Vynález zkázy (1958)

También conocida como "Invention for Destruction".

Un malvado millonario llamado Artigas planea utilizar un dispositivo superexplosivo para conquistar el mundo desde su cuartel general ubicado en el interior de un enorme volcán.

La trama está vagamente basada en una novela menos conocida de Julio Verne titulada "Face au Drapeau", publicada en 1896.

La animación y el diseño de producción pretenden evocar las ilustraciones grabadas en madera de las novelas originales de Julio Verne.

Utiliza un proceso denominado "mysti-mation" que influiría en muchos cineastas y animadores posteriores, como por ejemplo en Terry Gilliam.

El primer plano de los grandes cañones del crucero enviado a buscar el barco del conde se inspiró en una toma similar del acorazado Potemkin en la película "Bronenosets Potyomkin" (1925).

La trama me recuerda al Dr.Evil de "Austin Powers: The Spy Who Shagged Me" (1999).

Veamos, no es de "animación". Más bien usan partes animadas sobre actores reales, y tampoco lo hacen todo el tiempo. Eso sí, es fascinante verlo, no creo haber visto ninguna otra película que use estas técnicas.

Me ha hecho gracia la parte de los dos buzos recogiendo los tesoros del barco que acaban de hundir, de repente sacan sus espadas y se ponen a pelear, como si estuvieran entrenando.

Oh, y aparece un tiburón y se enfrenta a un buzo, eso no me lo esperaba para nada. Lo volvemos a ver brevemente cuando rescatan a la chica.

Por cierto, dejan a la deriva, o se ahogan, todos los de la tripulación del barco al que atacan (sin provocación ni nada, simplemente lo hunden) pero en cuanto escuchan la voz de una mujer pidiendo ayuda (iba en ese mismo barco) se matan para ir a salvarla. Es demencial.

En esencia, el profesor quiere construir un reactor nuclear. O más bien un proto-reactor nuclear. Están también diseñando aviones que recuerdan a los dispositivos voladores de Da Vinci.

No podía faltar el toque surrealista, son una serie de cortometrajes animados de los diferentes inventos/avances.

No acabo de ver la necesidad de tener secuestrado al ayudante del profesor (que viene a ser el protagonista), podrían simplemente no haberlo capturado o incluso asesinado (no parece ser un gran problema). Los dolores de cabeza que les provoca son del todo innecesarios, aparte que el profesor y él no están en contacto en ningún momento, no es como si lo usaran para obligarle trabajar.

Casi podría decirse lo mismo de la chica. Tras su rescate su función es lavar, planchar y cocinar. Claro que no parece haber otra chica.

En todo caso, lo más fascinante es como combinan imágenes submarinas reales con animadas, los decorados con efecto de dibujo, los constantes peligros, la forma un tanto naïf de solucionar la comunicación entre la civilización y los prisioneros y cómo reaccionan inmediatamente al peligro.

Y lo realmente peculiar es que no deja de ser una película de submarinos.

Me he quedado alucinado con el final. Es un poco lo que esperaba, pero a la vez no creía que sucedería.

Estoy por recomendarla. Os romperá un poco los esquemas.

Shirley Temple's Storybook (1958)

Hagamos un salto temporal, a algo que acabo de encontrar.

El general Nikidik quiere apoderarse de Oz, así que acude a Mombi y le pide que transforme a la querida princesa Ozma en una estatua de mármol. Mombi, en cambio, la convierte en un niño, Tip, para que sea su sirviente, sin ningún recuerdo de su vida anterior.

Tiene una duración de 50 minutos.

Una de las constantes de mi blog es que siempre que hago un especial encuentro más títulos relacionados con el mismo. Podríais pensar que es por falta de preparación, pero es que esto es un tema tan amplio que fácilmente se me escapan. Normalmente lo que sucede es que estoy leyendo sobre el título que me toca y encuentro más, en este caso di con 7 u 8 más del tirón gracias a una página dedicada a Oz, con lo cual este especial será un pelín más largo de lo que había anticipado. Tampoco es algo que me moleste, la verdad, ya puestos.

Y este es el único de los que se han agregado que es anterior a los años 90, lo cual creo que es genial, pues quiere decir que he cubierto bastante bien todo el siglo XX.

Es el primer capítulo de la segunda temporada, titulado "The Land of Oz".

Protagonizado por Shirley Temple (Princess Ozma/Tip). La leyenda dice que perdió el papel contra Judy Garland en la versión de 1939, a pesar de que hubiera encajado perfectamente en él. Imagino que esto es una manera de compensarlo.

Destacan también Agnes Moorehead (Mombi), conocida por la serie "Bewitched" y por "Citizen Kane" (1941). Y Jonathan Winters (General Nikidik), un actor cómico bastante conocido que le puso la voz a Papá Pitufo en varias de sus versiones, le vimos en "Oh Dad, Poor Dad, Mamma's Hung You in the Closet and I'm Feelin' So Sad" (1967).

Es una rara adaptación pues revela que Ozma y Tip son la misma persona al principio de la historia. Es algo que había sucedido en la obra teatral musical "The Woggle-Bug" de 1905. Y los ejércitos que se enfrentan son hombres, cuando deberían ser mujeres.

Shirley aparece en la presentación, con un vestido rosa.

Es todo muy, pero muy, teatral. Exageran todo, incluso la música enfatiza el perfil de cada personaje demasiado intensamente.

Para hacer el efecto de cabalgar en el caballo de madera usan tanto un croma como un fondo "infinito". Por cierto, la voz del caballo la pone Mel Blanc.

El diseño del Espantapájaros está basado en el de la versión de 1939. Aparece más o menos a mitad. Está interpretado por Ben Blue (The Scarecrow), conocido por "It's a Mad, Mad, Mad, Mad World" (1963) y "The Russians Are Coming the Russians Are Coming" (1966).

Poco después aparece el Hombre de Hojalata. Está también basado en el de la versión de 1939.

La historia es la misma, no tiene mucho misterio. Al terminar Shirley nos da las gracias por verla.

Personalmente creo que es una lástima que esta historia no fuera más conocida en los años 50, pues esta serie ni siquiera la había oído mencionar hasta ahora, no sé si llegó a España, pero no creo que tuviera un gran impacto. Creo que hubiera sido interesante verla antes de "Return to Oz" (1985), pues guardan muchas similitudes.

Con esto remato el siglo XX en cuanto a producciones de Oz. Sigamos.

Tales Of Frankenstein (1958)

Un pequeño cambio de última hora, llevo días intentando volver a ver películas pero estoy un poco agobiado.

Estamos en la mansión del Barón Frankenstein, quien ha dado como orden a los criados que nadie duerma en ella, sin importar las inclemencias climatológicas, pues está trabajando en revivir su monstruo. Al hacerlo le ataca y se ve forzado a darle una descarga para detenerlo. Paul Helpert y su esposa van a la mansión en busca de su ayuda porque él está muy enfermo.

Tiene una duración de 28 minutos.

Quería ponerme a ver varios episodios pilotos y buscando el de otra serie descubrí este. En pocas palabras fue un piloto fallido que posteriormente ha sido bastante bien valorado, e incluso considerado como un cortometraje.

Se trata de una coproducción de la productora británica Hammer Films y la estadounidense Columbia Pictures.

El episodio en sí tuvo como título "The face in the tombstone mirror".

En el arranque vemos algunas imágenes de "Dracula" (1931).

No sé muy bien por qué fue cancelada, pero imagino que el hecho de ser en blanco y negro no sería un factor pues es de finales de los años 50, el color aún tardaría un poco en ser común en las televisiones.

Me fascina que planteasen hacer una serie usando uno de los monstruos "de moda" de aquel momento (la Hammer los estaba reviviendo en el cine). Es algo que sucedería posteriormente con Freddy Krueger, por ejemplo.

Es interesante ver al doctor trabajando solo en su laboratorio. Aparte que no está en el típico castillo.

Por el título creí que serían historias de terror narradas por el propio Barón, pero no, por lo que se ve en este episodio la idea era hacer una especie de serie dramática en torno a él y las personas con las que interactúa, mientras intenta terminar su creación en secreto.

La arrogancia del doctor al decir que "si existiera el secreto detrás de la vida y la muerte la profesión médica lo conocería". No todos los científicos son altruistas ni tienen intención de compartir sus descubrimientos.

Cabría pensar que a estas alturas ya tendría algún tipo de acuerdo con el enterrador, para poder conseguir las partes de los cuerpos que ha ido usando en el monstruo, sin embargo da la impresión de ser la primera vez que el doctor le paga para que deje el ataúd abierto hasta el día siguiente.

De hecho el enterrador es realmente torpe pues se emborracha cuando debería haber terminado el trabajo y por eso le pillan. Claro que lo peor es que confiesa que fue cosa del barón con demasiada facilidad.

Considerando la corta duración que tiene me parece algo que debería haber tenido continuidad. Consiguen condensar la trama de toda una película, incluido su final, en menos de media hora. Y no he tenido la impresión de que fuera un producto de demasiada baja calidad, está muy bien. Lástima que no hicieran más.

The Vikings (1958)

Hora de volver ver el clásico de vikingos más famoso.

Estamos en siglo IX en Europa. Los vikingos quieren conquistar Inglaterra usando sus barcos. En sus ataques matan al rey Edwin y Aella asciende al poder, a pesar de no ser un descendiente. Pero la reina Enid quedó embarazada tras su encuentro con Ragnar. Su bebé será enviado a Italia. 20 años más tarde el rey Aella se compromete con la princesa de Gales, Morgana. Mientras tanto Lord Egbert ha hecho un pacto con los vikingos pero el rey le descubre y decide volver con ellos a sus tierras.

Alguna vez he mencionado que justo antes de empezar este blog, a finales del 2009, vi un montón de películas y que poco a poco las voy incorporando al mismo. Bien, pues esta es una de ellas. Por esa razón siempre pensé que tenía su entrada y la dejé pasar en más de una ocasión.

Dirigida por Richard Fleischer, el mismo que hizo títulos como "Soylent Green" (1973), "20,000 Leagues Under the Sea" (1954) y "Red Sonja" (1985).

En el reparto tenemos a Kirk Douglas (Einar), Tony Curtis (Eric), Ernest Borgnine (Ragnar) y Janet Leigh (Morgana).

La grabación tuvo cabo en Kvinnherad, Noruega. Muchos de los extras eran gente del lugar.

Los tres barcos vikingos están recreados fielmente a partir de unos que tenían en un museo de Noruega. El problema es que los actores eran más altos que los personajes que interpretan y tuvieron que acondicionarles los remos.

La historia, en cambio, es ficción aunque tiene algunos paralelismos con lo que sucedió en la vida real.

Douglas hizo un "concurso" con los demás actores para ver quien se dejaba la mejor barba, cuando se presentaron con barbas espesas descubrieron que él se había afeitado.

La lentilla que usaba para el ojo ciego era muy dolorosa y sólo podía usarla por períodos breves de tiempo.

Existe una película similar titulada "The Long Ships" (1964), de hecho hay gente que las confunde.

Según esta película las mujeres vikingas eran tratadas como esclavas de sus maridos, en esencia, si a ellos les daba por acusarlas de adulterio, aunque no fuese cierto, ellas no tenían opción e incluso podían llegar a morir por ello.

Cuando el barco de Morgana ve al de los vikingos me recuerda a cuando los piratas se cruzaban con Astérix y Obélix en el mar.

Creo que lo que mejor retrata esta película son las maneras de pasárselo bien que tenían los vikingos. Juegos simples e "inocentes" pero donde todo el mundo se lo pasaba bien. El 90% del tiempo que están en su pueblo están bebiendo y partiéndose el culo.

Estaba pensando que en realidad Ragnar tuvo muy buen ojo con el traidor, deberían haberlo matado cuando acudió a ellos para que le sacasen de Inglaterra.

Una de las cosas que hacen mal es el tema del idioma, todos hablan inglés.

Definitivamente los vikingos jamás decidirían no vengar la muerte de su rey porque quieren lamentar su pérdida, eso no hay por donde cogerlo. De hecho lo que sí harían es un plan de ataque inesperado y dejarían temblando a los ingleses.

Me acabo de fijar que otro topicazo es que de los pocos esclavos que vemos, al menos que sepamos que lo sean, uno de ellos es negro (que encima es mudo, pero creo que es porque le cortaron la lengua) y curiosamente en ningún momento corre peligro su vida.

Lo menos creíble de esta historia es que un esclavo sea tan bueno con la espada como un vikingo, y no uno cualquiera, el hijo de uno de los líderes (no dicen qué cargo ocupa Ragnar, intuyo que Jarl).

En fin, la idea es que en esta película Tony Curtis mata a Kirk Douglas y en "Spartacus" (1960) se la devuelve.

A pesar de todos los problemas que tiene fue la mejor película sobre vikingos durante bastantes años. Y es que aunque se toma demasiadas libertades creativas respecto a la historia real al menos consigue reflejar ciertos aspectos de la cultura vikinga, siendo quizás el mejor de todos el funeral vikingo del final.

The Old Man and the Sea (1958)

Aquí la titulamos "El viejo y el mar".

Estamos en La Habana. Un hombre viejo llamado Santiago lleva 84 días sin conseguir pescar. Un niño llamado Manolín le ayudaba al principio pero sus padres le dijeron que estaba gafado y que debía dejarle solo, aún así le ayuda cuando regresa cada día de no pescar nada. El día 85 un pez enorme pica en uno de sus anzuelos y se dedica a pelear con él.

Basada en la novela de Ernest Hemingway, publicada en 1952. Estuvo involucrado en la producción, fue el encargado de buscar un pez espada real para una escena, para ello se fue hasta Perú, pero al final usaron uno falso. Tras ver la película se sintió un poco decepcionado y aparte dijo que no le parecía que Spencer Tracy encajase demasiado bien en el papel de un pescador cubano. Aparte hace un cameo, aparece en la parte final llevando una gorra hablando con otros pescadores.

Originalmente fue Humphrey Bogart quien quería adaptar la historia y en 1952 trató de adquirir los derechos. De haberlo logrado la hubiera protagonizado con Nicholas Ray como director.

Anthony Quinn dijo que el director John Sturges le prefería a él para ser el protagonista. Fueron Jack Warner y Leland Hayward quienes insistieron en traer a Spencer Tracy porque era más famoso. Eventualmente Quinn lograría el papel en la versión para televisión "The Old Man and the Sea" (1990).

Y hablando del director, originalmente era Fred Zinnemann pero se retiró y lo reemplazaron por John Sturges.

Es considerada una de las primeras películas en usar la técnica de croma azul inventada por Arthur Widmer en la que se combinaban a los actores en un estudio con un fondo filmado previamente.

El nivel de pobreza del protagonista es tal que ni siquiera se lleva comida cuando se va de pesca, sólo una botella de agua.

Según el narrador el viejo dice "la mar" y no "el mar" con lo cual el título no es demasiado correcto en español.

Me ha hecho gracia la frase "qué maravillosos animales son los delfines si están bien cocinados y qué mal saben si están crudos".

Por algún motivo creo que no hubiera sido lo mismo con Bogart, la manera tan calmada de ser de Spencer Tracy le pega mucho al personaje. Con Anthony Quinn hubiera funcionado también.

Me fascina que la lucha con el pez sea la mayor parte de la historia y eso quiere decir que lo que más vemos es el viejo en su barca en el mar salpicado por algunas escenas de flashback y sueños. Es un combate cuya intensidad va en aumento y lo más increíble son los medios con los que cuenta: una barca sencilla, un sedal con un anzuelo y sus manos desnudas.

El primer tiburón aparece pasada una hora, se trata de un mako. Primero vemos su aleta sobre la superficie y luego el animal real nadando bajo el agua. Se siente atraído por la presa que acaba de capturar el viejo. Por ello el viejo saca su arpón y se lo clava tras haberle dado una dentellada a su pez. El tiburón escapa pero la sangre atraerá más.

Lo más lógico en el caso de los tiburones hubiera sido atacar al primero pues estaba malherido y sería una presa fácil. Pero vamos, aparecen un montón y son todo escenas reales de los animales intentando comer y siendo heridos uno detrás de otro.

De hecho diría que es la película clásica en la que aparecen más tiburones reales. Y eso es precisamente lo que ando buscando. Ha resultado ser de lo más satisfactorio.

Es una película bastante parsimoniosa con una trama sencilla pero precisamente ahí radica su grandeza. Personalmente juraría haberla visto hace muchos años, pero apenas la recordaba, por eso al volver a verla ha sido como si fuera la primera vez.

El ataúd del vampiro (1958)

Más colmillitos afilados.

Unos ladrones de tumbas entran en un cementerio y abren el ataúd del Conde Karol de Lavud, ignorando la advertencia que hay en su lápida. A pesar de que les descubren terminan huyendo con él a cuestas. Mientras tanto Marta trabaja con el doctor pero está a punto de regresar a casa.

Me acabo de fijar en la cantidad de películas de vampiros que hicieron en México en los años 50 y 60. Me imagino que fue porque la versión en español que se rodó simultáneamente a la de Lugosi en los años 30 tendría bastante éxito (para algunos es incluso la mejor versión).

Repiten casi todos los actores principales de la anterior película.

La historia esta vez es que el médico de la primera le contó a otro compañero suyo lo del vampiro y este segundo decidió robar el cadáver para hacer experimentos y así poder explicar a los vampiros desde la ciencia. Y paralelamente el tipo que ayudó al médico a robar el ataúd se ha vuelto demasiado codicioso y despierta al vampiro al quitarle la estaca.

La trama parece sencilla, así que para darle un poco más de amplitud nos hacen un recorrido por un museo de cera, lleno de objetos de tortura, figuras de asesinos y una guillotina. Nada fuera de lo normal.

No acabo de entender por qué el doctor decide hablar con el director del centro y asumir la culpa de todo lo sucedido cuando ni ha robado el ataúd ni ha despertado al vampiro. Y encima trata de ocultarlo a Marta.

El vampiro muestra un nuevo poder, se hace invisible a voluntad. Al principio pensé que simplemente se convertía en murciélago y se ocultaba, pero no, le vemos semi-traslúcido en un momento dado.

Me gustó más la primera película. En esta tratan de agregar subtramas para hacer que la historia tenga algo de chicha, pero podrían haber optado por hacer que el vampiro atacase a más víctimas para hacerlo un poco más ameno, por ejemplo.

Y el enfrentamiento final es un poco ridículo.

Creo que no tuvo más secuelas, pero curiosamente la siguiente película también va de la misma temática. Pasemos a ella.

隠し砦の三悪人 (1958)

Volvamos a Japón.

En plena guerra de clanes los Yamana ofrecen una recompensa por la captura de la princesa Yuki de los Akizuki. Matashichi y Tahei son dos campesinos que quieren regresar a casa cuando se topan con un par de piezas de oro. De repente descubren a un hombre que les sigue y eventualmente se une a ellos. Y tras encontrar una fortaleza oculta ven a una mujer, la cual al final resulta ser la princesa.

Otra película de Akira Kurosawa con su actor favorito como protagonista, Toshirô Mifune (General Rokurota Makabe).

He esperado demasiado para verla, pero es que he tenido problemitas tras perder un montón de títulos y ahora voy recomponiendo poco a poco la colección. En fin, más vale tarde que nunca.

Según George Lucas no fue la película en la que se inspiró para la historia de una princesa y sus protectores que vimos en "Star Wars" (1977). A él le interesó que la historia estaba contada a través de los ojos de dos personajes menores, refiriéndose a C3PO y R2-D2.

Sin embargo es considerada un remake situado en el espacio, aunque en los primeros borradores del guion se parecían mucho más.

La escena en la que Makabe persigue a caballo a dos tipos hasta darles caza es impresionante de veras. Pero la que sigue, la del duelo, esa no me la esperaba para nada. Lo que más me gusta de esa parte es cómo los tipos que les rodean (que no son pocos) reaccionan a los movimientos de ambos, porque temen morir por estar en el lugar equivocado.

Tiene algunos momentos cómicos, protagonizados principalmente por la pareja de campesinos. Pero en realidad su situación es más bien de supervivencia casual, no paran de meterse en líos donde podrían ser asesinados fácilmente y aún así siempre consiguen salir ilesos.

Por otra parte el dramatismo de algunas partes me ha llamado la atención, como cuando descubrimos que Makabe sacrificó a su hermana por el bien de la princesa o la parte en la que ella misma interviene para salvar a una chica.

Históricamente hablando no tiene ninguna base. De los tres clanes que protagonizan la historia uno no existe y los otros dos pertenecen a periodos muy diferentes.

Creo que lo más triste de la historia es como a pesar de haber sido los que les dan la idea para poder salir del peligro y de la enorme ayuda que prestan Makabe tiene intención de matar a los dos campesinos.

Me encanta la relación de los dos campesinos de principio a fin. De hecho tal y como termina podría haber dado pie a una secuela donde viven más aventuras al límite de la muerte.

En fin, una gran película, sin duda. Para algunos es la más "ligera" de Kurosawa, supongo que tienen razón aunque he notado que en los otros títulos que he visto suyos le gusta incorporar personajes y momentos que suavizan el dramatismo, en la medida justa.

Dwaj ludzie z szafą (1958)

El título se traduce como "Dos hombres y un armario".

Dos hombres sacan un armario del mar y se ponen a bailar. Pero al llegar a la ciudad, cargados, no les dejan subir al tranvía con el armario. Siguen su camino cuando ven a una chica pero al verles cargados se marcha. Luego intentan entrar en un restaurante, pero les echan fuera, así que van a un muelle donde comen sentados sobre el susodicho armario. Tampoco les dejan entrar en un hotel. Reciben una paliza. Se recuperan en un lugar lleno de barriles de madera, donde reciben otra paliza. Y al final regresan al mar.

Tiene una duración de 15 minutos.

Es considerado como el primer cortometraje hecho por un estudiante de cine, Roman Polanski, que fue lanzado comercialmente.

En realidad tiene mucho mérito el plano frontal donde vemos el espejo del armario reflejando la espalda de uno de los dos hombres. No es un ángulo nada fácil y el simple hecho de que el director pensase que sería mejor para que así no se viera el equipo de grabación dice mucho de Polanski.

Me parece curioso que vuelva a aparecer una banda de malotes, como en "Rozbijemy zabawę..." (1957), su anterior cortometraje. Uno de ellos es el propio Polanski.

Por cierto, es en blanco y negro y sólo oímos música de fondo.

En realidad me cuesta entender el humor, de hecho me parece todo muy dramático, a pesar de que los protagonistas se lo tomen todo más o menos bien.

Maigret tend un piège (1958)

También conocida como "Maigret".

Un asesino anda suelto por París y la policía es incapaz de detenerlo. Por ello deciden acudir al inspector Maigret, un detective de gran éxito.

Llegamos a un título que me tiene muy intrigado desde hace unas semanas. De repente descubrí que Rowan Atkinson había hecho 4 películas en muy poco tiempo interpretando a Maigret, un detective. Eso me hizo ponerme a investigar y resulta que sus novelas han sido adaptadas en varias ocasiones tanto en series como en películas, y para mí era un completo desconocido, así que antes de ponerme con las versiones modernas quise echar un ojo a alguna de las anteriores y esta ha sido la que más fácilmente he encontrado.

El personaje en sí ha tenido 75 novelas publicadas entre 1931 y 1972 aparte de unas cuantas historias cortas. Se han hecho 5 series para televisión sobre el personaje, en países como Gran Bretaña, Italia o Francia.

Sus primeras películas fueron francesas, empezando con “La nuit du carrefour” (1932) y siguiendo con “Le Chien jaune” (1932), “La tête d'un homme” (1933), “Picpus” (1943), “Cécile est morte!” (1944) y “Les caves du Majestic” (1945). Después vino la estadounidense “The Man on the Eiffel Tower” (1950) y posteriormente la que nos ocupa, tras ella hicieron cuatro más. Es un tema del que no tenía ni idea y cogí una al azar creyendo que sería la primera adaptación.

La táctica para atrapar al asesino empieza por usar a un cabeza de chivo para obligarle a dar un paso en falso y quizás descubrirse por orgullo. Además de usar a un montón de mujeres para atraerle.

El método que usa para atrapar al asesino no tiene nada de especial, aunque es efectivo. Dicho lo cual no he visto demasiadas cosas en Maigret que lo haga especialmente bueno a la hora de resolver un caso salvo su tenacidad.

Desde luego no conozco al personaje lo suficiente como para hacerme una idea de su metodología pero por lo visto en esta película parece un tipo muy tranquilo que sabe qué hacer en cada situación.

La película en sí no está mal, lo único que no me ha gustado es la falta de variedad en los sospechosos, de hecho reducen el círculo muy rápido desde el momento en que encuentran el cuchillo que dejó tirado el asesino.

I Married a Monster from Outer Space (1958)

Aquí la titulamos "Me casé con un monstruo del espacio exterior".

Un hombre que está a punto de casarse es secuestrado por un alienígena cuando regresaba a casa y toma su lugar. Su nueva esposa empieza a notar un extraño comportamiento en él pero lo aduce al hecho de estar recién casados.

Pocas cosas disfruto más que las películas de ciencia ficción estadounidenses de la década de los 50. No sabría decir cuántas he visto pero parece que sea un tema sin fin porque siempre encuentro más y más, muchas veces sin ni siquiera buscarlas.

Para el efecto de las abducciones usan un humo que "absorbe" a las víctimas. Concretamente lo hacen superponiendo la imagen sobre la original, el problema es que no acaba de estar bien integrada.

Luego el alienígena está como "en fase", desincronizado con nosotros. El efecto no está muy mal hecho.

Estos alienígenas discretos no son. Se ve que tienen un problema con los animales domésticos ya que los matan en cuanto tienen ocasión. Luego van TAN camuflados que no son capaces de reconocerse entre ellos una vez adquieren apariencia humana, lo cual no tiene ningún sentido pues se supone que están en una misión de grupo.

Pero vamos, la peor parte de la película son algunos diálogos que necesitan ser pulidos bastante.

En el apartado positivo tenemos una escena de un policía matando fríamente a un hombre inocente de un disparo. Vale que es un alienígena poseyendo al policía pero no me parece algo demasiado frecuente en el cine de los años 50.

A pesar de todo veo ciertas influencias en películas posteriores como "My Stepmother Is an Alien" (1988), aunque esta tiene un tono bastante más serio.

Corridors of Blood (1958)

Aquí la titulamos "Pasillos de sangre".

Estamos en Londres, en 1840, antes del descubrimiento de la anestesia. Un prestigioso cirujano se percata de que las operaciones dejan en shock a sus pacientes y por ello trabaja en un compuesto químico con el que poder ayudarles.

Otra película de Boris Karloff (Dr.Bolton) con Christopher Lee (Resurrection Joe). Ambos coincidieron también en "Curse of the Crimson Altar" (1968) y en la serie "Colonel March of Scotland Yard".

Menudas carnicerías montaban los médicos en aquella época, aparte que la filosofía "sin dolor no hay cura" tiene tela.

Me ha costado pillar la conexión entre la banda de Black Ben y los cadáveres del médico rival del protagonista. Al final queda en evidencia, pero vamos, tampoco es que hayan demasiadas conexiones entre ellos.

Un papel impecable el de Karloff. Me gusta especialmente como retrata a un hombre que va cayendo poco a poco en una adicción sin darse cuenta.

Por otra parte me ha costado reconocer a Lee al principio, está tan joven. Aparte que tiene una cicatriz en la cara.

Lo más realista es la manera tan absurda en la que se oponen el resto de colegas al hecho de que se pueda realizar una operación usando algún tipo de sustancia para calmar el dolor al paciente. Los avances científicos y médicos suelen tener este tipo de reacciones.

Me ha gustado mucho, aunque a decir verdad no recuerdo una sola película de Karloff que no lo haya hecho.

Vertigo (1958)

Entrada 4500:

Topamos con un número de entrada bastante notable así que es hora de hacer una pequeña parada con un título especial. Y para variar me ha pillado por sorpresa, de hecho ha sido pura casualidad que lo viese (porque ahora blogger pone el número de entradas en otro sitio).

En cualquier caso he de decir que llevo un mes muy tranquilo a base de cortometrajes, esos grandes olvidados de mi blog. Hasta el momento los había publicado de forma puntual y bastante espaciada pero decidí hacer un recorrido por todos los que tenía guardados (de hecho tengo muchos más si me pongo a rebuscar, pero de momento es más que suficiente). He de decir que estoy cerca del final y tengo reservada una pequeña sorpresa para rematar el tema.

Tanto es así que estoy planteándome hacer un listado aparte de cortometrajes para vaciar un poco el de películas que ya es de por sí eterno.

Me ha costado mucho elegir un título esta vez porque no tenía en mente que ya tocaba un especial. Es una de esas películas que he visto muy pocas veces para lo mucho que me gustan.

Vertigo (1958)

Aquí decidimos usar el nada sutil título "De entre los muertos". En realidad es el título de la novela en la que está basada.

Estamos en San Francisco. John "Scottie" Ferguson es un policía que padece vértigo tras una situación traumática. Un amigo le pide que siga a su mujer y él se muestra reticente al principio pero lo hace.

Dirigida por Alfred Hitchcock, una de sus películas más famosas.

Protagonizada por James Stewart (John "Scottie" Ferguson), conocido por "The Man Who Knew Too Much" (1956), "Rear Window" (1954) y "Mr. Smith Goes To Washington" (1939). Y Kim Novak (Madeleine Elster / Judy Barton), repitió con Hitchcock en un episodio de la serie "Alfred Hitchcock Presents".

El póster guarda similitudes con el de "Anatomy of a Murder" (1959) debido a que ambos fueron creados por Saul Bass.

En su momento fue un fracaso en taquilla. El director le echó la culpa a James Stewart por parecer tan viejo y nunca volvieron a trabajar juntos. También dijo que Kim Novak no era la actriz adecuada para el papel, él quería a Vera Miles pero se quedó embarazada.

Los títulos de inicio están creados por ordenador, lo cual la convierte en la primera película en usar CGI. Maravilloso.

Es la película culpable de que se asocie el vértigo al miedo a las alturas. En realidad son los mareos que te dan, el miedo en sí se llama acrofobia. Aunque en la película emplean perfectamente ambos términos.

Es la película famosa por el efecto de zoom conocido como "contra-zoom". Básicamente el objeto en el centro de la imagen está fijo y lo que hay a su alrededor se aleja (o acerca si es invertido como en "Jaws" (1975), película que también lo popularizó). La toma costó 19.000 dólares y dura 2 segundos.

Fue creado por Irmin Roberts aunque a Hitchcock se le ocurrió durante un desmayo que tuvo en una fiesta y tenía intención de usarlo en "Rebecca" (1940) pero la tecnología de aquel momento no permitía hacerlo.

Hay una cierta discusión sobre qué película fue la primera en usarlo ya que en "Hobson's Choice" (1954) aparece un zoom similar.

Y hablando de similitudes, se la compara con "Más allá del olvido" (1956), una película argentina, y hay una explicación a por qué se parecen. Ambas tienen en común la novela belga "Bruges-la-Morte" de 1893. La argentina la adapta directamente y la de Hitchcock usó otra novela, la francesa "D'Entre Les Morts" de 1954, en la que usaron la primera novela como base argumental.

Mencionan el "skid row", es un término que nunca me había molestado en buscar (a pesar del grupo) que significa barrios bajos o un lugar habitado por borrachos y vagabundos. También se puede interpretar como "pasar por una mala situación" según el uso.

En el clásico cameo de Hitchcock le vemos llevar un maletín que contiene una máscara de "doctor de la plaga". Sucede a los 11 minutos, va andando por el astillero y se cruza con el protagonista.

La escena en la que Madeleine mira un retrato en el Palacio de la Legión de Honor costó una semana rodarla. Esto es debido a que Alfred Hitchcock quería conseguir captarla con la luz adecuada.

El protagonista decide seguir a la chica e ir indagando sobre los lugares que visita y las cosas que hace. Tengo la impresión de que se hubiera ahorrado buena parte de todo ese trabajo si se hubiera sentado a hablar con ella.

Cuando Madeleine describe los caballos que recuerda en el establo describe a uno como "bay". La traducción más correcta sería caballo castaño.

Alfred Hitchcock hizo dos pases previos porque no tenía claro si poner la parte del flashback o no. En el que no lo puso la respuesta fue "es la peor película de su carrera", en el que sí lo puso "es la mejor". De ahí que tengamos una escena de flashback.

Lo cierto es que la caracterización de Kim Novak es tan asombrosa que resulta realmente difícil reconocerla. O al menos a mí me ha costado mucho porque no es una cara a la que estoy habituado ya que apenas conozco sus películas. Por ello creo entender bastante bien la reacción de los que vieron las versiones previas sin el flashback.

No recordaba su final y me ha pillado un poco por sorpresa. Es una película intachable que no había valorado como se merece. También es verdad que la vi hace muchos años y que ha cambiado bastante mi manera de ver las películas, en general.