Now And Then (1995)

Aquí la titulamos "Amigas para siempre".

Cuatro amigas de la infancia se reúnen para prepararse para el nacimiento del bebé de Chrissy. Se preguntan cómo es posible que aquellas niñas que eran a los doce años se hayan convertido en las mujeres que son ahora.

Los personajes principales están emparejados, osea dos actrices los interpretan en diferentes edades, y es un reparto realmente interesante. Tenemos a Christina Ricci (Roberta) y Rosie O'Donnell (Roberta), Gaby Hoffmann (Samantha) y Demi Moore (Samantha Albertson), Thora Birch (Teeny) y Melanie Griffith (Teeny) y por último están Ashleigh Aston Moore (Chrissy) y Rita Wilson (Chrissy). Me recuerda un poco a lo que sucedió en "IT" (1994).

Por otra parte hay nombres como Devon Sawa (Scott Wormer), Lolita Davidovich (Mrs. Albertson), Janeane Garofalo (Wiladene) y Hank Azaria (Bud Kent).

Destaca también el nombre de Rumer Willis (Angela Albertson), pues fue su debut en el cine. Es la hija de Demi Moore y Bruce Willis. La hemos visto en "Striptease" (1996), "Hostage" (2005) y "Once Upon a Time... in Hollywood" (2019).

Y Brendan Fraser (Veterano de Vietnam), en lo que podría considerarse un cameo. No sé hasta qué punto era conocido para el público en general pero yo ya le había visto en "Encino Man" (1992), la cual me hizo mucha gracia, y diría que también por "Airheads" (1994), pero me suena que esa la vi después de esta.

Esta, "Gold Diggers: The Secret of Bear Mountain" (1995) y "Casper" (1995) para mí representan el final de la época "infantil/adolescente" de Christina Ricci en el cine. Por eso les tengo un especial aprecio a los tres títulos.

Tiene ciertas similitudes con "Stand by me" (1985) en cuanto a cómo retrata el paso de la adolescencia a la edad adulta, aunque desde un punto de vista más femenino. Sin embargo, en su momento no fue un título demasiado destacable. De hecho, yo lo busqué por Ricci, de quien devoraba toda su filmografía ya por aquel entonces, y me sorprendió mucho.

Ashleigh Aston Moore golpeó realmente la cara de Christina Ricci cuando su personaje hizo como que se ahogaba. Lo cual paralizó la producción durante unos cuantos días porque le dejó una marca en la cara.

Teeny está mirando "Love Story" (1970) en el autocine.

Me acabo de dar cuenta que en la primera escena de la cafetería están bebiendo batidos con Coca-Cola. Pero mezclándolo todo. Qué asco. Debe ser la cosa más empalagosa del mundo.

Obviamente juegan con los paralelismos entre cómo son de adultas y cómo eran de adolescentes, especialmente sus padres con ellas. Todo eso las afectó enormemente, para bien y para mal.

Siempre que juegan a "verdad o reto" eligen verdad. Algo demasiado conveniente para incluir más líneas de diálogo sin divertirse demasiado con los personajes.

Esta película es un fiel reflejo de cómo eran las cosas antes de internet y los móviles. Las dificultades para comunicarse entre ellas cuando estaban en cada una de sus casas, que superaban de maneras muy ingeniosas para despertarse la una a la otra. La absoluta falta de información que las obliga a coger sus bicis e irse al pueblo de al lado para poder acceder a los periódicos antiguos. Las maneras tan sencillas con las que pasaban el rato, escuchando la radio y cantando alguna canción popular del momento. Pero, por encima de todo, viviendo la vida.

El mejor ejemplo de ello lo tenemos cuando se ven forzadas a ir a un lago para que una se limpie una cagada de pájaro en su pelo, de la cual se ríen todas y no pasa absolutamente nada, lo cual termina con ellas bañándose tal cual van vestidas, sin preocuparse lo más mínimo.

Es una manera de ser, de pensar, de vivir, completamente diferente a la época moderna.

Diría que un 85% de la película es sobre las niñas, lo cual tiene mucho sentido pues es la parte importante de la historia. Pero es una lástima ver tan poco a sus versiones adultas.

Es una historia más sobre la pérdida de la inocencia, de madurar. Pero, por encima de todo, de aprender. Pocas películas saben captar realmente esa última parte.

Lo que más me gusta es que lo aderezan con un ligero toque de romanticismo torpe, mucha imaginación y una historia sólida.

Lo que menos es hay detallitos que básicamente ignoramos hasta el final, como quién es el padre (aunque sea muy obvio).

Pero bueno, es de esas películas que me gusta revisitar pasados unos años.

Casino (1995)

Otro título mítico.

En el vibrante pero despiadado Las Vegas de los años 70, la mafia confía en un metódico experto en apuestas para supervisar la joya de la corona de sus operaciones: un lujoso casino. Su misión es simple pero titánica: mantener el orden, maximizar las ganancias y asegurar que el flujo constante de dinero llegue intacto a sus jefes.

Dirigida por Martin Scorsese. Acababa de hacer "The Age of Innocence" (1993), "Cape Fear" (1991) y "GoodFellas" (1990). Tres títulos muy diferentes pero que definen bien su estilo. Él mismo dice que esta película no tiene argumento.

El reparto es de lujo, cómo no. Destacan Robert De Niro (Sam "Ace" Rothstein), Sharon Stone (Ginger McKenna), Joe Pesci (Nicky Santoro), James Woods (Lester Diamond), Don Rickles (Billy Sherbert) y Kevin Pollak (Phillip Green).

La mayoría de las conversaciones entre Robert De Niro y Joe Pesci fueron improvisadas, el director sólo les dijo cómo empezarlas y dónde debían terminar. James Woods también improvisó casi todas sus frases.

Lo más difícil fue encontrar gente que les explicara a los productores cómo podían hacer trampas en un casino.

El personaje que interpreta Joe Pesci está basado en Anthony "The Ant" Spilotro, hasta el punto que llegaron a confundirle con él cuando lo vieron en los casinos reales donde rodaron algunas escenas.

No lo dicen de manera explícita, sólo que está basada en hechos reales, pero el casino original fue el Stardust. Para el rodaje usaron el Riviera, de 1 a 4 de la madrugada para no interferir demasiado.

Nick Mazzola es el que está en la mesa de Blackjack, repartiendo las cartas. Hizo el mismo papel en "Rain Man" (1988) y en "Vegas Vacation" (1997).

Durante los arrestos del FBI en una televisión están echando "The Boys from Brazil" (1978).

Joe Pesci se rompió una costilla cuando le dejaron caer en el agujero. El director creyó que estaba actuando cuando realmente gruñó de dolor.

Aunque sean sólo 5, los hombres sentados en la mesa al principio recuerdan a la "La última cena" de Da vinci.

Me imagino que esta fue la principal inspiración de la serie "Las Vegas", veo muchas similitudes. Y además fue una gran influencia de títulos como "21" (2008) y "Ocean's Eleven" (2001), aún tratándose de un remake se notan ciertos detalles.

No acabo de entender el personaje de Ginger. Se dedica a robar, a lo bestia además, pues saca enormes fajos de billetes, y se los da a un vividor, bastante gilipollas. Pero eso no es lo peor, es que encima se casa con Sam, quien le da todos los lujos posibles, lo cual incluye 1 millón de joyas y 2 millones en billetes (por si él los necesitase en un momento complicado).

Se ve venir que todo se irá a la mierda antes o después, empezando por Nicky y Ginger. Dicho lo cual, las cosas se ponen realmente feas en lo que es una escalada de asesinatos y muchas, muchas, muchas... amenazas.

Creo que con el paso de los años mi tolerancia a las amenazas ha desaparecido por completo. Probablemente porque me da todo igual ya. No sé qué haría en esa situación, pero si me callase sería sólo para que no vieran venir la ostia.

Lo mejor de la película es como las voces en off te van metiendo en la historia, cada uno desde su punto de vista, complementándose incluso entre ellos. No sabes quién quedará vivo al final, no sabes si la historia está distorsionada o si es la realidad pura y dura, pero poco importa, son los conductores. Simplemente siéntate y disfruta de cómo el caos se va creando y termina estallando todo, dejando sólo escombros y un nuevo paraíso comercial para toda la familia.

Tombstone (1993)

Otro western.

Tras lograr limpiar Dodge City, Wyatt Earp se muda a Tombstone, Arizona, con la esperanza de enriquecerse en el anonimato. Allí se reencuentra con sus hermanos y con su viejo amigo Doc Holliday. Una banda de forajidos que se hacen llamar Los Vaqueros está causando problemas en la región con diversos actos de violencia indiscriminada, y, como era de esperar, se topan con Holliday y los Earp, lo que desemboca en un tiroteo en el O.K. Corral.

El director original fue Kevin Jarre, pero lo despidieron a las pocas semanas. George P. Cosmatos fue quien le sustituyó. Sin embargo Kurt Russell explicó que fue él mismo quien dirigió gran parte de la cinta en la sombra para sacarla adelante, estructurando las escenas y el ritmo.

Menuda retahíla de nombres en el reparto. Tenemos a Kurt Russell (Wyatt Earp), Val Kilmer (Doc Holliday), Sam Elliott (Virgil Earp), Bill Paxton (Morgan Earp), Powers Boothe (Curly Bill Brocius), Michael Biehn (Johnny Ringo), Charlton Heston (Henry Hooker), Jason Priestley (Billy Breckinridge), Stephen Lang (Ike Clanton), Thomas Haden Church (Billy Clanton), Michael Rooker (Sherman McMasters), Billy Bob Thornton (Johnny Tyler), Billy Zane (Mr. Fabian) y Terry O'Quinn (Mayor John Clum).

Y encima el narrador es Robert Mitchum. Iba a a interpretar a Old Man Clanton pero se dañó la espalda al caerse de un caballo.

Antes que nada, al año siguiente salió "Wyatt Earp" (1994), de Kevin Costner, que también está basada en el mismo período histórico. Es discutible cuál es mejor, pero yo recuerdo más esta.

Los bigotes son casi todos reales, de los actores.

La leyenda dice que Wyatt Earp llegó a conocer a un joven actor llamado Marion Morrison, que más tarde se convertiría en John Wayne y basaría su forma de caminar y hablar en el propio Earp.

Arranca con una  serie de imágenes de la época muda combinadas con algunas de los actores, grabados con el mismo estilo, que incluyen la famosa escena del pistolero disparando a cámara de "The Great Train Robbery" (1903).

El famoso tiroteo no fue conocido hasta 1931. Stuart Lake publicó la biografía "Wyatt Earp: Frontier Marshal" tras su muerte, fue la base de la película de John Ford "My Darling Clementine" (1946) y de "Gunfight at the O.K. Corral" (1957), la cual hizo que se elevase al estatus de leyenda.

Los pantalones con los cuatro ases reaparecieron en la película "The Quick and the Dead" (1995).

Arranca fuerte, con una señora masacre. Encima no matan gente sin más, a un grupo de policías mexicanos y a un cura. Si pretendían mandar un mensaje, lo lograron.

Para variar una película donde el malo es un villano de verdad. Y el bueno es de los que cree en la ley por encima de todo, incluso si eso implica salvar al malo de una turba que busca colgarlo.

Creo que las referencias que hace Doc son prácticamente imposibles de pillar. Por ejemplo cuando hace una comparación con Creso y hacerse millonario. O el intercambio en latín, sin subtitular, donde además usa una frase realmente difícil de interpretar pues su traducción no es la clave, sino el contexto en el que se usa.

Pero bueno, la idea es mostrar los últimos momentos del salvaje oeste, donde la gente con educación empezó a prohibir las armas en las ciudades, los pistoleros pasaron a ser los perseguidos y la civilización se impuso.

Otro ejemplo de ello es cómo los enfermos no van a un doctor porque "es sólo un dolor de cabeza" o "la tuberculosis se relajará con este clima". Claro que el médico aconseja no beber, no fumar, no salir por las noches, no apostar y no tener sexo con su esposa. No me sorprende que no quieran verlos.

La gran mayoría de cosas que he leído sobre esta película son comparaciones con lo que pasó realmente. Me parece tedioso de leer, aparte que es una aproximación bastante decente, pues hablamos de pequeños detalles. Aparte que esto es una película, no un documental.

La matanza de los "Cowboys" es una de las escenas más bellas. Cómo los van cazando uno a uno Wyatt y los suyos.

Definitivamente Val Kilmer está espectacular en esta película. El moribundo, pálido, fumando, tosiendo sangre... a un paso de la tumba. Y aún así matando a todos los que se enfrenta.

Es una historia épica. Me gustaría ver la versión de Costner para compararlas, pero no ahora. Quizás dentro de unos meses. Ya veremos, tengo mucho, mucho lío. En todo caso esta puso el listón muy alto.

Little Buddha (1993)

Pasemos a un título diferente.

Un monje budista cree que Jesse, un niño estadounidense de 10 años de edad, es la reencarnación de su maestro espiritual, el Lama Dorje. Dean, el padre de Jesse, y Lisa, su madre, se muestran escépticos, pero tras el suicidio de su socio, Dean permite que su hijo viaje a Bután. Sin embargo, hay otros dos niños que el monje también cree que podrían ser la reencarnación.

Dirigida por Bernardo Bertolucci. Suyas son "The Last Emperor" (1987) y "Ultimo tango a Parigi" (1972).

Un reparto encabezado por Keanu Reeves (Siddhartha), ya había hecho títulos como "Bram Stoker's Dracula" (1992) y "Point Break" (1991). Con Bridget Fonda (Lisa Conrad), acababa de salir en "Single White Female" (1992) y "Army of Darkness" (1992). Y el cantante Chris Isaak (Dean Conrad), previamente salió en "The Silence of the Lambs" (1991) y en "Twin Peaks: Fire Walk with Me" (1992).

La mayoría del resto de los actores o bien debutaron en esta película o no tuvieron demasiado recorrido posteriormente.

En 1996 un niño de 4 años de edad fue elegido como la reencarnación del Lama Deschund Rinpochet, fue llevado al Nepal donde fue entrenado.

Es una historia que va a dos tiempos. Por una parte tenemos el presente, la familia de EEUU que empieza a aprender sobre el budismo y demás y por otra las historias de cómo nació Buda.

Y eso es lo que hace especial a esta película, fue la que introdujo un concepto más concreto del budismo al público en general, entre los que me incluyo.

Nunca me percaté en que todo el tiempo el personaje de las historias era Keanu Reeves y es que está muy caracterizado. Más tarde sí se nota más que es él.

Sin dejar el ambiente "místico", desde el momento en que llegan a Bután se vuelve una historia bastante infantil.

La niña me parece demasiado repelente. Claro que esa debe ser la idea, para contrastar con los otros dos más aún.

Las ceremonias me parecen un tanto excesivas. Una vez encuentran quién es el lama se suceden una detrás de otra, a cuál más ruidosa.

Hay una escena tras los créditos finales. Un monje borra parte del dibujo hecho con arena de colores.

Se me ha hecho un poco pesada de ver, aunque he de decir que la recordaba asi. Me gusta que introduzca conceptos de los que apenas hemos oído hablar al mundo occidental, pero es quizás demasiado. Me imagino que esta fue en buena parte la culpable de que se pusiera de moda en Hollywood el budismo durante una época.

Boiling Point (1993)

Un poco de acción no viene mal.

Red Diamond es un estafador veterano que acaba de salir de prisión junto con Ronnie, un joven delincuente no muy inteligente y fácilmente manipulable. Su nuevo negocio consiste en organizar ventas de dinero falso y luego asesinar al comprador para quedarse con su dinero; pero cuando Ronnie mata a un agente secreto encubierto, su socio Jimmy Mercer jura vengarse y recibe una semana para atrapar a los asesinos antes de ser transferido.

Creo que este es un gran ejemplo de una cosa que me sucede mucho al volver a ver títulos de los 80 y 90, que es encontrarme con caras que se hicieron famosas posteriormente.

Tenemos a Wesley Snipes (Jimmy) y Dennis Hopper (Red) de protagonistas, nada que decir ahí. Con ellos está Lolita Davidovich (Vikki), a quien vimos en "The Pink Chiquitas" (1986) y "Adventures in Babysitting" (1987) pero no se haría conocida hasta más tarde. Viggo Mortensen (Ronnie) es otro ejemplo similar, se hizo famoso con "The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring" (2001). A Jonathan Banks (Max) no empecé a reconocerlo hasta verle en "Breaking Bad". Valerie Perrine (Mona) es una excepción en este caso, pues la conocimos en "Superman" (1978) y su secuela. James Tolkan (Levitt) es otra excepción, aunque siempre fue un secundario notable por títulos como la trilogía "Back to the Future" (1985). Paul Gleason (Transaction Man) también fue relevante en los 80, especialmente por "The Breakfast Club" (1985). Tobin Bell (Roth) en cambio no tanto, hasta que no le vi en "Saw" (2004) prácticamente era un desconocido, aunque hizo mucho cine. Y por último Dan Hedaya (Brady) tomó más relevancia en "The Usual Suspects" (1995), pero no era un desconocido del todo pues había salido en "Blood Simple" (1984) y "Commando" (1985).

Un señor reparto, viéndolo en retrospectiva. En su momento no creo que me fijase en casi ninguno de ellos, salvo los dos principales, claro.

Al director no le hizo ninguna gracia que los directivos de la Warner Bros se pusieran a hacer recortes a diestro y siniestro para hacerla más comercial, enfatizando el personaje de Wesley Snipes sobre el de Dennis Hopper, quien tenía mucho más peso en la trama. A Hopper tampoco le gustó cuando vio el resultado final porque consideraba que había hecho un gran trabajo.

Le dieron más peso a Snipes por el éxito que tuvo "Passenger 57" (1992). La cual he de decir que tuvo bastante repercusión en su momento, pero era ya conocido por "White Men Can't Jump" (1992), "Jungle Fever" (1991) y "New Jack City" (1991).

Está conectada con "To Live and Die in L.A." (1985). En ambas aparece el personaje Max Waxman, ya que son adaptaciones de novelas de Gerald Petievich. Aunque el título de la que adopta esta película es "Money Men".

Me gusta mucho la escena de los tres hablando con sus "parejas", teniendo conversaciones similares.

No es la única escena en la que hacen algo así. Es curioso. Además se cruzan varias veces a lo largo de la película.

Pero creo que le falta algo de intensidad. Incluso en las escenas de interrogatorio es todo demasiado... legal.

Es todo un timo tras otro. El malo no es una asesino per se, se dedica a buscar la manera de conseguir dinero rápido tras salir de la cárcel.

Creo que me he perdido algo. Veamos, consiguen encontrar la casa de Red, le vigilan. Jimmy le dice a su compañero que tiene que ocuparse de algo, así que le deja solo, y añade, claramente, que si ve a Red reunirse con alguien que siga a ese alguien. Resulta que lo hace, es Vikki. Les sigue, bailan y... desaparece. Osea, Vikki se reúne con Jimmy después de eso y el compañero no la está siguiendo. A no ser que eso sucediera en otro momento y que con los cortes terminaron cambiándolo, haciendo que esa escena sea incoherente, no lo entiendo.

Otra más, una vez atrapan a Red el compañero dice "no sabemos cómo es Ronnie", cuando unos pocos momentos antes dijo "ese debe ser Ronnie, incluso lleva el maletín" al verle subir al coche de Red.

Tras verla no entiendo el título. No hay una "subida de presión del policía que hace que llegue al punto de ebullición" tal y como nos la venden en las promos. Es todo muy relajado de hecho, demasiado. El villano no es gran cosa, un timador de poca monta, y el policía tiene muchos problemas pero se resuelven solos, prácticamente.

No es una gran película.

D3: The Mighty Ducks (1996)

Llegamos al final de la trilogía patuna.

El indisciplinado equipo de inadaptados del hockey madura un poco y recibe becas para una prestigiosa escuela preparatoria, donde se enfrentan a un arrogante equipo universitario.

Por tercera vez consecutiva tenemos a Emilio Estevez (Gordon Bombay). Aparece muy poco esta vez debido a que estaba rodando "The War at Home" (1996).

De la primera película regresan Heidi Kling (Casey) y Joss Ackland (Hans). En realidad regresa también Claudia Wilkens, pero no retoma su personaje, hace un cameo como la profesora que les obliga a hacer varios exámenes en una semana.

Y hablando de cambios de personaje, regresa Scott Whyte (Scott), fue Gunnar Stahl en la segunda parte.

Durante los créditos iniciales vemos un recopilatorio de escenas de las dos anteriores películas a modo de flashback.

En la segunda película no aparece la madre de Charlie, pero él dice que se volvió a casar. En esta reaparece y no lleva anillo de casada, lo cual, aunque no lo dicen, indica que se volvió a divorciar.

Lo primero que no acaba de encajar es que los que se unieron al equipo para jugar como selección ahora entran a estudiar con ellos, a pesar de que cada uno es de un estado diferente.

Ya es curioso que una chica esté pidiendo firmas para cambiar el nombre del equipo de los Warriors, porque es denigrante. Lo cierto es que el nombre no es el problema si no su logo, que es un nativo americano. No sé en qué año fue que cambiaron todos los logos y nombres de los equipos que los incluían. Sinceramente, nunca vi el problema.

Veo varias incoherencias respecto a las anteriores películas. Hasta ahora nadie se preocupó por ser el capitán del equipo y Charlie (el que lo es) ni siquiera era jugador si no entrenador, para hacer un hueco. Lo segundo es que el portero titular siempre fue el peor, incluso en la primera película cuando sólo estaba él, y ahora que por fin ponen a la chica se extraña. Si ni siquiera quería serlo para empezar.

En realidad el nuevo entrenador es cojonudo. El problema es la actitud caótica de los patos y especialmente la de Charlie.

Dicho lo cual, en el primer partido hacen una auténtica exhibición en los tres primeros cuartos (meten 9-0) y la cagan enormemente en el cuarto (les remontan y empatan en el último segundo) porque no son capaces de defender. Dándole la razón al entrenador.

Si queréis ver una escena incómoda, buscad la conversación de Charlie y la chica cuando le dice que le gusta Pantera y R.E.M., dos grupos completamente afines que cualquier adolescente de los 90 nombraría como sus primeros referentes.

Tras una hora de película llevan jugado un solo partido, dos si contamos el "entrenamiento" con los mayores. Es también cuando reaparece Gordon.

Por primera vez desde que cogió el equipo, en la primera película, Gordon ejerce la abogacía. Hay que recordar que sólo le echaron del bufete, nunca revocaron su título.

En fin, un final bastante Disney. Todos felices, todo bien, con un gran futuro esperándoles. Y se acabó. Pasemos a otra cosa, menuda sobredosis de pato llevo.

D2: The Mighty Ducks (1994)

No tardó en llegar la secuela.

Gordon Bombay se ve obligado a retirarse del hockey debido a una lesión. Pero entonces le ofrecen el puesto de entrenador del equipo juvenil de hockey de EEUU. Con la mayoría de los Ducks y algunos jugadores nuevos, parte hacia Los Ángeles. Todo parece ir bien durante un tiempo, pero el revuelo de Hollywood empieza a afectar a Gordon, y se distrae cuando Islandia, los favoritos para ganar el título, entra en escena.

Repite Emilio Estevez (Gordon Bombay), cómo no. Pero 5 de los "patos" de la primera parte no regresaron.

Aún así todos los que salen tuvieron que volver a pasar por un campamento de hockey para entrenar.

Pensaron en poner como antagonistas a los rusos, pero debido a las tensiones internacionales entre ambos países decidieron que fueran los islandeses. Claro que en la vida real el equipo de Islandia no era gran cosa.

Si nos ceñimos a las reglas del hockey, muchos goles no deberían haber subido, y rompen muchas de ellas como la de quitarse el casco y cambiarse de camisetas (del equipo nacional al de los Ducks).

Tibbles hace lo del silbato, se va de la pista y reaparece segundos después con la tutora. Me imagino que en realidad había un lapso de tiempo entre ambas cosas (quizás de un día) pero decidieron recortarlo y juntarlas, lo cual hace que no tenga demasiada coherencia.

Los chicos rompiendo la pista con la máquina pulidora me parece una cosa que sobra totalmente.

Al menos vemos nuevos entrenamientos, con los nuevos jugadores tenemos cosas diferentes. Aunque meten a uno que hace patinaje artístico, porque se fue la chica que lo hacía.

No tiene ningún sentido que lleven los colores de los Ducks si son el equipo nacional. Ni tampoco que a uno de ellos no le parezca bien porque es de su patrocinador (cuando tanto el nombre de Ducks como el uniforme fue de su anterior patrocinador). No es una decisión "comercial", simplemente llevan el uniforme de su país. Dicho lo cual, los equipos nacionales no llevan patrocinadores.

Fue un problema rodar en verano en California. El hielo se derretía por el calor.

Me está costando mucho ver los problemas con los patrocinios, el dinero que pagan al entrenador, la mascota, las entrevistas... no podrían ser cosas más normales.

Gordon se recupera de su lesión de rodilla demasiado rápido. No está demasiado claro el tiempo que pasa, eso es cierto, pero da la impresión de que no sea demasiado.

No podían faltar los "goons" en una película de hockey, osea los marrulleros. En la primera era demasiado infantil todo, aunque había uno un poco brutote. Aquí son dos y no se cortan.

Empiezo a ver cómo esto es un remake de la primera parte. Gordon se ve obligado a entrenar un equipo de hockey cuando las cosas se tuercen en su trabajo (en la primera era abogado, en esta jugador de hockey), y un tipo con pasta financia su equipo. De repente les decepciona cuando le ven con el "enemigo" y pierden un partido. A Banks le lesionan. El tipo que les patrocina amenaza a Gordon. Gordon recibe motivación, pide perdón al equipo, vuelven a ganar. Hay una chica de por medio. Y ganan la final contra un equipo superior.

Las diferencias son importantes también. El chico que se hace "entrenador". El que se une al equipo cuando más lo necesitan. El equipo islandés es infinitamente superior esta vez porque saben como contrarrestar todas sus "triquiñuelas" (que tampoco son demasiadas).

¿Cómo sabe el comentarista que la técnica se llama "knucklepuck"? Nunca la habían usado antes en un partido. Y al final los llama "Ducks" cuando son el equipo nacional. Creo que simplemente no sabían como meter el nombre y lo forzaron.

Lo que decía de las reglas antes, no se puede cambiar de portero durante una tanda de penalties, salvo por lesión.

Tiene una escena durante los créditos finales en la que los críos cantan "We are the champions" de Queen.

Hay una tercera parte. Y no tengo ni la más remota idea de qué va, así que pasemos a ella.

The Mighty Ducks (1992)

Venga, vamos a patear un rato.

Gordon Bombay es un abogado atormentado por el recuerdo cuando, siendo la estrella de su equipo campeón de hockey, falló el gol de la victoria en la tanda de penaltis. Tras ser acusado de conducir ebrio, el tribunal le ordena entrenar a un equipo infantil de hockey, el peor de la liga. Aunque al principio se muestra muy reacio, Gordon acaba ganándose el respeto de los niños y enseñándoles a ganar, consiguiendo un patrocinador y bautizando al equipo como The Mighty Ducks. En la final, se enfrentan al antiguo equipo de Gordon, entrenado por su antiguo entrenador, lo que le da a Gordon la oportunidad de enfrentarse a viejos fantasmas.

Protagonizada por Emilio Estevez (Gordon Bombay). Lo último que ha hecho, curiosamente, es salir en la serie "The Mighty Ducks: Game Changers", del 2021, donde retomó el personaje una vez más.

Curiosamente también existe la serie de animación "Mighty Ducks", de 1996, aunque las similitudes son que juegan al hockey y se llaman igual. Nada más.

Originalmente era mucho más oscura, con muy poco humor. Trataba sobre un exjugador de la NHL alcohólico que busca vengarse de su antiguo entrenador entrenando en el equipo contrario. Cuando Disney cambiaron prácticamente todo, haciéndola más familiar. Aunque dejaron el nombre del protagonista que es la combinación de dos marcas de ginebra, Gordon's y Bombay.

Muchos de los actores tuvieron que aprender a patinar sobre hielo y a jugar a hockey, para ello montaron un "campamento de hockey" de tres semanas de duración antes del rodaje.

Junto con "Slap Shot" (1977) y "Goon" (2011) es considerada la película más importante de hockey sobre hielo. Bueno, la trilogía, las siguientes entradas serán sobre las secuelas.

Se ve que hay que recalcar que el penalti que falló Gordon cuando era un niño no fue la causa de su derrota pues iban empate y les marcaron en la prórroga. Lo importante es que de haber marcado habrían ganado.

Me acabo de fijar en que Gordon tiene mucho de Saul Goodman, el de "Breaking Bad". Gana sus casos usando triquiñuelas (no vemos demasiadas en realidad) y el jefe en su bufete de abogados no acaba de estar demasiado contento con él a pesar de que gana prácticamente todos los casos.

No es que sean los "underdogs", es que no son ni de la misma especie que los Hawks.

No tiene demasiado sentido que una vez consiguen los uniformes, el nombre, el equipo y la pista donde poder entrenar mejor se llene el estadio de gente que les apoya, antes de empatar el primer partido.

Por supuesto, la historia incluye una relación amorosa totalmente innecesaria. Y los dos momentos clásicos de este estilo de películas, cuando el equipo cree que el entrenador les ha insultado y pierden un partido, y cuando de repente le creen y empiezan a ganar.

Me preguntaba cómo explicarían que no regresó al bufete de abogados. Lo hacen de una manera muy directa: los "malos" se alían con el jefe, a quien nunca le cayó bien, y cuando le fuerzan a decidir, él elige a su equipo. Tiene sentido, muy Disney todo.

Veo que no desarrollan demasiado la subtrama de la chica que hace patinaje artístico y se une al equipo, a pesar de que no le guste el hockey. Se centran demasiado en el niño "protagonista", el hijo de "la chica". Topicazos everywhere.

Y, obviamente, al final ganan el campeonato. Claro.

No recuerdo prácticamente nada de las secuelas, pero intuyo que muchas de las "técnicas" que muestran en esta primera película fueron reusadas. Tendré que comprobarlo, cómo no, en la siguiente entrada.

Ricochet (1991)

Hora de volver a verla.

Nick Styles es un policía de Los Angeles. Durante un carnaval, Earl Talbot Blake arma un escándalo tras un fallido negocio de drogas. Styles y Blake se enfrentan, y durante el enfrentamiento, Blake resulta herido por Styles y posteriormente es enviado a prisión. Siete años después, Blake escapa de prisión durante una audiencia de libertad condicional para vengarse de Styles, lo que desencadena una violenta serie de eventos que destruyen la carrera de Styles como fiscal del distrito.

En el reparto tenemos a Denzel Washington (Nick Styles), John Lithgow (Earl Talbot Blake), Ice-T (Odessa), Kevin Pollak (Larry Doyle) y John Amos (Reverend Styles).

Además Mary Ellen Trainor (Gail Wallens) retoma el personaje de la reportera de "Die Hard" (1988). Pero técnicamente no transcurren en el mismo universo porque otros dos actores que repiten no interpretan los mismos personajes. Supongo que depende como quieras verlo.

John Lithgow no pestañea casi nunca en esta película. Llevó una lentilla para que diera la impresión que tenía un ojo de cristal. También usó una rodillera para acentuar la cojera.

Fue la segunda película seria para Ice-T, quien además hizo un videoclip con la canción "Ricochet", la otra fue "New Jack City" (1991). Previamente había salido en "Breakin'" (1984), "Breakin' 2: Electric Boogaloo" (1984) y "Rappin'" (1985).

Tras los pases previos la película sufrió muchos cortes, para rebajar el nivel de violencia. Entre las escenas cortadas está la de Blake golpeando a Styles haciéndole vomitar.

La escena de Earl hablando por un teléfono público fue filmada con cámaras ocultas en una calle normal. La reacción de la gente fue genuina.

Empiezan jugando al baloncesto, son dos parejas, una de ellas de un negro y un blanco. No he podido evitar pensar en "White Men Can't Jump" (1992), la cual, curiosamente, ha tenido un remake reciente.

Lo de ligar con una chica siendo él policía me recuerda a "Rush Hour 3" (2007).

Me encanta que hablen de "Star Trek" y lo hagan de la serie de los 60 porque la TNG aún no había calado en la cultura popular, a pesar de llevar unos pocos años en emisión.

Cuando dicen que Nick ya es fiscal del distrito vemos como realiza un arresto en un programa estilo "Cops".

He de decir que no recordaba la escena de la prisión donde Blake se enfrenta con un preso con unos libros pegados a sus cuerpos y un par de espadas improvisadas. Muy estilo "Highlander" (1986), del mismo director.

Me hace mucha gracia que el collage que ha hecho Blake en su celda con imágenes de Nick incluya a un par de tías enseñando el potorro.

Convenientemente ningún guardia de la prisión reconoce a Blake cuando sale caminando tranquilamente, con otros presos además.

Ostras, acabo de caer, el villano con el ojo de cristal, asesino incluso de sus "amigos" (porque, como siempre digo, es la mejor manera de demostrar que un malo es malo), es en el que se basaron para hacer el de "Last Action Hero" (1993).

Lo cierto es que mola ver cómo nadie cree a Nick tras ser secuestrado. Ni siquiera su esposa.

Tenemos dos cosas que salen por televisión, en diferentes momentos. Me ha costado un poco dar con la primera, es un episodio de la serie "Tales from the Crypt", más concretamente el quinto de la primera temporada, titulado "Lover Come Hack to Me". Lo segundo es la película "White Heat" (1949).

El final me ha parecido un tanto extraño. Entiendo que el malo tiene mucho ego y que quiere que las cosas vayan de una manera muy concreta, pero de ahí a salir a la calle para ver como Nick se suicida mientras grita "¡No, no lo hagas!" me resulta demasiado estúpido. Y luego que vaya a la torre sólo porque una voz en el teléfono se lo dice es su segundo gran error, aparte que es obvio que Nick le va a estar esperando y que va a exponerle, matándolo.

Otra cosa que no hay por donde coger es que en las noticia lo llamen fiscal del distrito cuando lo habían destituido del cargo. Y que su familia aparezca de repente justo tras matar al malo, cuando estaban en un lugar seguro, tampoco tiene demasiado sentido.

En fin, al menos no es la típica película de un asesino y un policía/fiscal. Me hubiera gustado ver la versión original, con más violencia. Seguramente la habría disfrutado más.

Backdraft 2 (2019)

Pues sí. Esto existe.

El investigador de incendios provocados Sean McCaffrey, hijo del difunto teniente Stephen "Bull" McCaffrey, trabaja en la Estación 17 del Departamento de Bomberos de Chicago, una de las unidades de la división dirigida por su tío Brian McCaffrey. Sean prefiere trabajar solo y, al principio, se muestra grosero cuando el capitán White de la Estación 17 le dice que debe seguir el protocolo y trabajar con una compañera, Maggie Rening.

28 años más tarde alguien pensó que sería buena idea hacer una secuela. Yo ni siquiera conocía que existía hasta que volví a ver la primera.

Y lo primero que me sorprende es ver que repiten William Baldwin (Brian McCaffrey) y Donald Sutherland (Ronald Bartel). Es el único motivo por el cual me he animado a verla.

Técnicamente aparece Kurt Russell también. En una fotografía, claro. Supongo que tuvo un año muy ocupado cuando la rodaron pues estrenó dos títulos, uno de ellos de Quentin Tarantino.

La escena inicial nos indica qué tan diferente es esta película respecto a la primera. Allí veíamos un acto heróico que termina en tragedia, aquí un listillo resuelve un crimen más rápido que Sherlock Holmes. Y encima suelta una one-liner: "I'm a fireman".

No me malinterpretéis, me encantan esas cosas, pero creo que ese cambio tan drástico de estilo no es en beneficio de la secuela. Aparte que el actor no me acaba de convencer.

Me fascina que copien el argumento de "The Enforcer" (1976). Me refiero a lo de asignar a la fuerza un compañero al protagonista y que sea una mujer "novata".

Curiosamente sí copian algo de la primera película, la primera explosión por "backdraft" es prácticamente idéntica. También repiten que el "detective", que en este caso es el protagonista, decide darle largas a su jefe sobre la causa del incendio.

Por cierto, Sean lleva la chaqueta de bombero que pone BULL, de su padre.

Lo del perro que de repente aparece en su puerta me recuerda a Riggs en la saga "Lethal Weapon" (1987).

Mágicamente hay un incendio, Sean captura al tipo mientras lo está mirando y de repente sabe un montón de cosas sobre el otro incendio.

Oh, también acuden a Ronald para que les ayude con el caso, como en la primera película.

Lo que más me molesta es que Sean, a pesar de estar dándole vueltas al incendio, de alguna manera tiene tiempo para investigar a su compañera.

Joder... el tipo del Departamento de Defensa contándoles TODO, el niño que de casualidad está frente a la casa que les da la pista clave para encontrar la pieza más importante... esta película está escrita por el guionista más vago de la historia.

Y lo de la chica que conoce y que le suministra la manera de interpretar los números tiene también tela...

En fin, muy flojita. No merece la pena buscarla.