The Elephant Man (1980)

Esta sí que la he visto.

Un cirujano victoriano rescata a un joven gravemente desfigurado y maltratado que trabaja como fenómeno de circo, quien poco a poco revela su capacidad para la bondad, la inteligencia y la sofisticación.

Basada en dos novelas, "The Elephant Man and Other Reminiscences" del doctor Frederick Treves, publicada en 1923 y "The Elephant Man: A Study in Human Dignity" de Ashley Montagu, publicada en 1973. Tal y como pone al final de la película, no tiene nada que ver con la obra de teatro.

No os podéis imaginar cuánto eché de menos el cine de David Lynch. En cierta manera, me alegré al ver que esta película no estaba en el blog, para poder revisitarla. Cuando fue elegido para dirigirla estaba trabajando colocando tejados. Como primera curiosidad, aparece en la película, es uno de los que persigue al protagonista en Londres.

Aunque el creador, por llamarlo de alguna manera, fue Mel Brooks, quien se quedó como productor ejecutivo. Fue quien contrató a Lynch, por "Eraserhead" (1977), y no recibió crédito adrede para que la gente no se formase una idea equivocada de la película.

Es más, en un pase previo para los ejecutivos de la Paramount quisieron eliminar las secuencias inicial y final, por ser demasiado surrealistas. Mel Brooks fue quien los puso en su sitio, impidiendo que tocaran un sólo fotograma de la película.

En el reparto tenemos a Anthony Hopkins (Dr. Frederick Treves). John Hurt (John Merrick). Y Anne Bancroft (Sra. Kendal). Podríamos considerar un cameo el de Kenny Baker como uno de los enanos en el carnaval.

Nunca llegaron a diagnosticar correctamente a Merrick. Posteriormente se supo que padecía neurofibromatosis de tipo 1. Es gracias a esta película que la enfermedad fue más conocida. Años más tarde también agregaron que padecía el síndrome de Proteus. Hoy en día el resultado más común de su diagnosis es inconcluso.

Muchos de los sucesos que se muestran en esta película nunca ocurrieron. Merrick no fue maltratado por parte del que llevaba el circo, y, desde luego, nunca fue secuestrado del hospital, como se muestra en la película. El despreciable vigilante nocturno tampoco existió. Merrick tuvo una vida tranquila y, en general, sin incidentes, aunque corta, en el hospital.

Se cree que la interpretación de Hopkins en esta película fue lo que inspiró a Jonathan Demme para ofrecerle el papel de Hannibal Lecter en "The Silence of the Lambs" (1991).

Merrick no hablaba tan claramente como en la película, en la vida real el doctor era su intérprete y muchos en el hospital acabaron por acostumbrarse a su forma de hablar. A medida que la enfermedad se deterioró también lo hizo su capacidad de habla.

Se conocen dos hermanos de John Merrick, cuyo nombre real es Joseph Carey Merrick (murió el 11 de Abril de 1890, a los 27 años). Su hermano William Arthur Merrick murió de escarlatina en 1870, a la edad de 4 años. Y su hermana Marion Eliza Merrick murió de mielitis en 1891, a la edad de 23 años.

Un detalle peculiar, el apodo no es por su aspecto sino por cómo tenía la piel.

Recuerdo dos referencias más o menos directas al protagonista:

- Un episodio de "House, MD", concretamente el séptimo de la 4ª temporada, que también fue filmado en blanco y negro (las escenas del documental) y como siempre las cosas se complicaban, el paciente casi la palma hasta que House encontraba la verdadera enfermedad.

- Y la película "From Hell" (2001) en la que hace aparición, concretamente es cuando lo presentan frente a una serie de médicos londinenses por primera vez. El maquillaje de esta versión está realmente logrado, es una de las pocas veces que podemos verle en color.

Hay una tercera, de la cual desconocía su existencia, la película "The Elephant Man" (1982), también de color. No la he visto, poco puedo decir de ella, aunque sé que esa sí está basada en la obra de teatro.

Para diseñar el maquillaje que lleva John Hurt se utilizaron moldes de yeso reales del cuerpo de Joseph Merrick que aún se conservaban en el museo del Royal London Hospital. Esto puede parecer algo sin demasiada relevancia pero es que un bombardeo durante la Segunda Guerra Mundial destruyó los restos de Merrick que estaban conservados allí y sólo se salvaron los moldes.

Por cierto, Lynch intentó crear él mismo las prótesis pero sólo logró que John Hurt no pudiera moverse con ellas, así que recurrieron a un experto en efectos especiales llamado Christopher Tucker.

No vemos a Merrick hasta pasados unos 14 minutos. Para lograr que Hopkins llorase pusieron una luz brillante, intentaron otros métodos sin éxito.

En realidad le entrevemos, luego aparece su silueta, pero casi siempre va con una capucha que cubre su cara, y una capa que tapa su piel. De hecho hasta pasado otro cuarto de hora no llegamos a verlo. Su primera palabra la dice 10 minutos más tarde. Osea, alrededor de los 40 minutos. Es una introducción lenta y progresiva del personaje.

He buscado fotografías reales, resulta que pese a ser una persona de finales de siglo XIX hay unas pocas, lo cual no es sorprendente. En una sale incluso vestido con un traje que recrea en la película. El detalle, sin embargo, está en otra foto donde aparece con el torso desnudo, la parte izquierda de su cara está casi sin deformar, podemos ver algunos rasgos de manera clara, y eso no está demasiado bien recreado en la película, en parte porque John Hurt no se le parece, claro.

Si bien los personajes que lo "explotan" son inventados agregan un toque de dramatismo extra que ayuda al espectador a ver que no todo era felicidad y alegría con Merrick, también había quien le temía e incluso le llamaba producto demoníaco.

Dicho lo cual, que un vigilante de hospital hiciera esas cosas es absurdo. El propio John, una vez empieza a comunicarse con el doctor, se lo habría contado desde un principio.

Cuando Mr.Bytes lo exhibe, tras secuestrarlo del hospital, me ha recordado una escena de "Johnny got his gun" (1971). En un momento dado el protagonista se imagina que lo van exhibiendo en una feria ambulante, la frase que dice quien la lleva es "He is the armless, legless wonder of the twentieth century". Me pregunto si les sirvió de inspiración.

En la serie de 1967 "The Prisoner" hay una frase icónica, dicha por Number Six (Patrick McGoohan), que es “I am not a number, I am a free man!”. En esta película el protagonista dice “I am not an elephant! I am not an animal! I am a human being! I… am… a … man!”. Guardan bastantes similitudes, quiero pensar que es una referencia.

La causa de la muerte de Merrick fue que al acostarse bocabajo el peso de su cabeza era demasiado y se rompió la nuca al intentar levantarse. Es lo que (poco más o menos) se ve al final de la película.

Dudo mucho que haya alguien mejor que Lynch para retratar esta historia. Sus toques sutiles agregan la dosis justas de surrealismo que necesita el personaje.

Gran película. Muchos la definen como la única "normal" de Lynch, quizás sea verdad, pero para mí su cine es siempre interesante.

In Cold Blood (1967)

Aquí la titulamos "A sangre fría".

Los ex-convictos Perry Smith y Dick Hickock incumplen varias condiciones de sus respectivas libertades condicionales. Junto con Dick se reúnen para planear y ejecutar un robo basado en información que recibió de un compañero de celda sobre 10.000 dólares en efectivo guardados en una caja fuerte oculta en la casa de la familia Clutter, granjeros de Holcomb, Kansas. Tras el robo, planean huir a México para evitar ser capturados por la policía.

Si me preguntaran qué película has oído nombrar más veces de las que no has visto, pero siempre has querido ver, esta sería la respuesta, sin duda. No he podido sentarme a verla hasta ahora y me da mucha rabia, porque sé que me espera algo realmente interesante. Y lo más peculiar de todo es que ni siquiera sé de qué va. Porque soy así.

Empecemos hablando de Truman Capote, el autor de la novela. Los personajes de "Jensen, el reportero" y "el narrador" están basados ​​en él. Poco después de los asesinatos, Capote viajó a Kansas para escribir un artículo de revista sobre el impacto de los crímenes en la población de un pequeño pueblo, entrevistando a quienes conocían a la familia Clutter. Tras la detención y condena de los asesinos Perry Smith y Dick Hickock, Capote se convirtió en una figura importante en sus vidas mientras estaban en el corredor de la muerte, forjando un vínculo particularmente estrecho con Smith. Smith le entregó la mayor parte de sus pertenencias (dibujos y libros). Él presenció la ejecución de Hickock, pero no pudo soportar ver morir a Smith y abandonó la sala antes de que lo trajeran. Su cara aparece en la película, al final vemos una portada de una revista Life Magazine donde está él.

En el póster de la película vemos los ojos de los verdaderos asesinos, no de los actores que los interpretan.

Grabaron muchas escenas en los mismos lugares donde sucedieron los hechos reales.

La elección de actores poco conocidos fue hecha adrede, el director Richard Brooks quería dar una sensación de que era casi un documental. Los elegidos se parecían mucho a las personas reales que interpretan, según dijo Capote.

Fue la primera película comercial de EEUU en usar la palabra "bullshit" en un diálogo.

Sé que está basada en hechos reales y que los perfiles de los personajes son muy cercanos a lo que eran en realidad, pero creo que poner una conversación donde dejan claro que uno tiene serios problemas con la religión es un tanto conveniente.

Perry menciona "The Treasure of the Sierra Madre" (1948) cuando hablan de México. Era una película reciente en aquel momento, así que tiene mucho sentido.

Sigue la misma estructura que la novela intercalando las escenas de los dos tipos y de la familia Clutter. Las de esto últimos parecen intrascendentes, cosas cotidianas, demasiado normales. Las de los dos protagonistas son conversaciones sobre violencia, principalmente.

De hecho, la única diferencia notable en esta parte es que en la novela los flashbacks de Perry eran más amplios, para tratar de explicar más en profundidad su carácter y forma de ser. La película nos da sólo retazos que más o menos ayudan a entenderlo.

Dick llama a Perry "Natural born killer". Me pregunto si Tarantino sacó el título de aquí.

Tardan poco menos de media hora en confluir ambas historias y sólo vemos el antes y el después de lo que sucedió, a partir de ese punto pasamos a la investigación policial. De esta parte me llama mucho la atención que digan los nombres de los agentes del KBI (Kansas Bureau of Investigation) por televisión e incluso muestren la cara del primero en llegar.

10 minutos más tarde reaparecen los protagonistas. Todo parece indicar que no tienen de qué preocuparse. Eso sí, el golpe iba a ser de 10.000 dólares y no se llevaron ni 50.

No son los más inteligentes del mundo, tras los asesinatos se dedican a robar, de maneras completamente fáciles de seguir por un investigador mediocre. Y no es el caso. Me explico mejor, usan cheques sin fondos para comprar cosas de valor que podrán vender en otro lugar. El problema es que los cheques van a nombre de uno de ellos, incluso usa sus tarjetas de identificación reales.

Parece muy conveniente que justo den con un tipo en prisión que básicamente pone en la pista correcta a la policía, cosa que hace que les sigan la pista. Claro que ellos estando en México no tienen mejor idea que volver a Kansas, donde cometieron los crímenes. Mira que es grande el mundo. Encima roban un coche y enseguida les tienen echado el ojo.

Vemos la secuencia de los hechos que habían omitido al principio pasados unos 90 minutos. Es cuando ya no les queda otra que confesarlo todo, porque las pruebas dejan bien claro que fueron ellos.

Si no fuera una historia real la parte en la que asesinan a la familia no tendría ningún sentido. Osea, a Perry le da un ataque psicótico y se pone a pegar tiros, cuando era el más sensato hasta ese momento. Por eso se dice que la realidad supera a la ficción. Nunca sabes qué puede hacer alguien en una circunstancia concreta.

Ya es casualidad que la primera fecha elegida para la ejecución sea una viernes 13. Claro que fue pospuesta, de hecho se tiraron años hasta que los ejecutaron en la horca.

La escena de Perry, antes de su ejecución, en la que las gotas de lluvia se reflejan en su cara como si fueran lágrimas, fue completamente accidental.

No tiene créditos finales. Sólo sale el título de la película y se termina. Eso no me lo esperaba, la verdad. Es tan frío como el propio título.

Esta película tiene puntos muy fuertes, que creo que son difíciles de analizar desde una perspectiva actual, como es la frase que dice el periodista en la parte final que las ejecuciones nunca terminarán, porque nada cambia, sin embargo poco a poco fueron aboliéndose.

Como película me ha parecido un poco rara, no sabía muy bien qué esperar y ese toque casi documentalista del director hace que cueste de apreciarla como una historia sin más, mi mayor pero sería que no se sabe a ciencia cierta cada palabra dicha por los dos protagonistas y por ello parecen un tanto encajadas en cada momento. Pero, dejando a un lado eso, es una historia que influyó mucho al cine posterior, sin duda.

The Manchurian Candidate (1962)

La original.

El mayor Bennett Marco es un oficial de inteligencia del Ejército de los Estados Unidos. Sirvió valientemente como capitán en la guerra de Corea en 1952 y su sargento, Raymond Shaw, incluso recibió la Medalla de Honor. Sin embargo, Marco tiene un grave problema: sufre una pesadilla recurrente en la que dos miembros de su pelotón mueren a manos de Shaw.

No sé cuántas veces habré visto el remake homónimo del 2004, pero vamos, me parece una gran película. Esta llegué a verla hace ya muchos años, apenas la recuerdo, así que me vendrá bien refrescarla.

Dirigida por John Frankenheimer. Acababa de hacer "Birdman of Alcatraz" (1962), poco tiempo después dirigió "Grand Prix" (1966) y "Prophecy" (1979).

En el reparto destacan Frank Sinatra (Mayor Bennett Marco), Janet Leigh (Eugenie Rose Chaney) y Angela Lansbury (Sra. Eleanor Shaw Iselin). Sin embargo quisiera destacar a Henry Silva (Chunjin), un actor que hemos visto en títulos tan dispares como "Viva Zapata!" (1952), "Buck Rogers in the 25th Century" (1979), "Alligator" (1980) o "Cannonball Run II" (1984).

Como dato adicional, Joe Adams (Psiquiatra) interpreta a un personaje que originalmente era blanco, algo que en aquellos momentos era realmente raro.

El presupuesto fue de 2,2 millones de dólares. 1 se lo llevó Sinatra, 200.000 se los llevó Laurence Harvey (Raymond Shaw), el millón restante fue para lo demás.

Fue prohibida en muchos países debido a lo controversial de la temática que toca. Hasta 1993 no llegó a ser estrenada en la mayoría de ellos.

Durante el prólogo, ambientado en 1952, una de las camareras lee una vieja revista de cine cuya portada muestra a Tony Curtis y a su entonces esposa, Janet Leigh. Durante el rodaje de la película le llegaron a ella los papeles de divorcio.

La escena del lavado de cerebro fue grabada tres veces por completo. Una desde el punto de vista de Allen Melvin (con las mujeres negras), otra desde el de los captores comunistas (sin mujeres) y una tercera desde el punto de vista del mayor (con las mujeres blancas).

Los dos artículos de revistas científicas que el Dr. Yen Lo menciona en la secuencia de hipnosis inicial son reales.

Me acabo de dar cuenta de que es una película en la que el peligro comunista es absolutamente real. Van más allá de la simple insinuación o la confrontación de espías, aquí es algo realmente peligroso.

A diferencia del remake aquí dejan bien claro que Shaw tiene el cerebro lavado, incluso discuten frente a él si debe matar a alguien pues lleva dos años "inactivo". Creo que eso es ir demasiado lejos, entiendo la necesidad de la discusión, no me acaba de cuadrar que él simplemente acepte lo que están diciendo sin más.

Janet Leigh tarda unos 40 minutos en aparecer. A ver, la película dura algo más de dos horas con lo cual no es tanto.

Frank Sinatra se fracturó el dedo meñique de la mano derecha contra el escritorio durante la escena de lucha con Henry Silva (se ve esa toma en la película). Debido a sus compromisos de rodaje, no pudo descansar ni vendarse la mano correctamente, lo que provocó que la lesión sanara mal. Esto le causó molestias crónicas durante el resto de su vida.

En esa pelea tenemos dos hechos interesantes. Por una parte usan artes marciales, un tanto rudimentarias pero efectivas. Por otra, según dijo Sinatra, no usaron dobles. Siento diferir en eso, pues sí lo parece, por la manera de enfocar ciertas partes tratan de ocultar la cara de uno de ellos.

Es una película estadounidense de las primeras mostrar artes marciales. Previamente tuvimos "Bad Day at Black Rock" (1955), en la que Spencer Tracy usa karate. En "Blood on the Sun" (1945) vimos a Ernest Borgnine usando judo. Peter Lorre hacía jujitsu en las películas de Mr.Moto, siendo la primera "Think Fast, Mr. Moto" (1937). Y en "Strike Me Pink" (1936) Harry Einstein menciona el jujitsu.

Dos detalles que no se ven en la película, porque son especulativos. Eugenie es una agente doble, eso explica sus extraños comportamientos (especialmente su primer diálogo con el protagonista). El segundo es que la relación entre Shaw y su madre es incestuosa, esto proviene de la novela, en la película no podían mostrar algo así pero vamos, terminaban incluso acostándose juntos.

El director fue aclamado por una toma ligeramente desenfocada del mayor Marco mostrándole a Raymond Shaw la baraja de cartas compuesta por 52 reinas. Sin embargo, había sido completamente accidental. Al revisar el material grabado, se dio cuenta del error, lo que normalmente habría requerido repetirla. El problema era que Sinatra tenía una cláusula de "una sola toma" en su contrato, ya que creía que siempre daba lo mejor de sí en la primera toma y no veía sentido en hacer varias. Cuando Frankenheimer le dijo a Sinatra que debían volver a filmarla, este se negó, y no tuvo más remedio que incluirla tal cual en la película.

Durante décadas circuló la leyenda urbana de que Sinatra retiró la película de la circulación por respeto tras el asesinato de John F. Kennedy. Pero no fue así, la película estuvo fuera de vista casi 25 años, por una disputa legal entre Sinatra y el estudio sobre los derechos de distribución y las regalías. Sinatra simplemente la "guardó en su caja fuerte" hasta 1987.

Es una película que hubiera sido demasiado controversial en su momento, entiendo que al sacarla de circulación se logró frenar las especulaciones y teorías conspiranoicas, pero eso sólo hizo que tomaran más fuerza posteriormente, por ejemplo con el famoso programa MK-Ultra de la CIA.

El remake no tuvo ese mismo efecto porque la población ya estaba más "naturalizada" en estos temas. Pero no deja de ser una gran película, sin duda. Y esta tampoco, de hecho al volver a verla he podido descubrir muchos detalles que no conocía.

This Island Earth (1955)

Aquí la titulamos "Regreso a la Tierra".

Estamos en Washington. El doctor Cal Meacham es un ingeniero y piloto que está trabajando para lograr usar la energía nuclear junto con la electricidad. Durante un vuelo rutinario pierde el control de su jet pero algo lo estabiliza y aterriza sin problemas, sin que ni siquiera coja los mandos.

Otra película de ciencia ficción de los 50 a todo color. Usaron la técnica  de las tres tiras de Technicolor, lo cual dificultó las cosas en el rodaje. Las cámaras eran enormes y la iluminación demasiado fuerte. Encima hicieron que el presupuesto aumentase notablemente.

Eso explica lo de los "dos años y medio" que dice que tardaron en hacerla en el póster. Buena parte de ese tiempo fue la post producción y efectos especiales.

Dirigida originalmente por Joseph M. Newman, quien fue despedido cuando vieron el primer montaje. Llamaron a Jack Arnold para solucionarlo, grabó algunas escenas y la editó, pero nunca recibió crédito por ello.

Henry Mancini estuvo involucrado en la BSO, pero no recibió crédito tampoco. Tuvieron que echar mano de varios compositores de la Universal para completar la música antes del estreno.

Hay un "actor" que pese a tener sólo 5 años de edad consigue destacar, y eso que no obtuvo crédito. Se llama Orangey (Neutron) y salió también en títulos como "The Incredible Shrinking Man" (1957), "The Diary of Anne Frank" (1959), "Breakfast at Tiffany's" (1961) y "The Comedy of Terrors" (1963), aparte de series como "Alfred Hitchcock Presents", "The Twilight Zone", "Mister Ed" y "The Outer Limits". No está nada mal para un gato.

La versión que poseo es la que fue remasterizada en el 2019. En esencia, es un open matte que muestra toda la imagen y no la que fue proyectada en su momento en cines, más alargada con recortes en las partes superior e inferior. Además incorpora un formato de audio estéreo basado en Perspecta, el que usaron en su momento.

En el póster vemos las piernas de los mutantes. Así es como deberían haber sido en la película pero tuvieron muchos problemas a la hora de hacerlas realistas y que se pudieran mover los actores en ellas, así que terminaron por ponerles unos simples pantalones. Aunque en la parte final podemos apreciar sus "pies", y sí están detallados.

La miniatura de la Tierra fue usada como logo de la Universal entre los años 50 y 80. De hecho aparece en esta misma película.

La historia empieza centrándose en un dispositivo llamado Interocitor. Los dos científicos lo construyen usando los materiales que les envían y siguen las instrucciones al dedillo, pero tras terminarlo y tener una comunicación con el ser que se lo envió, de nombre Exeter, deciden destruirlo.

En cuanto a la tecnología, más allá del Interocitor, vemos que es muy tangible, muy visual, muy analógica. Lo cual tiene mucho sentido, son los años 50 y crear algo "invisible" o muy pequeño no sería posible, incluso cuando hablamos de seres muy avanzados.

Me parece particularmente interesante que dos tipos en gabardina estén esperando un avión rodeados de niebla y uno se monta en él. Todo muy "Casablanca" (1942).

El error que comete Exeter es mostrarle al protagonista las capacidades destructivas del Interocitor. Si hubiera seguido un camino más pacífico, más científico, él no habría tenido tantas sospechas. Reales, por otra parte, pero quizás para cuando descubriese la verdad sería demasiado tarde.

Otro error es que la manera en la que lavan los cerebros de los que se les oponen no sólo es contraproducente sino evidente, los otros humanos saben lo que les han hecho y lo ven como otra amenaza más. Pero es que encima no es algo útil para los aliens pues esos humanos pierden la capacidad de razonar. se convierten en zombies domesticados, esencialmente.

Muchos de los principios científicos son acertados. Por ejemplo la creación de una gravedad artificial en la nave para no estar flotando contínuamente. Hay que tener en cuenta que esto fue grabado un lustro antes de los primeros viajes espaciales tripulados. Era especulativo, pero preciso.

Esta película dista mucho de ser una más de ciencia ficción de los años 50. Hay escenas en el planeta alienígena que están realmente bien hechas, y no son pocas precisamente. Si bien usan entornos minimalistas para el interior los exteriores son bastante elaborados. Para ello usan trucos de cámara, claro, pero están logrados.

Creo que es una gran película, infravalorada. Su único pero es la historia que se desarrolla a dos tiempos y la primera mitad no es demasiado intensa, a partir del punto en que el científico sube al avión que vuela "solo" prácticamente no sucede nada hasta que es capturado de nuevo y llevado en la nave a su planeta. Pero creo que el resto es muy bueno, mejor de lo que nos tiene acostumbrados el cine de este período. Además no cae en topicazos como militares interviniendo porque sí o invasiones alienígenas hostiles.

La strada (1954)

El título se traduce como "La calle".

Tras el fallecimiento de Rosa, Zampanò acude a por Gelsomina, a cambio de 10,000 liras. Él es un artista ambulante, la separa de su familia, con la promesa de que regresarán. Ella pronto se habitúa a esa nueva vida errante, participando con él en los numeritos.

Dirigida y co-escrita por Federico Fellini. Poco a poco me voy adentrando en su filmografía, ya vi "8½" (1963) y "Fellini - Satyricon" (1969).

Protagonizada por Anthony Quinn (Zampanò). Difícil destacar alguna película suya, apenas hay... creo que la última vez lo vi en "Lawrence of Arabia" (1962), también están "The Guns of Navarone" (1961) y "Viva Zapata!" (1952). Como dato peculiar, dirigió dos películas, "The Buccaneer" (1958) y para televisión hizo "Pastoral" (1947).

Anthony Quinn conoció a Giulietta Masina (Gelsomina) mientras hacía "Angels of Darkness" (1954). Ella insistió en presentarle a su marido, Federico Fellini. Él se dio cuenta de que sería perfecto para el papel de Zampanò, sin embargo por mucho que se lo pidió, Quinn no aceptó pues no conocía al director. Un día estaba cenando con Ingrid Bergman y Roberto Rossellini y vieron la película "I Vitelloni" (1953), la más reciente de Fellini, y Quinn se dio cuenta de que el director que tanto había estado insistiendo era un genio.

Originalmente Quinn quería llevarse un porcentaje de las ganancias, en vez de cobrar un salario. Su agente fue quien cambió el acuerdo, para que fuera un dinero fijo. Quinn perdió millones.

Fue la primera película en ganar el Oscar a mejor película extranjera, en 1957. 

No puedo decir que comprenda muy bien el arranque de la historia. Se le muere la esposa y "compra" otra, así sin más, que ni conoce. Entiendo que la madre lo vea bien, porque se lleva un dinero y él le ha prometido alimentarla.

El personaje de Gelsomina es mostrado como muy feliz, siempre sonriendo, aceptando sin más las cosas que le suceden. Casi parece que tenga un problema mental. Sin embargo, la idea es que es muy inocente.

Creo que el primer punto clave es cuando Zampanò decide irse con una pelirroja a la que acaba de conocer para pasar la noche con ella, dejando a Gelsomina abandonada en la calle. Y cuando por fin lo encuentra ella apenas reacciona.

La historia está situada en la época de la postguerra, lo vemos en detalles como la necesidad de los agricultores, con sus familias numerosas, la moto de la guerra reacondicionada para ser un carromato... Claro que era, poco más o menos, el momento en el que fue rodada.

La película está doblada completamente, más que nada porque Quinn no sabía hablar italiano.

Las cosas parecen encararse un poco mejor cuando se unen a un circo. Pero Zampanò encuentra a un "enemigo", el llamado "el loco", que no para de chincharle.

No me esperaba un final tan duro, la verdad. Aunque he de decir que durante toda la película no podía dejar de preguntarme por qué necesitaba a una mujer como ella a su lado, ni siquiera él mismo lo sabe.

No sabía qué habría detrás de este título famoso, ha resultado ser una película muy italiana, mediterránea incluso, cosas que sólo alguien de esta zona puede comprender.

Por lo que he leído, hubo una parte de la critica que criticó el tema religioso. Los comunistas no lo veían bien, pues esperaban que mostrase la pobreza como un símbolo de su revolución, sin apoyo de la iglesia. Por otra parte, la iglesia tampoco veía con buenos ojos que fueran una pareja que vivían en pecado, ya que nunca llegan a casarse.

En todo caso es una película especial, de eso no tengo dudas. Anthony Quinn está magnífico, Giuletta Masina también, aunque me ha costado un poco entender su personaje. Y Richard Basehart (el loco) ha resultado ser un revulsivo en la historia, antes de caer en la repetición. También es el desencadenante del final. Me han parecido muy graciosas sus intervenciones.

Invaders From Mars (1953)

Este póster llevo viéndolo desde hace tantos años...

El misterio que queda por resolver, ¿qué clase de vida habita los demás planetas de nuestro sistema solar? ¿Quizás sea humana como en el nuestro? ¿O una vida mucho más baja en la escala? ¿O más alta y peligrosa? Los científicos de todas partes y edades tratan de encontrar la respuesta.

Tuvo un remake 50 años más tarde titulado "Invaders From Mars" (1986).

Fue el debut en el cine de Richard Deacon (Policía militar). Salió en "Them!" (1954), "Invasion of the Body Snatchers" (1956), "The Birds" (1963), "Blackbeard's Ghost" (1968) y "Piranha" (1978).

Por si no lo sabéis, adoro el cine de ciencia ficción de los años 50. Poco a poco voy recorriendo todos sus títulos, bien sean de EEUU o del Reino Unido. Y no decepcionan.

La versión que he visto es la restaurada en el 2023 a partir de los negativos originales, gracias a una copia encontrada en Australia.

Y es que esta película es una rareza en sí misma, pues es de las pocas de ciencia ficción de los 50 que está en color. Esto es porque fue rodada usando el nuevo negativo de una sola tira EastmanColor. Cinecolor Labs produjo los tráilers y las copias de estreno mediante el proceso SuperCinecolor de tres colores. Cuando Cinecolor quebró, los elementos originales y las matrices de impresión fueron confiscados y vendidos como material de desecho.

Mencionan dos eventos, "Lubbock Lights", de 1951, y "Captain Mantell", de 1948. Son avistamientos de OVNIs que causaron sensación a nivel nacional en EEUU. Incluso muestran las fotos del primero que llegaron a la prensa.

Mientras la veía no podía dejar de pensar en cómo serían las cosas si la acción estuviera situada en un pueblo de Albacete. Para empezar, la colleja que se hubiera llevado el crío por despertar a sus padres a las 4 de la madrugada se hubiera oído desde Sebastopol.

Me encanta lo poco sutiles que son. Si es que incluso rompen a cuarta pared para dejar claro al espectador cuando alguien ha sido manipulado. Qué bueno.

Me hace gracia lo rápido que se involucra el ejército.

Mencionan a los mutantes, los rayos X, los rayos radioactivos, los infrarrojos... Y todo se parece demasiado a "Invasion of the Body Snatchers" (1956). También hacen uso de "chips" implantados para controlar a los sujetos que capturan, que contienen una pequeña "bomba" para eliminarlos antes de ser capturados. Es increíble la cantidad de ideas expuestas que hemos visto usadas una y otra vez en películas y series posteriores.

En realidad usan lógicas de personas que tienen una tecnología inferior a los invasores, y les veo mucho sentido. Pero vamos, supongamos una tecnología moderna usada en los años 50. Por muchos soldados y tanques que tengan, no lograrían nada.

Parte de las "burbujas" que vemos en el túnel subterráneo son condones.

Usaron un truco de perspectiva que luego vimos en "Alien" (1979). En una escena necesitaban crear la ilusión de que los alienígenas son realmente altos, cerca de dos metros y medio de altura, así que emplearon enanos en algunas de las escenas en las que pelean mano a mano con ellos. En la película de Ridley Scott usaron a sus propios hijos.

Me acabo de dar cuenta de que en blanco y negro no habría funcionado igual esta película. Se nota que fue concebida con color. Además, hay partes oscuras en las que sin el color prácticamente no se distinguiría nada. Y, bueno, el color verde de los alienígenas creo que es fundamental.

Qué bueno el final. Es literalmente el típico de "todo fue un sueño... o no".

La película dura unos 80 minutos, aún así no se hace corta para nada. Tiene mucha trama, bastantes personajes, acción, muertes... y alienígenas, claro.

De hecho, lo único que intriga tras verla es cómo hicieron la versión de los 80. Es de Tobe Hopper, así que es más que posible que la haya visto, pero hace mucho.

Gran película, sin duda, me lo he pasado en grande viéndola.

The Man They Could Not Hang (1939)

Pasamos a una serie de títulos que quería tener en el blog. Muchos los he visto ya, el resto los considero muy interesantes. Porque realmente necesito ver algo decente durante unas semanas.

El científico loco Dr. Henryk Savaard está obsesionado con resucitar a los muertos. La policía es alertada de sus actividades y Savaard es arrestado, declarado culpable y condenado a la horca. Jura vengarse del juez, el jurado y el fiscal. Tras la ejecución, su asistente reclama el cadáver y utiliza la técnica de Savaard para revivir al doctor. Ahora, el científico loco puede vengarse de quienes considera sus enemigos.

Y arrancamos fuerte, con una película de Boris Karloff (Dr. Henryk Savaard). Acabo de descubrir que al año siguiente hizo "Before I Hang" (1940), pero, a pesar de la similitud en el título no tienen nada que ver. En ambas Karloff hace de un científico, están producidas por la Columbia... y ahí terminan las similitudes.

La trama me recuerda ligeramente a otra película de Karloff, "The Walking Dead" (1936).

Claro, es un tanto complicado explicar a un doctor que alguien es capaz de devolver la vida a un muerto. Especialmente con la policía presente. Por no decir imposible.

Curioso lo mucho que se parece el científico al Dr.Frankenstein, su argumentación en el juicio viene a ser la misma que decía él.

Me encanta como amenaza a todos y cada uno de los culpables de que lo ejecuten. Esa parte es genial.

Acabo de recordar que hay otra película donde el cuerpo de un "asesino" que fue ejecutado es devuelto a la vida, además es de Wes Craven. hablo de "Shocker" (1989). Y en ambas el asesino regresa para cargarse a quienes causaron su muerte.

He buscado un poco más, tenemos más títulos similares, como "Man Made Monster" (1941), "The House on Skull Mountain" (1974), "Prison" (1987) y "The Horror Show" (1989). Todas guardan alguna similitud con esta, en mayor o menor medida.

Nos privan de las imágenes de la ejecución, ni siquiera podemos escuchar las últimas palabras del científico, pero escuchamos una narración por la radio de todo ello. Menos es nada.

En realidad, el verdadero problema que le veo a no mostrar esa escena es que no sabemos si murió por asfixia o porque se rompió su nuca al caer. Creo que es algo fundamental a la hora de poder o no resucitarlo. Pero tras resucitarlo nos lo cuentan, se rompió el cuello y su ayudante pudo repararlo... qué detalles tiene esta película.

En poco tiempo se carga a 6 de los jurados, todos ahorcados. Y en un toque de genialidad junta a los 8 responsables que quedan vivos en un mismo lugar y la trama pasa a ser un "10 negritos" con 8 personas y un asesino. Aunque, ahora que lo pienso, una vez se une la hija del científico son 10.

Esta película hubiera sido ideal para tener un remake con Vincent Price como el científico. Supongo que "The Abominable Dr. Phibes" (1971) es la que más se acerca.

No me lo esperaba esto, el científico lo tiene todo planeado al milímetro. Ya tiene su cabeza de turco, el mismo ayudante que le devolvió la vida, a quien asesinó cuando trató de detener sus planes.

Vaya, no termina con la masacre que tanto esperaba. Lástima. Supongo que era demasiado para los años 30.

En fin, gran película, cómo no. Sería extremadamente raro que una de Karloff de esta época no fuera buena.

Catch Me If You Can (2002)

Aquí la titulamos "Atrápame si puedes".

Con apenas 17 años, Frank es un hábil falsificador que se ha hecho pasar por médico, abogado y piloto. El agente del FBI Carl se obsesiona con dar con el estafador, quien disfruta enormemente de la persecución.

Una película de Steven Spielberg.

Protagonizada por Leonardo DiCaprio (Frank Abagnale Jr.) y Tom Hanks (Carl Hanratty).

Frank William Abagnale es un timador. Antes de cumplir los 19 años ya había acumulado 4 millones de dólares. Carl Hanratty es quien le capturó.

Así es como lo presentan en el programa "To Tell the Truth". Esa escena está sacada del programa real en que estuvo Frank. Aunque hay muchas diferencias, por ejemplo dicen que fueron 2,5 millones y los dos tipos que van con él salen vestidos de doctor y de preso. Me acabo de dar cuenta que de este programa proviene la famosa frase "Will the real (nombre) please stand up?".

La historia va saltando entre dos momentos en el tiempo. Primero tenemos la "actualidad", el segundo es el "pasado".

En el primero estamos en 1969, cuando Frank había sido capturado por la policía francesa y Carl le visitó para su extradición.

El primer detalle es que Christopher Walken (Frank Abagnale) sale bailando al principio. No sé si es un dato muy conocido, pero lo hace en casi todas sus películas.

Al despertarse Frank Jr. vemos un montón de cómics de Flash junto a su cama. En esos momentos vemos cómo su padre le enseñó a ser un timador. Pero sus timos no siempre le salieron bien y acabaron teniendo que mudarse. Eso explica mucho del carácter de Frank, creció en un ambiente de pobreza y necesidad.

Y su primer timo es hacerse pasarse por un profesor sustituto en el instituto, me encanta esta escena. Especialmente porque su padre se ríe al enterarse.

Entonces descubre a su madre poniéndole los cuernos a su padre. Eso explica por qué posteriormente trata a las mujeres como objetos de usar y tirar.

Y las cosas se ponen peor cuando se divorcian los padres. Eso hace que huya de casa y entonces es cuando se agudiza su ingenio y empieza a crear cheques falsos. Pero no funciona demasiado bien.

Sin embargo así es como se da cuenta de cómo tratan a los pilotos de aviones e investiga qué necesita para parecer uno. Pronto combina los cheques con ser un piloto y no tarda en empezar a acostarse con las chicas que va conociendo.

Una de las mejores escenas sucede en Los Angeles, cuando Carl consigue sorprender a Frank en su habitación y se le escapa de la manera más estúpida. Aquí es cuando usa el nombre Barry Allen por primera vez. Hasta este momento había usado nombres falsos, pero no ese.

Tras eso conoce a una modelo, interpretada por Jennifer Garner (Cheryl Ann). Me fascina la cantidad de actores y actrices famosos que aparecen en esta película. Por ejemplo, también salen James Brolin (Jack Barnes) y Brian Howe (Earl Amdursky) como secundarios, por no decir cameos pues son papeles realmente pequeños.

Otra identidad que adopta es la de James Bond, bueno se hizo llamar Flemming, tras ver "Goldfinger" (1964).

El primer error, por llamarlo de alguna manera, es que en la vida real Abagnale no tuvo una relación de amistad con ningún agente del FBI. Varios trataron de capturarle, pero, como bien apunta Carl en la película, no tendría sentido que conocieran su verdadera identidad, su cara o su voz. Aún así Carl está basado en buena parte en Joe Shea, el agente que estuvo al frente de la investigación. En la vida real Shea no recibió un centavo por esta película, pues cambiaron su nombre.

Otro cambio importante es que el padre no era un timador, de hecho fue una de las primeras víctimas de los timos de Frank, pues usó su tarjeta de crédito para pagar miles de dólares. En la película sólo mencionan que fueron mil dólares.

Vemos como también se hizo pasar por un doctor durante un año. En esta parte aparece Amy Adams (Brenda Strong). Para la escena del beso Spielberg le dijo a la actriz que hiciera como si fuera un hambriento que acaba de ver una hamburguesa después de unos días sin comer.

El padre de Brenda está interpretado por Martin Sheen (Roger Strong).

Carl le pregunta, en el presente, cómo aprobó el examen de abogacía, qué trampa usó. Frank se niega a responderle. Sólo le vemos mirando la serie de "Perry Mason". Al final le dice que simplemente estudió.

Brenda es la única chica de la que se enamoró, al menos lo suficiente como para casarse con ella. Y es la única que me da lástima.

Lo apellidos de las chicas que elige como azafatas, en las universidades, son los de las actrices que las interpretan.

El verdadero Frank Abagnale Jr. (Capitán Luc) hace aparición en la película, es el policía francés que le arresta en las navidades del 1967.

Me acabo de fijar que ponen a la policía francesa como si fueran unos bárbaros, capaces de disparar a lo loco a un hombre esposado y desarmado. Cuando la realidad es que algo así es más probable que suceda en EEUU.

Me meo con la escena de la fuga del avión.

Al final de la película, cuando Carl está frente a una pizarra, vemos en una esquina la frase "Steven and Tom's 4th project". Efectivamente, fue la cuarta colaboración de Steven Spielberg y Tom Hanks, las anteriores fueron la serie "Band of Brothers" y las películas "Saving Private Ryan" (1998) y "Joe Versus the Volcano" (1990).

Su captura y posterior incorporación al FBI me recuerda mucho a cuando las empresas de antivirus contrataban a la gente que hacía los virus.

Guarda similitudes con "The Great Impostor" (1960), "Plein soleil" (1960) y "Bullitt" (1968).

Es una película que creía que ya estaba en el blog. Ha sido pura casualidad que me pusiera a verla hoy y estaba tomando notas de las cosas peculiares que iba viendo para mejorar la entrada... cuando me di cuenta que simplemente no existía. En fin, cosas de la vida.

Manivore (2025)

Otro juego.

Lo que comienza como una investigación rutinaria pronto se convierte en un descenso a la oscuridad. Lo llaman Manivore. Más que un simple asesino… Es frío, inteligente y manipulador. No solo mata a sus víctimas; borra sus huellas, las desmiembra y deja tras de sí solo una grotesca obra de arte. Para él, la muerte no es una escapatoria, sino la pieza final de un rompecabezas meticulosamente elaborado. Y ahora, eres parte de ese rompecabezas.

Creado por Farkas Interactive.

Su duración es de 1 hora.

El modelo de la casa que usan es el mismo que el de "Ghost Watchers" (2025).

Empieza fuerte, un policía llama a la puerta de un tipo que compró ropa para niños, sin tener hijos. Entonces pasas a ser el policía, mientras investigas su casa te deja inconsciente. Resulta que el tipo secuestró a tu hermano.

Cuando te deja solo en el sótano, te liberas y subes al primer piso.

Todo parece indicar que el tipo es un caníbal. Tu objetivo es hacer fotos a aquello que pueda servir como prueba. Me hace gracia que usas una cámara polaroid y que debes agitar las fotos para que revelen. También que, aunque encuentras muchas cosas, no te deja interactuar con ella hasta que consigues la cámara. Osea, ves los puzzles, ves su resolución, pero no puedes hacer nada.

Puedes tocar el piano. De hecho tienes mucha libertad para moverte por la casa. Al principio hay una muñeca que te vigila, pero deja de aparecer.

En una foto encontrada dentro de una pequeña caja con código hay un qr que lleva a https://www.farkasinteractive.com/qrmanivore.

Parece inspirado en la serie "Hannibal".

Una vez te deja hacer lo del trenecito y lo resuelves, la muñeca empezará a seguirte. Se moverá cuando dejes de mirarla.

También hay unos tipos que aparecen de repente, cuya mecánica es que cierres los ojos para que desaparezcan.

Y a ratos vemos una niña correteando por la casa.

En el sótano, después de los cuerpos colgados bocabajo, entras en una habitación con un proyector. Sobre la mesa hay unos muñecos dispuestos como "The Human Centipede (First Sequence)" (2009).

Finalmente encuentras a alguien vivo, a tu esposa y un ser que parece ser el culpable de todo. Le pegas un tiro. Te da a elegir comerte la carne de tu hermano para salvarlo, o no. No importa, te obliga a hacerlo, si le dices que no hay un poco más de diálogo.

Apareces en un vertedero, inconsciente.

Me ha gustado bastante, muchas referencias y muy mal rollo. Aunque hay cosas que parecen puzzles que no resuelves, no sé por qué.

Southern Gospel (2023)

Venga, terminemos con esto.

Estamos en los años 60. Samuel Allen es el hijo de un predicador a quien le gusta el rock'n roll y, aunque a su padre le hubiera gustado que siguiera sus pasos decide apoyarle comprándole su primera guitarra eléctrica.

Con este título completo la filmografía de Emma Myers (Angie Blackburn), a falta de cortometrajes y apariciones puntuales en series de televisión. Pero  a mí me vale.

Aunque dice que está basada en hechos reales, Samuel Allen es un personaje inventado. El director sí se basó en algunas vivencias personales pero no retrata a nadie en concreto.

Pocas veces he visto una disputa más estúpida que la de dos pastores discutiendo sobre cómo debe hacerse su trabajo. Eso sin contar con el tono inherente racista del "malo", claro.

Otra película con un fuerte mensaje cristiano. Creo que me han quedado bien claros los orígenes religiosos de Emma Myers.

Sus orígenes me recuerdan bastante a los que vimos en la película "Elvis" (1979). En ambos casos fueron influenciados por la música negra, pero aquí el propio Elvis es la base del estilo musical de Samuel.

Emma tarda unos 15 minutos en aparecer y lleva una peluca de pelo corto negro. Es una de las dos chicas jóvenes interesadas en Samuel cuando toca una canción. Aunque a él le gusta más la otra.

Creo que toda la película consistirá en hacernos creer una cosa y será justo lo contrario. Por ejemplo, parece que el padre quiera que siga sus pasos, pero no, le compra la guitarra, parece que se irá con la chica rubia, pero no, se va con la morena... pero no, porque se ahoga.

En fin, nos dejan sin Emma antes de llegar al minuto 25. Parecía el único personaje interesante, le daba un poco de vidilla a la historia.

En fin, tras eso empieza a tomar drogas y alcohol y a ser un roquero con su grupo. El peinado que lleva me recuerda ligeramente al de Daniel Radcliffe en "Weird: The Al Yankovic Story" (2022).

Lo dicho, al poco de acostumbrarnos a ese nuevo look y al hecho de que tiene un grupo, tienen una accidente, muere uno, otro acaba en el hospital y a él le cortan el pelo y lo meten en la cárcel.

Quiero pensar que la muerte del batería es una referencia a "This is Spinal Tap" (1984). No sé, por verle algo interesante a esta película, sé perfectamente que no es así.

No acabo de entender la obcecación del "malo" con el chaval. Que ya no es tan chaval, pero bueno.

Total, que después de su periplo musical decide hacerse un pastor y casarse con la rubia. Qué lío.

Se me hace pesada de ver, mucho. Todo el rollo religioso y el "malo" tratando de hundir al "bueno" es tan simplista. Tan básico. Tan poco original.

Incluso la discusión que tienen citando a la biblia me recuerda a un capítulo de "House M.D.".

La vida de este tipo se resume en una palabra: tragedia. Joder. Se le muere más gente que a una tortuga tras eclosionar sus huevos.

La única película que ha merecido un poco la pena de estas tres con Emma Myers es la navideña, al menos interpreta a un personaje muy suyo. Las otras dos son del todo ignorables. Ahora sólo cabe esperar a que salga la tercera temporada de "Wednesday", pues la otra película en la que está previsto que salga es una de animación donde pone la voz, hablo de "The Angry Birds Movie 3" (2026).

Tema zanjado, pasemos a otra cosa.