miércoles, 23 de septiembre de 2020

बाजीराव मस्तानी (2015)

Volvemos a la India.

Bajirao Ballal fue un valeroso líder de los Maratha que luchó contra el Imperio Mogol para echarlos de la India. Cuando estaba preparando su siguiente batalla recibe una petición de ayuda de Mastani, la hija de un rey cuya ciudad está a punto de ser asediada y, sin pensárselo dos veces, Bajirao decide ir en su ayuda.

El título es el nombre de los protagonistas.

Por lo que he podido entender está basado en una novela titulada “Rau”, escrita por N.S.Inamdar quien a su vez se basó en algo que pasó realmente. “Rau” es el apodo que recibió Bajirao (me he fijado y en VO le llaman así numerosas veces).

Hacen bastante hincapié en el arranque de la película en que está basada en hechos reales pero no representa lo que sucedió realmente. Sin embargo también dicen tener a dos historiadores (intuyo que son famosos) como consultores.

Destaca el nombre de Ranveer Singh (Peshwa Bajirao Ballal) a quien vi hace unos días en “Goliyon Ki Rasleela Ram-Leela” (2013). De nuevo fue un videoclip protagonizado por él lo que me hizo buscar esta película. En realidad tiene una carrera bastante corta como actor.

El origen de los mogoles está situado en 1507 cuando fueron prácticamente aniquilados y se vieron forzados a huir hacia la India y Afganistán. Poco a poco fueron cogiendo poder llegando a conquistar buena parte de la India y mantuvieron el control hasta su derrota en 1857 por parte de los ingleses. La época en la que transcurre la película estaría situada entre 1720 y 1740.

Visualmente es realmente impresionante, sólo en el arranque vemos varios planos que me han hecho parar la película para contemplar la imagen porque estaba cargada de detalles. Y es así continuamente.

Durante un asedio los guerreros están dispuestos a sacrificarse en batalla y las mujeres a arrojarse a una hoguera enorme con tal de no caer presas del enemigo.

Como curiosidad también celebran el Holi en esta película, es un festival de colores (en esencia) que aparecía en “Goliyon Ki Rasleela Ram-Leela” (2013). Antiguamente era una celebración de la victoria del bien sobre el mal, hoy en día es para conmemorar la llegada de la primavera.

Mastani lleva un aro en la nariz. Lo cual no es realmente destacable, muchas mujeres indias llevan algún tipo de piercing ahí. Pero es que este aro es muy grande y a lo largo de la película se lo va cambiando casi en cada escena que aparece. Además la actriz sale con los ojos vidriosos en muchas escenas, lo cual no sé si está hecho adrede.

Viendo estas películas me pregunto cuántos de los escenarios son palacios reales y cuántos fueron construidos adrede. Algunos de los lugares son extraordinariamente grandes, con todo tipo de detalles que dan la sensación de ser reales y no generados por ordenador, aunque fuera en parte.

Guarda ciertas similitudes con la historia de “Romeo y Julieta”, aunque aquí no son dos clanes rivales sino dos reyes aliados y la diferencia entre ambos amantes es que él es hindú y ella musulmana (al menos en parte), cosa que no acaba de gustar a la madre de él y trata de impedir que estén juntos, sin éxito. Aparte que él ya tiene una esposa.

En un momento dado el protagonista se encuentra con un rey y en el trono hay un tigre. Se ven en la necesidad de poner un mensaje en pantalla que indica que el tigre ha sido grabado en otro lugar.

Oh y el videoclip que mencioné aparece justo después de esa escena. Curiosamente no es lo más épico de la película porque está plagada de grandes momentos. Pero no deja de ser la ostia.

La que hace de esposa no sabe actuar, creo yo. Eso o es que trata de mostrarse fría e impasible ante todo lo que le ocurre. Pero vamos, tiene una cara de mustia que no veas.

Normalmente no les doy la más mínima importancia a los videoclips musicales, de hecho algunos son entretenidos y poco más, pero en esta película hay uno que no tiene ningún sentido. Tras la escena en la que intentan matar a Mastani la esposa de Bajirao se hace amiguita suya y se ponen a bailar juntas.

El Bajirao real murió de una fiebre tras una batalla, algo similar muestran en la película pero uniéndolo a la traición de su familia al capturar a Mastani cuando él se hallaba luchando. Porque hay que hacerlo todo más épico.

Es una gran historia de traición familiar. La cabezonería de una madre es, en esencia, la causa de todos los problemas. Si hubiera aceptado a la segunda esposa como tal no hubiera pasado nada.

La espada que lleva el protagonista es de lo más peculiar. Tiene el filo muy delgado y la maneja como si fuera un látigo, hay un momento que incluso lleva dos. Y los enemigos caen como moscas a su alrededor cuando la maneja.

Creo que Bollywood está infravalorado. Mucho. Las películas de calidad son realmente buenas, en prácticamente todos los sentidos. Bien es cierto que el tema videoclips es algo que cuesta de encajar al principio pero a medida que veo más y más películas me parece casi imprescindible, porque forman parte (a su manera) del argumento. Además en este caso en particular demuestran que no hace falta plasmar batallas ultraépicas para hacer de ello algo eficazmente entretenido. También es verdad que a veces se les va la mano, pero creo que eso forma parte de su encanto.

Es una película que he disfrutado muchísimo. Tendría que pensar mucho para decir un título de Hollywood de los últimos 10 años con el que me lo haya pasado tan bien. Y no tengo ganas de pensar, la verdad.

lunes, 21 de septiembre de 2020

Monty Python Live (Mostly) (2014)

Oh sí nena. Ahora viene lo bueno.

Por fin llegó la hora de ver uno de los espectáculos que más ganas tenía de ver en estos últimos años. En el canal de YouTube de los Monty Python empezaron a subir algunos de sus sketches clásicos y de repente anunciaron una gira en el 2014 y terminaron subiendo también algunos vídeos de ella, desde entonces tengo unas ganas enormes de ver el espectáculo entero.

El póster en sí mismo ya es un chiste de humor negro, como no podía ser de otra manera. El “mostly” es porque falta uno de los miembros originales, Graham Chapman, y lo de “one down five to go” y el pie en el cementerio son también referencias a ello. Por si no quedaba bastante claro, jaja.

Por desgracia a principios este año falleció otro de los integrantes del grupo, Terry Jones, por complicaciones debido a la demencia que padecía.

Del resto puedo decir que John Cleese está súper activo en las redes sociales desde hace ya un tiempo, sigue siendo la ostia. Terry Gilliam consiguió por fin estrenar su película “The Man Who Killed Don Quixote” (2018). Eric Idle puso su voz en “Absolutely Anything” (2015) y luego presentó el musical para televisión “The Entire Universe” (2016). Y Michael Palin continua como actor haciendo series y películas.

Y aunque no sea una miembro también aparece Carol Cleveland quien ha trabajado con ellos desde siempre. Ya salió en la serie “Monty Python’s Flying Circus”, en “Monty Python Live at the Hollywood Bowl” (1982) (que no sé cuántas veces habré visto, pero MUCHAS) y también en todas sus películas.

En cada espectáculo aparecía un famoso en el sketch del chantaje, entre ellos tenemos a Stephen Fry, Simon Pegg, Mike Myers (es el que aparece en la película) y Warwick Davis (se le ve brevemente en la parte final, cuando se despiden del público).

La razón por la que hicieron estos espectáculos es que debían 800.000 libras a Mark Forstater, el productor de “Monty Python and the Holy Grail” (1975). Originalmente iban a hacer sólo una representación pero debido a la enorme demanda terminaron haciendo 10.

Arranca con un pequeño remix de canciones de los Python y seguidamente con una animación de Terry Gilliam donde hacen el primer homenaje a Chapman. Y entonces llegan ellos saliendo de una cabina de teléfono azul en la que pone “Retardis”.

El primer sketch es en español, John Cleese nos habla de las llamas y los demás le hacen los coros. Tras él salen los 4 créditos iniciales de “Monty Python Flying Circus”.

El segundo sketch es el de “Four Yorshiremen” con John Cleese, Terry Jones, Eric Idle y Michael Palin. Es uno de los que siempre me ha hecho mucha gracia. Termina con otra animación de Gilliam, Seguidamente el vídeo de “Fish Dance” de la serie clásica y otra animación más.

En el siguiente sketch aparecen Terry Gilliam vestido de mujer junto a Eric Idle y se ponen a cantar “Penis Song”, seguidamente aparecen un montón de marineros y la vuelven a cantar añadiendo un par de párrafos sobre el coño y sobre el culo y terminan combinándolos, todo ello con una coreografía acorde. Los marineros hacen otra canción más tras aparecer John Cleese y nos habla de cuando estuvo en “Ypres 1914” y le corta Chapman en un vídeo seguido del sketch “Batley Townswomen’s Guild Presents the Battle of Pearl Harbour”, también en vídeo. Siguen con otra animación con Putin.

Y pasamos a “Why Michaelangelo didn’t paint The Last Supper” con Terry Gilliam, John Cleese y Eric Idle. Rematan el sketch con Idle cantando “Every Sperm is Sacred”. Luego salen Michael Palin y Terry Jones haciendo de la pareja protestante que se queja de los católicos. Termina con un vídeo de dios seguido por las “Silly Olympics” de Munich 1972.

John Cleese y Michael Palin pasan a hacer el sketch “Vocational Guidance Counsellor” y lo enlazan con “The lumberjack song ” junto con Terry Gilliam y Terry Jones. Tras ello va otra animación y el vídeo de la primera parte de “The Philosophers’ Football Match”.

Pasamos al sketch “Bruces” con Eric Idle, Michael Palin y Terry Gilliam, aparece también Eric Izzard. Cantan la canción “Bruces’ Philosophers Song”. Terminan con la segunda parte de “The Philosophers’ Football Match”.

Siguen con “Crunchy Frog” con Terry JonesJohn Cleese y Terry Gilliam. Es uno de los sketches donde no pueden aguantar la risa, lo cual hace que pierdan el hilo.

En el siguiente salen Michael Palin y Eric Idle y se titula “Blood, devatation, death, war and horror”. Lo rematan con la canción “I like Chinese”.

John Cleese, Terry Gilliam, Terry Jones y Michael Palin aparecen vestidos de mujeres durante el intermedio, que por supuesto es otro pequeño sketch.

El segundo acto arranca con un grupo de ballet interpretando “Spam Lake” y lo enlazan con la canción “Sit on my face” durante la cual aparecen Michael Palin y Eric Idle.

En el siguiente sketch Terry Jones y John Cleese escuchan por la radio “The Death of Mary, Queen of Scots”, seguido de “Penguin on television” rematado por Michael Palin. Luego va “Gumpy Flower Arranging” con Terry Gilliam.

Seguidamente salen Michael Palin y Eric Idle en “Camp Judges”. Luego va otra animación.

Aparecen John Cleese y Terry Jones con “Albatross”. Lo enlazan con “Nudge Nudge” donde también aparece Eric Idle.  Y luego hacen un número musical combinando frases de “Nudge Nudge” y “Blackmail”, que será el siguiente sketch con Michael Palin y Terry Gilliam.

Pasamos a John Cleese y Eric Idle en el sketch ”Miss Anne Elk”. El cual terminan con otra animación.

Pasamos a Michael Palin, Terry Gilliam y Terry Jones en ”Spanish Inquisition” y lo enlazan con "Galaxy Song", cantada por Eric Idle. Brian Cox explica los errores que tiene la canción y Stephen Hawking le atropella y se pone a cantar la canción. Brutal. Encima Hawking aparece entre el público. Siguen con otra animación y pasan a la rutina de baile de ”The Silly Walk Song”.

Después salen John Cleese, Terry Jones y Michael Palin en “Argument Clinic”. Son interrumpidos por Terry Gilliam cantando "I've Got Two Legs" y van saliendo una serie de textos graciosos en pantalla mientras la orquesta interpreta la canción.

Lo siguiente es Eric Idle y Terry Jones en ”Spam”, el cual enlazan con la canción “Finland”.

Aparece entonces John Cleese junto con Michael Palin en ”Pet Shop”. Otro sketch donde no pueden evitar descojonarse y perderse, de nuevo. Lo enlazan con “Cheese Shop” y “Come Back to My Place”. Pasamos al vídeo de ”The Exploding Version of the Blue Danube” y una animación.

Por último cantan "Christmas in Heaven" todos juntos. Y para terminar "Always Look on the Bright Side of Life".

Me encanta como han metido muchas referencias a algunas de las cosas que les han pasado, como el divorcio de John Cleese o el programa de viajes que presentó Michael Palin. También que hayan cogido algunos sketchs y los hayan transformado en números de baile.

Siguen siendo lo mejor en cuanto a comedia inglesa. Me han hecho reír hasta llorar y eso que prácticamente me sé sus sketches de memoria. Pero es que son demasiado.

De behandeling (2014)

Aquí la titulamos "El tratamiento".

El nuevo caso del detective Nick Cafmeyer es la desaparición de un niño llamado Robin Simons. Se implica especialmente porque es similar a lo que le pasó a su hermano pequeño Bjorn cuando tenía 9 años. Por otra parte los niños de la zona cuentan la misma historia sobre un troll.

Basada en la novela con el mismo título de Mo Hayder publicada en el año 2001. En realidad es la segunda novela del detective Jac Caffrey de las 7 en la que aparece.

El tipo retuvo a los padres durante tres días. Cindy, la madre, recuerda haber visto el flash de una cámara mientras estaba atada a una tubería en el sótano. Alex, el padre, pasó varios días hospitalizado tras el secuestro debido a la deshidratación.

Me hace gracia la carta que dice que uno tiene cáncer en la que han subrayado las palabras “cáncer de pulmón”  y “es inoperable”. Muy conveniente todo.

Creo que lo más interesante es lo poco avanzados tecnológicamente hablando que estaban en la época en la que transcurre la acción (dudo que sea en el 2014, el año cuando fue estrenada). Eso hace que la investigación sea más lenta y complicada.

A lo largo de la película hay varios detalles que apuntan a que el culpable es el padre. Para empezar lo de que droguen y encierren en el sótano a la madre. O el hecho de que él no esté con ella y que le hayan amordazado y tapado los ojos de manera que no puede identificar al intruso.

Claro que a medida que avanza la historia van saliendo más y más pedófilos. Es una locura esto, en serio. Aunque sólo hay UN culpable lo brutal es su metodología, de la cual lo que más me fascina es que el tipo conseguía esconderse en las casa de las víctimas durante días hasta que decidía actuar.

Es de esas películas que te dejan con muy mal cuerpo. No quiero contar el final, pero vamos es el ambiente en general lo que más afecta.

domingo, 20 de septiembre de 2020

Vampires (1998)

Aquí la titulamos "Vampiros de John Carpenter".

Tras un ataque a un nido de vampiros un grupo de cazavampiros son masacrados por su jefe dejando con vida a dos de ellos y a una prostituta a la que han mordido. Jack Crow, el jefe del grupo, decide acudir a la iglesia para encontrar una explicación y le endosan a un cura que ha dedicado su vida a estar metido en una biblioteca.

Basada en la novela "Vampire$" de John Stakley. Debido a los recortes de presupuesto al final consiguieron adaptar muy bien los diálogos pero no tanto su argumento.

Según John Carpenter está más cerca de un western que de una película de terror.

En el reparto destacan James Woods (Jack Crow). Daniel Baldwin (Anthony Montoya), salió también en "Cold Case". Sheryl Lee (Katrina), conocida por "Twin Peaks". Thomas Ian Griffith (Jan Valek), salió en "The Karate Kid III" (1989). Y Mark Boone Junior (Catlin), conocido por "Memento" (2000).

A lo largo de la película Jack va soltando las reglas del grupo de cazavampiros, aunque sólo dice las siguientes:
1.- Si un vampiro muerde a tu compañero nunca le dejes con vida.
5.- El líder está donde está el nido.
7.- No entierres tú mismo a un miembro del grupo.
10.- No se puede matar a un maestro de noche.

Guarda bastantes similitudes con "Blade" (1998). El malo quiere convertirse en un vampiro capaz de caminar bajo el sol o el grupo de cazavampiros son las más destacables.

Como todas las películas de vampiros lo primero es entender cuáles son son sus características, por suerte nos las explican bastante bien en un momento dado. Por ejemplo en este caso no funcionan los crucifijos ni el ajo y no duermen en ataúdes, el sol los mata y las cámaras son capaces de grabarlos. No dicen nada de los espejos pero me imagino que tampoco funcionan.

Una de las peculiaridades que siempre me gustó de esta película es que hablan de un grupo de cazadores europeo. Normalmente se centran en EEUU, o incluso apenas salen de la ciudad donde se encuentran.

Tuvo dos secuelas tituladas "Vampires: Los Muertos" (2002) y "Vampires: The Turning" (2005). Vi la primera hace unos años y no me pareció gran cosa, pero igual la retomo por aquello de ver las dos juntas. Pero eso será más adelante.

Es una película que tiene algunos de los mejores diálogos que recuerdo, concretamente suceden entre Jack y el cura. Se nota bastante la falta de presupuesto en la parte final pero no deja de ser una gran película por ello.

Jeff Wayne's Musical Version of the War of the Worlds Alive on Stage! The New Generation (2013)

Otra obra de teatro, ya adelanté que habrían más.

Los marcianos deciden invadir la Tierra lanzando una serie de ataques. George Herbert nos narra todo lo sucedido desde su punto de vista pues fue testigo de los primeros ataques y logró sobrevivir.

En el año 2012 Jeff Wayne sacó un disco re-imaginando su disco conceptual del año 1978 en el que adaptaba la novela “War of the worlds” de H.G.Wells. Seguidamente hizo una gira con el título ese tan cortito que he puesto arriba, que duró un par de años. De dicha gira proviene lo que yo poseo.

En el año 2016 hicieron una versión teatral en el West End de Londres en la que Wayne fue el productor. Y en el 2018 hizo otra gira de un par de semanas. Tiene previsto hacer otras dos en el 2021 y en el 2022.

El primer dato interesante es que está protagonizada por Liam Neeson (George Herbert). No sólo puso su voz para el álbum sino que fue el protagonista en las giras. Fue lo siguiente que hizo tras salir en “The Dark Knight Rises” (2012) y “Taken 2” (2012), lo cual me parece bastante impresionante.

Resulta también interesante las apariciones de Anna-Marie Wayne (Carrie) y de Jerry Wayne (la voz de la NASA) ya que también salieron en la versión teatral del 2006 (que adaptaba la obra de 1978). Ella es la hija de Jeff Wayne y él es su padre.

Es un espectáculo que combina una pantalla gigante, una orquesta enorme en vivo (tiene incluso dos guitarras y un bajo eléctricos, varios instrumentos electrónicos y algunos bastante exóticos) dirigida por Jeff Wayne y los actores cantando frente a ella. Aparte Liam Neeson provee la voz del narrador.

Viene a ser como un concierto con una película proyectándose en la parte trasera. Es un pedazo de espectáculo.

No trata de parecerse a ninguna de las otras películas que se han hecho sobre la novela. De hecho ni siquiera es una adaptación tal cual de la novela, añade cosas como por ejemplo los marcianos al principio hablando antes del ataque.

Lo más curioso del tema es que estoy bastante seguro de haber escuchado el disco original porque reconozco los temas tal y como van sonando.

En un momento dado aparece uno de los trípodes alienígena en medio del escenario. Es enorme e incluso echa varias llamaradas de fuego. Anonadado me hallo.

No acababa de entender una cosa que sale nada más empezar y de repente lo he visto. Se trata de hologramas, usan algunos durante la representación. De hecho todas las apariciones de Liam Neeson son o bien un holograma o su cara en un lado de la pantalla.

La pondría a la altura de “Jesus Christ Superstar” (1973). Y eso es mucho decir pues la considero una de las mejores películas musicales que he visto.

En al parte final bajan una estructura bastante grande metálica, es como un puente lleno de engranajes. En general predomina la estética steampunk a lo largo de la obra.

Qué gran final. En serio, es la mejor obra teatral que he visto, aunque está más cerca de un concierto en realidad. Pero me da igual, es genial de principio a fin. Me dan ganas de ponerme la BSO de fondo mientras hago otras cosas y eso lo hago rarísimas veces con un musical.

गोलियों की रासलीला राम-लीला (2013)

Otra película de la India.

Dos clanes enfrentados, los Rajadis y los Saneras. Ram Bhai es un Rajadi que sólo piensa en follar con mujeres y vivir la buena vida. Tras conocer a una Sanera llamada Leela se enamoran y por ello decide ir a visitarla en secreto.

Es una versión de “Romeo y Julieta”, de Shakespeare.

Creo que es la primera vez que veo en una película a unos tipos sentados tranquilamente en una tienda viendo porno como si fuera lo más normal del mundo.

Es una película que descubrí a partir del videoclip de una de sus canciones (que, obviamente, sale en la película). No era especialmente exagerado, pero me hizo gracia. Curiosamente es la primera canción que cantan y su introducción es genial, el tipo aparece montado en una moto pero acostado en ella mientras está jugueteando con el móvil.

He de decir que algunas de las coreografías son bastante ridículas, supongo que querían ser originales por encima de todo. Durante los bailes hay ratos que me han parecido muy tontos, especialmente porque contrastan con otros muy complejos.

A ver, primero que nada, es una película con mucha violencia, desmedida incluso. Aquello de perseguir a tiros a un niño porque se ha meado encima de un tipo es el mejor ejemplo de ello. Pero es que los tipos van pegándose tiros en lo que parece algo “cordial”, porque no llega a morir nadie… hasta que muere alguien y se arma la de dios.

El problema de todo ello es que el asesino es “Romeo” y el que mata es el hermano de “Julieta” con lo cual las cosas se complican enormemente, pero como se aman con locura huyen y se casan en secreto. Lo realmente jodido del tema es que los amigachos de “Romeo” se lo llevan de farra en la noche de bodas (no tengo muy claro como le localizan, se ve que son hackers o algo) y en realidad lo que quieren es separar a los enamorados. Total que él se siente traicionado por los suyos y ella es capturada y llevada de vuelta con su familia. Y entonces sucede el intermedio (2 horas y 38 minutos dura en total, es de las de tomárselas con calma).

Es fascinante la cantidad de botellas que llegan a romper.

En la segunda mitad una de las escenas más violentas es cuando le cortan el dedo a un personaje… he de decir que no me lo esperaba, ha sido tan repentino.

Otra cosa peculiar de la cultura india, que se me olvidó mencionar cuando lo noté en otra película, es lo de dormir en la calle y el hecho de que hayan casas abandonadas para los que no tienen donde vivir. No sé si es algo exclusivo de algunas zonas de ciertas ciudades o si es generalizado, pero no parece ser demasiado raro.

Me fascina también la enorme importancia que le dan a los turbantes. Uno en particular representa una posición de poder dentro de uno de los clanes, por ejemplo. Me pregunto si los otros que aparecen tienen también algún significado. Y mejor no me meto con el tema adornos, pinturitas, colores y demás porque me puedo morir.

Visualmente hablando es muy espectacular. Por lo que he leído originalmente querían usar lugares reales para rodarla pero era imposible y casi todo terminó siendo hecho en platós, aún así la cantidad de colores y algunos planos son muy impresionantes.

He visto bastantes adaptaciones de esta historia y esta es, de largo, la más sangrienta.

Aunque en realidad lo que más me ha sorprendido es que hay partes en las que hablan rimando, me ha costado un poco pillarlo (porque yo de hindú ni idea) pero en un momento dado es bastante claro, concretamente cuando ella es capturada por los suyos y está en su habitación hablando con la nuera.

Me lo he pasado muy bien viéndola, es muy entretenida y aún a sabiendas de lo que va a pasar la manera en la que transcurre la historia no ha dejado de sorprenderme en ningún momento.

sábado, 19 de septiembre de 2020

Where the Dead Go to Die (2012)

Buf...

Tommy es convencido por un perro demoníaco llamado Labby para arrancar el bebé no nato de las tripas de su madre y después la polla a su padre, matándolos a ambos.

Otra producción de Unearthed Films. Son una distribuidora y repasando su catálogo acabo de darme cuenta de que he visto un montón de las películas que venden. Interesante.

Dirigida por Jimmy ScreamerClauz (Labby) quien hizo también la producción, la edición, la música, los efectos visuales, la animación y el guión, aparte de interpretar a un personaje.

En el reparto de doblaje destaca el nombre de Linnea Quigley (madre de Sophia), conocida por “The Return of the Living Dead” (1985) y “Night of the Demons” (1988).

Es un estilo de animación 3d sin apenas calidad, aunque consistente. En algunos momentos echan mano de imágenes reales (unos ojos).

Juega mucho con efectos digitales para crear escenas demoníacas o de mundos alternativos. También hay mucha sangre, desnudos y sexo bizarro.

La película está dividida en 3 episodios titulados: “Tainted Milk”, “Liquid Memories” y The Mass That The Monsters Wear”.

Creo que es la primera vez que veo una escena de un niño follándose a un perro demoníaco sobre el cadáver putrefacto con gusanos de su madre. Claro que podría equivocarme.

Visualmente hablando me recuerda vagamente a “The Summer of Massacre” (2011). Los monólogos existencialistas podrían haber sido escritos por Neil Breen.

La definiría como cine experimental. A veces el uso de animación 3d te da unas libertades que de otro modo serían imposibles. Pero vamos, es difícil de ver pero tiene una historia y algunas de las imágenes que plasma hubieran sido geniales en acción real. Con una animación tan pobre y una narración tan mala llega a ser muy dura de ver.

viernes, 18 de septiembre de 2020

The Villain (1979)

También conocida como "Cactus Jack".

"Cactus" Jack Slade y su caballo whiskey llegan a Snake's End y le capturan tras un atraco fallido al Banco local. Por suerte el dueño del banco es quien le saca de la cárcel aunque con la condición de que robe a Charming Jones, la hija de su socio. El problema es que descubre que va acompañada de un tipo llamado Handsome Stranger que le complicará un poco las cosas.

Dirigida por Hal Needham, conocido por "Smokey and the Bandit" (1977).

Protagonizada por Kirk Douglas ("Cactus" Jack Slade), seguidamente salió en "Saturn 3" (1979) y "The Final Countdown" (1980). Con Ann-Margret (Charming Jones), conocida por "Bye Bye Birdie" (1963) y "Grumpy Old Men" (1993). Y Arnold Schwarzenegger (Handsome Stranger), fue la película que hizo tras "Stay Hungry" (1976).

Parody Jones y Avery Simpson son un homenaje a Tex Avery y Chuck Jones, conocidos por sus dibujos animados en la Warner Bros. Y es que la película es un pequeño homenaje a la animación estadounidense, cosa que queda latente desde su primera escena. El protagonista está basada en Wile E. Coyote.

El traje que lleva Arnold Schwarzenegger es el mismo que el del llanero solitario, sin la máscara.

Usaron 8 caballos para interpretar a Whiskey. Es la segunda vez que Kirk Douglas tiene un caballo llamado así, la otra fue en "Lonely Are the Brave" (1962).

El protagonista es básicamente igual que el de "Evil Roy Slade" (1972), una película del oeste también paródica. Visten igual, llevan mostacho y son villanos. Además en la otra película lo de Slade es un acrónimo que significa "Sneaking, Lying, Arrogance, Dirtiness, Evil".

Hay un par de referencias a Burt Reynolds. El puticlub que está en llamas tiene un dibujo suyo en la fachada y el bar se llama "Bandits Hangout", en referencia a su personaje más famoso.

Los jefes indios se llaman Mashing Finger y Nervous Elk. En la versión doblada al castellano han traducido todos los nombres tal cual, lo cual hace que resulten graciosos pero como las canciones de la BSO las han dejado en inglés cuesta un poco captar de quién están hablando.

El protagonista lee en numerosas ocasiones un manual titulado "Bad Men Of The West" para confeccionar sus planes malvados.

El mejor de toda la película es Whiskey, el caballo. Es el que más me ha hecho reír al menos. Tiene más capacidad interpretativa que algunos actores modernos.

Es una película que se podría definir como unos dibujos animados en acción real. Es entretenida, con un millón de gags, aunque peca de que no tiene apenas argumento y se nota que quisieron explotar al máximo las similitudes con los dibujos animados.

Room 237 (2012)

Un documental analizando detalles diferentes de “The Shining” (1980).

Según el primero que habla todo gira en torno a una lata de levadura de marca Calumet. Esa lata representa que la película trata sobre el genocidio de los indígenas americanos.

“Calumet” significa pipa de la paz. En su primera aparición está encarada hacia la cámara, la segunda vez salen varias latas medio giradas. El significado es que en la primera trataban de dar una oportunidad de cordialidad y en la segunda que es todo un engaño para que Jack mate a su familia.

Luego otro dice que es en realidad sobre el holocausto judío por parte de los nazis. Por la máquina de escribir de la marca alemana Adler y las referencias al número 42.

Básicamente, en 1942 es cuando empezó dicho holocausto y la máquina representa la burocracia nazi.

Otro analiza las cosas imposibles que aparecen. Como la televisión que mira el niño no tiene cable. Llevan demasiado equipaje (más de lo que cabría en su coche). O un coche está a punto de atropellarles y desaparece en el siguiente plano. La verdad es que no me convence ese último detalle.

Luego tenemos las cosas subliminales referidas a la sexualidad. Osea, que los fantasmas están atraídos sexualmente por los humanos. El ejemplo que dan es bastante enfermizo, cuando Jack llega al hotel y le da la mano al director una carpeta sobre la mesa se funde con él dando la impresión de que tenga una erección. Se ve durante un fotograma.

Hace poco vi un vídeo en el que explicaban cómo el laberinto del hotel era diferente y que en algunas escenas ni siquiera aparece. En este documental muestran la escena donde vemos por primera vez la fachada y junto a la que sale el laberinto y pone que cada una está rodada en un sitio diferente (Oregón en Inglaterra). Creo que se le da demasiadas vueltas a un hecho que simplemente sucedió porque no tuvieron otro remedio, usaron el hotel de Oregón para los exteriores y planos amplios (así se ven las montañas, el bosque y demás, y el de Inglaterra para los más cercanos (y así vemos los coches, el laberinto y tal).

Lo que sí me gustó es la explicación del minotauro, la cual retoman en este documental aunque de una manera mucho más rebuscada. Concretamente tratan de ver su figura en un póster de un esquiador que sale junto a las gemelas y en el nativo americano que lleva un sombrero de búfalo.

La ventana que hay en el despacho del director también es destacable. Una hizo un plano del hotel a partir de las escenas y en un momento dado vemos a Wendy pasar por una pared donde debería estar dicha ventana. He de decir que no lo tengo TAN claro, pero podría ser.

Otro destaca dos escenas con posibles errores de continuidad. En la primera una silla desaparece y en la segunda una de las pegatinas de la puerta de Dany (el enanito Mudito) también desaparece. Según él no es un error sino que representa que el niño ya no está mudo ante la ignorancia, ha descubierto la verdad de lo que está pasando (es tras ver el ascensor con sangre).

Otro error similar es que cuando les muestran la despensa tiene un número sobre la puerta, C3, y al salir es otro, C4. Es el lugar donde encierran a Jack, la misma que se abre mágicamente.

Me ha gustado bastante la explicación de las tres escenas en las que Dany va con el triciclo. De hecho ni siquiera me había fijado que en la tercera empieza la planta baja y de repente aparece en el segundo piso.

La cosa se vuelve un poco conspiranoica cuando explican que el aterrizaje del Apollo 11 fue una farsa grabada por Kubrick y que incluso dejó varios mensajes en “The Shining” (1980) al respecto como cuando Dany se levanta llevando un jersey del Apollo 11. Me parece interesante la analogía, pero poco más.

He de decir que algunas de las explicaciones no me han parecido demasiado interesantes, por no decir directamente que son pajas mentales. Y se repiten bastante, creo que hubiera sido mejor estructurar las entrevistas agrupadas de manera que las que toquen un tema fuesen juntas.

Aunque el análisis de la película vista de principio a fin y viceversa al mismo tiempo es realmente fascinante.

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