Uncle Tom's Cabin (1927)

"La película de los dos millones de dólares", tal y como dice el cartel.

Estamos en el año 1856, en Kentucky. Los Shelbys son una familia que lleva allí desde la época de la revolución. Celebran la boda de Eliza y George. Uncle Tom es un esclavo de confianza de la familia que lleva 3 generaciones trabajando para ellos.

Basada en la novela "Uncle Tom's Cabin; or, Life Among the Lowly" de Harriet Beecher Stowe publicada en 1852.

Tuvo bastantes adaptaciones previas. Por orden, tenemos los cortometrajes "Uncle Tom's Cabin" (1903) de Siegmund Lubin, "Uncle Tom's Cabin" (1903) de Edwin S. Porter, "A Cabana do Pai Tomás" (1909), "Uncle Tom's Cabin" (1910) de  J. Stuart Blackton, "Uncle Tom's Cabin" (1910) de Barry O'Neil, "Uncle Tom's Cabin" (1913) de Otis Turner y "Uncle Tom's Cabin" (1913) de Kenean Buel y Sidney Olcott, además de las películas "Uncle Tom's Cabin" (1914), "Uncle Tom's Cabin" (1918) y "La capanna dello zio Tom" (1918).

Tiene sentido pues fue la novela más adaptada en la época del cine mudo.

Posteriormente también ha tenido más versiones, concretamente los cortometrajes "Uncle Tom and Little Eva" (1932) y "Uncle Tom's Cabaña" (1947), las películas "Topsy and Eva" (1927), "Onkel Toms Hütte" (1965) y "Uncle Tom's Cabin" (1987) y la serie "A Cabana do Pai Tomás" de 1969.

Dirigida y co-escrita por Harry A. Pollard.

Fue la última película en la que aparecieron Margarita Fischer (Eliza) y James B. Lowe (Uncle Tom).

Me ha costado un poco entender por qué dos blancos son esclavos y es que resulta que el marido es un indio. La mujer supongo que será hija de esclavos o de indios, pero ni idea, no explican gran cosa.

Es una historia de pura crueldad. Por una parte no dejan que el marido pueda ser comprado por el amo de la esposa y cuando tienen un hijo lo venden, con lo cual deciden huir en medio de una tormenta de nieve.

Entiendo hasta un cierto punto que un hombre desesperado sin dinero decida vender alguno de sus esclavos. No entiendo que el tipo que se los compra decida llevarse a uno que está ya muy mayor, aparte de haber sido fiel a la familia del primero durante mucho tiempo, y a un niño sólo por joder a sus padres.

Es otra película en la que sale Abraham Lincoln, lo cual tiene mucho sentido por la temática que toca. Vemos el inicio de la Guerra Civil estadounidense.

Me ha sorprendido el movimiento de cámara en la escena donde se muere Eva y la composición posterior de su "alma" viajando al cielo.

Lo malo de hacer que alguien tenga los dientes sucios en blanco y negro es que no se sabe a ciencia cierta el color que pretenden mostrar y podría ser, perfectamente, rojo con lo cual tendría la boca llena de sangre y queda realmente raro.

Podría dar la sensación de que tratan de lavar la imagen de algunos de los esclavistas, pero nada más lejos de la realidad. Todos son crueles en mayor o menor medida.

El final es bastante intenso, lleno de momentos donde no sabes qué puede suceder. Es quizás la parte que más me ha gustado.

Es una historia dura, pero dura. No sé si la he llegado a ver adaptada anteriormente, viendo los años de las otras versiones diría que no, pero vamos esta se mea en la cara del cine moderno en todos los sentidos.

Tarzan and the Golden Lion (1927)

Aquí la titulamos "Tarzán y el león dorado".

Estamos en una jungla de África. La tribu de los Wazari celebran la captura de un gran oso. Mientras tanto su jefe Tarzan está con Jab, el león. Jeb encuentra a John Gordon, un explorador que ha conseguido escapar de sus captores después de años, y Tarzan le da una paliza por intentar comérselo. Esteban Miranda trata de robar las riquezas de Tarzan.

Basada en la novena novela, de idéntico título, que fue publicada en 1923.

Es la sexta película sobre Tarzan tras "Tarzan of the Apes" (1918), "The Romance of Tarzan" (1918), "The Son of Tarzan" (1920), "The Revenge of Tarzan" (1920) y "Adventures of Tarzan" (1921).

Aunque es la primera (y única) protagonizada por James Pierce (Tarzan), anteriormente lo habían interpretado Elmo Lincoln y Gene Pollar. La razón del cambio fue que el autor Edgar Rice Burroughs convenció a Pierce para que abandonase "Wings" (1927) para protagonizar esta película, su papel cayó en Gary Cooper, quien se convirtió en una gran estrella.

Aunque el nombre más destacable en el reparto es el de Boris Karloff (Owaza). A estas alturas ya lleva casi una década haciendo cine, habiendo aparecido en 40 títulos, aunque en muchos de ellos no recibió crédito o eran papeles menores.

Por lo que tengo entendido sólo ha llegado una copia a nuestros días y está en francés. La recuperaron en los años 90, durante décadas se consideró perdida.

Usaron más de 1000 extras.

Jim Pierce tuvo un accidente automovilístico que hizo que se retrasara el rodaje durante un mes.

El león que aparece es real y le vemos junto al protagonista sin más. Es más, se comporta como un perro guardián, lo cual me parece un poco gracioso.

Aparecen también Jane, la esposa de Tarzan, y Betty, la hermana de él. En un momento dado estalla una guerra entre los Wazari y una tribu vecina. Ellas mientras tanto están disfrutando de la vida como si no pasara nada. Resulta un poco raro el contraste.

Por supuesto el malo es un villano en toda regla, no sólo secuestra a Betty sino que mata a uno de los chimpancés de la tribu de Tarzan. Y como es un argumento demasiado básico poco después es capturada por otra tribu que decide sacrificarla a su dios, dejando que se la coma su león sagrado, de ahí el título.

Se resuelve manera bastante sencilla la trama porque todos terminan juntándose en el templo y Tarzan y los suyos consiguen vencer fácilmente a todos, incluido el león "malo". Pero bueno, tampoco se le puede pedir más a una novena novela sobre el personaje.

El puño de hierro (1927)

Ya tocaba una en español.

Carlos Hernán es un joven que ha sido inyectado con morfina por pura curiosidad, el Buitre es quien se la ha proporcionado. Por culpa de la droga se pone a besar un burrito llamándolo como su pareja Laura, y ella se lo encuentra así. Tras atracar a un vehículo la banda del buitre tiene que huír y él consigue no ser atrapado. Posteriormente se une a la banda del Murciélago para vender drogas. Y Laura inetnta ayudar a Carlos acudiendo a un doctor, pero él está más interesado en conquistarla a cualquier precio.

La copia que he visto fue depositada en la UNAM en los años 60 y estaba editada, posiblemente por el propio director Gabriel García Moreno. Es la tercera restauración, fechada en el 2015, para la cual usaron la sinopsis argumental original para rellenar las partes de texto que faltaban.

Así de primeras puedo decir que tiene una calidad de imagen realmente buena.

Me acabo de percatar que el tema drogas es tocado en varios de los títulos que he visto últimamente, aunque de maneras muy diferentes.

En esta ocasión vemos a todo detalle como le inyecta la morfina en el brazo.

De hecho se acerca bastante a lo que podríamos llamar un documental sobre los efectos de las drogas basadas en la heroína. Aparece un médico que explica sus efectos no sólo en la persona que las consume sino en sus hijos y también qué usan para ayudarles.

La película termina con una escena que se encuentra perdida en la que un encapuchado le da un susto a una de las chicas, pero al final es todo una broma.

Tiene un ritmo un poco irregular, principalmente porque la parte del doctor y su lectura es bastante educativa pero dura demasiado. Y luego les cuesta un poco centrarse hasta que llegamos al momento cuando empiezan a vender drogas y demás.

Der Geisterzug (1927)

También conocida como "El tren fantasma".

Estamos en el puerto de Harwich. Los trabajadores cargan el tren con mercancías llegadas en barco. Un hombre es asesinado por ser curioso y creen que fue arrollado por un tren fantasma. Miss Burns va a una reunión para luchar contra el alcoholismo. Charles y Peggy van a celebrar su noche de bodas. Elsie y Bobby son otro matrimonio. Todos coincidirán en el mismo tren. También un tal Teddy, quien parece un poco tonto.

Está basada en la obra de teatro homónima de 1923. Posteriormente ha sido adaptada en títulos como "The Ghost Train" (1931), "Trenul fantoma" (1933), "Kísértetek vonata" (1933), "The Ghost Train" (1937), "De spooktrein" (1939), "The Ghost Train" (1941), "The Ghost Train" (1948), "Der Geisterzug" (1957), "Der Geisterzug" (1963) y "Spøgelsestoget" (1976).

La época muda estaba alcanzando su fin y aún así es un título que fue producido con textos en alemán, inglés y francés de manera simultánea. La razón es porque fue una de las primeras co-producciones germano-británicas. En Alemania fue prohibida para los jóvenes.

Hay un cambio entre la versión inglesa y la alemana. En la inglesa salen unos contrabandistas de alcohol que usan el tren para sus negocios, en la alemana son revolucionarios traficantes de armas.

Creo que hay más cambios porque al principio dice que Ilse Bois interpreta a Miss Burns en la versión alemana y en la inglesa es Miss Ophelia Bourne y Guy Newall en la alemana es Teddy Puffnut y en la inglesa Teddy Deakin.

El mensaje anti alcohol tiene bastante presencia.

El loro de Miss Burns habla y para ello hacen aparecer palabras en medio de la pantalla. En realidad me hace bastante gracia.

Aunque en esencia es una historia de carácter policial en realidad los personajes del tren son bastante cómicos, especialmente Miss Burns. Y he de decir que funciona muy bien, me está haciendo reír incluso.

Llevo un buen rato dándole vueltas a los trenes que aparecen porque desde un principio me han parecido maquetas, como la calidad de imagen no es demasiado buena me ha costado apreciarlo bien. En la escena en la que vemos un tren cayendo por un puente cortado creí que lo tendría más claro pero o bien hacen una composición realmente buena o es real.

Ben Izaacs era el conductor del tren que tuvo el accidente. Y es el fantasma que regresa en busca de nuevas víctimas.

En serio, lo de Ilse Bois es demasiado. Me hace reír de verdad. En un momento dado le dan alcohol porque se ha desmayado y dice "¿Whisky? yo nunca lo he bebido" (obviamente sí lo ha hecho cuando lo ha reconocido en seguida) pero es que el chiste va más allá cuando bebe por segunda vez y dice "¿Es Black & White o Johnny Walker?". Me meo.

Leyendo un poco veo que es la última película que hizo Ilse Bois porque se retiró para hacer cabaret. En total salió en una docena de películas y otros tantos cortometrajes entre 1912 y 1927.

De repente vemos un pequeño reproductor de discos animado en stop motion. Esto no me lo esperaba para nada. Jaja y poco después la borracha ve objetos a los que les salen piernas y se ponen a bailar.

En definitiva, la historia de un tren fantasma que al final resultó ser todo un complot criminal. Muy divertida y sorprendente.

Casanova (1927)

También conocida como "Prince of adventurers".

Estamos en el año 1760, en Venecia. La locura se adueña de las calles y Giacomo Casanova de Seingalt es el símbolo de la decadencia imperante. Estando con sus dos sirvientas recibe la visita de Menucci, el alguacil, quien le exige un pago. Él le muestra el poder que tiene un libro con la sabiduría de Salomón y el alguacil le exige que se lo de, pero Casanova le advierte que si se lo lleva sin su consentimiento le caerá una desgracia, con lo cual llegan a un acuerdo, el usurero le perdona la deuda a cambio del libro.

La copia que he visto es la restaurada en el año 2016 por la Cinémathèque francesa a partir de los negativos que conservan.

Arranca con una superposición de imágenes. Por una parte vemos un grupo de mujeres bailando y por otra fotografías de lugares emblemáticos de la ciudad de Venecia.

La comedia es omnipresente, pero está bien encajada con las diferentes situaciones que se dan. De hecho hace que la película sea muy amena.

Salen escenas (llamémoslas ensoñaciones) de demonios bailando que recuerdan mucho a "Häxan" (1922).

Jaja, no vemos desnudos pero sí están grabados. Usaron una especie de tela ligeramente transparente que cubría justo la parte de la imagen donde aparecen los cuerpos de las chicas, pero se ven sus piernas.

Casanova no sólo es un conquistador de mujeres, también defiende a las personas que sufren abusos y tiene un modo de ver la justicia muy particular.

La acción empieza en Venecia pero pasa por Austria y por Rusia.

Me acabo de percatar de que el maquillaje que llevan habitualmente los actores de la época muda en esta película está perfectamente justificado. De hecho vemos a Casanova mostrando a la emperatriz rusa como aplicar parte de dicho maquillaje.

La parte final de la película, la de la celebración del carnaval veneciano, tiene algunas imágenes coloreadas. Usan el método de ir pintando fotograma a fotograma y no demasiado bien.

Una de las cosas de las que se acusa al protagonista es de ser un libre pensador, bueno también de que ha usado la magia (lo cual implica que ha hecho un pacto con el diablo). Aún así la opinión popular está a su favor, aunque sólo unos pocos le ayudan.

Es un personaje de quien sabía bien poco, salvo las cosas más básicas. Sus vivencias han sido puestas en duda por algunos pero no sólo escribió un libro donde las relata también existe correspondencia de la época que apoya la veracidad de sus historias.

Амок (1927)

El título se traduce como "loco".

En un país donde la única ley es la del hombre blanco los esclavos son maltratados y castigados sin piedad. El único blanco al que no temen es el doctor pero es un adicto al opio. De repente recibe la visita de una mujer blanca que quiere abortar, lo cual es ilegal. Él le hace una proposición y ella la rechaza, huyendo. Desde ese momento él se dedicará a buscarla.

Tuvo tres remakes, uno francés en el año 1934, otro mexicano en 1944 y otro francés/portugués/alemán en 1993. Todos con el mismo título.

Es de la Unión Soviética pero fue grabada en Georgia. De hecho la compañía productora se llama ქართული ფილმი (Estudio de cine de Georgia). Es una de las productoras de cine más antiguas del mundo. En su página web dice que fue creada en 1918 con el nombre Sakhkinmretsvi (el cual cambió a "Tbilisi film Studio" en 1938 y luego a "Georgian Film" en 1953) y que las primeras producciones de cine georgianas datan de 1908.

No dicen qué país es pero aparecen esclavos que parecen de China y de la India. Los "hombres blancos" en cambio tienen pinta de ser ingleses.

Curioso, otra película de la época donde muestran los efectos que tiene el opio en los adictos.

Intentan emular los efectos de una tormenta, con sus relámpagos y demás, haciendo variaciones del brillo de la imagen. Está bastante logrado pero creo que abusan un poco de ello.

También es destacable que hay momentos donde hacen muchos cortes, muy rápidos. De hecho si no fuera una película de 1927 no sería especialmente notable pero me pregunto cómo pudieron hacerlos tan bien.

Uno de los efectos que usan varias veces es el de "fotograma derretido".

Tratan de evitar decir el país asiático en el que transcurre la acción, pero definitivamente es la India.

Es una historia trágica y ello conlleva un final un poco duro. Tampoco es que sea especialmente compleja. Hay partes en las que hay que intuir un poco lo que sucede a partir de las actuaciones, pero no porque sea incomprensible si no porque lo que he leído y lo que he visto no cuadra demasiado bien, se puede llegar a diferentes puntos de vista.

Pero bueno, tras verla me llama la atención la existencia de los remakes, me gustaría ver alguno en el futuro.

7th Heaven (1927)

Aquí la titulamos "El séptimo cielo".

Estamos en París, en una calle conocida como "el agujero en el calcetín". Allí trabajan Chico y Rat desatascando las cloacas. Mientras tanto en la superficie Diane es una prostituta a quien su hermana maltrata. De repente aparecen un tíos ricos que quieren acogerlas en su casa. A Diane la quieren mucho pero a Nana, su hermana mayor, no tanto. Les ponen como condición que no deben haber hecho nada malo y Diane les dice la verdad. El tío se enfada y les tira algo de dinero antes de marcharse. Nana entonces intenta matar a Diane y justo Chico la ve y la detiene. Entonces decide llevársela a su casa.

Basada en la obra de Broadway homónima estrenada en 1922.

Protagonizada por Charles Farrell (Chico Robas) y Janet Gaynor (Diane). Fue la primera de las 12 películas en las que coincidieron, en apenas 7 años. Las dos primeras fueron mudas y el resto ya pertenecen a la época sonora. Aparte ella ese mismo año hizo "Sunrise: A Song of Two Humans" (1927).

La película con más nominaciones en la primera entrega de los Oscar. Janet Gaynor ganó el premio a mejor actriz y mantuvo el récord de la mujer más joven en conseguirlo hasta 1986.

Fue estrenada como película muda pero posteriormente le agregaron una pista sonora sin diálogos. De hecho esa versión se estrenó un mes antes que "The Jazz Singer" (1927). Y curiosamente es la que poseo.

Es la película que hizo que la Fox pasase a ser un estudio de los grandes de Hollywood.

Los tíos son unos estirados de cuidado, pero vamos, aquello de dejar tiradas a dos de sus sobrinas porque "han hecho algo malo" (creo que es porque se han prostituido) es para darles con la mano abierta.

Aunque ahora que lo pienso sigue un poco la temática común en muchas películas de la época. Los ricos/nobles que son despreciables y el pobre/de clase obrera que consigue sobreponerse y salir adelante a base de honradez.

Nana es un ser realmente despreciable, normalmente diría que lo exageran mucho pero es que en este caso me recuerda demasiado a un villano de Disney. La actriz lo hace muy bien, bueno las dos actrices en realidad porque la hermana débil también recuerda a un personaje de Disney.

Construyeron un andamio de tres pisos de altura para poder grabar la escena en la que suben por las escaleras. Para ello pusieron la cámara en un ascensor y Usaron cuerdas y poleas para elevarlo. Usaron una parte en la que se ve la imagen un poco más oscura para crear la ilusión de que son más de 3 pisos.

Me encanta la idea de que el tipo que trabaja en las cloacas viva en un ático. Y la parte en la que el vecino le reconoce como tal porque se pone a trabajar limpiando las calles con una manguera, como él. Osea que hasta ese momento ni se hablaban, jaja.

Otra cosa que me hace mucha gracia es cómo él insiste en que ella sólo se quedará hasta que la policía verifique que están casados, luego se irá. Pero a la hora de la verdad no deja que se vaya, porque según él "no le molesta".

Como suele pasar en este tipo de películas la felicidad es fugaz pues siempre va seguida de algo que complica enormemente las cosas. Esta vez es la Primera Guerra Mundial. Y para rematarlo reaparece Nana, pero esta vez Diane le planta cara.

Vemos numerosas escenas de guerra y he de decir que ejemplifica muy bien lo que hicieron los franceses, pues fueron uno de los países con más bajas (más de un 70%).

Las escenas bélicas son realmente buenas, aunque también tienen sus breves momentos de comedia y de romance. Creo que las que más me han gustado son la de los taxis avanzando con los soldados y la carga con los lanzallamas.

El tipo de la fábrica de armas quiere acostarse con Diane, con la de mujeres que hay allí y decide ir a por una que está casada y no tiene ningún interés por él. Es un cabronazo de cuidado, de hecho quería quedarse con ella cuando le lleva la noticia de que Chico había muerto.

En fin, estaba claro que al final el ateo acabaría creyendo en dios. No puedo decir que sea algo que me guste, más que nada porque se ve venir, de lejos además. Aún así es una película que toca temas bastante duros y que no se hace para nada pesada. Me hubiera gustado que le dieran una vuelta más al tema de los tíos ricos y a la hermana, a quien no volvemos a ver después de que Diane la eche de su casa, pero no me quejo, con todo el tema de la guerra ya ocupan una buena porción de la historia.

Underworld (1927)

Aquí la titulamos "La ley del hampa".

"Bull" Weed es un tipo conocido en los bajos fondos. Entre sus actividades criminales está el robo de bancos durante la madrugada. Es un tipo muy fuerte y eso hace que nadie se meta con él. Mulligan es su enemigo, quien además ha jurado matarle, pero Bull es más rápido y le incrimina en un atraco a una joyería.

Dirigida por Josef von Sternberg, en la introducción dice que es considerada su primera película, lo cual no es cierto. Entre otras trabajó en "It" (1927), aunque no recibió crédito. Y lo realmente peculiar es que en realidad fue el segundo director porque Arthur Rosson fue despedido y reemplazado por él.

Del reparto destacan Larry Semon ("Slippy" Lewis) a quien vi en "The Wizard of Oz" (1925) y en "Kid Speed" (1924). George Bancroft ("Bull" Weed), salió en "Stagecoach" (1939) y en "Mr. Deeds Goes to Town" (1936). Y Clive Brook (Rolls Royce Wensel), el protagonista de "Sherlock Holmes" (1932), salió en "The Dictator" (1935).

Es considerada la primera película del género Noir. Y creo que es correcto decirlo así. Lo comento porque algunos la califican como la primera película de gangster, sin embargo el que se supone que es un gangster en realidad realiza sus "trabajitos" en solitario, osea no tiene una banda, así que técnicamente no lo es.

La Paramount esperaba que fuese un fracaso y por ello tuvo un estreno en unas pocas salas de Nueva York. De hecho el guionista, Ben Hecht, pidió que retirasen su nombre de los créditos. La película se hizo muy popular gracias al boca a boca y fue un exitazo, lo cual hizo que Hecht ganase el primero de sus dos Oscar.

No es el único guionista, destaca especialmente Howard Hawks quien se haría famoso por dirigir títulos como "Rio Bravo" (1959), "Gentlemen Prefer Blondes" (1953) o "Scarface" (1932).

Me encanta que todos tengan un apodo. Como "Rolls Royce" (también "professor"), "Feathers", "Bull" o "Slippy". He de decir que les pegan y mucho.

Para demostrar que son unos malotes se les ve bebiendo alcohol. Hay que tener en cuenta que esta película fue grabada cuando aún estaba activa la famosa Ley Seca (duró hasta 1933).

Creo que lo que más gracia me hace es la facilidad que tiene la gente para huir de un sitio donde está a punto de suceder un tiroteo, o un asesinato. En un bar no queda demasiado mal pero en la parte final cuando rodean el edificio y empieza a salir gente corriendo en pijama es para mearse.

Otra muy buena es el policía montado en moto que va disparando tal y como pasa frente a la fachada del edificio.

Me ha gustado, aún teniendo elementos muy típicos han sabido darle un toque a la historia al que no estoy acostumbrado. Por ejemplo que la chica del gagngster no se vaya con el hombre que la ama o que el rival muera a mitad.

The Unknown (1927)

Aquí la titulamos "Garras humanas".

Un circo gitano ha llegado a Madrid. Su artista principal se llama Alonzo y no tiene brazos. Su ayudante es Nanon, la hija del dueño, junto a él se siente segura porque no trata de manosearle, como el resto de hombres. Una noche ella ve a un hombre extraño matando a su padre, pero no se da cuenta de que es el propio Alonzo quien ha tenido engañado a todos.

Qué ganas tenía de ver otra película de Lon Chaney (Alonzo) dirigida por Tod Browning. Es una de las diez que hicieron juntos y, sinceramente, no sé si me quedan muchas por ver, pero esta en concreto es una de las más famosas.

En el reparto tenemos también a una jovencita Joan Crawford (Nanon), conocida por "What Ever Happened to Baby Jane?" (1962), la vi también en "Trog" (1970). Según narró fue esta película la que cambió su carrera pues gracias a Lon Chaney supo diferenciar entre estar frente a una cámara y actuar.

Durante muchos años sólo existía copias de baja calidad. En 1968 descubrieron una versión en Francia que creían que eran de películas desconocidas, porque estaba etiquetada como "l'inconnu" (lo desconocido). Aún así faltan unos 14 minutos de película que no influyen en la trama, mayormente son del principio donde se veía la carrera criminal de Alonzo.

En las primeras escenas vemos a Chaney sentado en una silla arrojando cuchillos con los pies mientras la base donde está va haciendo círculos dentro de la carpa. Obviamente hacen el típico truco de enseñar al actor por una parte y a la chica que recibe los cuchillos en otra, pero eso no es lo interesante. Hacen uso de una croma primitiva para que detrás del Chaney se vea al público.

Es curioso que aunque falte una escena tras la primera interacción con el fortachón (porque de repente Joan va vestida de manera diferente, está lloviendo y a su lado está Chaney, cuando justo estaba en su caravana a solas) el diálogo que sigue encaja perfectamente.

Y que falten las escenas donde vemos a Alonzo como un delincuente y, supongo, la razón por la que perdió los brazos en realidad es bueno porque así el personaje es más intrigante e incluso parece que sea bueno.

Por cierto, es otra película donde Chaney interpreta a un personaje con algún tipo de deformidad.

Lon Chaney no era tan hábil con los pies. En realidad los que se ven haciendo todo tipo de proezas como tocar la guitarra o fumando son de Paul Desmuke, quien no tenía brazos.

Aparecen unos guardia civiles y el uniforme que llevan es bastante interesante. Para empezar van con un sable y la versión antigua del tricornio.

La razón por la que Alonzo oculta sus manos es que tiene dos pulgares en una de ellas, lo cual le delata. Por ello decide someterse a una operación. Pero eso es lo que no entiendo pues decide cortarse el brazo a la altura del hombro cuando podría simplemente perder el dedo o como mucho la mano.

En realidad lo único que no entiendo es a qué viene el título. Ni siquiera el que le pusimos aquí tiene demasiado sentido.

The King of Kings (1927)

Aquí la titulamos "Rey de Reyes".

Estamos en Palestina, en la época en la que los judíos estaban bajo el yugo de Roma e incluso sus sacerdotes debían ser elegidos por un procurador romano. María Magdalena está preocupada por Judas quien anda con un carpintero de Judea vagabundeando. Pero al encontrar a Jesús le cura de sus pecados capitales y se vuelve otra de sus seguidores. Mientras tanto Caifas quiere acabar con él.

Dirigida por Cecil B. DeMille. Se considera la secuela de la también suya "The Ten Commandments" (1923). Aparte en el blog ya comenté otra película dirigida por el titulada "Male and Female" (1919).

La versión estrenada en cine duraba 155 minutos, durante mucho tiempo la versión que se podía ver fue la de 112. Por suerte en el año 2017 consiguieron hacer una restauración digital usando la copia íntegra del propio Cecil B. De Mille, combinada con otra del archivo de cine y televisión de la UCLA que conservaba las partes en Technicolor. Es la que poseo.

El director quería que sus dos protagonistas, H.B.Warner (Jesús) y Dorothy Cumming (María), se comprometieran a mantener una imagen "sagrada" durante un periodo de 5 años tras el estreno de la película. Para ello les hizo firmar un contrato según el cual no podían salir en películas donde sus personajes hicieran actos impuros como ir a ver partidos deportivos, jugar a cartas, ir a clubs nocturnos, nadar (me meo) y montar en coches descapotables.

Al terminar el rodaje cada día rezaban.

A H.B.Warner le llevaban al lugar de rodaje en un coche con los cristales tapados, tenía que usar un velo negro cuando se bajaba y comía solo. Fue tal la presión por interpretar a Jesús que hizo que volviera a caer en bebida.

En realidad el director quería a J.B. Warner como el protagonista pero para cuando empezó la producción murió de tuberculosis y el papel cayó en H.B. Warner. Aunque resulta peculiar la similitud en sus nombres y algunos afirmen que son hermanos de sangre la realidad es que J.B. se llamaba James B. Tobias y fue adoptado por la familia de H.B. (Henry B. Warner), adquiriendo su apellido.

Había leído que era una de las raras veces en las que María Magdalena no es una prostituta o adúltera. Lo cierto es que aunque aparece como una romana que disfrutaba dando fiestas y que tenía gran poder e influencia en la parte final la llaman "la prostituta de Magdala" (que es su ciudad origen, está en Israel).

Lo que sí me ha parecido curioso es que parece estar relacionada con Judas. Hay una teoría que dice que en realidad Judas se hizo pasar por Jesús tras su muerte en la cruz, porque era el único que entendía el mensaje verdadero que escondía ese hecho, y dado que María Magdalena fue la testigo de su "resurrección" su relación es lo que daría más sentido a la historia que ha llegado a nuestros días.

Ahora que lo pienso el hecho de llamar prostituta a María Magdalena no es porque ejerciera la prostitución sino porque iba con los discípulos de Jesús. Los que estaban en su contra la veían siempre rodeada de hombres y por ello, con toda probabilidad, empezaron a hablar mal de ella.

Me ha hecho gracia la escena en la que Judas trata de hacerse pasar por Jesús y "cura" a un chico que está ido... pero de repente le muerde el brazo.

Definitivamente el mejor milagro es el de la creación del primer zombie de la historia.

Está dividida en dos partes. La primera termina justo después de la última cena.

Una de las primeras escenas de la segunda parte no es en color pero sí tiene pintadas las llamas de las antorchas, y queda un poco mal.

En esta versión no tiene demasiado sentido lo del beso de Judas para indicar a los romanos quien es Jesús pues los que los encabezan le conocen. De hecho toda esa escena es un despropósito pues llevan un montón de hombres para apresarlo pero tienen miedo de enfrentarse a los 4 que le acompañan.

Evidentemente en estas producciones tan tempranas las crueldades tienen un límite y aunque vemos algunas gotitas de sangre y algunos arañazos en Jesús, están muy alejadas de la versión de "The Passion of the Christ" (2004). Sin embargo lo que me llama la atención es que el jefe de los guardias se apiade de Jesús y frene las torturas.

Cuando Califas habla con Pilatos insistiéndole en que deben crucificar a Jesús es una escena muy parecida a la del Rey Théoden con Gríma.

Mira, esto no lo sabía. "Calvario" es un lugar (también conocido como Gólgota), está situado fuera de las murallas de Jerusalén. Creo que nunca lo había entendido así, de hecho para mí era un sinónimo de sufrimiento. El origen del nombre es interesante pues procede de la palabra "calavera" en arameo, En realidad no se sabe la razón exacta de por qué ese era el "lugar de la calavera", algunas teorías apuntan a que había un cementerio cerca o que era un buen lugar para plantar la cruz y por ello habían calaveras de los que había muerto antes, incluso hay una que dice que es porque el lugar tenía forma de calavera. La más interesante, sin embargo, es la que dice que allí es donde se encontraba la calavera de Adán.

En cualquier caso e independientemente de cual sea la razón del nombre, en las representaciones de la crucifixión suele ponerse una calavera cerca de la cruz por ese motivo.

En la crucifixión tenemos a Jesús con sus dos manos clavadas, a un ladrón con una clavada y la otra atada y al otro con las dos manos atadas. No sé muy bien la razón.

A lo largo de la película salen unos pocos textos escritos en hebreo, aunque inmediatamente después los traducen al inglés. En la crucifixión sucede en el cartel que hay sobre la cabeza de Jesús, pero es que además está escrito también en griego y en latín.

En total tiene dos escenas en color. La primera es con la que arranca la película, la segunda sucede durante la resurrección, en la parte final. Y curiosamente en ambas sale María de Magdalena.

Estas dos últimas entradas me han hecho reflexionar que en 1927 hubo gente que vio como una posibilidad de futuro las películas no sólo con sonido sino a todo color, sin embargo aún tardarían bastantes años en poder hacerlas de una manera asequible y más aún en generalizarse. El hecho de que exista un avance tecnológico no implica que vaya a verse reflejado inmediatamente. Supongo que lo más parecido que ha sucedido recientemente son las películas en streaming. Hace 20 años eran prácticamente inviables a una calidad decente, hoy en día no paran de aumentarla (2k, 4k, 8k...).

The Jazz Singer (1927)

Aquí la titulamos "El cantor de Jazz".

El rabino Rabinowitz espera que su hijo Jakie se convierta en un Cantor de la sinagoga. Pero él prefiere cantar en locales de mala muerte. En uno de ellos le encuentra un amigo de su padre y corre a decírselo. El padre lo coge, lo lleva a su casa, le azota con su cinturón y Jakie huye de casa. Al cabo de unos años se hace llamar Jack Robin y es un cantante de Jazz.

Basada en la obra de teatro homónima estrenada en 1925 con un total de 303 pases.

Del reparto destacan May McAvoy (Mary Dale), a quien vimos en "Ben-Hur: A Tale of the Christ" (1925). Y Al Jolson (Jakie Rabinowitz) quien debutaba en el cine.

La gran pregunta que siempre surge al hablar de esta película es si se trata de la primera película sonora de la historia. Y la respuesta es no, de hecho no estaría ni entre las 10 primeras. Ya hablé hace tiempo del experimento de Dickson con el sonido en el año 1894, lo cual sí se podría considerar como el primer documento que combina sonido e imagen. Pero técnicamente tampoco sería la primera película pues cada cosa va por separado.

En los años 20 ya habían películas que incorporaban sonido al celuloide antes que esta pero era sólo sonidos de ambiente o efectos especiales. Lo que la diferencia del resto es que es la primera en la que hay al menos un frase hablada.

Lo que sí podemos afirmar es que es el primer musical de la historia. Hasta entonces lo más cercano había sido poner partituras o letras de canciones en la pantalla para que la gente supiera de qué estaban hablando.

Yo siempre había tenido la impresión de que fue a causa de esta película que se dio el salto al cine sonoro, pero era algo que llevaba fraguándose unos años y todavía tardó un poco en ser el estándar en los cines.

La palabra Cantor se refiere a quien canta durante las ceremonias judías.

Un detalle importante, no toda la película es sonora, de hecho buena parte de ella sigue manteniendo los típicos carteles del cine mudo.

La película empieza con una introducción musical de unos 5 minutos de duración. Es algo que veríamos en grandes títulos de Hollywood durante bastante tiempo.

Efectivamente la música acompaña las escenas en las que alguien toca un instrumento o canta. Pero el sonido no está grabado in situ, se nota mucho de hecho.

En toda la película oímos tres voces, la de Jack y la de sus padres.

Es una película icónica y como tal resulta muy interesante. Aunque la primera frase que dice el protagonista es la más famosa en realidad la escena más relevante es la de la madre llegando al teatro y luego él llorando sobre el escenario mientras canta.

En fin, aún quedan unos pocos títulos de la época muda, pasemos al siguiente.

Long Pants (1927)

Aquí la titulamos "Sus primeros pantalones"-

Harry se dedica a leer novelas románticas clásicas y echa a volar su imaginación. Su padre le ha comprado unos pantalones largos pero a su madre no le parece bien porque llevando pantalones cortos no se mete en líos. Tras ponérselos se encuentra con una traficante de cocaína llamada Bebe Blair y trata de conquistarla haciendo el tonto con su bici, ella se lo toma a risa y al irse sin querer se le cae una carta donde alguien se le declaraba a ella y le pedía matrimonio. Harry la recoge y cree que es de ella para él.

Protagonizada por Harry Langdon (Harry Shelby). SU carrera consistió principalmente en cortometrajes, aunque fue de los actores que supo adaptarse de la época muda a la sonora. Tuvo la suerte de conocer a un joven Frank Capra con quien realizó títulos como el que nos ocupa, pero tras este acabaron a malas y cuando intentó realizar una película por cuenta propia la cosa salió tan mal que marcó para siempre su carrera, la cual terminó abocada en películas de baja calidad.

Como digo fue dirigida por Frank Capra. Es su segunda película en dicho rol, aunque había realizado algunos cortometrajes previamente. En el blog ya hay un par de títulos suyos, concretamente "Lost Horizont" (1937), "Meet John Doe" (1941) y "Arsenic and Old Lace" (1943), me gustaría ver más en el futuro.

Del resto del reparto destaca Alma Bennett (Bebe Blair), salió también en "The Lost World" (1925).

Originalmente tuvo una escena grabada en Technicolor con el método de las dos cintas pero no ha llegado ninguna copia a nuestros días que la conserve. Se cree que duraba menos de un minuto.

La productora es First National Pictures. Fue fundada en 1917 y duró hasta 1936 aunque fue comprada por Warner Bros en 1928. En ella trabajaron gente de renombre como Mary Pickford y Charles Chaplin (aunque él contaba también con su propia productora, de nombre Charles Chaplin Corporation).

Me llama la atención que llamen "nieve" a la cocaína. Su consumo fue declarado ilegal en 1914. Qué poco cambian algunas cosas.

Los padres pretenden que se case con una chica de la zona llamada Priscilla, y de hecho organizan la boda, pero Harry se obceca en Bebe porque le besó el día que la conoció. Es una situación bastante rara.

Para algunos la parte más perturbadora es cuando Harry intenta matar a su prometida Priscilla. Intentan camuflarlo como comedia pero el tipo va con un revólver en el bolsillo tratando de encontrar el momento adecuado. De hecho el motivo por el que no lo hace, aparte de su extrema torpeza, es que ve un cartel que pone "no disparar en esta zona". Se ve que matar está bien pero disparar donde no se debe no.

Otra de las cosas que no han cambiado es la pasión que sienten los estadounidenses por las armas. La tal Priscilla se encuentra el revólver y decide usar un periódico como blanco sin pensárselo dos veces.

No vemos la "pelea de gatas" entre Bebe y la mujer con la que le engañó su marido. Nos muestran cómo están a punto de empezar y el resultado final. Supongo que era demasiado para la época.

La comedia es el punto fuerte de la película y está claro que Harry Langdon se esfuerza pero no está a la altura de otros actores de la época, en mi opinión. Se repite bastante y alarga algunas escenas sin necesidad.