Baffled! (1972)

De esta sé poco a priori.

Un campeón de carreras estadounidense está atormentado por intensas visiones de una mujer estadounidense en peligro en una mansión inglesa. Una experta británica en percepción extrasensorial y ocultismo cree que sus visiones se harán realidad y le pide que la ayude a investigarlas.

Está protagonizada por Leonard Nimoy (Tom Kovack). Al menos intentó salirse de su papel de Mr.Spock en "Star Trek".

Se trata de un episodio piloto de una serie que nunca llegó a progresar.

Los créditos de inicio son muy televisivos. Aunque no tengo excesivamente clara la premisa de la serie viéndolos. En esencia Nimoy tiene visiones y una mujer, a la que apenas conoce, es su "experta" en temas peculiares (y parece que hay una relación romántica entre ellos, para complicar un poco más las cosas).

Algunas de las visiones del protagonista van acompañadas de música estridente e imágenes a cámara lenta, lo cual no es un gran problema salvo que se empeñan en mostrar al tipo "volando" (cayendo o siendo arrojado por los aires), y eso queda bastante cutre.

Es todo muy paranormal, pero a la vez muy mundano. Con lo cual no sé hasta qué punto hay un "ente maligno" implicado, o, simplemente, es un hombre.

Pero creo que su principal defecto es que los dos investigadores no son especialmente interesantes. Las visiones son una manera muy conveniente de hacer avanzar la trama, y que el tipo sea un piloto de carreras también. Me imagino que en cada episodio tendría una persecución a toda velocidad.

Como película es bastante flojita, no paro de ver cosas que no acaban de funcionar. Comprendo por qué se quedó en un piloto.

Mutiny on the Buses (1972)

Un año tardó en llegar.

Stan le pide matrimonio a una chica llamada Susy, accidentalmente, y ella empieza a exigirle cosas, como que consiga un piso donde poder vivir los dos juntos, a solas.

Las escenas "sexuales" están a la altura de las de la serie "'Allo, 'Allo!", para que os hagáis una idea.

A Blakey le apodan "Hitler" (quiero pensar que es por el bigote ridículo) en la serie, en la anterior película no lo dijeron pero en esta sí.

En los autobuses de dos pisos ingleses tenemos al "driver", que es quien conduce, y el "conductor", que es el que se encarga de cobrar los pasajes, osea el revisor.

Ignoran lo que sucedió al final de la primera película en la que Blakey dejaba de ser "inspector" a tener un cargo más importante, no sé la razón (quizás lo expliquen en la serie). Y las mujeres ya están integradas entre los conductores.

Lo del nuevo control vía radio en realidad proviene de la serie. Concretamente del octavo episodio de la tercera temporada, estrenado dos años antes.

Creo que la parte más peculiar de estas películas es la actitud tan abierta que tienen. Por ejemplo, Susy besa apasionadamente a varios hombres, incluido el cuñado.

Esta segunda película sí parece un conjunto de sketches, o mini-tramas, porque el tema global es la boda (y la aparición del nuevo jefe, Mr.Jenkins) pero la van dejando en segundo plano. Tenemos al cuñado perdiendo el trabajo y aprendiendo a conducir primero y convirtiéndose en conductor después. Luego lo del incendio, unido a los cuernos del cuñado. Y por último el nuevo autobús turístico.

Al final Susy le devuelve el anillo, transfieren a Mr.Jenkins, Blakey es ahora el "conductor" de Stan y su hermana vuelve a quedarse embarazada.

Apuesto que ignorarán todas esas cosas en la tercera película. Habrá que comprobarlo.

Considero que las dos primeras películas tienen más o menos el mismo nivel de humor, esta es quizás un poco más caótica.

Sisters (1972)

Más títulos aleatorios.

Estamos en Staten Island. Una reportera llamada Grace es testigo de un asesinato en la casa de su vecina, una modelo llamada Danielle. La policía no cree su historia así que tendrá que resolverlo por su cuenta.

Dirigida y co-escrita por Brian De Palma.

Un reparto encabezado por Margot Kidder (Danielle Breton/Dominique Blanchion), con Jennifer Salt (Grace Collier), Charles Durning (Joseph Larch) y William Finley (Emil Breton).

Sé que la vi hace muchos muchos años, pero apenas la recuerdo Sólo que me gustó mucho.

Al negro le dan como premio de consolación una cena para dos en un local llamado "The African Room". Es para mearse.

Margot Kidder aparece semidesnuda al poco de empezar la película, al llegar a casa se le puede ver el pecho desnudo brevemente. Más adelante vemos con más claridad sus pechos.

El uso de la pantalla partida sirve un propósito claro, mostrar lo que sucede a la vez en dos sitios diferentes, pero en este caso va un pelín más allá dándonos el punto de vista del asesinado y de la testigo, por ejemplo. Me gusta, pero no lo veo necesario en todas las partes donde lo usan.

La enésima película donde la policía es tan inútil que en vez de investigar la posibilidad de un asesinato se ponen a discutir con la persona que lo denunció, sólo por ser una reportera que los dejó en mal lugar. De verdad, esa cabezonería por no creerla me resulta absurda, resulta incluso irritante a medida que avanza la historia.

La madre de Grace es también irritante, pero de una manera divertida. Ella sí me gusta.

Se podría decir que tiene mucho de Hitchcock, pero no sería del todo correcto. Sí hay elementos que podrían recordar a alguna de sus películas, pero es un planteamiento bastante más claro, de cara al espectador especialmente, y el suspense gira en torno a cómo logrará la periodista demostrar el crimen, el cual sí sabe que se ha cometido, pero no la creen.

Resulta gracioso que el investigador privado use como tapadera la empresa "Acme Window Washing". Ni que fuera el coyote contra el correcaminos. Luego lo cambia por "Ajax Exterminators".

De la forma en la que lo plantean sí da la impresión de que haya sólo una persona, por ejemplo durante la conversación que mantienen nunca llegamos a verlas a las dos. El problema es que en el asesinato vemos dos personas, en dos lugares diferentes.

Me cae bien la germófoba. Me recuerda mucho a la pandemia.

La parte de la hipnosis inducida por drogas es realmente buena.

Me fascina comprobar que hay una diferencia clara entre el aspecto físico de Danielle y el de Dominique, a pesar de ser la misma actriz. Y el mismo personaje, vaya.

Tiene dos partes geniales, la del asesinato y la de la "pesadilla" (o recuerdo). La primera es bastante fuerte y la segunda es muy vívida, muy real. Gran película, como todas las de DePalma.

Especial 7000:

Me veo forzado a hacer una paradiña a pesar del buen ritmo que llevo, y eso que las miniseries me cuestan bastante de comentar.

Respecto al blog he actualizado las páginas dedicas a Marvel y DC porque las tenía bastante descuidadas (no sólo me refiero a su contenido, también he mejorado el código fuente).

Me he percatado de que ha sido uno de los años más prolíficos en el blog, incluso podría superar el que más entradas tuvo, ya veremos. No ha sido algo premeditado, de hecho si no fuera por los cortometrajes hubiera sido un año de lo más normal.

Por cierto, una cosa que me encantaría hacer algún día es poner más etiquetas en las entradas viejas, pero me da un perezón enorme porque la montaña se está haciendo ya realmente alta.

Respecto al especial de Marvel y DC este año está yendo muy bien, de hecho ya he empezado a apuntar títulos para el año que viene.

Y el título elegido es una auténtica rareza. Si será raro que literalmente no existe, no os digo más, pasemos a ella.

The Day the Clown Cried (1972)

Esta es realmente especial.

Helmut Doork es despedido del circo a pesar de su pasado glorioso. Tras emborracharse se burla de Hitler frente a unos agentes de la Gestapo y le envían a un campo de prisioneros. Allí se niega a hacerles numeritos a los prisioneros, cosa que les enfurece. Finalmente cede a su presión pero el acto es un fracaso, sin embargo cuando está repitiéndolo a solas oye a unos niños judíos riéndose y eso le anima a seguir haciendo el acto, provocando que su audiencia crezca. Un guardia le fuerza a parar, él no lo hace y le encierran en una celda. Al día siguiente termina metido en un camión con varios niños judíos y les envían a Auschwitz.

Dirigida y protagonizada por Jerry Lewis (Helmut Doork). Se tiró 10 años desarrollándola, llegó a poner dinero de su propio bolsillo para poder terminarla. Perdió 16 kilos para su papel.

El principal problema que tuvo a la hora de lanzarla es que combina comedia y el holocausto. Sin embargo posteriormente han habido varios títulos con las mismas temáticas que sí nos han llegado sin problemas.

En el año 2008 le preguntaron cuando sacaría la película y contestó de manera impertinente.

La única copia que existe de esta película la tiene el director. Tras su fallecimiento en el 2017 esperábamos que cumplieran su promesa de mostrarla en Junio del año 2024, pero no ha sucedido ni hay planes para hacerlo.

Patton Oswalt se hizo con el guion y se dedicó a hacer representaciones en vivo con sus amigos haciendo diferentes papeles, dejó de hacerlo cuando Jerry Lewis le mandó una orden de cese.

Dicho lo cual, ¿qué poseo yo? Obviamente no es la película sino un vídeo en el que la recrearon usando el guion, aunque con sólo un tipo interpretando todos los papeles. He de decir que no es la primera entrada de este estilo en el blog, pero probablemente sea la película jamás estrenada más famosa.

Existen varios vídeos similares, uno de los más conocidos dura una media hora, el que poseo dura 100 minutos. Viene a ser como lo que hizo Patton Oswalt, poco más o menos.

Aparte he visto unas 200 imágenes del rodaje y de la propia película (son las que usé para acompañar esta entrada), para hacerme una idea más concreta del aspecto del protagonista y de su entorno, casi todas en color.

Y es que creo que la película original es en color, la versión que he visto es en blanco y negro y he de decir que le pega mucho más.

La historia en sí es bastante dura. Todo por lo que pasa el protagonista es muy dramático, unido al hecho de que se encuentra en Alemania durante la Segunda Guerra Mundial, claro.

Las leyes alemanas en aquel momento eran realmente duras, si pillaban a alguien insultando a Hitler podía terminar en la cárcel y de allí sólo habían tres maneras de salir, o bien mediante la ejecución, o bien porque conseguían ser liberados gracias a algún contacto de alto rango dentro del partido nazi (o alguna amistad y aún así era complicado), o los enviaban al frente dentro de un grupo que, en esencia, arriesgaban sus vidas para que no muriesen los soldados nazis y casi siempre morían. Y eso si no eran judíos, en ese caso iban directamente a un campo de concentración.

Eso sí, todo estaba perfectamente documentado.

En fin, ver la película así ha sido todo un sufrimiento. Está grabada en modo amateur, el tipo que interpreta todos los papeles no es un gran actor, exagera bastante en algunos momentos, además cuando hace un plano-contraplano es bastante cutre. De hecho todo es horrible.

Pero aún así ha merecido la pena verla, aunque sea así. Ojalá algún día podamos ver la película original.

ユキの太陽 (1972)

También conocido como "Yuki's sun".

Yuki es una niña de 10 años que fue abandonada en un orfanato al poco de nacer. Su única posesión es una cruz de madera que lleva colgada en el cuello. Un día fue adoptada por una familia rica, pero fue algo efímero y pronto se encontró de nuevo en la calle. Desde ese momento se dedicó a buscar a su verdadera madre.

Su duración es de 5 minutos.

Dirigido y coescrito por Hayao Miyazaki. En realidad antes de esto había dirigido 15 episodios de la serie "Rupan Sansei".

Está basado en el manga homónimo publicado entre 1963 y 1969.

Normalmente este tipo de producciones las hubiera puesto con la animación pero dado que encaja tan bien en este recorrido decidí dejarlo.

Originalmente era el capítulo piloto de una serie de animación que no llegó a cuajar.

Se asemeja bastante a "Haha o Tazunete Sanzenri", la serie de Marco. También tiene cosas de "Arupusu no Shōjo Haiji", osea la de Heidi.

El nombre de Yuki en japonés significa también nieve, por ese motivo es tan común.

Más que un cortometraje parece un tráiler. No sé muy bien por qué no funcionó, la animación es bastante buena (bueno, no es lo mejor de Miyazaki, pero está bien). Y la historia tiene un buen planteamiento. A saber.

Fritz the Cat (1972)

Pasemos a algo en idioma anglosajón.

Estamos en los años 60. Fritz es un gato que sólo quiere follar e ir de fiesta en fiesta, pero la represión policial y la vida monótona en la universidad hacen que decida irse a explorar el mundo. Así es como termina en San Francisco donde será partícipe de orgías, empezará una revolución e incitará a la rebelión en las calles.

No podía faltar una visita al cine de animación de Ralph Bakshi. Y además esta vez es uno de sus títulos más conocidos.

Basada en el cómic homónimo de Robert Crumb que empezó a ser publicado en 1965. El nombre del gato originalmente era Fred. En 1972 el autor decidió matar al personaje porque estaba disconforme con esta película.

De hecho desde entonces ha denegado el permiso para usar sus creaciones en películas hasta hace poco. Más concretamente ha sido su personaje Mr.Natural en la película "Chip 'n Dale: Rescue Rangers" (2022), la cual voy a ver próximamente.

Tuvo una secuela titulada "The Nine Lives of Fritz the Cat" (1974) en la cual no se involucraron ni el autor de los cómics ni Bakshi (aunque algunas fuentes lo citan a él como director erróneamente).

Fue la primera película animada en recibir una calificación X en EEUU. Aunque técnicamente es la calificación que en 1990 pasaría a ser NC-17. No hay pornografía y de hecho trataron de hacer que la cambiasen pero no hubo manera. Posteriormente Bakshi dijo que en "The Simpsons" se ve prácticamente lo mismo que en su película.

Tuvo un éxito tal que aún hoy en día sigue siendo la película de animación independiente que más dinero ha recaudado. Ha generado unos 90 millones de dólares con un costo de unos 700.000.

La animación fue creada de manera artesanal para reducir costes.

Hay dos referencias a Disney. Primero vemos las siluetas de Mickey Mouse, Minnie Mouse y Donald Duck animando a las fuerzas aéreas de EEUU mientras lanzan napalm en el vecindario negro durante la revuelta. Y en la segunda vemos a Fritz soñando con un felino desnudo de color rosa, en referencia a los elefantes rosas de "Dumbo" (1941).

Los cerdos policías se llaman Robert y Ralph, en referencia Robert Crumb y Ralph Bakshi. Son extremadamente estúpidos y violentos.

Me ha hecho mucha gracia la parte de las tres tipas tratando de impresionar a un negro para ser rechazadas porque es gay. Y que luego terminen con Fritz montándoselo en la bañera de un tipo que eventualmente decidirá unirse organizando toda una orgía improvisada en la que él no participa.

Cuando los policías entran en la sinagoga y les oyen rezar en hebreo y uno dice "No entiendo lo que dicen, ¿qué son? ¿puertorriqueños?" es para mearse también. En esa misma escena se oyen unos tiroteos y explosiones en la radio y el comentarista dice "interrumpimos la guerra entre Israel y los árabes para emitir un comunicado...", podría ser algo que sucede ahora mismo, de hecho lo que dice es que el presidente de EEUU va a enviar más armas a Israel.

Cuando Fritz habla de los estudios parece que esté recitando la letra de la canción "La Cultura" de Kortatu.

No hay escenas de sexo explícito pero si abundantes desnudos y escenas donde meten mano a alguna mujer.

Para la escena del bar de Harlem, Bakshi fue al parque de la plaza Washington e invitó a unos cuantos militantes y activistas negros al estudio de grabación. Una vez allí les dijo que hablasen de lo que quisieran, editó las conversaciones y las usó tal cual en la película.

La idea original era matar a Fritz al final (de hecho la última escena está ligeramente alterada, se nota que era esa la intención) pero el productor se opuso porque quería hacer una secuela si esta tenía éxito. Y de hecho es quien la hizo.

En todo caso es un reflejo de lo que fueron los locos años 60, con sus drogas, sexo y manifestaciones que terminaban en matanzas. No creo que vea la secuela, al menos no es algo que me plantee hacer próximamente.

Kara Murat: Fatih'in Fedaisi (1972)

Creo que el título se traduce como "Kara Murat el guerrero de Fatiha".

Nos encontramos en la época de las guerras otomanas en Europa. Mehmed II el conquistador encabeza a los otomanos y Vlad el empalador a los valacos. Tras años de combate Mehmed decide enviar a un guerrero llamado Kara Murat para que acabe con Vlad de una vez.

Se trata de la primera película de Kara Murat, y tuvo un montón de secuelas. Más concretamente la siguieron "Kara Murat: Fatih'in Fermani" (1973), "Kara Murat: Ölüm Emri" (1974), "Kara Murat: Kara Sövalyeye Karsi" (1975), "Kara Murat: Seyh Gaffar'a Karsi" (1977), "Kara Murat: Denizler Hakimi" (1977), "Kara Murat: Devler Savasiyor" (1978), "Kara Murat: Mora'nin Atesi" (2015) y "Fatih'in Fedaisi Kara Murat" (2015).

Salvo las dos últimas todas fueron protagonizadas por Cüneyt Arkin (Kara Murat/Murat'ın ağabeyi). Es casi una obligación ver una película suya cada vez que hago una visita al cine turco.

En su primera aparición Vlad empala a un hombre y le arranca el corazón a su esposa, todo ello delante de la hija pequeña.

Es todo muy peliculero. Los tipos que van conquistando las tierras parece que bailen. Luego los guardias están sujetando sus espadas en alto, sin sentido alguno.

Aún así está basada en hechos históricos, precisamente cuando Mehmed logró capturar a Vlad y posteriormente le cortó la cabeza. Un capítulo notable de la historia turca.

Posteriormente vemos otras formas de ejecución de prisioneros como ahorcado, tapado con un tablón lleno de pinchos, otro empalado, uno atado de pies y manos con una flecha clavada en el pecho y otro similar con una espada en la barriga.

Cüneyt hace dos papeles, al principio es uno de los hombres capturados por Vlad que intenta escaparse inútilmente a base de patadas. Es a quien le corta un brazo y una pierna el propio Kara Murat cuando era un niño (obligado por Vlad) y luego otro tipo le corta la cabeza. Para distinguir a ambos personajes este primero lleva bigote.

Atentos al detalle de que en la prisión tienen estacas de tamaño normal para adultos y una más pequeña para niños.

Para poder acercarse a Vlad, Kara se deja capturar.

Cüneyt hace gala de todos los movimientos por los que es conocido. Osea la patada normal, la voladora, la del pie cambiado... Y todo con su intensidad característica. Chuck Norris a su lado es un pusilánime.

Hay varias partes en las que la música suena por encima de todo. Se les ve mover la boca pero no hay diálogos. Tiene toda la pinta de ser un error de la copia restaurada, que probablemente metieron música donde no pudieron encontrar sonido. Lo digo porque hay pequeños trozos donde ni siquiera suena música.

Al final Vlad termina empalado y el protagonista le corta la cabeza para traerla de vuelta a su casa.

Me lo he pasado en grande viéndola, y eso que no tenía subtítulos (aún así he pillado frases sueltas, empiezo a darme miedo cuando entiendo el turco). Venga, pasemos a la segunda película turca que he elegido.

El Padre De La Criatura (1972)

Suerte que voy intercalando comedias si no acabaría mal de la cabeza. Peor de lo que ya estoy quiero decir.

Eduardo Contreras es un señor que vende paraguas. Está casado con Antonina con quien tiene una hija. De repente se presenta y les dice a sus padres que está embarazada. Y cuando van al médico descubren que la embarazada es Antonina.

Basada en la obra de teatro "La cigüeña dijo sí" de Carlos Llopis.

Dirigida por Pedro Lazaga, quien falleció pocos años más tarde. Es uno de los directores más prolíficos de comedias españolas de los años 60 y 70. Suyas son "Un vampiro para dos" (1965), "Sor Citroen" (1967) y "Vente a Alemania, Pepe" (1971), por decir tres.

Mariano Ozores fue co-guionista.

Una película de Paco Martínez Soria (Eduardo Contreras), de quien aún hay pocos títulos en el blog, pero es que tampoco tengo prisa en volver a verlos. Con Florinda Chico (Antonia "Antonina" Galíndez), toda una todoterreno de la interpretación. José Sacristán (Claudio Caminero), a quien vi el otro día en "¡Cómo está el servicio!" (1968). Mirta Miller (Elisa), una de las musas del destape. Antonio Ferrandis (Ramón), otro incombustible. Y Rafaela Aparicio (Doña Catalina), una actriz con casi 200 títulos en total, se dice pronto.

Lo que más gracia me hace es esa actitud de los amigachos diciendo cosas como "ahora que has dejado preñada a tu mujer seguro que te acuestas con otras". Y el pobre trata de evitar las tentaciones a lo máximo, que no son pocas.

Es una de las películas de Paco Martínez Soria que menos veces he visto, de hecho diría que esta es la segunda. Y en mi opinión no es de sus mejores. Pero no por ello es mala, simplemente es que hizo algunas geniales.

Tiene alguna escena picantona, pero sin pasarse. De hecho lo que prima es la comedia en prácticamente todas las escenas, casi siempre centrado en Martínez Soria. Por cierto, cuando hizo esta película tenía 70 años, en la película dice tener 55.

Cuando van hacia el hospital Eduardo dice que su hija y el marido han ido a ver la película "Helga - Vom Werden des menschlichen Lebens" (1967). Es un documental sobre una mujer desde que se queda embaraza hasta que da a luz.

Lo más curioso es como lo primero que hace es comprar un cochecito de bebé y luego un descapotable para él.

Me ha resultado interesante ver un título donde refleja muy bien cómo eran ciertas cosas en los 60, muchas de ellas han cambiado aunque no tengo del todo claro si para mejor.

Ultimo tango a Parigi (1972)

Otra película polémica.

Jeanne es una joven que busca alquilar un piso en París. En el primero que visita se encuentra con Paul y acaban practicando el sexo. Desde entonces usan el piso para encontrarse, aunque sin intercambiar sus nombres. Él huye de su tristeza tras haber perdido a su esposa, ella tiene pareja y están grabando un documental sobre la infancia de ella.

Dirigida por Bernardo Bertolucci. De él he visto "Novecento" (1976), "The Last Emperor" (1987) y "Little Buddha" (1993). Era lógico que lo siguiente fuese uno de sus títulos más conocidos.

Protagonizada por Marlon Brando (Paul) y Maria Schneider (Jeanne). Según ambos al rodarla "se sintieron violados por el director" y por ello no volvieron a dirigirle la palabra. Claro que años más tarde Brando dijo en su autobiografía que Bertolucci fue uno de los mejores directores con los que había trabajado.

Y en realidad tiene bastante sentido (al menos por parte de la actriz) que le acusasen de conducta poco decorosa pues la escena en la que Paul usa mantequilla para lubricar a Jeanne fue improvisada por Brando y luego defendida por el director aludiendo que quería captar la reacción real de ella como mujer y no la del personaje. Ella posteriormente confesó que las lágrimas fueron reales, lo cual cobra mucho más sentido si tenemos en cuenta que era virgen cuando rodó la película. Tuvo que ser una experiencia traumante.

Brando ponía cintas con frases escritas en el cuerpo de la actriz por su dislexia, aparte que se le olvidaban. Además improvisó bastante porque no le gustaban algunas de las cosas que decía su personaje originalmente.

Marlon Brando desmintió que se negase a mostrar su desnudo frontal porque "su pene se había encogido como una nuez en el plató".

Fue prohibida en Chile durante 30 años y en Italia hasta 1987. En España también fue prohibida, eso hizo que la ciudad de Perpiñán fuera invadida por curiosos españoles que querían verla (fue bastante sonado en su momento).

La versión original duraba más de 4 horas, la que voy a ver yo dura 2.

La famosa escena de la mantequilla no me ha parecido nada del otro mundo, aunque en parte es porque mientras veía esta película no podía dejar de pensar en lo mucho que se parece a "9½ Weeks" (1986).

Sin embargo sí hay una parte que me ha resultado la mar de peculiar, cuando él le dice "quiero que te folles un cerdo y que te vomite y te lo tragues" y ella dice "sí, sí" mientras le mete los dedos por el culo a él.

En esencia es un encuentro sexual que sucede casualmente y que se convierte en algo habitual entre ambos, independientemente de lo que les sucede en su vida. Es su escape, su manera de desconectar y de estar alejados de todos y de todo. Su secreto, su forma de vivir una fantasía y llevarla hasta puntos que jamás harían con otra persona.

Entiendo hasta un cierto punto que causase polémica en su momento, pero creo que han habido directores posteriormente que han ido bastante más allá. Sin pensar demasiado me viene a la mente Lars von Trier.

The Last House on the Left (1972)

Aquí la titulamos "La última casa a la izquierda".

Mari Collingwood es una chica muy popular que tiene sólo 17 años.ella y su amiga Phyllis Stone van a un concierto. Antes de entrar deciden comprar algo de hierba pero el tipo que se la quiere vender las lleva a su casa y allí caen en manos de un grupo de delincuentes recién fugados de la cárcel. Al día siguiente las meten en su coche y se las llevan pero se quedan tirados y las llevan a un bosque cercano.

Una de las primeras cosas que he descubierto es que se trata de un remake de "The Virgin Spring" (1960), de Ingmar Bergman. Así que me la apunto para ver más adelante.

El debut en la silla de director de Wes Craven. Cuando fue a que la valorasen la MPAA le quiso poner una calificación X, así que quitó parte del metraje y volvió y de nuevo le pusieron una X. Así que cogió, volver a poner el metraje original y fue a un amigo suyo que formaba parte del comité y le puso una R, que era lo que él quería.

Además fue una colaboración son Sean S.Cunningham, quien aún no era conocido.

Curiosamente originalmente fue planteada como una película pornográfica y de hecho los actores estaban dispuestos a ello, pero luego el director cambió de idea cuando un actor le convenció. En aquella época Craven se dedicaba únicamente a la edición de películas pornográficas y poco tiempo después dirigió una titulada "The Fireworks Woman" (1975).

Era habitual que en los cines cortasen escenas, así que Craven terminó estableciendo una oficina especial dedicada a restaurar las copias.

Cuando fue estrenada en vídeo agregaron un texto al final en el que decían que habría una secuela dirigida por Danny Steinmann, pero nunca la hicieron.

Del reparto destaca el nombre de Martin Kove (oficial de policía), salió en "The Karate Kid" (1984) y "Death Race 2000" (1975). Las dos actrices que interpretan a las protagonistas hicieron películas porno poco después.

Lo primero que me llama la atención al verla es la manera tan casual con la que se toman cosas como las violaciones y asesinatos al oír hablar de ello por la radio o al leer el periódico. De hecho describen a uno de los tipos como un violador de niñas como si fuera lo más normal.

Sabiendo que originalmente era una porno se nota bastante que algunas escenas eran el preludio de sexo. Un gran ejemplo es la parte de los padres preparando la tarta de cumpleaños.

No queda muy claro si Phyllis se mea realmente o si fue un efecto especial porque hay dos versiones de la historia. Personalmente apostaría por la de los efectos especiales.

Hay que ponerse en situación para entender por qué causó tanta polémica en su día. Hay un par de escenas bastante fuertes en las que llegamos a ver como le sacan las tripas a una de las chicas o la manera en la que asesinan salvajemente.

De todo lo que sucede lo más absurdo es la inutilidad de la pareja de policías. Exagerada es poco decir.

Además está grabada de una manera muy cruda, con algunas posiciones de cámara un tanto peculiares.

Tras verla tengo claro que fue la inspiración principal de "Day of the Woman" (1978) y con la parte de la motosierra también me viene a la mente la saga "The Evil Dead" (1981). Tiene también cierto aroma a John Waters.

Pero bueno, fue solo un paso más en las películas slasher/gore que empezaron a aparecer pocos años más tarde, uno de los más importantes sin duda.

Ben (1972)

Nada que ver con Kenobi.

La policía encuentra el cadáver de Willard en su ático, pero no ven ninguna rata. Esto es porque Ben las tiene controladas mientras observa lo que sucede. Pero se ve obligada a actuar cuando un policía encuentra uno de sus escondrijos y entonces el inspector jefe ordena que fumiguen la casa. Ellas escapan y van a la casa de un niño llamado Danny.

En cierta manera me quedé con ganas de echarle un ojo cuando vi "Willard" (1971), la primera parte, pero lo dejé estar en su momento y sólo la dejé apuntada para más adelante. Me alegro de haber dado con ella, además he dado con una edición sin censura.

Empecemos por el significativo detalle de que el tema musical lo puso Michael Jackson. De hecho fue un éxito en su momento.

En la primera película usaron unas 500 ratas entrenadas, en esta 4000. Tenían intención de hacer una tercera película con 10.000 ratas, pero nunca llegó a suceder.

La historia es completamente nueva, a diferencia de la primera parte que estaba basada en una novela.

Durante los créditos de inicio vemos el final de la primera película, pero no oímos el sonido original sino una canción. En dichas imágenes vemos como Ben y sus ratas matan a Willard.

Muestran varias veces escenas de personas mirando con miedo hacia los diferentes lugares en los que van sucediendo los asesinatos de las ratas. Es un poco el sentimiento que quieren transmitir a los espectadores. Y si las ratas te provocan alguna aversión creo que lo lograrán si la ves.

No sabría asegurar con certeza qué escenas fueron cortadas pero tengo la impresión de que una fue la de las ratas colándose en un supermercado para comer.

El trabajo policial es constante pero no parece ser eficaz, de hecho tengo la impresión de que no capturan una sola rata a pesar de todo el veneno y trampas que ponen en el vecindario.

Danny tiene un póster que pone Tomorrowland en su habitación. No sabía que le gustase tanto la música electrónica. Porque dudo mucho que sea por Disneyland, no tendría ningún sentido.

Es una película que ha sido influencia de títulos posteriores, no me cabe la menor duda. Aquello del niño que se hace amigo del "bicho" y que se preocupa más por él que por el resto de personas. También lo de que es débil, o está enfermo, y por ello se refugia en su mundo sin apenas tener contacto con los demás.

Me ha gustado. Ahora me queda por ver el remake de la primera película, pero eso lo dejo para más adelante.

Terror House (1972)

También conocida como "The Folks at Red Wolf Inn".

Regina McKee es una estudiante que se ha ganado un premio consistente en pasar unos días en la posada Red Wolf. Sin apenas tiempo para prepararse ni avisar a nadie pasan a recogerla y la llevan en avión hasta el lugar. Prontó conocerá a Pamela y Edwina, las otras dos huéspedes que se alojan en el mismo lugar.

Soy el primero que se sorprendió al agregar este título a la lista, pero por lo visto hay algún tipo de tiburón en ella.

Aparece un tal Baby John Smith (el nieto de los dueños de la posada) quien en su primera aparición lleva a la protagonista en su coche a gran velocidad por en medio de la ciudad. Es una de las cosas que deberían haber despertado sospechas en la protagonista de que algo anda mal, posteriormente hay varias más, por ejemplo cuando de repente parece que le ataque con un cuchillo o que Pamela se vaya sin despedirse ni nada.

La escena de la primera cena me recuerda un poco a "Les mémés cannibales" (1988).

El tiburón aparece a los 40 minutos, el tal John pesca uno. No llega al metro de largo, es realmente pequeño, tanto que lo coge de la cola sin ningún problema y luego lo golpea sin parar contra el suelo para matarlo mientras grita "Shark! Shark! Shark!".

En realidad tardamos casi una hora en ver lo que está sucediendo realmente en la posada. Se intuye que hay algún misterio pero a no ser que hayas visto demasiadas películas (como yo) cuesta un poco adivinar el qué. Pero vamos, las pistas están ahí.

Tiene un cierto aire a "The Texas Chain Saw Massacre" (1974) y eso que es anterior. Quiero pensar que fue una de sus influencias.

Usan un sonido estridente para enfatizar los gritos de la protagonista. Queda bastante mal.

Definitivamente no me esperaba ese final, el toque cómico es lo mejor. La película la elegí por los tiburones y sólo aparece uno en la escena que mencioné antes, con lo cual en ese sentido es bastante decepcionante. Pero bueno, al menos es uno real.

Por lo demás me ha gustado bastante. Es una de tantas precursoras del género de terror y por ello la aprecio. Podría ser mucho mejor, sin duda, pero no me quejo.