obra de teatro del año 1929 que tuvo una adaptación en una película televisiva británica titulada "Rope" (1939).

La principal característica de esta película es su estilo teatral y la sensación de absoluta continuidad, como si fuese todo una toma. La realidad es que son 10 escenas muy bien coordinadas. Hitchcock se inspiró en la película de 1939 para crear lo de la toma continua falsa.

Hay varias razones por la que no es todo una toma, por ejemplo que las cintas que tenían para grabar no daban tanto de sí.

Además tuvieron varios percances. Los más notables son el cámara que se rompió un pie cuando un dolly le pasó por encima y la mujer que coloca las gafas sobre una mesa y se caen y un ayudante tuvo que recolocarlas fuera de cámara a toda prisa. Las tomas en las que sucedieron ambas cosas permanecen en la versión final.

Otra peculiaridad es que se trata de la primera película de en color de Alfred Hitchcock.

Fue prohibida en algunas ciudades norteamericanas porque se podía entender una relación homosexual entre Phillip y Brandon. Según el guionista Arthur Laurents en la obra original la relación era entre Rupert Cadell y uno de los dos asesinos, aunque era algo que pasó tiempo atrás.

Es la única película de las que hizo James Stewart (Rupert Cadell) con Hitchcock que no le gustó al actor. Sinceramente no acabo de comprender la razón.

El director hace uno de sus clásicos cameos nada más empezar caminando por la calle junto a una mujer y en una escena se ve la silueta de su rostro de fondo, es un neón de color rojo que parpadea (es cuando el padre de David se dispone a marchase).

La introducción dura 2 minutos 25 segundos, a partir de ese momento la cámara permanecerá en el mismo lugar, el apartamento de los protagonistas. Es la única parte en la que llegamos a ver a David, la víctima.

De hecho David hizo aparición en el tráiler de la película que mostraba una escena grabada adrede en la que salía sentado en el parque con Janet antes de ir a ver a Phillip y Brandon.

Hay que tener en cuenta que salvo la introducción todo el resto está grabado en un plató. El detalle más interesante es fijarse en lo que se ve a través de las ventanas, cómo va cambiando el color del cielo y la iluminación y cómo lograron esa sensación de profundidad poniendo "edificios" más cerca (en los que podemos apreciar como sale humo de sus chimeneas) y otros más lejos (en los que hay unas pocas luces que se encienden y se apagan además de los carteles luminosos).

Para grabar el sonido de la sirena de policía Hitchcock puso un micrófono e hizo que una ambulancia viniese desde varias manzanas de distancia a toda velocidad hacia el edificio de la Warner, el micrófono estaba colgando de la puerta del estudio.

Sigo pensando que es una de las mejores películas de Alfred Hitchcock. Es todo minimalista pero cargado de detalles y la manera en la que evolucionan los dos asesinos y el Sr.Rupert es fantástica.

sábado, 28 de septiembre de 2019

Fort Apache (1948)

Otra de vaqueros.

El Teniente Coronel Owen Thursday es el nuevo comandante en jefe de Ford Apache, situado en medio del desierto. Allí llega junto a su hija Philadelphia quien pronto hace buenas migas con el joven Teniente de segunda Michael Shannon O'Rourke.

Otra más de John Ford y John Wayne (Capitán Kirby York). Junto a ellos tenemos a Henry Fonda (Teniente Coronel Owen Thursday), conocido por "The Grapes of Wrath" (1940). Shirley Temple (Philadelphia Thursday), conocida por "The Little Princess" (1939). Y Pedro Armendáriz (Sargento Beaufort), salió también en "From Russia with Love" (1963).

Una de las primeras películas de Shirley Temple como adulta. Además estaba embarazada durante el rodaje y se preocupó mucho por si su corset estaba demasiado ajustado o si tendría problemas por montar a caballo.

El director la tomó con John Agar (Teniente de segunda Michael Shannon O'Rourke), el entonces marido de Shirley, criticando la manera en la que interpretaba y su falta de experiencia montando a caballo. Un día el actor se enfadó tanto que estuvo a punto de abandonar la filmación pero John Wayne le ayudó a calmarse.

Además Ford tampoco estaba demasiado contento con la joven Shirley, le echaba en cara de forma frecuente su falta de educación.

La primera de la Trilogía de la Caballería que hizo John Ford. Las otras dos fueron "She wore a yellow ribbon" (1949) y "Rio Grande" (1950), todas protagonizadas por John Wayne.

En la versión doblada al castellano te sueltan un "Jorge Washington" y se quedan tan anchos. Qué mal suena. De hecho es un mal doblaje, hay bastantes ratos donde el volumen de las voces no acaban de encajar con la situación.

A pesar de que el título parece indicar que será una historia centrada en el enfrentamiento del ejército americano y los apaches hasta pasada casi una hora (de las dos que dura) no vemos la primera aparición de los indios.

Eso quiere decir que durante la primera mitad sólo vemos los flirteos de Philadelphia y O'Rourke, el entrenamiento de los nuevos reclutas y algún que otro momento de esparcimiento con canciones y/o bailes. Y la segunda mitad consiste en un pulsito entre los indios y el ejército.

El enfrentamiento final empieza con una auténtica masacre, principalmente porque el comandante se confía y decide atacar de frente... en un cañón donde los indios les tienden una emboscada.

Es una película un tanto extraña, el enfrentamiento en realidad no es necesario, sucede porque el comandante se empecina en ello pero como se ve al final lo lógico hubiera sido seguir la vía pacífica.

Definitivamente las películas de Ford me han sorprendido mucho, aunque juega con los elementos más básicos del género western consigue darles un toque único y diferente.

jueves, 15 de agosto de 2019

Hamlet (1948)

A ver qué tal es esta versión.

Estamos en Elsinor, Dinamarca. Dos guardias dicen haber visto dos veces una aparición extraña mientras hacían guardia. Se trata de Hamlet, el rey recientemente fallecido, pero esa misma noche está con ellos Horatio cuando sucede y prontamente va a comunicárselo al príncipe y él decide ir esa misma noche para comprobarlo.

Fue la primera adaptación sonora de la obra de Shakespeare. También fue la primera de fuera de EEUU en ganar el Oscar a Mejor Película. Y la primera vez que el director es el protagonista y además se lleva la estatuílla a Mejor Actor.

También fue la primera de las 24 en las que coincidieron los actores Christopher Lee (Spear Carrier) y Peter Cushing (Osric).

Es curioso ver cómo la película empieza con los créditos de la gente que trabaja detrás de las cámaras para luego presentar a los actores y, finalmente, al director Laurence Olivier (Hamlet).

Una de las mayores críticas que recibió en su día es la falta de los personajes Rosencrantz y Guildenstern. Tampoco aparece el príncipe de Noruega, Fortinbras, sus líneas de diálogo las dice Horatio.

Las actuaciones al principio son realmente intensas, tanto que rozan la comedia.

Trataron de "suavizar" la manera de hablar del texto original, aún así para alguien que hable poco inglés debe ser un infierno de entender. No es sólo el vocabulario, es una manera de hablar casi poética.

Su frase más famosa, "Something is rotten in the state of Denmark", aparece al poco de comenzar.

La voz espectral del padre es la de Laurence Olivier ralentizada.

Me he percatado de ciertos detalles curiosos. Por ejemplo que el rey nuevo, el hermano del muerto, viste de manera parecida a Rowan Atkinson en su sketch de los personajes de la corte. O que la música de fanfarria que suelen usar en las películas paródicas suena en numerosas ocasiones.

Aunque esté basada en una obra teatral el trabajo de cámara es remarcable. Me ha gustado especialmente el travelling que hace justo antes del soliloquio que empieza con "To be or not to be...".

Es una tragedia de tomo y lomo con más muertes de las que anticipaba a medida que avanza la película. Curiosamente podían haberla grabado en color pero Olivier estaba en contra y lo cierto es que hubiera perdido muchísimo, así enfatiza mucho más la atmósfera creada.

Es un poco dura de ver en VO pero no he tenido excesivos problemas siguiendo los diálogos, lo cual es mucho decir ya que dura más de 2 horas y media. Me ha gustado mucho a pesar de que no puedo compararlo ni con la obra original ni con las representaciones de teatro pues es la primera vez que la veo y, aún así, entiendo lo influyente que llegó a ser.

jueves, 12 de enero de 2017

The Treasure of the Sierra Madre (1948)

Aquí la titulamos "El tesoro de Sierra Madre".

El año es 1925, el lugar Tampico, México. Dobbs es un americano sin dinero ni trabajo que malvive pidiendo, en la calle conoce a Curtin, otro que está en su misma situación. Ambos deciden invertir el poco dinero que les queda junto con un viejo llamado Howard en busca de oro en algún lugar remoto y peligroso.

Basada en la novela homónima de B.Traven, un autor bastante misterioso que vivía en México alejado de todo el mundo. Según Evelyn Keyes, la entonces esposa de John Huston, en realidad se trataba de Hal Croves, el encargado de traducirla al inglés, aunque es algo que a día de hoy se sigue sin saber con certeza.

Protagonizada por Humphrey Bogart como Dobbs, es uno de sus grandes títulos. Walter Huston es Howard, salió también en "And Then There Were None" (1945) y en "Duel in the Sun" (1946). Tim Holt es Curtin, conocido por "Stagecoach" (1939) y "The Magnificient Ambersons" (1942). Bruce Bennett es Cody, salió en "Sahara" (1943) y en "The Alligator People" (1959). Barton MacLane es McCormick, conocido por la serie "I Dream of Jeannie", salió en "The Maltese Falcon" (1941). Alfonso Bedoya es Gold Hat, gracias a este papel se metió en el cine estadounidense.

Walter Huston, el padre de John Huston, ganó el Óscar al actor de reparto y John lo ganó por la dirección. Fue la primera vez que un padre y un hijo ganaban uno el mismo año. Humphrey Bogart dijo al respecto de trabajar con ambos "One Huston is bad enough, but two are murder".

Una curiosidad sobre Walter Huston es que no sabía hablar español así que contrataron a un mexicano para que grabase sus líneas y él las memorizó y lo hizo tan bien que algunos creyeron que lo hablaba fluidamente. Lo cierto es que hay frases que las clava, pero a partir de mitad película habla demasiado rápido y algunas palabras no las pronuncia bien, aun así me parece una gran labor.

Por otra parte Alfonso Bedoya tenía un fuerte acento mexicano lo cual dificultó la grabación de algunas frases en inglés porque quedaban mal sonantes. He de decir que esto no lo he notado tanto, estoy más acostumbrado a oir mexicanos hablar en inglés supongo.

Humphrey Bogart estaba totalmente calvo al llegar a México. Fue debido principalmente por las hormonas que se inyectaba tratando de dejar embarazada a su esposa, Lauren Bacall. Algunos opinan que el exceso de alcohol y la falta de vitamina B influyeron también en ello. Durante el rodaje usó una peluca muy bien hecha para disimularlo.

John Huston le gastó una de sus famosas bromas a Bruce Bennett. En la escena en la que come un plato de estofado su personaje tenía mucha hambre así que debía comer muy rápido. Y así lo hizo, pero Huston pidió otra toma y luego otra más. En realidad la primera fue buena pero quería ver cuanto podía tragar. Para rematar el chiste tras revelárselo al actor hizo una pausa para ir a comer.

Gastó otra a Humphrey Bogart. En la escena en la que tiene que buscar bajo una roca el oro escondido tras advertirle que había un lagarto venenoso el director puso una trampa para ratones. Al meter la mano y activarla dio un salto enorme del susto.

Humphrey tuvo la oportunidad de sentarse en la silla de director en una escena en la que Huston hace un cameo. Concretamente hace de un turista americano. El actor se desquitó con el director a base de repetir la toma una y otra vez.

Luego juntos gastaron otra broma a Alfonso Bedoya. Se percataron de que siempre era el primero en salir hacia la zona de comida cada vez que era la hora así que le pusieron pegamento en su silla de caballo y justo antes de la comida Huston le pidió que se sentase en ella para unas tomas. Llamaron para comer y el actor no pudo bajar, al final tuvieron que cortar los pantalones para que pudiese salir.

Tim Holt quizás sea un nombre que no os suene sin embargo fue un actor de cine del oeste bastante famoso en su día con decenas de títulos. Incluso tuvo un cómic homónimo con 41 números y una continuación con el nombre "Red Mask" con 54. Dichos cómics tienen la peculiaridad de ser la primera publicación de "Ghost Rider" (el motorista de Marvel, cuando cavalgaba en caballo). Concretamente el número 11 de "Tim Holt" (1949) fue el primero y el número 50 de "Red Mask" (1955) fue el último de esta serie, paralelamente en 1950 tuvo también su cómic propio.

Una de las primeras películas norteamericanas grabadas casi enteramente fuera del país. En su estreno fue un fracaso pero gracias al apoyo de la crítica logró recaudar más de lo que había costado, hoy en día es considerada una de las imprescindibles.

Sirvió de inspiración a Paul Thomas Anderson cuando hizo "There Will Be Blood" (2007) y a Steven Spielberg en la creación del personaje de Indiana Jones. Sam Raimi, Vince Gilligan y Stanley Kubrick dijeron que esta es su película favorita.

La escena del tren en la que les asaltan y se ponen a disparar me ha recordado mucho a la película "The Mummy" (1999) cuando los americanos empiezan a disparar en el barco.

También me recuerda a "City Slickers" (1991), en concreto cuando encuentran "oro" por primera vez y el viejo se mofa de ellos por malgastar el agua.

Desconocía que "norther" en inglés fuese un viento frío o tormenta que proviene del norte. De hecho es una palabra que sólo conocía por ser el nombre de un grupo finés. Que ya es curioso que hablen de vientos fríos cuando se pasan la mayor parte del tiempo padeciendo calor.

Me gusta el personaje del viejo, es el único que sabe lo que hace y no se deja amedrentar por nada aunque tampoco hace estupideces. Por otra parte Dobbs es muy cansino con sus ímpetus y sus paranoias.

Algunos no la consideran un western. Sin embargo vemos un asalto a un tren, los típicos revólveres de 6 balas, bandidos mexicanos, zonas desérticas, incluso los burros y los mineros entrarían dentro de los tópicos del género. Sí, la acción transcurre en 1925 en México, pero se puede encasillar perfectamente como una película del oeste más.

El final es perfecto, de hecho es lo que más me ha gustado. Y entiendo que ganase el Óscar Walter Huston, por lo que sé aportó mucho al personaje y se nota. También me ha gustado mucho Tim Holt.

En fin, otro título clásico más al bote. Pasemos a la siguiente.

martes, 12 de enero de 2010

Bud Abbott Lou Costello Meet Frankenstein (1948)

No he podido resistirme a ver la ultima pelicula XD.

Willbur y Chick (Abbott y Costello) trabajan en una empresa de envio y recepcion de paquetes, les llega un cliente muy exaltado exigiendo dos cajas que deberian haber llegado, tras comprobarlas el cliente les dice que se las lleven a su lugar de trabajo, un museo de los horrores. Las llevan y al abrirlas descubren el ataud de Dracula y el cuerpo de Frankenstein pero antes de que se den cuenta desaparecen y Abbot y Costello han de pasar un dia en la carcel. Mientras tanto el hombre lobo intenta ponerse en contacto con ellos.

Es una pelicula de cachondeo pero tenemos a Bela Lugosi haciendo de Dracula, a Lon Chaney haciendo de hombre lobo y a Glenn Strange haciendo de Frankenstein (por primera vez no solo actua en los ultimos 5 minutos de pelicula) y estan a la altura de sus papeles.

Te ha de gustar el humor de Abbott y Costello para disfrutarla, esto es Abbott el miedica que en cuanto tiene un ataque de panico se pone a gesticular sin poder hablar y Costello en plan serio sin hacer el mas minimo caso de Abbot. Personalmente me hacen gracia asi que me he reido un rato XD.

En fin, nada mejor que una nota de humor para poner punto y final a esta serie de peliculas, yo me quedo con las primeras de cada monstruo y el enfrentamiento entre frankenstein y el hombre lobo, el resto no me parecen mal pero los personajes no tienen la misma fuerza.

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