¡Three Amigos! (1986)

Me gusta como, sin quererlo, voy alternando dramas con comedias.

Estamos en México, en 1916. Carmen y Lorenzo buscan ayuda porque un hombre llamado El Guapo amenaza su pueblo, Santa Poco. Tres actores conocidos como "The three amigos" parecen ser la solución a sus problemas, así que les escriben para que les ayuden a cambio de una gran recompensa.

Dirigida por John Landis. Aunque fue el estudio Orion Pictures el que cogió lo que había rodado e hizo severos cambios y reediciones, no terminó especialmente feliz con ellos. Posteriormente se intentaron recuperar las partes cortadas pero la mayoría fueron destruidas, existen, sin embargo, algunas de ellas.

Protagonizada por Steve Martin (Lucky Day), Chevy Chase (Dusty Bottoms) y Martin Short (Ned Nederlander). Con Jon Lovitz (Morty), Joe Mantegna (Harry Flugleman) y Phil Hartman (Sam).

Es el propio Steve Martin quien hace los trucos de la cuerda al principio, los aprendió siendo un adolescente en una tienda de magia.

John Candy iba a ser Ned, pero rechazó el papel porque no podía montar a caballo (aunque lo hizo posteriormente en la película "Delirious" (1991)). Propuso a Martin Short para el papel. Es lo que propició la primera vez que se juntase con Steve Martin, actualmente están haciendo juntos la serie "Only murders in the building" (aún tengo pendiente la última temporada, no me he olvidado).

Fran Drescher aparecía al principio como Miss Rene, pero sus escenas fueron cortadas. Su personaje era la rival del trío protagonista en la época muda.

Viene a ser una parodia de "The Magnificent Seven" (1960). El título parece una referencia a la película de Disney "The Three Caballeros" (1944) o a "Tres amigos" (1970).

La trama de unos actores que ruedan una película que transcurre en un lugar peligroso que resulta serlo realmente se utilizó en "Tropic Thunder" (2008).

El saludo de los tres amigos fue creado por Steve Martin durante los ensayos, no estaba en el guion.

No me había fijado en que cada uno tiene un traje y un sombrero con diseños muy diferentes. incluso las perneras de los pantalones son completamente diferentes.

En la película muda hay muchos detalles peculiares. Para empezar el maquillaje exagerado que llevan tanto los buenos como lo malos, las expresiones faciales tan exageradas cuando hablan, los efectos realmente cutres... En ningún momento da la sensación de ser una película muda real. Aunque supongo que esa era un poco la idea, parodiarlas.

Lo de "Santa Poco" es un error. De hecho el actor que hace de telegrafista es mexicano, claramente, pues dice "Santo Poco". Los demás no parecen notar esa inconsistencia. Vale, en la parte final "el guapo" y Carmen también lo llaman así.

Curioso que lo primero que destruyan los hombre de "el guapo" sea la iglesia.

La historia se desarrolla de una manera más o menos normal, hasta el momento en el que deciden ir a por "el guapo". Entonces se vuelve absurda y surrealista, con animales que hablan y cantan, un arbusto que también canta, un ritual para invocar a un espadachín invisible y... un avión alemán de la primera guerra mundial. Vale, esto último había salido antes, pero en este punto reaparece.

Evidentemente, el malo es tan malo que no duda en matar a uno de los suyos. Esta vez con el agregado que usa armas alemanas. Por el año no pueden ser de los nazis, pero es bastante obvia la intención del cineasta.

Cuando encadenan a Lucky parece una tortura de "Saw" (2004) mezclada con una película de Mel Brooks.

Uf, qué molesto este fallo. Dusty va vestido como uno de los bandidos y justo cuando sucede el duelo de Ned aparece vestido con su traje de "amigo". Por cierto, esta escena me recuerda a "Lo chiamavano Trinità..." (1970).

Escenas cortadas que se han recuperado:

- El arranque sucedía en México, "el guapo" y sus hombres atacaban el pueblo de Santa Poco y Carmen iba en busca de ayuda. Esta escena era mucho más "amigable" con el espectador y no tan parecida a un documental.

- Seguidamente vemos a los tres amigos preparándose para ir a la reunión en el estudio. Incluye una canción. Antes de la reunión el ejecutivo menciona a Miss Rene y poco después la vemos, vestida como una noble del siglo XVIII. Salen algunas escenas que no fueron cortadas. Claro que lo importante aquí es lo que sí cortaron, que en esencia es cuando se burlan de ella, lo cual hace que el ejecutivo les tome manía. En la película no está tan clara la razón. También cambia la parte final, cuando los tipos a los que les firmaron autógrafos los tiran al suelo y cambian los carteles donde aparecen ellos por uno de Miss Rene. Creo que el enorme esfuerzo que pusieron para eliminar a Miss Rene es estúpido, con ella la escena tiene más amplitud y sentido

- La tercera escena es muy corta, sucede cuando los hombres de "el guapo" le hablan de los amigos. En esencia es él dando instrucciones a los que se han vestido como indios (de la India). No entiendo por qué quitaron esto.

- La cuarta, y última, es también muy corta. Cuando llega "el guapo" con sus hombres, se preparan para salir y Dusty dice que no está listo aún. De nuevo otra escena que no comprendo por qué cortaron.

En fin, una comedia que parece ir en dirección a la parodia pero se queda a medio camino. Imagino que buena parte de la culpa la tuvo la edición y las escenas cortadas que agregarían más momentos absurdos.

The Mosquito Coast (1986)

Sigamos.

Allie Fox es un inventor que un buen día decide coger a toda su familia e irse de su cómoda casa en EEUU a un lugar de Centroamérica llamado Mosquitia. Allí se hará con un pequeño poblado, el cual reformará desde cero.

Basada en la novela de Paul Theroux, publicada en 1981.

Dirigida por Peter Weir. Suyas son "Master and Commander: The Far Side of the World" (2003) y "Dead Poets Society" (1989).

Protagonizada por Harrison Ford (Allie Fox), acababa de hacer "Witness" (1985), del mismo director. Con Helen Mirren (Mother Fox), antes de esta la había visto en "Excalibur" (1981) y "Caligola" (1979). River Phoenix (Charlie Fox), ya es curioso que hiciera del joven Indiana Jones en "Indiana Jones and the Last Crusade" (1989). Jason Alexander (Clerk), conocido por "Seinfeld". Y Martha Plimpton (Emily Spellgood), conocida por "The Goonies" (1985).

Para Harrison Ford esta es su película favorita. Lo cual es mucho decir. Claro que también afirmó que es la única que no consiguió recaudar más de lo que costó hacerla.

La mentalidad de "si no es de mi país no lo quiero" era bastante extendida en esos momentos en EEUU. Lo cual tiene un cierto sentido, ¿por qué enriquecer a un país extranjero pudiendo usar producto nacional? Prácticamente tenían de todo, así que era lo más lógico. Hoy en día dependen demasiado del producto externo y tratan de regresar a eso, pero es ya tarde. Por eso es todo cada vez más caro. Incluso los productos básicos.

Uno de los inventos del protagonista es una escoba que funciona sola. La proto-Roomba.

Otro detalle que me ha llamado es que usa la palabra obsolescencia. No puede ser una coincidencia.

Su trabajo como carpintero, antes de empezar a actuar en serio, ayudó mucho a Harrison Ford en esta película.

Cómo no, se ve venir de lejos el choque con el reverendo. Él y su necesidad de imponer el cristianismo, mientras Allie Fox sólo busca la prosperidad del pequeño poblado, sin necesidad de religión.

Aún así celebran cosas como el día de acción de gracias. No me queda muy claro si es algo privado o el resto de la población también forman parte de la celebración, en forma de un día libre, sin trabajo.

En su momento algunos criticaron mucho a Harrison Ford por su actuación. Yo creo que no pudieron entender ese cambio de registro respecto a los papeles que había hecho anteriormente. Para mí es una gran decisión por su parte, de hecho otra película suya donde cambió de registro por completo fue "What Lies Beneath" (2000) y pasa por ser una de mis favoritas de las suyas.

Bueno, no puedo decir que no tenga razón con lo que "el hielo es civilización", pero también lo son otras cosas. Al menos, desde un punto de vista moderno, ya que con una sencilla instalación puedes tener electricidad e incluso agua corriente potable.

Me hace gracia que el reverendo los llame comunistas y Allie diga, como de manera automática, "no somos comunistas". Era aún la época de la Guerra Fría y ser llamado comunista era, básicamente, un insulto para alguien de EEUU. Dicho lo cual, el poblado que monta es muy comunista.

Curioso que los guerrilleros aparezcan sin más. No es como si alguien les hubiera mandado allí. Pero bueno, son los causantes (indirectos) de la locura del protagonista.

Qué mal me cae el reverendo. Desde el minuto uno. No es muy diferente al líder de una secta, pero peor, pues la gente normal le escucha.

No puedo decir que me sorprenda que la familia decida abandonarle. Aunque ese no es el final. De hecho es diferente al de la novela, mucho más cruel, en la que muere de hambre.

Es una historia un tanto rara. El tipo es inteligente, pero un conspiranoico de tomo y lomo, capaz de sacrificar a su familia por perseguir sus sueños. En cierta manera entiendo su forma de pensar, pero cuando se vuelve loco las cosas cambian mucho para todos.

Estoy convencido que muchos malinterpretaron el mensaje de la película. Que EEUU iba a ir a peor. Y así fue.

The Canterville Ghost (1986)

Venga, una un poco más ligera.

La familia estadounidense Canterville se dirige hacia un castillo que han heredado en Inglaterra. Allí la pequeña Jennifer se hace amiga de un travieso fantasma que trata de asustarles para que regresen de vuelta a Estados Unidos.

Es una adaptación de la novela homónima de Oscar Wilde, publicada en 1887. No voy a listar todas las adaptaciones porque son unas 30 (la mayoría para televisión), aunque la primera es de 1944, además de que bastantes series con capítulos dedicadas a ella. Sí puedo deciros que son de nacionalidades muy dispares.

Con Ted Wass (Harry Canterville), conocido por "Blossom". Y Alyssa Milano (Jennifer Canterville), acababa de hacer "Commando" (1985) y aún estaba saliendo en la serie "Who's the Boss?".

Lo primero que me parece interesante es que llegan en un tren a vapor. Y luego les recogen en un carro tirado por un caballo. Es curioso que la película que me viene a la mente al ver esta escena sea "Young Frankenstein" (1974).

El fantasma murió hace unos 350 años cuando tenía 60 años de edad.

La historia juega con un factor que hemos visto en muchos otros títulos, el de los estadounidenses que no temen a nada, en parte por su ignorancia. Y no, no me refiero a la niña, quien acepta la realidad. Por cierto, en la novela su nombre es Virginia.

Me acabo de dar cuenta que eso mismo pasa en "Beetlejuice" (1988).

Los efectos especiales son decentes, más tratándose de una producción televisiva. Hacen mucho uso de la superposición de imágenes para crear el aspecto fantasmal de Sir Simon, con cambios de tamaño incluídos. Y también mucho eco y un volumen algo elevado con su voz. El resto vienen a ser efectos teatrales, que simplemente funcionan.

Lo único que me molesta de esta película es que algunas cosas nos las cuentan, no las vemos. Supongo que tendrá que ver con la falta de presupuesto, pero tampoco parecen cosas muy "caras".

Cuando les mueve la cama a los padres y la deja en medio del campo me recuerda a la broma de la cama en el lago de "Meatballs" (1979). Algo más suave, pues los deja en un lodazal.

Llaman a un experto para librarse del fantasma, como en "Poltergeist" (1982).

Bueno, al menos tiene un final claro.

Se supone que es una de las mejores versiones de la historia. No le encuentro defectos, ni problemas, pero a la vez no me ha resultado tan divertida, creo que le falta un poco más de humor en las bromas del fantasma.

Pee-wee's Big Adventure (1985)

Pues... sí.

Cuando al excéntrico Pee-wee Herman, que se comporta como un niño grande, le roban su querida bicicleta a plena luz del día, emprende un viaje a través de Estados Unidos en la aventura de su vida.

Dirigida por Tim Burton. Sin contar cortometrajes, series y videoclips esta es una de las tres películas que no he visto de él hasta ahora. Una es "Dumbo" (2019), la cual me da a mí que se quedará en el tintero porque las producciones de acción real de películas animadas de Disney no me llaman ni lo más mínimo. Vi una de manera excepcional y no va a volver a suceder... si puedo evitarlo, claro. La otra es "Big Eyes" (2014), que se me pasó por alto y veré eventualmente.

Dicho lo cual, es más que posible que falten títulos suyos en el blog. De eso me ocuparé más adelante.

Fue la primera colaboración de Burton con Danny Elfman, quien por aquel entonces estaba en la banda Oingo Boingo y nunca había compuesto música para una película.

Protagonizada por Paul Reubens (Pee-wee Herman). Yo le he visto en "The Blues Brothers" (1980), "Meatballs Part II" (1984) y "Flight of the Navigator" (1986), por decir tres de sus títulos significativos.

Destacan Phil Hartman (Reportero) quien fue también uno de los guionistas y Cassandra Peterson (Biker Mama), osea Elvira. Y, en lo que podrían considerarse cameos, tenemos a James Brolin (P.W. Herman), Morgan Fairchild (Dottie) y el grupo Twisted Sister. También aparece Tim Burton (Matón en el callejón).

Supongo que debería empezar por explicar por qué he evitado esta película durante poco más de 40 años. Bien, es simple, en su momento no tuve oportunidad de verla, nunca la he buscado posteriormente, y si lo hago ahora es porque pertenece a la época en la que Burton hacía buenos títulos y no podría juzgarla sin verla.

El personaje de Pee-wee Herman nació a finales de los 70, en un grupo de improvisación llamado "The Groundlings", de Los Angeles. Siempre ha sido interpretado por Paul Reubens. Su primera aparición en una película fue en "Cheech and Chong's Next Movie" (1980). Un año después empezó a emitirse "The Pee-wee Herman Show", cosa que duró hasta 1991, cuando el actor fue arrestado. Paralelamente ha salido en varias películas, como la que nos ocupa, y tras el arresto aún hizo bastantes apariciones en programas diversos siendo lo último otra película titulada "Pee-wee's Big Holiday" (2016). El actor falleció hace unos pocos años.

Bien, pues a pesar de la enorme cantidad de apariciones, creo que sólo lo vi en "Moonwalker" (1988), en la que hace una breve aparición.

Joder... no sé ni por donde empezar con las referencias. Su casa está plagada, desde una figura de Godzilla a unos cereales de Mr.T, pasando por todo tipo de juguetes...

Sí puedo decir que la máquina de Goldberg y el palo para descender estilo bombero son lo que influenció a "Wallace y Gromit", sin duda.

La "cara" que hace con su desayuno me ha recordado a "Breaking Bad".

El hecho de ir con traje, su infantilismo general y su aspecto me recuerdan muchísimo a Mr. Bean. Su creación fue en el año 80, aunque hasta unos pocos años más tarde no estaba del todo definido, con lo cual es más que posible que Pee-wee tuviera alguna influencia en él.

La bicicleta es una Schwinn Western Flyer de los años 40, muy modificada. Se fabricaron entre 10 y 12 bicicletas para el rodaje.

El viaje a través de EEUU siguiendo una indicación incorrecta se asemeja un poco al de "Tommy Boy" (1995). Cuando caen al precipicio es muy "Thelma & Louise" (1991).

La única escena que conocía antes de verla es al de Large Marge. Es muy breve, en stop-motion, muy del estilo Burton, sin duda. Más tarde hay otra secuencia más larga usando esa misma técnica, la de la pesadilla.

De todas las cosas que dice la chica guía del Alamo la más peculiar es "mexican american". Como si los mexicanos pudieran ser de otra parte del mundo. Claro.

Oh, qué curioso, los carritos de golf que usan los guardias de seguridad son eléctricos, están conectados a una pared uno junto al otro. Es algo bastante parecido a los coches eléctricos actuales.

En la persecución pasan frente a un zepelín promocional que parece que sea de la película "Zeppelin" (1971), la cual es británica pero fue distribuida por la Warner Bros.

Entre los platós que aparecen vemos uno con Godzilla luchando contra King Guidorah. Podría ser una referencia a "San Daikaijû Chikyû Saidai no Kessen" (1964) pues la película "Gojira vs. Kingu Gidorâ" (1991) salió unos años más tarde.

Twisted Sister aparecen grabando el videoclip de "Burn in hell".

Viene a ser como una película de acción real basada en un personaje de dibujos animados inexistente. Es absurda, ridícula, con toques muy de Burton (la parte de la pesadilla con los médicos es quizás el mejor ejemplo), pero que a mí no me ha acabado de gustar. Aparte su risita constante me resulta irritante.

Dicho de otra manera, no me molesta habérmela perdido durante tanto tiempo. Al menos ahora sé que hice bien en no verla y en no interesarme por el personaje, pues no me llama demasiado. Pero bueno, para gustos colores.

Blood Simple (1984)

Aquí la titulamos "Sangre fácil".

El dueño de un sórdido bar de un pequeño pueblo de Texas descubre que uno de sus empleados tiene una aventura con su esposa. Una caótica cadena de malentendidos, mentiras y travesuras se desata después de que él trama un plan para asesinarlos.

Dirigida y escrita por Joel Coen y Ethan Coen. Fue su primera película, previamente habían dirigido algunos cortometrajes. Años más tarde los hermanos afirmaron que esta película es su peor, de hecho la versión del director recorta minutos en vez de agregarlos. Curiosamente la siguiente que hicieron, "Raising Arizona" (1987), pasa por ser una de mis películas favoritas de todos los tiempos.

Con John Getz (Ray), le vimos en "The Fly" (1986) y "Zodiac" (2007). Frances McDormand (Abby), fue su debut en el cine, poco después apareció en "Mississippi Burning" (1988) y "Darkman" (1990). Dan Hedaya (Julian Marty), salió en "The Usual Suspects" (1995) y "Commando" (1985). Y M. Emmet Walsh (Private Detective), quizás le recordéis por "Blade Runner" (1982) o "Critters" (1986).

Barry Sonnenfeld hace un cameo. Bueno, más o menos, oímos su voz cuando Marty hace sonidos de vómito al ver las fotografías de su esposa. También oímos la voz de Holly Hunter en el contestador automático de Maurice.

Y también hay un no cameo. Esto es complicado de explicar, Bruce Campbell grabó unas escenas como Julian Marty para el tráiler que usaron los hermanos Coen para poder recaudar el dinero suficiente de potenciales productores para así empezar el rodaje. Fue gracias a la sugerencia que les dio Sam Raimi.

Tuvo un remake chino titulado "San qiang pai an jing qi" (2009).

Joel Coen tuvo problemas para convencer a M. Emmet Walsh de que recogiera su sombrero del suelo en la escena final. Walsh sacó una larga lista de razones por las que su personaje no haría tal cosa, y Coen intentó, sin éxito, rebatir cada una de ellas. Tras varios minutos de discusión en el set, Coen le preguntó a Walsh: "¿Me harías el favor?", a lo que Walsh respondió: "Ya te estoy haciendo el favor haciendo esta maldita película".

Hay cosas significativas sutiles, otras no tanto. Por ejemplo las 3 balas en el revólver, el incinerador de basuras, que además está convenientemente al lado del bar, o el zippo.

Supongo que el género se podría definir como neo-noir. Tenemos muchos de los elementos básicos como son el detective, los cuernos, la conspiración, la violencia...

Cuando el muerto "resucita" lo hace frente a unos carteles que recuerdan mucho los de "Three Billboards Outside Ebbing, Missouri" (2017), de Frances McDormand.

Un consejo, si vais a enterrar a alguien moribundo, teniendo una buena pala (como es el caso en esta película), cortadle la cabeza al tipo antes de hacerlo. Os ahorrará muchos problemas.

He de decir que esa parte me ha recordado un poco al póster original de "The Evil Dead" (1981).

Es una película donde los silencios dicen casi tanto como los diálogos. Se dedican a jugar tanto con el espectador como con los personajes, y eso me parece genial. Aparte en ningún momento se involucra la policía. Podría ser perfectamente el argumento de una temporada de "Fargo" si agregasen eso.

The Elephant Man (1980)

Esta sí que la he visto.

Un cirujano victoriano rescata a un joven gravemente desfigurado y maltratado que trabaja como fenómeno de circo, quien poco a poco revela su capacidad para la bondad, la inteligencia y la sofisticación.

Basada en dos novelas, "The Elephant Man and Other Reminiscences" del doctor Frederick Treves, publicada en 1923 y "The Elephant Man: A Study in Human Dignity" de Ashley Montagu, publicada en 1973. Tal y como pone al final de la película, no tiene nada que ver con la obra de teatro.

No os podéis imaginar cuánto eché de menos el cine de David Lynch. En cierta manera, me alegré al ver que esta película no estaba en el blog, para poder revisitarla. Cuando fue elegido para dirigirla estaba trabajando colocando tejados. Como primera curiosidad, aparece en la película, es uno de los que persigue al protagonista en Londres.

Aunque el creador, por llamarlo de alguna manera, fue Mel Brooks, quien se quedó como productor ejecutivo. Fue quien contrató a Lynch, por "Eraserhead" (1977), y no recibió crédito adrede para que la gente no se formase una idea equivocada de la película.

Es más, en un pase previo para los ejecutivos de la Paramount quisieron eliminar las secuencias inicial y final, por ser demasiado surrealistas. Mel Brooks fue quien los puso en su sitio, impidiendo que tocaran un sólo fotograma de la película.

En el reparto tenemos a Anthony Hopkins (Dr. Frederick Treves). John Hurt (John Merrick). Y Anne Bancroft (Sra. Kendal). Podríamos considerar un cameo el de Kenny Baker como uno de los enanos en el carnaval.

Nunca llegaron a diagnosticar correctamente a Merrick. Posteriormente se supo que padecía neurofibromatosis de tipo 1. Es gracias a esta película que la enfermedad fue más conocida. Años más tarde también agregaron que padecía el síndrome de Proteus. Hoy en día el resultado más común de su diagnosis es inconcluso.

Muchos de los sucesos que se muestran en esta película nunca ocurrieron. Merrick no fue maltratado por parte del que llevaba el circo, y, desde luego, nunca fue secuestrado del hospital, como se muestra en la película. El despreciable vigilante nocturno tampoco existió. Merrick tuvo una vida tranquila y, en general, sin incidentes, aunque corta, en el hospital.

Se cree que la interpretación de Hopkins en esta película fue lo que inspiró a Jonathan Demme para ofrecerle el papel de Hannibal Lecter en "The Silence of the Lambs" (1991).

Merrick no hablaba tan claramente como en la película, en la vida real el doctor era su intérprete y muchos en el hospital acabaron por acostumbrarse a su forma de hablar. A medida que la enfermedad se deterioró también lo hizo su capacidad de habla.

Se conocen dos hermanos de John Merrick, cuyo nombre real es Joseph Carey Merrick (murió el 11 de Abril de 1890, a los 27 años). Su hermano William Arthur Merrick murió de escarlatina en 1870, a la edad de 4 años. Y su hermana Marion Eliza Merrick murió de mielitis en 1891, a la edad de 23 años.

Un detalle peculiar, el apodo no es por su aspecto sino por cómo tenía la piel.

Recuerdo dos referencias más o menos directas al protagonista:

- Un episodio de "House, MD", concretamente el séptimo de la 4ª temporada, que también fue filmado en blanco y negro (las escenas del documental) y como siempre las cosas se complicaban, el paciente casi la palma hasta que House encontraba la verdadera enfermedad.

- Y la película "From Hell" (2001) en la que hace aparición, concretamente es cuando lo presentan frente a una serie de médicos londinenses por primera vez. El maquillaje de esta versión está realmente logrado, es una de las pocas veces que podemos verle en color.

Hay una tercera, de la cual desconocía su existencia, la película "The Elephant Man" (1982), también de color. No la he visto, poco puedo decir de ella, aunque sé que esa sí está basada en la obra de teatro.

Para diseñar el maquillaje que lleva John Hurt se utilizaron moldes de yeso reales del cuerpo de Joseph Merrick que aún se conservaban en el museo del Royal London Hospital. Esto puede parecer algo sin demasiada relevancia pero es que un bombardeo durante la Segunda Guerra Mundial destruyó los restos de Merrick que estaban conservados allí y sólo se salvaron los moldes.

Por cierto, Lynch intentó crear él mismo las prótesis pero sólo logró que John Hurt no pudiera moverse con ellas, así que recurrieron a un experto en efectos especiales llamado Christopher Tucker.

No vemos a Merrick hasta pasados unos 14 minutos. Para lograr que Hopkins llorase pusieron una luz brillante, intentaron otros métodos sin éxito.

En realidad le entrevemos, luego aparece su silueta, pero casi siempre va con una capucha que cubre su cara, y una capa que tapa su piel. De hecho hasta pasado otro cuarto de hora no llegamos a verlo. Su primera palabra la dice 10 minutos más tarde. Osea, alrededor de los 40 minutos. Es una introducción lenta y progresiva del personaje.

He buscado fotografías reales, resulta que pese a ser una persona de finales de siglo XIX hay unas pocas, lo cual no es sorprendente. En una sale incluso vestido con un traje que recrea en la película. El detalle, sin embargo, está en otra foto donde aparece con el torso desnudo, la parte izquierda de su cara está casi sin deformar, podemos ver algunos rasgos de manera clara, y eso no está demasiado bien recreado en la película, en parte porque John Hurt no se le parece, claro.

Si bien los personajes que lo "explotan" son inventados agregan un toque de dramatismo extra que ayuda al espectador a ver que no todo era felicidad y alegría con Merrick, también había quien le temía e incluso le llamaba producto demoníaco.

Dicho lo cual, que un vigilante de hospital hiciera esas cosas es absurdo. El propio John, una vez empieza a comunicarse con el doctor, se lo habría contado desde un principio.

Cuando Mr.Bytes lo exhibe, tras secuestrarlo del hospital, me ha recordado una escena de "Johnny got his gun" (1971). En un momento dado el protagonista se imagina que lo van exhibiendo en una feria ambulante, la frase que dice quien la lleva es "He is the armless, legless wonder of the twentieth century". Me pregunto si les sirvió de inspiración.

En la serie de 1967 "The Prisoner" hay una frase icónica, dicha por Number Six (Patrick McGoohan), que es “I am not a number, I am a free man!”. En esta película el protagonista dice “I am not an elephant! I am not an animal! I am a human being! I… am… a … man!”. Guardan bastantes similitudes, quiero pensar que es una referencia.

La causa de la muerte de Merrick fue que al acostarse bocabajo el peso de su cabeza era demasiado y se rompió la nuca al intentar levantarse. Es lo que (poco más o menos) se ve al final de la película.

Dudo mucho que haya alguien mejor que Lynch para retratar esta historia. Sus toques sutiles agregan la dosis justas de surrealismo que necesita el personaje.

Gran película. Muchos la definen como la única "normal" de Lynch, quizás sea verdad, pero para mí su cine es siempre interesante.

In Cold Blood (1967)

Aquí la titulamos "A sangre fría".

Los ex-convictos Perry Smith y Dick Hickock incumplen varias condiciones de sus respectivas libertades condicionales. Junto con Dick se reúnen para planear y ejecutar un robo basado en información que recibió de un compañero de celda sobre 10.000 dólares en efectivo guardados en una caja fuerte oculta en la casa de la familia Clutter, granjeros de Holcomb, Kansas. Tras el robo, planean huir a México para evitar ser capturados por la policía.

Si me preguntaran qué película has oído nombrar más veces de las que no has visto, pero siempre has querido ver, esta sería la respuesta, sin duda. No he podido sentarme a verla hasta ahora y me da mucha rabia, porque sé que me espera algo realmente interesante. Y lo más peculiar de todo es que ni siquiera sé de qué va. Porque soy así.

Empecemos hablando de Truman Capote, el autor de la novela. Los personajes de "Jensen, el reportero" y "el narrador" están basados ​​en él. Poco después de los asesinatos, Capote viajó a Kansas para escribir un artículo de revista sobre el impacto de los crímenes en la población de un pequeño pueblo, entrevistando a quienes conocían a la familia Clutter. Tras la detención y condena de los asesinos Perry Smith y Dick Hickock, Capote se convirtió en una figura importante en sus vidas mientras estaban en el corredor de la muerte, forjando un vínculo particularmente estrecho con Smith. Smith le entregó la mayor parte de sus pertenencias (dibujos y libros). Él presenció la ejecución de Hickock, pero no pudo soportar ver morir a Smith y abandonó la sala antes de que lo trajeran. Su cara aparece en la película, al final vemos una portada de una revista Life Magazine donde está él.

En el póster de la película vemos los ojos de los verdaderos asesinos, no de los actores que los interpretan.

Grabaron muchas escenas en los mismos lugares donde sucedieron los hechos reales.

La elección de actores poco conocidos fue hecha adrede, el director Richard Brooks quería dar una sensación de que era casi un documental. Los elegidos se parecían mucho a las personas reales que interpretan, según dijo Capote.

Fue la primera película comercial de EEUU en usar la palabra "bullshit" en un diálogo.

Sé que está basada en hechos reales y que los perfiles de los personajes son muy cercanos a lo que eran en realidad, pero creo que poner una conversación donde dejan claro que uno tiene serios problemas con la religión es un tanto conveniente.

Perry menciona "The Treasure of the Sierra Madre" (1948) cuando hablan de México. Era una película reciente en aquel momento, así que tiene mucho sentido.

Sigue la misma estructura que la novela intercalando las escenas de los dos tipos y de la familia Clutter. Las de esto últimos parecen intrascendentes, cosas cotidianas, demasiado normales. Las de los dos protagonistas son conversaciones sobre violencia, principalmente.

De hecho, la única diferencia notable en esta parte es que en la novela los flashbacks de Perry eran más amplios, para tratar de explicar más en profundidad su carácter y forma de ser. La película nos da sólo retazos que más o menos ayudan a entenderlo.

Dick llama a Perry "Natural born killer". Me pregunto si Tarantino sacó el título de aquí.

Tardan poco menos de media hora en confluir ambas historias y sólo vemos el antes y el después de lo que sucedió, a partir de ese punto pasamos a la investigación policial. De esta parte me llama mucho la atención que digan los nombres de los agentes del KBI (Kansas Bureau of Investigation) por televisión e incluso muestren la cara del primero en llegar.

10 minutos más tarde reaparecen los protagonistas. Todo parece indicar que no tienen de qué preocuparse. Eso sí, el golpe iba a ser de 10.000 dólares y no se llevaron ni 50.

No son los más inteligentes del mundo, tras los asesinatos se dedican a robar, de maneras completamente fáciles de seguir por un investigador mediocre. Y no es el caso. Me explico mejor, usan cheques sin fondos para comprar cosas de valor que podrán vender en otro lugar. El problema es que los cheques van a nombre de uno de ellos, incluso usa sus tarjetas de identificación reales.

Parece muy conveniente que justo den con un tipo en prisión que básicamente pone en la pista correcta a la policía, cosa que hace que les sigan la pista. Claro que ellos estando en México no tienen mejor idea que volver a Kansas, donde cometieron los crímenes. Mira que es grande el mundo. Encima roban un coche y enseguida les tienen echado el ojo.

Vemos la secuencia de los hechos que habían omitido al principio pasados unos 90 minutos. Es cuando ya no les queda otra que confesarlo todo, porque las pruebas dejan bien claro que fueron ellos.

Si no fuera una historia real la parte en la que asesinan a la familia no tendría ningún sentido. Osea, a Perry le da un ataque psicótico y se pone a pegar tiros, cuando era el más sensato hasta ese momento. Por eso se dice que la realidad supera a la ficción. Nunca sabes qué puede hacer alguien en una circunstancia concreta.

Ya es casualidad que la primera fecha elegida para la ejecución sea una viernes 13. Claro que fue pospuesta, de hecho se tiraron años hasta que los ejecutaron en la horca.

La escena de Perry, antes de su ejecución, en la que las gotas de lluvia se reflejan en su cara como si fueran lágrimas, fue completamente accidental.

No tiene créditos finales. Sólo sale el título de la película y se termina. Eso no me lo esperaba, la verdad. Es tan frío como el propio título.

Esta película tiene puntos muy fuertes, que creo que son difíciles de analizar desde una perspectiva actual, como es la frase que dice el periodista en la parte final que las ejecuciones nunca terminarán, porque nada cambia, sin embargo poco a poco fueron aboliéndose.

Como película me ha parecido un poco rara, no sabía muy bien qué esperar y ese toque casi documentalista del director hace que cueste de apreciarla como una historia sin más, mi mayor pero sería que no se sabe a ciencia cierta cada palabra dicha por los dos protagonistas y por ello parecen un tanto encajadas en cada momento. Pero, dejando a un lado eso, es una historia que influyó mucho al cine posterior, sin duda.

The Manchurian Candidate (1962)

La original.

El mayor Bennett Marco es un oficial de inteligencia del Ejército de los Estados Unidos. Sirvió valientemente como capitán en la guerra de Corea en 1952 y su sargento, Raymond Shaw, incluso recibió la Medalla de Honor. Sin embargo, Marco tiene un grave problema: sufre una pesadilla recurrente en la que dos miembros de su pelotón mueren a manos de Shaw.

No sé cuántas veces habré visto el remake homónimo del 2004, pero vamos, me parece una gran película. Esta llegué a verla hace ya muchos años, apenas la recuerdo, así que me vendrá bien refrescarla.

Dirigida por John Frankenheimer. Acababa de hacer "Birdman of Alcatraz" (1962), poco tiempo después dirigió "Grand Prix" (1966) y "Prophecy" (1979).

En el reparto destacan Frank Sinatra (Mayor Bennett Marco), Janet Leigh (Eugenie Rose Chaney) y Angela Lansbury (Sra. Eleanor Shaw Iselin). Sin embargo quisiera destacar a Henry Silva (Chunjin), un actor que hemos visto en títulos tan dispares como "Viva Zapata!" (1952), "Buck Rogers in the 25th Century" (1979), "Alligator" (1980) o "Cannonball Run II" (1984).

Como dato adicional, Joe Adams (Psiquiatra) interpreta a un personaje que originalmente era blanco, algo que en aquellos momentos era realmente raro.

El presupuesto fue de 2,2 millones de dólares. 1 se lo llevó Sinatra, 200.000 se los llevó Laurence Harvey (Raymond Shaw), el millón restante fue para lo demás.

Fue prohibida en muchos países debido a lo controversial de la temática que toca. Hasta 1993 no llegó a ser estrenada en la mayoría de ellos.

Durante el prólogo, ambientado en 1952, una de las camareras lee una vieja revista de cine cuya portada muestra a Tony Curtis y a su entonces esposa, Janet Leigh. Durante el rodaje de la película le llegaron a ella los papeles de divorcio.

La escena del lavado de cerebro fue grabada tres veces por completo. Una desde el punto de vista de Allen Melvin (con las mujeres negras), otra desde el de los captores comunistas (sin mujeres) y una tercera desde el punto de vista del mayor (con las mujeres blancas).

Los dos artículos de revistas científicas que el Dr. Yen Lo menciona en la secuencia de hipnosis inicial son reales.

Me acabo de dar cuenta de que es una película en la que el peligro comunista es absolutamente real. Van más allá de la simple insinuación o la confrontación de espías, aquí es algo realmente peligroso.

A diferencia del remake aquí dejan bien claro que Shaw tiene el cerebro lavado, incluso discuten frente a él si debe matar a alguien pues lleva dos años "inactivo". Creo que eso es ir demasiado lejos, entiendo la necesidad de la discusión, no me acaba de cuadrar que él simplemente acepte lo que están diciendo sin más.

Janet Leigh tarda unos 40 minutos en aparecer. A ver, la película dura algo más de dos horas con lo cual no es tanto.

Frank Sinatra se fracturó el dedo meñique de la mano derecha contra el escritorio durante la escena de lucha con Henry Silva (se ve esa toma en la película). Debido a sus compromisos de rodaje, no pudo descansar ni vendarse la mano correctamente, lo que provocó que la lesión sanara mal. Esto le causó molestias crónicas durante el resto de su vida.

En esa pelea tenemos dos hechos interesantes. Por una parte usan artes marciales, un tanto rudimentarias pero efectivas. Por otra, según dijo Sinatra, no usaron dobles. Siento diferir en eso, pues sí lo parece, por la manera de enfocar ciertas partes tratan de ocultar la cara de uno de ellos.

Es una película estadounidense de las primeras mostrar artes marciales. Previamente tuvimos "Bad Day at Black Rock" (1955), en la que Spencer Tracy usa karate. En "Blood on the Sun" (1945) vimos a Ernest Borgnine usando judo. Peter Lorre hacía jujitsu en las películas de Mr.Moto, siendo la primera "Think Fast, Mr. Moto" (1937). Y en "Strike Me Pink" (1936) Harry Einstein menciona el jujitsu.

Dos detalles que no se ven en la película, porque son especulativos. Eugenie es una agente doble, eso explica sus extraños comportamientos (especialmente su primer diálogo con el protagonista). El segundo es que la relación entre Shaw y su madre es incestuosa, esto proviene de la novela, en la película no podían mostrar algo así pero vamos, terminaban incluso acostándose juntos.

El director fue aclamado por una toma ligeramente desenfocada del mayor Marco mostrándole a Raymond Shaw la baraja de cartas compuesta por 52 reinas. Sin embargo, había sido completamente accidental. Al revisar el material grabado, se dio cuenta del error, lo que normalmente habría requerido repetirla. El problema era que Sinatra tenía una cláusula de "una sola toma" en su contrato, ya que creía que siempre daba lo mejor de sí en la primera toma y no veía sentido en hacer varias. Cuando Frankenheimer le dijo a Sinatra que debían volver a filmarla, este se negó, y no tuvo más remedio que incluirla tal cual en la película.

Durante décadas circuló la leyenda urbana de que Sinatra retiró la película de la circulación por respeto tras el asesinato de John F. Kennedy. Pero no fue así, la película estuvo fuera de vista casi 25 años, por una disputa legal entre Sinatra y el estudio sobre los derechos de distribución y las regalías. Sinatra simplemente la "guardó en su caja fuerte" hasta 1987.

Es una película que hubiera sido demasiado controversial en su momento, entiendo que al sacarla de circulación se logró frenar las especulaciones y teorías conspiranoicas, pero eso sólo hizo que tomaran más fuerza posteriormente, por ejemplo con el famoso programa MK-Ultra de la CIA.

El remake no tuvo ese mismo efecto porque la población ya estaba más "naturalizada" en estos temas. Pero no deja de ser una gran película, sin duda. Y esta tampoco, de hecho al volver a verla he podido descubrir muchos detalles que no conocía.

This Island Earth (1955)

Aquí la titulamos "Regreso a la Tierra".

Estamos en Washington. El doctor Cal Meacham es un ingeniero y piloto que está trabajando para lograr usar la energía nuclear junto con la electricidad. Durante un vuelo rutinario pierde el control de su jet pero algo lo estabiliza y aterriza sin problemas, sin que ni siquiera coja los mandos.

Otra película de ciencia ficción de los 50 a todo color. Usaron la técnica  de las tres tiras de Technicolor, lo cual dificultó las cosas en el rodaje. Las cámaras eran enormes y la iluminación demasiado fuerte. Encima hicieron que el presupuesto aumentase notablemente.

Eso explica lo de los "dos años y medio" que dice que tardaron en hacerla en el póster. Buena parte de ese tiempo fue la post producción y efectos especiales.

Dirigida originalmente por Joseph M. Newman, quien fue despedido cuando vieron el primer montaje. Llamaron a Jack Arnold para solucionarlo, grabó algunas escenas y la editó, pero nunca recibió crédito por ello.

Henry Mancini estuvo involucrado en la BSO, pero no recibió crédito tampoco. Tuvieron que echar mano de varios compositores de la Universal para completar la música antes del estreno.

Hay un "actor" que pese a tener sólo 5 años de edad consigue destacar, y eso que no obtuvo crédito. Se llama Orangey (Neutron) y salió también en títulos como "The Incredible Shrinking Man" (1957), "The Diary of Anne Frank" (1959), "Breakfast at Tiffany's" (1961) y "The Comedy of Terrors" (1963), aparte de series como "Alfred Hitchcock Presents", "The Twilight Zone", "Mister Ed" y "The Outer Limits". No está nada mal para un gato.

La versión que poseo es la que fue remasterizada en el 2019. En esencia, es un open matte que muestra toda la imagen y no la que fue proyectada en su momento en cines, más alargada con recortes en las partes superior e inferior. Además incorpora un formato de audio estéreo basado en Perspecta, el que usaron en su momento.

En el póster vemos las piernas de los mutantes. Así es como deberían haber sido en la película pero tuvieron muchos problemas a la hora de hacerlas realistas y que se pudieran mover los actores en ellas, así que terminaron por ponerles unos simples pantalones. Aunque en la parte final podemos apreciar sus "pies", y sí están detallados.

La miniatura de la Tierra fue usada como logo de la Universal entre los años 50 y 80. De hecho aparece en esta misma película.

La historia empieza centrándose en un dispositivo llamado Interocitor. Los dos científicos lo construyen usando los materiales que les envían y siguen las instrucciones al dedillo, pero tras terminarlo y tener una comunicación con el ser que se lo envió, de nombre Exeter, deciden destruirlo.

En cuanto a la tecnología, más allá del Interocitor, vemos que es muy tangible, muy visual, muy analógica. Lo cual tiene mucho sentido, son los años 50 y crear algo "invisible" o muy pequeño no sería posible, incluso cuando hablamos de seres muy avanzados.

Me parece particularmente interesante que dos tipos en gabardina estén esperando un avión rodeados de niebla y uno se monta en él. Todo muy "Casablanca" (1942).

El error que comete Exeter es mostrarle al protagonista las capacidades destructivas del Interocitor. Si hubiera seguido un camino más pacífico, más científico, él no habría tenido tantas sospechas. Reales, por otra parte, pero quizás para cuando descubriese la verdad sería demasiado tarde.

Otro error es que la manera en la que lavan los cerebros de los que se les oponen no sólo es contraproducente sino evidente, los otros humanos saben lo que les han hecho y lo ven como otra amenaza más. Pero es que encima no es algo útil para los aliens pues esos humanos pierden la capacidad de razonar. se convierten en zombies domesticados, esencialmente.

Muchos de los principios científicos son acertados. Por ejemplo la creación de una gravedad artificial en la nave para no estar flotando contínuamente. Hay que tener en cuenta que esto fue grabado un lustro antes de los primeros viajes espaciales tripulados. Era especulativo, pero preciso.

Esta película dista mucho de ser una más de ciencia ficción de los años 50. Hay escenas en el planeta alienígena que están realmente bien hechas, y no son pocas precisamente. Si bien usan entornos minimalistas para el interior los exteriores son bastante elaborados. Para ello usan trucos de cámara, claro, pero están logrados.

Creo que es una gran película, infravalorada. Su único pero es la historia que se desarrolla a dos tiempos y la primera mitad no es demasiado intensa, a partir del punto en que el científico sube al avión que vuela "solo" prácticamente no sucede nada hasta que es capturado de nuevo y llevado en la nave a su planeta. Pero creo que el resto es muy bueno, mejor de lo que nos tiene acostumbrados el cine de este período. Además no cae en topicazos como militares interviniendo porque sí o invasiones alienígenas hostiles.

La strada (1954)

El título se traduce como "La calle".

Tras el fallecimiento de Rosa, Zampanò acude a por Gelsomina, a cambio de 10,000 liras. Él es un artista ambulante, la separa de su familia, con la promesa de que regresarán. Ella pronto se habitúa a esa nueva vida errante, participando con él en los numeritos.

Dirigida y co-escrita por Federico Fellini. Poco a poco me voy adentrando en su filmografía, ya vi "8½" (1963) y "Fellini - Satyricon" (1969).

Protagonizada por Anthony Quinn (Zampanò). Difícil destacar alguna película suya, apenas hay... creo que la última vez lo vi en "Lawrence of Arabia" (1962), también están "The Guns of Navarone" (1961) y "Viva Zapata!" (1952). Como dato peculiar, dirigió dos películas, "The Buccaneer" (1958) y para televisión hizo "Pastoral" (1947).

Anthony Quinn conoció a Giulietta Masina (Gelsomina) mientras hacía "Angels of Darkness" (1954). Ella insistió en presentarle a su marido, Federico Fellini. Él se dio cuenta de que sería perfecto para el papel de Zampanò, sin embargo por mucho que se lo pidió, Quinn no aceptó pues no conocía al director. Un día estaba cenando con Ingrid Bergman y Roberto Rossellini y vieron la película "I Vitelloni" (1953), la más reciente de Fellini, y Quinn se dio cuenta de que el director que tanto había estado insistiendo era un genio.

Originalmente Quinn quería llevarse un porcentaje de las ganancias, en vez de cobrar un salario. Su agente fue quien cambió el acuerdo, para que fuera un dinero fijo. Quinn perdió millones.

Fue la primera película en ganar el Oscar a mejor película extranjera, en 1957. 

No puedo decir que comprenda muy bien el arranque de la historia. Se le muere la esposa y "compra" otra, así sin más, que ni conoce. Entiendo que la madre lo vea bien, porque se lleva un dinero y él le ha prometido alimentarla.

El personaje de Gelsomina es mostrado como muy feliz, siempre sonriendo, aceptando sin más las cosas que le suceden. Casi parece que tenga un problema mental. Sin embargo, la idea es que es muy inocente.

Creo que el primer punto clave es cuando Zampanò decide irse con una pelirroja a la que acaba de conocer para pasar la noche con ella, dejando a Gelsomina abandonada en la calle. Y cuando por fin lo encuentra ella apenas reacciona.

La historia está situada en la época de la postguerra, lo vemos en detalles como la necesidad de los agricultores, con sus familias numerosas, la moto de la guerra reacondicionada para ser un carromato... Claro que era, poco más o menos, el momento en el que fue rodada.

La película está doblada completamente, más que nada porque Quinn no sabía hablar italiano.

Las cosas parecen encararse un poco mejor cuando se unen a un circo. Pero Zampanò encuentra a un "enemigo", el llamado "el loco", que no para de chincharle.

No me esperaba un final tan duro, la verdad. Aunque he de decir que durante toda la película no podía dejar de preguntarme por qué necesitaba a una mujer como ella a su lado, ni siquiera él mismo lo sabe.

No sabía qué habría detrás de este título famoso, ha resultado ser una película muy italiana, mediterránea incluso, cosas que sólo alguien de esta zona puede comprender.

Por lo que he leído, hubo una parte de la critica que criticó el tema religioso. Los comunistas no lo veían bien, pues esperaban que mostrase la pobreza como un símbolo de su revolución, sin apoyo de la iglesia. Por otra parte, la iglesia tampoco veía con buenos ojos que fueran una pareja que vivían en pecado, ya que nunca llegan a casarse.

En todo caso es una película especial, de eso no tengo dudas. Anthony Quinn está magnífico, Giuletta Masina también, aunque me ha costado un poco entender su personaje. Y Richard Basehart (el loco) ha resultado ser un revulsivo en la historia, antes de caer en la repetición. También es el desencadenante del final. Me han parecido muy graciosas sus intervenciones.