The Detective (1968)

Oh, esta es buena.

Mientras lidia con la infidelidad de su esposa, un detective del Departamento de Policía de Nueva York investiga el asesinato de un hombre gay, que descubre que está vinculado a la corrupción oficial relacionada con el sexo y las drogas.

Protagonizada por Frank Sinatra (Joe Leland). Con Robert Duvall (Nestor), Tom Atkins (Harmon) y Jacqueline Bisset (Norma MacIver). Fue el debut de Atkins.

El detective Joe Leland procede de la novela "The detective" escrita por Roderick Thorp. Tuvo una secuela titulada "Nothing Lasts Forever" en la que Leland queda atrapado en un rascacielos de la Corporación Petrolera Claxxon tras ser tomado por terroristas alemanes y debe rescatar a su hija y nietos. Quizás os suene ese argumento, es "Die Hard" (1988), con el cambio del apellido y de la hija por la esposa. Se le ofreció el papel a Sinatra, a pesar de tener 73 años en ese momento.

Así que, en pocas palabras, es la primera película de John McClane. Pero esta vez trabajando de verdad.

En la primera escena está examinando el lugar de un crimen, sin embargo no para de dejar sus huellas por doquier, me pone nervioso.

Hacen uso del recurso de los flashbacks para contar la historia de la chica que conoció con la que acabó casándose.

No me esperaba una redada en un camión lleno de gays. Y menos el interrogatorio posterior. Lo cual me recuerda a cómo trataban a los gays en la URSS durante esos mismos años. Digamos que no era una gran idea que te pillasen en la cama con otro hombre.

La parte en la que pilla a su esposa con otro es un tanto intrigante. Él le pregunta si quiere divorciarse, y ella le dice que no, entonces la pilla con otro tipo.

Se van entrelazando la historia principal, que realmente no tengo muy clara porque van pasando de un caso a otro, sin aparente conexión, y la de la esposa, que hasta mitad película no me quedó muy claro si estaban divorciados o no (no lo están, simplemente viven separados).

En esta historia la explicación de por qué están separados y se plantean volver juntos es un tanto diferente a las de las películas posteriores, pero más o menos puedo ver la conexión. Luego, que el protagonista cometa errores en el trabajo con los que ha de vivir es algo que lo diferencia de John. O al menos no llegamos a saberlos, pero dejan claro que es realmente un gran policía.

En todo caso, es una película muy de los 60. El perfil del "hombre" está mucho más definido, el estigmatismo de los gays también.

Mal d'Africa (1968)

Un documental, para variar.

He oído cosas horribles de este documental, no podía dejarlo pasar.

El arranque tiene una música que nos indica cierta jocosidad. Estamos en una zoo, vemos diversos animales y gente interactuando con ellos.

Tras los créditos el narrador nos cuenta que en Inglaterra ser negro es un privilegio. Se relacionan con los blancos y también acuden a misa.

Tras eso vemos el contraste con África. Donde está ejecutando a unos hombres y se manifiestan en las calles. Se trata de Nigeria, Ghana, Somalia... lugares donde hay conflictos armados. Vemos a la población abandonando en barco Nigeria, especialmente italianos (supongo que europeos).

Vemos escenas  de varios países: un tren descarrilado, la falta de combustible, militares tomando el control, encerrando gente y quitándoles sus armas. También muestran unos cuantos cadáveres.

Volvemos al tema religioso, donde una monja está bautizando a los locales. Aunque no a todos les gustan los misioneros.

Habla de los Boer en Sudáfrica y del Apartheid.

De hecho vamos recorriendo diferentes países, con sus peculiaridades. Todo temas del momento, osea de los 60.

Destaca también la música y sus efectos curativos. De los diamantes y su tráfico ilegal.

Pasamos al creciente uso de los coches en el continente y el problema que tienen con los elefantes. También habla de los safaris y las carreras de avestruces. Y cómo son cocinados tanto su carne como sus huevos.

Vemos cómo unos pigmeos sacan las tripas a un elefante y lo despedazan.

Durante la caza del búfalo ponen música de toreo.

La parte más fascinante es cómo usan hormigas negras para acabar con la plaga de hormigas negras. Es todo tan metafórico.

Durante todo el documental trata de definir lo que llama "el mal de África", por eso va recorriendo tantos países, tantas costumbres y demás.

Me encanta comprobar que algunas cosas no han cambiado casi nada en 50 y tantos años.

The Naked Prey (1965)

Aquí la titulamos "La presa desnuda".

Un grupo de hombres está de safari. Uno de ellos se niega a ofrecer un regalo a una tribu con la que se encuentran. La tribu, ofendida, los captura y, uno a uno, los asesina a todos menos a uno de maneras diversas, creativas y horribles. El último superviviente recibe la oportunidad de ser cazado por un grupo de guerreros. Desnudo y desarmado, lo dejan suelto, con los cazadores pisándole los talones, iniciando una cacería a vida o muerte por la África salvaje.

El director trató de evitar dañar animales en la medida de lo posible. Pero las escenas de cacería de elefantes eran reales.

Antes de verla pensaba que sería una especie de remake de "The Most Dangerous Game" (1932). Guardan algunas similitudes, pero tienen poco que ver.

La escena en la que el protagonista se gira y una lanza no le alcanza por poco fue accidental. Decidieron dejarla porque quedaba bien.

Me resulta un poco gracioso ver esta película unos días más tarde de leer la noticia de que un cazador en África (no muy diferente al que aparece aquí) fue muerto por un elefante durante una cacería. Claro que, está claro que en 60 años algunas cosas siguen exactamente igual.

Hay momentos en los que parecía que estaba viendo un documental.

Hay que ver qué costumbres tan bonitas tienen en esta tribu. Cada grupo tiene su propio medio de ejecución. A uno lo cocinan vivo tras recubrirlo de barro, a otro dejan que le muerda una serpiente, a otro lo decapitan, a otro le dan un golpe mortal en la cabeza. Precioso todo.

Bueno, y eso después de masacrar a la mayoría de ellos en un ataque por sorpresa.

Obviamente, reservan la mejor para el protagonista. Le desnudan y le hacen correr mientras le van persiguiendo uno a uno con lanzas y demás. Pero no contaban con su astucia. Claro. Por cierto, esta parte me ha recordado a "Apocalypto" (2006). De hecho veo que tiene muchas similitudes en detalles posteriores, me pregunto si fue uno de los títulos en los que se basaron.

Mientras la veía no podía quitarme de la cabeza el concepto "supremacía blanca". Un blanquito delgado logra sobrevivir en la sabana e incluso matar a un montón de tipos de una tribu que pretendía cazarlo por diversión. Lo cual es aún más peculiar teniendo en cuenta que fue rodada en Sudáfrica durante el Apartheid.

Creo que no lo establecen, pero la trama se sitúa en el siglo XIX.

Me hace cierta gracia que aparezca una segunda tribu, para matar a la primera, y que también vayan a por el blanco, sin éxito.

Me ha gustado bastante, aunque se vuelve un tanto repetitiva pasada la media hora, pues es básicamente ver al tipo corriendo, los de la tribu persiguiéndole, y él acabando con los que le alcanzan. Así hasta la aparición de la segunda tribu, que hace que cambien el tono de la película a algo más ligero.

Гамлет (1964)

Hace mucho desde la última shakesperiana. Es "Hamlet", por cierto.

Cuando el rey de Dinamarca muere repentinamente, su hijo, el príncipe heredero Hamlet, regresa a casa y descubre que su tío Claudio ha usurpado el trono y se ha casado con su cuñada, la madre de Hamlet. Una noche, Hamlet recibe la visita del fantasma de su padre, quien le ordena vengar su asesinato a manos de Claudio.

Es considerada la mejor adaptación de una obra de William Shakespeare en la gran pantalla. Lo cual difícilmente voy a poder corroborar porque no he visto tantas. Aunque he de decir que "A Midsummer Night's Dream" (1999) la disfruté muchísimo y "Hamlet" (1948) de Laurence Olivier me encantó.

Aparte que todo el mundo sabe que la obra de Shakespeare gana mucho en el klingon original, y el ruso es lo más parecido que existe.

La parte de la conversación con el fantasma es realmente impresionante. Sin decir nada el fantasma consigue mostrarse como una figura imponente que causa pavor a todos. Además, el blanco y negro le hace un favor, pues hace que su figura contraste aún más con las luces y las sombras, aparte de ocultar su rostro hasta el último momento en el que sólo vemos sus ojos.

Es una obra que normalmente en sus versiones cinematográficas da la impresión de ser muy teatral, con muchos escenarios interiores, planos fijos, actores que suelen exagerar. Pero no es el caso. Para nada.

Está dividida en dos partes, con su intermedio.

Recomiendo encontrar unos buenos subtítulos si queréis verla. No es que sea una trama difícil de seguir sin ellos, pero ayudan bastante.

Por lo demás, no tengo mucho que contar sobre ella. Sí es una gran adaptación de Shakespeare.

Atraco a las tres (1962)

Va, una comedia española, de las de verdad.

Galindo trabaja en un banco. Un día convence a sus compañeros para atracar la sucursal. Preparan todo con esmero, pero ni siquiera un ensayo meticuloso puede prepararlos para las diversas complicaciones que se interponen en sus planes.

Dirigida por José María Forqué. Suyas son "Las que tienen que servir" (1967) y "Usted puede ser un asesino" (1961).

Además con un reparto bien cargado de nombres famosos como José Luis López Vázquez (Fernando Galindo), Cassen (Martínez), Gracita Morales (Enriqueta), Manuel Alexandre (Benítez), Agustín González (Cordero), Alfredo Landa (Castrillo), Rafaela Aparicio (Doña Vicenta) y Jesús Guzmán (Cobrador de letras).

Acabo de descubrir que tuvo un remake titulado "Atraco a las 3... y media" (2003).

Me encanta como las cosas se complican desde el minuto cero. Osea, literalmente cuando están escuchando el plan llega la policía y se lleva a uno de ellos al hospital. Me meo.

De esta película procede la famosa escena de "Fernando Galindo, un admirador, un amigo, un esclavo, un siervo". De hecho, esta fue la razón por la que la busqué.

Me fascina como siendo tantos personajes consiguen que cada uno tenga un perfil único.

Es la definición de la cuenta de la lechera. Pero con mucho caos y momentos muy graciosos.

Acabo de caer, se les ve comer en bastantes ocasiones, me recuerdan a Brad Pitt en "Ocean's Eleven" (2001).

Hay un momento en el que casi parece una película de la época del destape.

Me pregunto si fue la inspiración para la serie "Los ladrones van a la oficina". Algunos de los actores salen en ambas, curiosamente.

Muy divertida, desde luego. Me ha hecho reír un par de veces.

The Mask (1961)

Cambiemos de tercio.

Un joven arqueólogo cree estar maldito por una máscara que le provoca pesadillas extrañas y posiblemente lo incita a cometer asesinatos. Antes de suicidarse, envía la máscara por correo a su psiquiatra, el Dr. Barnes, quien pronto se ve inmerso en el mundo de pesadilla que le atormenta.

Es considerada la primera película de terror de Canadá.

Además tuvo una versión en 3-D, a partir de la cual se hizo la restauración del 2015.

De hecho es un bastante más interesante que eso. Según dice el presentador al principio la audiencia tenía una máscara que debía ponerse en determinados momentos para ver "cosas que no ha visto antes". Son las partes en 3-D. Me encantan estas mierdas. Las he buscado, son unas gafas de cartón con un ojo verde y el otro rojo, con el nombre "Magic Mystic Mask". En el póster de la película se pueden apreciar.

Es como un episodio de una serie sobre misterios. Algo más largo, claro, pero los personajes, la historia... de hecho lo único que veo diferente es el asesinato con el que empieza la historia, que recuerda a los slashers de los 70 y 80. Y eso es mucho decir.

En un momento dado dicen que la máscara proviene de la India, pero no dan demasiados detalles al respecto, salvo que se usaba para un ritual. En la parte final dicen que la encontraron en Sudamérica.

Me hace cierta gracia que la casera envíe el paquete del arqueólogo después de que él se suicidara. Tan cotilla que parecía y no pensó que podría ser relevante para la policía.

Pues tenía razón el presentador, en el momento en que uno se pone la máscara pasamos a una experienci fascinante, cargada de efectos especiales y seres extraños. Al menos para los años 60, claro. A mí me recuerda un poco al cine japonés de los 70.

Cada parte en la que el espectador debía ponerse la máscara viene precedido de un aviso, con mucho eco. Usan la clásica técnica de acercar cosas a la cámara. Me pregunto qué tan efectivo sería en su día, pues es una película en blanco y negro.

Es extraña. Osea, la historia en sí no tiene misterio alguno, cuando alguien se pone la máscara comete actos sin control, los cuales incluyen asesinatos, claro. Pero las partes de la máscara son puro cine experimental.

Diary of a Nudist (1961)

Esta me tiene intrigado.

El editor envía a una reportera a investigar un campamento nudista, pero a ella le encanta ese estilo de vida y escribe artículos positivos. Frustrado por su reacción, él mismo visita el campamento para escribir su propia historia.

Desde que vi algunas escenas en el documental "Lynch/Oz" (2022) me pica la curiosidad.

Por lo que estoy leyendo, en los años 50 y 60 se hicieron una veintena de películas de temática nudista. Títulos como "Nudist Paradise" (1959), "The Naked Venus" (1959), "Naked Fury" (1959), "Take Off Your Clothes and Live" (1963), "Gentlemen Prefer Nature Girls" (1963), "My Seven Little Bares" (1963), "Goldilocks and the Three Bares" (1963)... Creo que voy a tener que buscar alguna más, me hacen mucha gracia.

En realidad me hace mucha gracia que el tipo se moleste porque haya un campo nudista a dos horas de donde está su oficina. ¡Dos horas! En mi pueblo llegaron a haber dos playas nudistas (creo que ahora están cerradas), y nadie se llevaba las manos a la cabeza. Podías llegar hasta ellas en 10 minutos, sin problemas.

No encuentro el sentido a poner una puerta con combinación y demás para poder acceder a la zona cuando, claramente, existe un lugar abierto por el que se puede acceder. El que usó el tipo cuando estaba de caza.

Me resulta peculiar la BSO, parece sacada una película erótico festiva, creo que esa es la idea que quieren vendernos. No es sólo la idea de una zona donde la gente va desnuda, es algo sensual.

Tras los trámites, la investigación que hacen de la reportera y aceptarla, no es hasta el minuto 22 en el que aparece desnuda por primera vez.

Lo curioso es que apenas le vemos los pechos, al resto de nudistas ni eso, siempre enfocan sus caras y hombros, como mucho. Además, cuando está en su apartamento va siempre vestida.

Cuando el tipo llega a la zona nudista va siempre en calzoncillos.

Lo que me he podido reír cuando le dice "Te quiero, siempre he estado enamorado de ti". Es tan absurdo todo.

En fin, un subgénero que visitaré de nuevo en el futuro, sin duda. Es tan recatado todo.

Baron Prášil (1962)

También conocida como "The fabulous Baron Munchausen".

El extravagante barón Munchausen narra sus numerosas aventuras, desde conocer al hombre de la Luna hasta derrotar él solo a un ejército turco.

Cuál ha sido mi sorpresa al descubrir esto. De hecho cuando vi "The Adventures of Baron Munchausen" (1988) de Terry Gilliam nunca imaginé que había una anterior. Siempre supuse que se basó en la novela. Pero no, para nada, de hecho hizo referencias a este título en su versión.

Pero esperad, que hay más adaptaciones. Tenemos las películas "Münchhausen" (1943), "Les fabuleuses aventures du légendaire Baron de Munchausen" (1979) y "Tot samyy Myunkhgauzen" (1980) y los cortos "Les Hallucinations du baron de Münchhausen" (1911) y "Die Abenteuer des Freiherrn von Münchhausen" (1944). Casi ná.

En todo caso, tenía interés en ver más animación checoslovaca y surgió este título.

De nuevo combina animación con lugares y actores reales. Pero esto es puro surrealismo a ratos.

En la primera escena un hombre llega a la Luna y se encuentra con una nave con una placa que dice "De a terre a la lune" Jules Verne, 1865.

Intentar explicar lo que aparece en esta película es algo complicado de verdad. Los escenarios se suceden, los personajes aparecen, brevemente. Y es todo muy... imaginativo.

Ahora que me fijo, visualmente hablando recuerda a las películas mudas de la década de los 20 en concreto. Usa colores filtros de imagen azules o amarillos, para representar el día y la noche, por ejemplo. El humo rojo que vemos en un momento dado parece "coloreado" fotograma a fotograma, como hacían entonces.

En todo caso usan mucho la superposición de imágenes.

La escena del barón montado en una bala de cañón me ha recordado a las locuras que hacen en el cine hindú.

El aspecto visual es fascinante, sin duda, como pasó en "Vynález zkázy" (1958). Claro que esta es más fantasiosa.

Me imagino que habrá más producciones de este estilo, pero bueno, con dos he tenido más que suficiente.

Приключения Буратино (1959)

El título se traduce como "Las aventuras de Buratino".

El hombrecito de madera, al que Papá Carlo talló de unos troncos, resultó ser alegre, engreído, ruidoso e ingenuo. La zorra Alicia y el gato Basilio lo llevaron al País de los Tontos, pero la sabia tortuga Tortilla ayudó a Buratino a encontrar la Llave Dorada, porque era terriblemente encantador.

Está basada en la novela "Золотой ключик, или Приключения Буратино" de Alexei Tolstoy, publicada en 1936. Que a su vez es una versión de "Le avventure di Pinocchio. Storia di un burattino" de Carlo Collodi, publicada en 1883.

Tuvo dos versiones de acción real, una con el mismo título en 1976 y "Buratino" (2009).

Antes de empezar voy a comparar ambas novelas, algo que nunca he hecho antes pero creo que es importante para entender en qué se diferencian.

Tolstoi comenzó su versión como una traducción y reescritura de la original pero terminó creando una historia con un espíritu, un mensaje y una resolución completamente diferentes.

Planteamiento:

En la de 1883 el conflicto es interno y moral. Pinocchio es una marioneta desobediente que sucumbe constantemente a las tentaciones del mundo. Su gran meta existencial es convertirse en un "niño de verdad" de carne y hueso. Para lograrlo, debe aprender a ser obediente, estudiar, trabajar y adaptarse a las normas de la sociedad burguesa.

En la de 1936 el conflicto es externo y de aventuras. Buratino nunca se plantea ni desea dejar de ser una marioneta de madera; se siente orgulloso y cómodo con su naturaleza. El motor de la trama no es una transformación moral, sino la búsqueda de un misterio: encontrar a qué puerta da acceso el misterioso "llavín de oro".

El tono:

- La original posee pasajes oscuros, crudos y macabros. Pinocchio sufre castigos físicos reales: le queman los pies, es encadenado como un perro guardián, los asesinos (el Gato y la Zorra) lo cuelgan de un árbol para robarle y es tragado por un monstruo marino gigante. Hay un constante peso de la culpa y el pecado.

- La versión es una novela de aventuras de ritmo rápido, luminosa y con mucha sátira política y humor. Los peligros se resuelven mediante el ingenio, las burlas y la acción en equipo. En lugar de un monstruo marino, Buratino es arrojado a un estanque por unos perros policías y allí conoce a la tortuga Tortila, quien le regala de buen grado el llavín de oro.

Personajes: 

- El creador: Geppetto (en Pinocchio) es un carpintero bondadoso pero que sufre enormemente los constantes disgustos que le da su "hijo". Papá Carlo (en Buratino) es igualmente pobre pero actúa de forma muy protectora, y Buratino muestra un cariño mucho más inmediato e ingenioso hacia él.

- El Grillo: En la obra italiana, el Grillo Parlante es la voz severa de la conciencia; Pinocchio se cansa de sus reprimendas y lo mata arrojándole un martillo (aunque luego reaparece como fantasma). En la versión rusa, el Grillo Parlante da un consejo al inicio, Buratino lo ofende levemente, pero el insecto sobrevive y el tono de su sabiduría es menos punitivo.

- El Hada vs. Malvina: La Fata dai capelli turchini (el Hada Azul) es una figura maternal, casi mística y sagrada que premia o castiga a Pinocchio (haciendo crecer su naso con las mentiras, por ejemplo). En la versión rusa se convierte en Malvina, una marioneta con pelo azul que ha escapado del teatro. No tiene poderes mágicos, sino que es simplemente una niña muy redicha, aristocrática y obsesionada con las clases de buenos modales y la ortografía, a la cual Buratino encuentra insoportable y desafía con humor.

- El antagonista: Mangiafoco (en Pinocchio) parece terrible pero en el fondo tiene buen corazón, se conmueve y ayuda económicamente a Pinocchio. En cambio, Carabas Barabas (el equivalente en Buratino) es un villano cruel, codicioso y tiránico sin escrúpulos que maltrata constantemente a sus marionetas y las azota con un látigo.

Desenlace:

- La original termina de forma pedagógica y moralista. Pinocchio se vuelve un niño real gracias a su sacrificio personal y su buen comportamiento. La vieja marioneta de madera queda tirada en una silla como un cadáver inerte del pasado rebelde del que se avergüenza.

- La soviética termina de manera colectiva y revolucionaria. Buratino usa la llave dorada para abrir una puerta oculta tras el cuadro del hogar pintado en la humilde morada de Papá Carlo. Detrás de ella descubren un teatro de marionetas maravilloso y libre. Al final, Buratino y sus amigos actores escapan de la opresión de su antiguo dueño y fundan su propio teatro auto-gestionado donde son felices siendo marionetas.

Pasemos a la película en sí. Así de primeras puedo decir que no hace mucho vi la de "Guillermo del Toro's Pinocchio" (2022). Guardan similitudes argumentales.

El diseño de los escenarios y el tipo de animación es muy buena, a la altura de Disney.

Aunque hablan en ruso, el niño suelta palabras en italiano también.

Es un producto infantil, como tal no le pongo pegas. Pero bueno, que eso implica alguna que otra canción y voces un poco irritantes.

Por lo demás, diría que sigue bien la trama de la novela versión rusa.

Vynález zkázy (1958)

También conocida como "Invention for Destruction".

Un malvado millonario llamado Artigas planea utilizar un dispositivo superexplosivo para conquistar el mundo desde su cuartel general ubicado en el interior de un enorme volcán.

La trama está vagamente basada en una novela menos conocida de Julio Verne titulada "Face au Drapeau", publicada en 1896.

La animación y el diseño de producción pretenden evocar las ilustraciones grabadas en madera de las novelas originales de Julio Verne.

Utiliza un proceso denominado "mysti-mation" que influiría en muchos cineastas y animadores posteriores, como por ejemplo en Terry Gilliam.

El primer plano de los grandes cañones del crucero enviado a buscar el barco del conde se inspiró en una toma similar del acorazado Potemkin en la película "Bronenosets Potyomkin" (1925).

La trama me recuerda al Dr.Evil de "Austin Powers: The Spy Who Shagged Me" (1999).

Veamos, no es de "animación". Más bien usan partes animadas sobre actores reales, y tampoco lo hacen todo el tiempo. Eso sí, es fascinante verlo, no creo haber visto ninguna otra película que use estas técnicas.

Me ha hecho gracia la parte de los dos buzos recogiendo los tesoros del barco que acaban de hundir, de repente sacan sus espadas y se ponen a pelear, como si estuvieran entrenando.

Oh, y aparece un tiburón y se enfrenta a un buzo, eso no me lo esperaba para nada. Lo volvemos a ver brevemente cuando rescatan a la chica.

Por cierto, dejan a la deriva, o se ahogan, todos los de la tripulación del barco al que atacan (sin provocación ni nada, simplemente lo hunden) pero en cuanto escuchan la voz de una mujer pidiendo ayuda (iba en ese mismo barco) se matan para ir a salvarla. Es demencial.

En esencia, el profesor quiere construir un reactor nuclear. O más bien un proto-reactor nuclear. Están también diseñando aviones que recuerdan a los dispositivos voladores de Da Vinci.

No podía faltar el toque surrealista, son una serie de cortometrajes animados de los diferentes inventos/avances.

No acabo de ver la necesidad de tener secuestrado al ayudante del profesor (que viene a ser el protagonista), podrían simplemente no haberlo capturado o incluso asesinado (no parece ser un gran problema). Los dolores de cabeza que les provoca son del todo innecesarios, aparte que el profesor y él no están en contacto en ningún momento, no es como si lo usaran para obligarle trabajar.

Casi podría decirse lo mismo de la chica. Tras su rescate su función es lavar, planchar y cocinar. Claro que no parece haber otra chica.

En todo caso, lo más fascinante es como combinan imágenes submarinas reales con animadas, los decorados con efecto de dibujo, los constantes peligros, la forma un tanto naïf de solucionar la comunicación entre la civilización y los prisioneros y cómo reaccionan inmediatamente al peligro.

Y lo realmente peculiar es que no deja de ser una película de submarinos.

Me he quedado alucinado con el final. Es un poco lo que esperaba, pero a la vez no creía que sucedería.

Estoy por recomendarla. Os romperá un poco los esquemas.