Esta es una de las películas que más tiempo llevo buscando, prácticamente desde que empecé con estos especiales. Y, sin duda, es la más antigua de todas ellas. El año pasado, poco después de terminar mi especial, encontré una copia. No es nada del otro mundo, tiene baja calidad y está fraccionada, pero se puede ver. No pido más a estas alturas.

Es la última de la primera lista que hice, con ella completo las cuatro que mencioné en esta entrada. No os podéis ni imaginar lo satisfactorio que resulta haber dado con ella.

Cada año pienso que será el último y que apenas tendré títulos, pero siempre acabo dando con un montón de ellos. De hecho ya tengo tres para el año que viene y hay un cuarto a punto de caer, y seguro que saldrán más a partir del momento en que termine este especial.

Pero bueno, centrémonos en el título que nos ocupa.

White Death (1936)

Qué ganas...

En EEUU existe la idea entre la población y parte de la comunidad científica que no existen los tiburones que se comen hombres. Un pescador regresa con un gran pez y otro le apuesta mil dólares a que podrá encontrar uno más grande, así que va en busca de uno de dichos tiburones.

Protagonizada por Zane Grey, quien hace de sí mismo. Es un pescador experto en la vida real, es su único papel como actor en una película. Es más conocido por ser guionista y por haber dirigido "South Sea Adventures" (1932).

El arranque ya promete, vemos peces durante los créditos iniciales, entre ellos algún tiburón. Y después de ver varias portadas de periódicos aparece un pescador junto a un montón de tiburones colgados a su lado.

Creen que el tiburón blanco es "raro". No están del todo errados, en sus aguas lo es.

La historia se divide entre el que quiere pescar un tiburón blanco, la chica que parece que hayan puesto únicamente para forzar una escena de romance y el que se opone a la pesca de tiburones, el cual viene a ser el toque cómico. Personalmente me sobran los dos últimos.

Antes del plato fuerte vemos como pasan junto a unos delfines y pescan un pez espada de gran tamaño. Todo real, cómo no. Tras eso nos muestran un par de tiburones nadando bajo el mar, de un tamaño considerable.

Dicho lo cual, las escenas subacuáticas se ven bastante oscuras, claro que es porque son en blanco y negro. Pero se ven bastante bien los tiburones.

El título hace referencia a cómo llaman a los tiburones blancos en Australia.

Al final vemos la lucha contra el pez y lo consiguen vencer, ninguna sorpresa. Pero no pueden evitar añadir algunas escenas graciosas para rematar la historia.

Casi hubiera preferido más escenas de la pesca del tiburón, pero bueno, no me quejo. Es una gran película sobre el tema. No las tenía todas conmigo antes de verla y resulta encajar perfectamente en el especial.

Cuarto especial sobre Oz:

Bienvenidos al que espero que sea el último piso de este descenso a la locura que han resultado ser los especiales que he hecho sobre el tema de Oz. Llevo ya tres recorridos, bastante intensos cuyos títulos fueron bastante complicados de recopilar, y aún así siempre he terminado descubriendo que hay más. Parece no tener fin el tema.

Esta vez me he esmerado a fondo. Lo voy a decir de una manera clara, es posible que me haya dejado títulos, algunos soy muy consciente de su existencia y por ello los voy a listar a continuación. Dicho lo cual, he decidido no fijarme demasiado en cosas como documentales o episodios de series que traten el tema, hay algunos en este recorrido pero eran tantos que me cansé y preferí centrarme en producciones más "normales".

Esto ha sido realmente difícil, quiero que sea el punto y final.

Empecemos por los títulos que no he encontrado. Si más adelante salen más títulos quizás me moleste en verlos, quizás no, me da igual. Es demasiado.

• The Wizard of Oz (1967): Una película hecha para televisión.
• El Mago y Sus Amigos (1984): Dirigida por Pepe Romay. No sé mucho de ella, salvo que es mexicana.
• Ode to Dorothy (1998): Se trata de un cortometraje creado por Dayna McLeod, de 8 minutos de duración. Entra dentro de la categoría experimental.
• Untitled #125 (Hickory) (2011): Vídeo de 120 horas de duración, hay disponibles unos 15 minutos. Es de Josh Azzarella y la idea es expandir una escena de la película de 1939 de 6 minutos de duración a algo que es prácticamente imposible de ver.
• Toto’s Christmas in Oz (2024): Una película de animación.

Estos son los títulos que sé que están perdidos o directamente no existen:

• The Fairylogue and Radio-Plays (1908) (función multimedia con segmentos filmados): Primer “evento” cinematográfico de Oz creado por L. Frank Baum.
• John Dough and the Cherub (1910): Estado desconocido.
• The Land of Oz, a Sequel to the 'Wizard of Oz' (1932): Hay una copia pero no ha sido lanzada al público.
• No. 13: Oz (1962): Adaptación comercial inacabada de la novela de L. Frank Baum, archivada tras la muerte por cáncer de Arthur Young, amigo íntimo de Smith, productor ejecutivo y principal inversor. Sólo se conservan 15 minutos de las casi 6 horas que se rodaron, aunque sólo hay una secuencia de 5 minutos completa.

Bien, una última cosa. He dado con títulos de lugares muy diversos, lo cual me hace pensar que es más que posible que puedan haber más. Por ejemplo de China o de la India. Pero estoy agotado, de verdad. Llevo meses buscando intensamente y mi cabeza ya no puede más.

En fin, empecemos con esta locura con...

Oz University (1936)

La producción más temprana de este listado.

Dorothy acompaña al Mago de Oz al trono, asistido por Ojo, él mira a través de la Imagen Mágica la Universidad de Michigan y ve a los estudiantes. Por Entonces decide llevarlos a la Universidad de Oz, transformándolos en celebridades como Tippetarius, the Scarecrow, Nick Chopper, Tik-Tok, Old Mombi, Jinjur, Scraps, The Shaggy Man, Betsy Bobbin y Jack Pumpkinhead. Después de celebrar una fiesta van a clase con el Profesor Wogglebug.

Su duración es de 12 minutos.

Está interpretado íntegramente por mujeres. Aunque por la manera de vestir juraría que alguna se está haciendo pasar por un hombre.

Es una producción un tanto peculiar pues pertenece a la época sonora pero es muda. Y encima en color, más concretamente usaron la técnica de dos tiras de Technicolor.

Es una obra teatral, pero está grabada en exteriores y el "escenario" es bastante grande. De hecho diría que es un parking.

Cuando habla el Mago de Oz lo hace rimando.

Los disfraces no están muy elaborados, pero se pueden identificar algunos de los personajes.

No tiene sonido y aún así vemos un numerito musical. Siempre me fascinan estas cosas. Parecen los guardias de la ciudad esmeralda haciendo una coreografía.

Luego vemos a una pareja (Tip y Jack) bailando sincronizadas.

Al terminar la clase hacen otro numero todas juntas y regresan a casa donde vuelven a ser ellas mismas.

Definitivamente es una rareza de las que, por suerte, han llegado a nuestros tiempos con una buena calidad.

Empezamos suave. A saber cuánto tiempo me llevará ver todos estos títulos...

Captain January (1936)

Sigamos.

Estamos en un faro del cabo Tempest. Allí el capitán January vive con una su hija adoptiva, llamada Helen, a quien rescató.

Basada en la novela homónima de Laura Elizabeth Howe Richards, publicada en 1891. Tuvo una adaptación previa, "Captain January" (1924).

Protagonizada por la pequeña Shirley Temple (Helen "Star" Mason), quien tenía 8 años en aquellos momentos.

En realidad salía John Carradine, pero sus escenas fueron cortadas y no recibió crédito.

El final era muy diferente, el capitán moría. Eso explicaba por qué dejaba que la niña encendiera el faro, pues le había dado un ataque al corazón y él no podía hacerlo. Moría justo al ver como se iluminaba. Poco después se la llevaban sus tíos.

El cambio fue debido a la gran depresión. La gente necesitaba finales felices, y Shirley se había convertido ya en el "antidepresivo" de EEUU, una representación de la inocencia, la pureza y la felicidad enmarcadas en una pequeña ídola infantil.

Otra escena cortada era de Shirley bailando el hula, los pases previos creyeron que era inmoral. En 1935 la repitió durante su visita a Honolulu y llegó a ser considerado un acto notable en su carrera. Creo que no hay ningún vídeo de ello, pero sí fotos.

Las langostas que se ven en el baile del bacalao eran reales, pero estaban cocinadas, lo cual las dotó de un color rojo brillante, así que las tuvieron que pintar para que no se notara. Al terminar de grabar se las comieron.

Este último dato no acababa de comprenderlo, pues he visto la versión en blanco y negro (imagino que el rojo se vería demasiado oscuro). Y es que existe también una coloreada que fue lanzada a principios de los años 2000. Como he dicho en más de una ocasión, es algo que me parece horrible, siempre defenderé la versión original.

En todo caso, ahora mismo es de dominio público.

En la presentación de su personaje, Shirley hace gala de no sólo su facilidad para cantar sino también la vemos bailando claqué y siendo muy graciosa. Entiendo mejor por qué fue todo un fenómeno en su día, a pesar de todo lo oscuro que ello implicaba realmente.

Durante su segundo numerito, bailando con un marinero, no podía dejar de pensar que una actriz adulta hubiera sido totalmente eclipsada por Shirley. Es fascinante lo bien que lo hace todo, para lo pequeña que es.

La grulla que le regalan a la niña fue un quebradero de cabeza durante el rodaje, pues no paraba de atacar a todo el mundo, incluida a Shirley. Lo solucionaron clavándole las patas al suelo. Vino uno de una protectora de animales, no le gustó demasiado verla así pero cuando se acercó a ella trató de picarle también. Según contó la pequeña, el animal no sufrió daño alguno.

Vaya, resulta que el capitán nunca hizo el proceso de adopción de manera legal. Simplemente la acogió en su casa y la crió como si fuera suya.

El examen que les hacen es un tanto ridículo. Pero aún así es bastante obvio que ella está por encima del nivel que esperaban.

El capitán y su amigote son lo mejor de la película. Siempre discutiendo e insultándose mutuamente.

Sinceramente me parece una crueldad que separen a la niña del capitán. Todos asumen que los "parientes" serán los padres ideales para ella, antes de conocerles.

Casi hubiera preferido el final original. Este es demasiado empalagoso para mi gusto.

Pero bueno, es un musical de los que no me resultan irritantes, las canciones están bastante bien encajadas.

¡Vámonos con Pancho Villa! (1936)

Es lo más parecido a un cartel que he encontrado.

“Los leones de San Pablo” son un grupo de 6 amigos que deciden unirse a Pancho Villa y su revolución. A medida que avanza la guerra van muriendo uno a uno y van perdiendo la fe.

Tras ver “Viva Zapata!” (1952) me picó el gusanillo de conocer un poco más sobre la historia de México y esta vez preferí apostar por algo hecho por ellos mismos. Lo cual no supone ninguna garantía de que sea más fiel a lo que sucedió (me asombra lo acertado que estuve cuando escribí esta frase antes de leer sobre ella).

Es considerada la primera superproducción mexicana. Lo cual tiene mucho sentido ya que fue financiada por los banqueros para dar una imagen muy negativa de lo que fue la revolución mexicana encabezada por Emiliano Zapata y Pancho Villa.

Su idea es distorsionar la realidad mostrando a un Villa inhumano, lo cual dista mucho de la realidad. Pero no sólo eso, muestra la guerra como algo honorable y glamuroso.

Lo primero que quiero destacar es que el título en pantalla pone “!Vámonos con Pancho Villa!” con las dos exclamaciones iguales. Me he percatado de que en los carteles no quisieron jugársela y pusieron el texto sin ellas.

El juego de los 13 es para mearse. En esencia es una ruleta rusa planteada porque hay 13 sentados en una misma mesa de un bar, lo cual quiere decir que uno de ellos va a morir esa noche, así que ¿qué mejor que asegurarse?.

Los productores obligaron al director a cambiar el final original en el que Pancho Villa asesinaba a Tiburcio Maya y obligaba a su hijo a unirse a la revolución. En el que dejaron Tiburcio decide abandonar a Pancho Villa, osea le da la espalda a la susodicha revolución.

Es una película bastante dura donde los soldados son tratados como algo prescindible y que sólo sirven para alcanzar un fin, no como personas. A pesar de todo me ha gustado, aunque no cuente nada en concreto, sólo vemos algunas batallas sueltas sin explicar demasiado qué está sucediendo.

The Petrified Forest (1936)

Aquí la titulamos "El bosque petrificado"

Estamos en una gasolinera de Mesanegra, un negocio familiar. Un escritor llega allí perdido, con rumbo a un lugar incierto. Pronto conectará con la mujer que lleva el local de una manera emocional. Mientras tanto un ladrón y asesino anda suelto por la zona.

El director es Archie Mayo, se trata de su producción mejor valorada aunque también hizo "A Night in Casablanca" (1946) de los hermanos Marx.

Protagonizada por Leslie Howard (Alan Squier), salió en "Gone with the wind" (1939). Bette Davis (Gabrielle Maple), conocida por "All about Eve" (1950). Humphrey Bogart (Duke Mantee), .

Leslie Howard y Humphrey Bogart retomaron los papeles de la obra de teatro. Aunque originalmente querían a Leslie en el papel de Humphrey, pero él insistió en que contratasen ambos. Gracias a esta película Bogart ganó mucha notoriedad e incluso llamó a uno de sus hijos Leslie en honor a Howard.

A la Warner Bros. le preocupaba que el final trágico fuese demasiado deprimente y mandaron grabar uno feliz. En los pases previos al público le gustó más el primero que es el que dejaron al final.

El personaje que interpreta Humphrey está inspirado en el ladrón de bancos John Dillinger. De hecho el actor se parecía un poco a él, además estudió varias filmaciones suyas para aprender sus manerismos.

Los ojos de Betty Davis son inconfundibles. Creo que no he comentado ninguna de sus películas hasta el momento. Suele hacer otro tipo de papeles, aunque me gusta la versatibilidad que muestra aquí.

Hay un par de detalles interesantes. La frase antirepublicana de uno de los primeros clientes y la manera en la que reaccionan los del local, en plan "aquí no se puede hablar mal de los EEUU". La segunda es cuando la chica le da una moneda de un dólar a Alan y él dice que se la quede como propina a lo que ella responde "es antiamericano dar propina".

Esta segunda es peculiarmente interesante pues hoy en día en EEUU lo normal es dar propina e incluso hay negocios que te la cobran sin más.

Bogart hace aparición pasados 35 minutos. Su presencia es notable aunque su personaje tenga pocas líneas ya que es sólo un secundario.

Me ha gustado el hecho de que pese a seguir un formato muy teatral donde buena parte de la acción transcurre en la misma habitación en realidad no me ha dado esa sensación, o al menos en otras películas es más obvio.

Los diálogos están cargados de mensaje, no son sólo palabras dichas para llegar a un fin. Aunque su final me ha parecido un poco acelerado, da la impresión de que en los últimos 2 minutos suceden demasiadas cosas de repente.

Things to Come (1936)

Aquí la titulamos "La vida futura".

Estamos en Everytown en la Navidad de 1940 cuando estalla una guerra que dura décadas. Una plaga acaba con buena parte de los ciudadanos y se quedan sin petróleo, pero la llegada de un avión de un país extranjero les da esperanzas.

H.G. Wells odiaba "Metropolis" (1927) y antes de la filmación dijo a todo el que tenía algo que ver con la película que quería que hiciesen lo contrario a lo que hizo el autor alemán. Él mismo fue quien empezó a dirigirla pero dada su inexperiencia cedió su puesto a William Cameron Menzies.

Al igual que otros muchos títulos el dueño del copyright perdió los derechos cuando no los renovó lo cual hizo que la película pasase a ser de dominio público, con el consiguiente problema de las múltiples versiones que aparecieron posteriormente de muy diversas calidades.

Tuvo un coste de unas 300.000 libras esterlinas, el más elevado de una producción inglesa hasta ese momento. Y aunque fue muy bien acogida por los críticos en taquilla resultó un fracaso pues sólo tuvo una semana de provechos.

La primera previsión es una guerra mundial iniciada por "algún país". Pasados unos 13 minutos un padre le dice a su hijo "you've got to do your bit". En esa escena se ve de fondo un árbol cuyas hojas parecen formar la silueta de una cara que se asemeja a la de Hitler (cuesta un poco de ver).

Es una guerra con tanques y aviones, aunque los que muestran no son demasiado diferentes a los de la Primera Guerra Mundial. Aunque acierta en el uso de gases letales.

Antes de estallar la guerra uno dice algo así como que los avances médicos se detendrán y otro le responde que habrá otros. La guerra trae consigo una enfermedad que se extiende y es incurable... porque no hubo dichos avances médicos.

La estupidez impera durante la guerra. El tipo que está al mando es un gilipollas de grado sumo. Está claro que se basaron en Hitler, pero es sólo un mal reflejo.

Entiendo perfectamente por qué la película fue un fracaso en taquilla. Es un coñazo de ver. Tiene demasiada voz en off, no hay una trama per se, ni tampoco un protagonista. Se tiran una hora larga para contarnos que tras una guerra una serie de científicos se unen para formar un país sin dueño ni señor que controlará al mundo entero eventualmente y con ello los avances de la ciencia serán extraordinarios. Yo hubiera empezado directamente ahí la historia.

Entre dichos avances tenemos unos aparatos de transporte individual similares a los modernos segway. Máquinas tuneladoras gigantes que existieron varias décadas más tarde (en los 90 concretamente). Fábricas automatizadas que también existieron posteriormente. Y pantallas planas de gran resolución que se vieron en películas de los años 60 en adelante.

Recrean una civilización futura (del año 2036) que parece ser una influencia de títulos como "Brave New World" (1980) o "Logan's Run" (1976). Usan un dispositivo en la muñeca para comunicarse, podría ser un antecesor de los comunicadores de "Star Trek".

Lo de usar una "pistola" para disparar personas al espacio es una clara referencia a Julio Verne y su "Viaje a la Luna" en el que usaban un cañón.

En fin, en mi opinión no le llega ni a la suela de los zapatos a "Metropolis" (1927). Y no me refiero a la inexistente historia ni a la manera en la que muestran el futuro. Visualmente hablando carece de interés, salvo algún plano como el de los aviones (claramente unas maquetas) en general no hay nada interesante. Luego la BSO es horripilante, difícilmente se podían elegir temas peores. Y el hecho de ser una película sonora no la hace mejor precisamente, más bien al contrario porque en la muda conseguían transmitir mucho más mediante las imágenes.

No sabía qué esperar aún así al final ha sido bastante decepcionante. H.G. Wells debería haberse dedicado sólo a escribir libros.

Revolt of the Zombies (1936)

Aquí la titulamos "La rebelión de los zombies".

Un monje tibetano capaz de crear un ejército de zombies es capturado por el ejércto aliado. Tras un experimento se dan cuenta de que sus prácticas son demasiado peligrosas y lo encierran de por vida, pero él decide suicidarse.

Seguimos con otro título clásico de zombies, he de decir que éste ni siquiera lo conocía previamente.

La compañía que hizo "White Zombie" (1932) impuso una demanda por el uso de la palabra "Zombie" en el título. Lo peor del tema es que la ganaron y se embolsaron 11.500 dólares.

Lo gracioso del tema es que usaron la imagen de los ojos de Bela Lugosi en dicha película para superponerlos en varios momentos (indicando que los zombies están bajo la influencia de alguien). Lo cual probablemente hubiera sido una demanda mejor.

Me hace gracia que el cartel del principio diga que en los países que participaron en la Guerra Mundial sucedieron hechos extraordinarios como el que nos ocupa. Ni me acordaba del año en que fue hecha, se refiere a la primera.

Es también peculiar el empleo de la palabra robot al referirse a los zombies, también les llaman así.

A pesar de durar una hora escasa incluye un numerito de baile camboyano bastante curioso de ver.

Los zombies no son creados mediante un ritual tipo vudú sino usando hipnotismo, aunque tiene que ver más con una combinación de brebajes que se inhalan que con la típica escena de alguien mirando fijamente a los ojos de otra persona.

Sin embargo aparte de su breve aparición durante los primeros compases de la película tienen poca presencia hasta prácticamente la parte final.

El estado actual de la película dista de ser perfecto. Algunas veces la imagen se rompe y algunos segundos no tienen sonido. Pero no es un gran problema, se puede ver bastante bien.

Es una película que roza la comedia involuntaria de lo mala que llega a ser en ciertos momentos. Creo que es la primera vez que me pasa algo así con una película de los años 30.

Fury (1936)

Aquí la titulamos "Furia".

Joe Wilson es arrestado como sospechoso de un secuestro mientras iba de camino a visitar a Katherine Grant, su prometida, tras un año separados. En el pueblo donde le retienen crece el rumor de que el sheriff le quiere dejar libre y planean acabar con él aunque sea a la fuerza.

Dirigida por Fritz Lang, es la primera de su época en EEUU tras huir de la Alemania Nazi.

Del reparto destacan Spencer Tracy (Joe Wilson), conocido por "Judgment of Nuremberg" (1961), y Sylvia Sidney (Katherine Grant), salió en "Beetlejuice" (1988) y "Mars Attacks!" (1996).

El director no estaba acostumbrado a la manera de hacer las cosas de los estadounidenses y, por ejemplo, no sabía que debían hacer una pausa para almorzar. El primer día de rodaje cuando el equipo le preguntó por qué no habían parado él respondió que se pararía cuando él dijera, entonces Spencer Tracy se quitó el maquillaje consciente de que tardarían 90 minutos en volver a aplicárselo y gritó "¡Almuerzo!", seguidamente se fueron todos a comer.

El perro que coge Spencer Tracy al principio es Terry (Rainbow), más conocido por haber hecho de Toto en "The Wizard of Oz" (1939). En total salió en 21 películas entre 1934 y 1945.

Fritz Lang es considerado el primero en usar imágenes en las que aparecen titulares de periódicos como parte de los recursos de un juicio.

El final que tenía en mente el director era mostrar la cara de Sylvia Sidney llena de lágrimas. La productora le obligó a cambiarlo por una escena de un beso.

La película empieza con la típica bola de nieve de rumores que va creciendo sin parar desde el momento en que le detienen, con todo tipo de invenciones y exageraciones que sólo hacen que crispar el ambiente del pequeño pueblo donde tiene lugar la acción.

Creo que es la primera vez que veo un juicio donde el juez pasa a ser un testigo. Y dado el año en que fue hecha esta película es realmente remarcable.

Me parece interesante la manera en la que los gestos y las miradas cobran protagonismo en esta película porque era una de las características del cine mudo de Fritz Lang.

Es una gran historia de venganza, de hecho por un momento creí que el protagonista se pondría a matar gente a lo "John Wick" (2014) tras asesinar a su perro, hubiera sido realmente curioso de ver además que el título sería más acorde. Pero bueno, no me quejo, me ha gustado mucho.

The Prisoner of Shark Island (1936)

Aquí la titulamos "Prisionero del odio".

9 de Abril de 1865, Abraham Lincoln es asesinado por John Wilkes Booth. Tras ello huye pero se ha roto la pierna y ha acude al Doctor Samuel A.Mudd para que le cure. Eso hará que cuando investiguen lo sucedido su nombre pase a formar parte de los asociados de Booth y le condenen a cadena perpetua.

Dirigida por John Ford, creo que es la primera película suya que comento en el blog. Parece mentira.

He de decir que es una parte de la historia estadounidense que desconocía por completo. Bueno, lo del asesinato de Lincoln no, obviamente, sino lo que sucedió tras la muerte de su asesino. Y es realmente fascinante ver lo que una jauría de gente enfurecida es capaz de hacer.

Aunque han pasado 150 años algunas cosas continuan igual, o incluso peor. El sistema de justicia moderno es imperfecto y aún siguen condenando a inocentes. Sin embargo el que plasman en esta película es demencial, ni siquiera dejan que el acusado se defienda.

Es interesante el apartado musical, está compuesto íntegramente por canciones populares en diferentes versiones instrumentales. Lo cual es muy interesante porque incluso hacen uso de una canción navideña para uno de los momentos más tristes y queda bien.

La prisión donde encierran al Doctor se encuentra en unas islas llamadas "Dry Tortugas", situadas al sur de Florida. Hoy en día constituyen una zona protegida con un parque natural al que acuden los turistas. Originalmente la prisión era una fuerte llamado Fort Jefferson usado por el bando de la Unión durante la Guerra Civil.

Los tiburones hacen aparición a los 40 minutos más o menos, se encuentran situados en un foso que rodea la prisión. En el breve momento en el que los podemos ver por primera vez se puede apreciar que son de un tamaño mediano, tirando a pequeño. Aunque es difícil saber qué raza son. Durante la huida vuelven a salir y se ve que son un montón, pero de nuevo no se aprecian en detalle.

Del reparto destaca Francis Ford (Cabo O'Toole), el hermano mayor del director quien apareció en cientos de películas y dirigió más de 150. Y un joven John Carradine (Sargento Cooper), conocido por títulos como "House of the Long Shadows" (1983) y "The Howling" (1981).

Una gran historia de injusticias pero con un final feliz. Aunque no sea una película de tiburones per se al menos la he disfrutado bastante.

The Censored Eleven

Durante años muchos dibujos animados han terminado censurados en parte o directamente prohibidos por distintos motivos. La mayoría de veces es por instigación a la violencia, por chistes racistas o comportamientos que los padres no quieren que imiten sus hijos (fumar, beber alcohol, tomar pastillas o productos químicos peligrosos, jugar con fuego, maltratar animales o robar).

Bueno, pues hoy he dado con 11 cortos de animación de Merrie Melodies y Looney Toons que allá por 1968 pasaron a formar parte de una lista conocida como "The Censored Eleven". En este caso no vieron posible editarlos en parte y decidieron prohibirlos. Todos ellos presentan claras muestras de racismo hacia la raza negra. La lista original es esta: 

Hittin' the Trail for Hallelujah Land (28-11-1931)

Dirigido por Rudolph Ising (Merrie Melodies).

El amable tío Tom lleva a Fluffy al barco de vapor de su amado, el Capitán Piggy. Al volver hacia casa el tío Tom termina metiéndose en un cementerio donde varios esqueletos se ponen a cantar y bailar, finalmente el tío Tom huye pero se mete en el río y no sabe nadar, por suerte llega Piggy a tiempo para rescatarlo, pero entonces un malvado secuestra a Fluffy y Piggy finalmente la rescata castigando al malhechor.

El título es el nombre de la canción de la escena del cementerio. La animación me recuerda muchísimo a la de los primeros dibujos de Mickey, de hecho comparándolos son una copia clara (tanto la escena del barco como la del cementerio).

Me cuesta ver el racismo aquí, de hecho salvo por el hecho de que el tío Tom parece ser un esclavo de Fluffy (es interpretable) en realidad poco más se puede decir, la razón oficial es que muestra estereotipos de personajes negros. Curiosamente fue el primer corto de animación en el que vemos a un barco bajando un río haciendo el "efecto escalera". Es de dominio publico hoy en día.

Sunday Go to Meetin' Time (08-08-1936)

Dirigida por Friz Freleng (Merrie Melodies).

Es domingo y el cura ha salido a la calle a saludar a sus parroquianos mientras se aproximan a la iglesia. Poco a poco van haciendo aparición todos los vecinos del lugar y eventualmente llegamos a Nicodemus. Su mujer le insta a ir a la iglesia para no terminar en el infierno pero el se le escapa en el último momento y tras un pequeño accidente provocado por una gallina termina soñando que va al infierno donde es juzgado y castigado. Al rato se despierta y decide volver a la iglesia.

El cura canta la canción del titulo nada más empezar el corto. En éste si veo más claras las muestras de racismo: negros bailando por la calle, una madre robando un sujetador tendido para usarlo como gorro de sus hijos gemelos, la típica familia con madre, padre y un montón de hijos, el típico holgazán e incluso al protagonista persiguiendo a una gallina con un palo.

También vemos como durante el juicio en el infierno el protagonista es acusado de robar gallinas, sandías y no ir a la iglesia entre otras cosas.

Clean Pastures (22-05-1937)

Dirigida por Friz Freleng (Merrie Melodies).

Debido a que cada vez menos gente va a al paraíso un San Pedro negro decide enviar a su ángel más vago a la tierra para solucionarlo. Pero no le hacen ni caso porque se limita a poner un cartel parecido al del ejército. Entonces un grupo de ángeles le aconseja a San Pedro que envíe un grupo de música. Y así lo hace, manda a varios cantantes de Jazz a las calles de Harlem y poco a poco se va congregando mas gente que finalmente les siguen al paraíso.

Es una parodia de la película "The Green Pastures" (1936), donde muestran historias de la biblia interpretadas por negros.

El principal problema que tuvieron es que el cielo estaba poblado únicamente por negros, lo cual le hizo terminar en esta infame lista prohibida. Sin embargo una lectura posterior nos dice que en realidad sólo esta reflejando una realidad que ocurrió en esa época: el aumento de negros en las iglesias, el jazz que se apoderaba de las calles e incluso se puede ver como una metáfora de como habían dejado atrás las labores del campo para integrarse en las ciudades.

Entre otros vemos que aparecen Louis Armstrong, Cab Calloway, Fats Waller y Jimmie Lunceford como los ángeles músicos. La canción que cantan es "Swing for Sale".

Uncle Tom's Bungalow (05-06-1937)

Dirigida por Tex Avery (Merrie Melodies).

La pequeña Eva vive junto a su amiga negra Topsy y juntas alquilan al tío Tom a un vendedor de esclavos para que no le pegue más. Pasan los meses y el vendedor se da cuenta de que llevan 3 pagos de retraso y va a verlas para que le devuelvan a su esclavo. Tras buscarlas por la casa se pone a perseguirlas con sus perros y su látigo y justo cuando las tiene arrinconadas aparece el tío Tom con un coche de lujo y un montón de dinero y le paga. Resulta que había sacado un montón dinero jugando a los dados.

Existen dos versiones de este corto, uno en blanco y negro y otro en color, no se la razón pero el original es en color. Basado en la novela "La cabaña del tío Tom".

Está planteado como una comedia y dado que es una versión de un libro muy famoso no entiendo la censura. Si bien muestra estereotipos sobre la raza negra lo que cuenta no es más que una realidad que sucedía años antes en todo el sur de EE.UU.: los negros esclavizados, el hombre blanco explotándolos. Y en realidad salvo por el detalle de los dados tampoco es tan estereotipado el personaje principal.

Jungle Jitters (19-02-1938)

Dirigida por Friz Freleng (Merrie Melodies).

Los nativos de una tribu de alguna selva se pasan el día bailando y cantando, vemos como un grupo de ellos bailando alrededor de una tienda se convierten en un carrusel. Luego vemos como tras tirar de la anilla de la nariz a uno se le alarga el cuello convirtiéndose sus aros en un muelle. Finalmente se cansan y se disponen a comer. Hace aparición un vendedor al que nadie quiere abrirle la puerta pero finalmente le dejan pasar para comérselo. Mientras lo cocinan la reina del lugar (una blanca poco agraciada) decide salvarlo para casarse con él pero tras la ceremonia él prefiere que se lo coman a enfrentarse la noche de bodas.

De nuevo existen varias versiones, una con mejor calidad. La canción que suena cuando aparece el carrusel es "The Merry-Go-Round Broke Down", esta es su primera aparición en dibujos animados y paso a ser la canción característica de los "Looney Tunes" (la que sale al final cuando aparece Porky).

En este corto vemos la aparición de varios blackfaces y la burla de algunos estereotipos de las tribus africanas, aunque opino que es un poco desmedido censurarlo, hay dibujos de Bugs Bunny que son prácticamente iguales. Es de dominio publico hoy en día.

The Isle of Pingo Pongo (28-05-1938)

Dirigida por Tex Avery (Merrie Melodies).

Un barco parte de Nueva York a la isla de Pingo Pongo, situada en los mares del Sur. Tras pasar la estatua de la libertad (que dirige el trafico marítimo), pasan por delante de las Islas Canarias (llenas de canarios, los pájaros) y las Islas Sandwich (que son un Sandwich, obvio). Al llegar y desembarcar vemos la fauna local compuesta por diversos pájaros salvajes, ciervos y, cómo no, una tribu de indígenas. En dicha tribu practican deportes como el fútbol americano y, sobre todo, se toca música primitiva con tambores que curiosamente termina siendo Jazz.

Aquí los estereotipos son lo único que hay, hacen parodia de todo un poco, personalmente me ha encantado la parte en la que durante una celebración se ponen a bailar como si estuvieran en un palacio victoriano.

Destaca la aparición de Elmer Fudd señalando a una caja de violín diciendo "¿ahora jefe?", tartamudeando más bien, y el narrador respondiendo "no, aún no", hasta el final no vemos qué es lo que contiene realmente.

En este cortometraje la censura parece un poco más lógica ya que están diciendo que los ritmos de Jazz suenan igual que los típicos tambores de las tribus africanas.

All This and Rabbit Stew (13-09-1941)

Dirigida por Tex Avery (Merrie Melodies).

Un cazador negro está dispuesto a matar un conejo cuando se encuentra con unas huellas que le llevan a una madriguera de la que salen zanahorias mordisqueadas. Tras apuntar al agujero este se mueve y finalmente le dispara ocasionando la aparición de Bugs Bunny sobre la escopeta del cazador. Tras mucho perseguirlo lo único que consigue es ser casi comido por un oso al entrar en su madriguera, casi ser apestado por una mofeta y caer por un precipicio. Al final Bugs saca unos dados, se ponen a jugar y pierde toda la ropa que lleva.

Es el único de los 11 protagonizado por Bugs Bunny. En realidad no viene a ser más que lo que pocos años despues, en 1946, sería el gag mas típico de Bugs Bunny con Elmer persiguiéndole para cazarle.

De hecho solo veo dos estereotipos, por una parte el negro que sale de caza (aunque mejoraría si fuese una gallina), y por otro la escena en la que se ponen a jugar a los dados. Y aparte la última escena del corto está censurada en algunas versiones, en ella bugs le quita lo único que le queda, una hoja que le tapa sus partes intimas. Es de dominio publico hoy en día.

Coal Black and de Sebben Dwarfs (19-01-1943)

Dirigida por Robert Clampett (Merrie Melodies).

So White es una joven que trabaja en el castillo de la reina limpiando ropa de día y cantando blues de noche. La reina pide que le traigan a un apuesto príncipe pero al llegar este se enamora de So White. Entonces la reina manda que la maten, pero los asesinos son incapaces de hacerlo y la abandonan en mitad del bosque donde un grupo de 7 enanos la encuentran. La reina envenena una manzana para matarla y tras comérsela ella cae en un profundo sueño. Los enanos entonces van a por la reina y buscan al príncipe para que le de un beso a So White, aunque finalmente es gracias a uno de ellos que consigue despertar.

Este es uno de los dos que menos sentido tiene la censura. De hecho el director lo explica, acudieron a él todo el reparto de una obra protagonizada por negros y le preguntaron como es que no habían dibujos sobre afroamericanos en los años 40, así que decidió contar con ellos para hacer una parodia de Blancanieves.

Muchas de las voces están puestas por cantantes famosos de Jazz de los años 40.

Por lo que sé el nombre de So White luego lo cambiaron por Coal Black, pero así era originalmente.

Lo que sí podemos ver es que contiene una gran dosis de sexualidad y jazz unido con algunos estereotipos (el príncipe lleva unos dados y una dentadura de oro, por ejemplo). Pero lo que creo que es más relevante es que todo transcurre con el trasfondo de la Segunda Guerra Mundial: los enanos son soldados que están en el frente, la chica se convierte en su chef particular y los asesinos muestran un cartel en el que pone que matan japoneses gratuitamente.

Tin Pan Alley Cats (17-07-1943)

Dirigida por Robert Clampett (Merrie Melodies).

Fats Waller va caminando por la calle cantando de noche cuando se cruza con un predicador que le avisa que será tentado con "mujeres, vino y música" si sigue por ese camino. Pero sólo consigue excitarle aun más y tras meterse en el club se pone a tocar el piano de forma demencial. Pero llega un momento en que se sumerge tanto en la música que "abandona" el mundo para adentrarse en un universo surrealista repleto de criaturas extrañas casi todas tocando instrumentos musicales y al final aparecen Adolph Hitler, Hideki Tojo y Joseph Stalin. Tras eso vuelve al mundo real y se pone a cantar junto a un grupo religioso que todos deberían volver a la iglesia.

Este fue el segundo corto fruto de la reunión entre los de la obra de teatro que mencione antes y el director. Es un reflejo de la escena musical Jazz de Los Angeles de la época, son caricaturas de músicos reales de aquel entonces. Y a todo el mundo, incluida la comunidad negra, les gustaron ambos cortos.

La parte surrealista pasa por ser mi favorita de los 11 cortos, es realmente increíble y no te esperas la aparición de Hitler y menos aun que Stalin se líe a palos con él. Algunos de los personajes de esta parte volvieron a aparecer en el corto "Dough for the Do-do" (1949).

Angel Puss (03-06-1944)

Dirigida por Chuck Jones (Looney Tunes).

Sambo lleva un saco con un gato negro al que le han mandado que ahogue. Pero el gato se escapa en el último momento rellenándole el saco de ladrillos. Sambo se lo piensa dos veces pero el gato, hablando con un trozo de cañería para aparentar otra voz, le insta a hacerlo y finalmente lo tira. El gato se disfraza de ángel, pintándose totalmente de blanco y poniéndose unas alas y un halo y se dedica a atormentarlo. Tras asustarle un poco el gato cae al agua y pierde la pintura blanca, entonces el negro saca una escopeta y le dispara pero entonces aparecen 7 gatos fantasmas.

Sambo habla con el típico acento de paleto del sur mezclado con el típico acento de negro. El gato en cambio habla como un blanco.

El toque más racista lo da cuando saca unos dados el gato para atraerle, cosa que funciona. Aunque bueno, solo la blackface típica de Sambo fue motivo suficiente para que lo incluyeran en esta lista. Personalmente en este caso lo veo un poco desmedido, sigue un estereotipo, eso es cierto, pero no parece más insultante que el que vemos en otros cortos similares.

Goldilocks and the Jivin' Bears (02-09-1944)

Dirigida por Friz Freleng (Merrie Melodies).

3 osos viven en su casita, tocando Jazz para pasar el día. Pero tocan con demasiada intensidad y sus instrumentos están que arden así que se van a dar una vuelta por el bosque para que se enfríen. En otra casa vemos al lobo esperando en la cama a Caperucita Roja, pero le llega un telegrama diciendo que llegará tarde. Al asomarse a la ventana ve a Ricitos de Oro entrar en la casa de los osos así que decide ir a por ella y cuando esta persiguiéndola llegan los 3 osos y se ponen a tocar para que bailen. Lo cual acaba agotando al lobo quien al final decide salir por patas y volver a casa de la abuelita justo cuando llega Caperucita, pero en ese momento ya está demasiado cansado como para comérsela.

Parodia las historias de Ricitos de Oro y Caperucita Roja. Todos los personajes son negros, incluso los animales tienen la típica blackface. Es lo que hizo que censuraran este corto. El único estereotipo que he visto es que tocan y bailan música de Jazz, al estilo Jitterbug.

En este corto creo que tiene bastante sentido la censura, aunque realmente el giro que le da a las dos historias, combinándolas de forma ingeniosa, me ha parecido muy divertido. Y también cómo las cosas se vuelven en contra del lobo cuando lo tenia todo de cara.

Con el paso de los años se añadieron algunos títulos mas a la lista, aunque quería centrarme en estos por ser los originales. La prohibición no se limita solo a EE.UU., de hecho en teoría salvo los de dominio publico ninguno debería estar en circulación (cosa que como podéis comprobar no es así).

Es una lástima que algunos estén en baja calidad, pero bueno se aprecian bastante bien los detalles y, dentro de lo que cabe, se oyen bastante bien. Casi todos son musicales y salvo alguna excepción no creo que haya una mala intención a la hora de retratar a los negros, pero supongo que es muy subjetivo.

Durante la Segunda Guerra Mundial surgieron muchos cortos de animación que parodiaban a Hitler, a los nazis, a los japoneses (algunos protagonizados por personajes famosos como Popeye o Donald). Y muchos de ellos también han sido censurados con el paso del tiempo. Quizás otro día haga un especial sobre ellos.