The Big Parade (1925)

Aquí la titulamos "La gran desfilada".

Estamos en Abril de 1917, "Slim" Jensen es tan sólo uno de tantos trabajadores estadounidenses que ayudaba a levantar una nación. Mientras tanto otro trabaja en un bar y Jim, el hijo de un rico, decide seguir sin hacer nada de provecho. De repente estalla la Primera Guerra Mundial y el país necesita jóvenes que se alisten. Allí es donde se conocerán los tres.

Dirigida por King Vidor. Es uno de los directores de la época muda cuya filmografía tenía más ganas de explorar. Diría que no he visto ninguna de sus películas hasta el momento aunque estuvo involucrado en la dirección de "The Wizard of Oz" (1939), concretamente en las escenas que transcurren en Kansas.

El ejército estadounidense colaboró en el rodaje, más concretamente la Segunda División de la Armada.

Es fascinante lo mucho que se parece a "Wings" (1927) en sus compases iniciales. El rico enamorado de una chica que le incita a ir a la guerra. El pobre que se ve casi obligado a hacerlo.

Por cierto, recomiendo mucho esta película por la increíble calidad con la que nos ha llegado, es realmente impresionante lo nítida que se ve. De hecho he podido apreciar los problemas que tenían las cámaras de aquel entonces con los enfoques en momentos puntuales.

Nos saltamos la parte de la instrucción para pasar directamente a la acción con la llegada de los soldados estadounidenses a un pequeño pueblo francés.

Me llama la atención la cantidad de canciones que cantan los soldados pues siendo una película muda pierden mucho. Todas tienen un toque gracioso en sus letras y, probablemente, se trata siempre de la misma melodía.

La escena en la que Jim le enseña a comer chicle a la chica francesa fue improvisada. Es bastante realista pues una chica de un pueblecito francés nunca habría visto un chicle antes y para el soldado americano sería de lo más normal. Además equilibra bastante bien la comedia y el romanticismo que poco a poco va creciendo entre ambos.

De hecho a pesar de que están en guerra no llegamos a ver acción bélica hasta pasada casi una hora y media de película. Aunque he de decir que es realmente espectacular ver la cantidad de soldados, camiones, aviones y demás que despliegan.

La escena en la que avanzan por el bosque con la bayoneta calada, pasando junto a un montón de cadáveres desperdigados y cuando alcanzan a los soldados enemigos estos se rinden me parece que está grabada de una manera muy sobria, De hecho casi parecen robots. Es como si dieran por sentado que son invencibles por el hecho de ser más (cosa que no tengo excesivamente clara si fue así).

En todo caso la cantidad de muertes que muestran es mayor de la que anticipaba por el tono suave que había tenido la película hasta ese momento. De hecho empezaba a pensar que aquello de romantizar la idea de la guerra se lo habían tomado de manera literal.

Tras la mejor escena de la parte de la guerra, la que transcurre en la noche, aparece un vehículo de la Cruz Roja cuya cruz está realmente pintada de color rojo. Es la única vez en la que sucede algo así.

El mensaje es claramente antibélico, aquello de "hacemos un desfile cuando nos vamos y otro al regresar, acatar órdenes no sirve para nada". De ahí el título de la película.

Me ha parecido excepcional. Plasma las crueldades de la guerra de una manera directa al igual que sus consecuencias y lo inútil que resulta. Un mensaje que he visto repetido en numerosas ocasiones desde diferentes puntos de vista y que siempre suena igual.

Maciste all'inferno (1925)

Otra película de este musculoso personaje.

Los enviados de Plutón, también conocidos como los genios del mal,  llegan a la tierra y se disfrazan como seres humanos para pasar desapercibidos. Maciste es el hombre más fuerte tanto física como espiritualmente. Uno de los genios se encuentra con él y se le encara haciendo gala de sus poderes, ante lo cual Maciste se da cuenta que ha de ser el demonio. El demonio entonces le ofrece cualquier cosa para que se una a él, porque sabe que es el único que puede vencerle.

Una más de las numerosas películas que se hicieron sobre Maciste tras "Maciste" (1915). Dudo que haya alguna continuidad entre ellas, de hecho me da la impresión de que serán historias sueltas en torno a una temática, siendo la que nos ocupa el infierno, obviamente.

Lo de los "enviados de Plutón" viene a raíz es conocido también como "el planeta de los demonios". Esto es debido a que a partir de las primeras imágenes se confeccionó una lista de nombres que se referían a demonios y dioses oscuros de la antigüedad. De hecho Plutón es el dios romano del inframundo.

Lo de los "genios del mal" se refiere en concreto a Lucifer y proviene de una estatua del ángel caído de 1848 cuyo nombre es "le génie du mal". De hecho recuerdo una anécdota curiosa de dicha estatua. En realidad encargaron el trabajo a Joseph Geefs y la nombró "L'ange du mal", pero la iglesia la rechazó porque la consideraba demasiado insinuante así que su hermano Guillaume hizo la otra... que era más insinuante aún.

La historia da un giro prontamente hacia un drama sobre una mujer que perdió a su hijo y el demonio se la quiere llevar al infierno. Mientras tanto Maciste trata de encontrar a un príncipe para que le pida disculpas a una mujer, diría que es la misma. La cosa es que tengo la impresión de que todo esto viene de una película anterior.

Una vez llega Maciste al infierno un montón de demonios le atacan (las hordas) y hacen gala de todo tipo de efectos especiales como por ejemplo a uno le cortan la cabeza y se la vuelve a colocar o a otro le clavan una especie de horca de dos puntas y echa fuego por la boca. Aparte de muchos maquillajes de diversa índole para que tengan apariencia demoníaca.

La regla es: "todo hombre que pase 3 días en el infierno quedará encerrado para siempre, salvo que sea besado por una demonia".

Citan a Dante. En realidad buena parte del diseño del infierno está claramente inspirado en "La divina comedia". Es más, estoy convencido de que buena parte de la inspiración visual proviene de "L'inferno" (1911).

En un momento dado Maciste se convierte en demonio lo cual le dota de todavía más fuerza. Es un espectáculo ver como se enfrenta a los demonios que le atacan en masa.

Definitivamente no es como me la esperaba, incluso incluye un pequeño giro en la parte final. Aunque, como mencioné al principio, es un personaje del que hicieron un montón de películas y cuesta mucho saber si están disponibles y aunque así fuese dudo mucho que las viera todas, ni siquiera me plantearía ver la mayoría de ellas. Pero alguna de vez en cuando me resulta estimulante.

Lightnin' (1925)

Volvemos a Hollywood.

Lightin' Bill Jones trabaja en el hotel Calivada con su esposa y Millie, su hija adoptiva. La señora Jones ha llegado a un acuerdo para venderlo y así poder retirarse. John Marvin es un abogado amigo del marido quien quiere asegurarse de que no firmen nada porque cree que es un timo. Para complicar un poco más las cosas Millie está enamorada de él.

Dirigida por John Ford. Como ya mencioné en otra entrada sus películas de la época muda están casi todas perdidas, así que esto es algo un poco especial. Por cierto tuvo un remake sonoro titulado "Lightnin'" (1930), no puedo decir que me sorprenda aunque fue dirigido por Henry King.

Lo primero que me llama la atención es que no dicen el nombre de la esposa, simplemente pone Mrs. Bill Jones. El marido la llama "madre".

El nombre del hotel es porque esta justo en la frontera de los estados de California y nevada.

He tenido que buscarlo porque no estaba del todo seguro. La ley seca de EEUU empezó en 1920 y duró hasta 1933. Siempre había creído que había empezado más tarde. No fue algo que surgiese de un día para otro, de hecho llevaba gestándose desde antes de la Primera Guerra Mundial.

Uno de los mejores es Chester, el perrito que le trae las botellas de alcohol cada vez que la esposa se las tira. Es la mar de gracioso.

Otro detalle gracioso es la parte en la que aparece el juez y vemos una fotografía con su nombre y luego a él posando de idéntica manera frente a ella. Me pregunto si fue la inspiración de "Airplane!" (1980).

La estafa consiste en que compran tierras a cambio de participaciones de bolsa de una compañía que en realidad no valen nada y luego venden dichas tierras a la ferroviaria que construirá el futuro tren, a sabiendas de antemano por donde quieren que pase. En realidad en aquella época debía ser realmente difícil tener toda esa información si vivías en un pueblecito perdido.

Lo que no acabo de comprender es por qué el abogado y Bill no le explican a la esposa qué están urdiendo los estafadores para que así no firme.

En 1916 EEUU era el país con más divorcios del mundo y en la década de los 20 hubo un aumento notable, con lo cual tiene mucho sentido que formen parte de la trama. Y de hecho Nevada era el estado donde era más accesible, sólo requería que el solicitante estuviera habitando allí durante 6 meses (en 1927 lo rebajaron a 3 y en 1931 a 6 semanas).

Eso explica lo útil que era el hotel para las mujeres que querían el divorcio. Su en California recibían el correo y demás, pero su residencia legal (en trámites, supongo) estaba en Nevada y no tenían más que cruzar un salón para pasar de un estado al otro.

Bill dice que fue detective, ladrón, cuidador de abejas y abogado cuando era más joven. Lo más probable es que todo sean mentiras y que lo único cierto es que es un alcohólico empedernido.

En todo caso es una película que juega con un tono dramático quizás un poco exagerado (lo digo más que nada porque hablándolo un poco se hubiera solucionado todo prontamente) pero también que posee numerosos momentos cómicos, Lo cual hace que sea lo suficientemente entretenida sin resultar pesada en ningún momento.

Ingmarsarvet (1925)

El título se traduce como "El legado de Ingmar".

La muerte de Eljas abre el camino para que Halfvor pueda casarse con Karin. Por otra parte Hellgum quiere reunir a 150 hombres y mujeres para ir hacia Jerusalén. Ingmar, el hijo de Karin y Eljas, no quiere abandonar Suecia.

Se trata de la adaptación de una novela de la autora sueca Selma Lagerlöf, famosa por ser la primera mujer en obtener el premio Nobel de literatura, fue en el año 1909.

Volvemos al cine sueco de la mano de Gustaf Molander. Es un autor que fue especialmente prolífico entre la década de los 20 y la de los 40. Personalmente apenas conozco su obra, de hecho diría que esta es la primera película que veo dirigida por él.

En realidad es una tercera parte. Las dos primeras se titulan "Ingmarssönerna" (1919) y "Karin Ingmarsdotter" (1920). Además tuvo una cuarta película de nombre "Till österland" (1926). Carezco de todas ellas, aunque quizás me anime a ver alguna más adelante. Ignoraba que no fuese la primera parte hasta que la he visto, no hay ningún indicativo de que se necesiten ver las otras películas, aunque quizás expliquen mejor el trasfondo de algunos de los personajes.

En el reparto destaca Conrad Veidt (Hellgum), un actor que estuvo involucrado en multitud de títulos en Europa en la época muda aunque curiosamente uno de sus títulos más famosos fue estadounidense, "The Man Who Laughs" (1928).

La primera curiosidad es que existen copias íntegras pero difieren en cuanto a duración. No acabo de entender muy bien la razón.

Me hace gracia como se asustan a los aldeanos quienes incluso llegan a ver imágenes fantasmagóricas y a la hora de la verdad no es más que una tormenta.

Veo que la estética fue una influencia importante de la película "The Ring" (2002). Aparece una mujer vestida y peinada igual que la madre de Samara. Eso y los tonos sepia hacen que se vea casi idéntica que la famosa cinta.

Resulta fascinante el papel de Conrad Veidt. De hecho encaja tan bien en la comunidad de suecos que resulta difícil creer que no forme parte de ella.

En realidad me he perdido en algunas partes porque la he visto en VO, aunque no he tenido demasiado problema a la hora de seguir el argumento en general. Lo único que no me cuadra es esa obsesión con irse a Jerusalén (desde Suecia, insisto), no sé hasta qué punto lo explican en la película pero me da la impresión de que la idea surge en las dos anteriores partes.

Como dato final, tuvo un remake titulado "Jerusalem" (1996). Aunque técnicamente adapta la misma novela así que en realidad debería llamarla re-adaptación.

Les oeufs de Pâques (1907)

El título se traduce como "Los huevos de Pascua".

Una mujer hace aparecer mágicamente unos huevos y de ellos salen unos bailarines pequeñitos. De los dos últimos huevos aparece una plataforma giratoria con un montón de bailarines. Tras ello desaparece la mesa y la chica vuelve a hacer aparecer una serie de huevos que se convierten en unos bebés los cuales también hace desvanecer.

Dirigida por Segundo de Chomón. La protagoniza Julienne Mathieu, quien era su esposa.

Intento entender un poco las críticas que leo buscando el trasfondo y es que en esta ocasión se dividen entre los que elogian a Chomón por su excelente labor y quienes le ponen de plagiador de Georges Méliès.

El problema que veo con esa acusación es que a principios del siglo XX el cine estaba naciendo y las ideas que tenía un autor trataba de copiarlas e incluso mejorarlas otro y hasta donde yo sabía esto es lo que sucedía entre Méliès y Edison, siempre creí que no había ningún conflicto con Chomón, pero se ve que sí.

La realidad es que Chomón empezó siendo un colaborador de Méliès, incluso su esposa se dedicaba a colorear los negativos para él. Posteriormente Pathé Frères le contrató para hacerle la competencia y de ahí surge la idea de la rivalidad.

El principal argumento del plagio es que los bailarines que aprecen de los huevos parecen basados en el cortometraje "La danseuse microscopique" (1902) de Méliès.

Lo primero que me ha gustado es la manera en la que está coloreada la película. Usa un patrón fijo pero dado que la cámara no se mueve en realidad no es problemático. De hecho queda bastante bien.

Usa las técnicas de aparición de objetos "mágicamente" (con el típico truco de que la actriz se queda parada en una posición, paran de grabar, le dan el objeto y vuelven a grabar), lo peculiar esta vez es la cantidad de veces que lo hacen. También la doble exposición para poner a los bailarines sobre la mesa rara.

No entendía por qué hay cortes cada vez que la chica coge con el huevo a los bailarines y en una de las veces lo he visto. La doble exposición tiene una pequeña transición en la que el bailarín se queda semitransparente sobre el huevo y queda mal. Lo que no tengo claro es si la edición fue hecha en su momento o posteriormente porque no tiene sentido que haya una vez que no la hayan cambiado.

Como suele pasar hay mucho más detrás de lo que vemos y en esta ocasión no sabría decir hasta qué punto se podría considerar plagio pues es gracias a copiar las técnicas de otros como conseguían dar un paso más allá, interpretándolas cada uno a su manera.

Martyrs Chrétiens (1905)

El título se traduce como "Mártires cristianos".

Se trata de cuatro escenas bíblicas:

En el primer segmento vemos a un gladiador enfrentándose a un león pero da más bien la impresión de que sea un domador.

En el segundo un cristiano es crucificado frente al César y un león llega y se lo come.

El tercero trata sobre la historia conocida como "Daniel en el foso de los leones". Destaca la aparición de un ángel.

Y el cuarto adapta "El banquete de Baltasar".

Dirigida por Lucien Nonguet. El mismo que hizo "Quo Vadis?" (1901), "Guillaume Tell" (1903) y "Don Quichotte" (1903), entre muchas otras más.

Los dos primeros segmentos en realidad se consideran uno. Es la persecución de los cristianos en el año 66. No es algo sacado de la biblia per se aunque tenga similitudes con el Libro de Daniel.

Baltasar es también conocido como Belsasar. Su segmento trata sobre un banquete que llevó a la caída de Babilonia al profanar los vasos sagrados de oro y plata del Templo de Salomón, los cuales habían sido llevados allí por Nabucodonosor II, su predecesor. Esa misma noche tras un mensaje divino escrito por la mano de Dios, Babilonia fue invadida y Baltasar fue asesinado.

La mano de dios en este último segmento escribe מנא, מנא, תקל, ופרסין (Mene, Mene, Tequel, Ufarsin), lo cual se traduce como:

- Mene: "Ha contado Dios tu reino y le ha puesto fin".

- Tequel: "Has sido pesado en la balanza y hallado falto de peso".

- Ufarsin: "Ha sido roto tu reino y dado a los medos y persas".

El segmento más conocido es el del mártir crucificado pues usaron a un hombre real al principio, luego lo cambiaron por un muñeco y cuando el león está devorando la carne volvieron a poner a un señor real.

Me ha gustado mucho la recreación de los lugares donde tiene lugar la acción, y especialmente la parte de la arena del coliseo donde se ve incluso una cuadriga derribada.

The Flying Train (1902)

Aunque tenga un título tan peculiar en realidad se trata de un documental de un tren que va colgado a cierta altura situado en Barmen y Elbefeld, Alemania.

Su nombre en alemán es Wuppertaler Schwebebahn. Es un proyecto que surgió en 1824, idea de Henry Robinson Palmer. En esencia era un ferrocarril suspendido con un solo riel y los coches iban tirados a caballos. Fue Friedrich Harkort a quien se le ocurrió usarlo para transportar carbón en Elberfeld y construyó un tramo de demostración en 1826. Intentaron llevar el proyecto a cabo seguidamente pero hubo unas protestas y se retrasó hasta 1887. La construcción comenzó en 1898 y pasó a ser operativo en 1901.

El documental fue grabado un año más tarde. Posteriormente sucedieron más cosas, pero no quiero explayarme demasiado.

El vídeo pertenece al MoMa (Museo de Arte moderno de Nueva York). Y es de una calidad excelente. De hecho si me dijeran que fue grabada hoy en día casi que me lo creería.

Resulta increíble la proeza técnica que supone esta construcción para la época en que fue hecha, no es sólo un riel, son dos y aunque no llegamos a ver demasiado en el recorrido que graban al menos hay una parada y se cruzan con un par de vehículos en dirección contraria.

Por otra parte las calles parecen bastante vacías. Se ve gente pero no demasiada. Se nota que debe ser un momento del día en que la mayoría estarán trabajando en las fábricas.

Resulta fascinante ver algo así. De hecho me han entrado ganas de viajar al lugar para ver cómo es hoy en día.

Edward Raymond Turner (1902)

De nuevo se trata de otra colección de cortometrajes.

Agnes May Turner on a Swing (1902)

Una niña se columpia.

Es la hija del autor.

Alfred Raymond Turner, Agnes May Turner and Wilfred Sidney Turner (1902)

Tres niños están sentados en una mesa mirando a un pez en su pecera mientras agitan unas flores de colores. Existe otro vídeo en el que aparece sólo la pecera pero por algún motivo no lo listan en ninguna parte.

El título deja bastante claras sus identidades. Fue grabada el mismo día, probablemente, que el anterior pues Agnes va vestida igual.

Boy with Red Ensign and Girl on a Swing (1902)

Una niña se columpia junto a un niño que la mira, quien está sujetando una bandera.

La bandera que lleva es, efectivamente, de color rojo.

Panning Shot from Brighton Pier to Seafront (1902)

Vemos el muelle de Brighton.

Lo realmente impresionante es que movió la cámara para grabar el muelle entero y llegamos a ver las calles de detrás con gente.

Knights Bridge, London, Looking East Towards Hyde Park Corner (1902)

Una calle de Londres muy transitada.

Esta vez la cámara está fija. De nuevo hay otro vídeo más que está más o menos relacionado en el que se ven a unos soldados y tampoco está listado.

Scarlet Macaw on Perch (1902)

Un loro se da la vuelta en su percha.

Hablemos de Edward Raymond Turner. Es considerado el primero en conseguir grabar una secuencia animada de imágenes en color. En 1899 logró fabricar el aparato capaz de realizar dicha proeza pero por desgracia falleció de un ataque al corazón en 1903.

Su nombre ganó relevancia a partir del 2012 cuando se encontró una de las cintas que grabó, hasta ese momento la película más antigua en color de la que se tenía constancia era de 1909.

Hay que hacer notar que existían películas coloreadas desde el año 1897 pero no es lo mismo que una película grabada a color.

El problema del sistema de Turner es que era mecánicamente poco práctico y posteriormente consiguieron desarrollar un sistema de dos colores llamado Kinemacolor que fue usado entre 1908 y 1912. En 1922 apareció otro sistema de dos colores conocido como Technicolor, el cual se volvió bastante popular en la década de los 20. En 1932 cambiaron el proceso y consiguieron dar mejores resultados dividiendo los colores en 3, es el que se usó en Hollywood hasta mediados de los 50.

Me he vuelto un poco loco tratando de recabar información y al final no me ha quedado clara la cantidad de vídeos que son pero diría que los he visto todos. Son de muy poca duración, eso sí, y salvo el del muelle en todos está la cámara fija.

Lo que más me ha sorprendido es la viveza de los colores. Es importante hacer notar que se trata de los colores reales y no de algo tintado posteriormente. De hecho el proceso de restauración deja mucho que desear aunque es porque tuvieron que unir 3 imágenes que filtraban la gama de colores y resulta algo complicado, aún así creo que se podría hacer mucho mejor.

Cortometrajes de los Lumière (1895-1899)

Pasemos a una serie de 6 cortos grabados por los hermanos Lumière con los niños como protagonistas.

La petite fille et son chat (1899)

Una niña está alimentado a su gato con sardinas, jugueteando con él.

Se trata de Madeleine Koehler.

Premiers pas de bébé (1896)

Una bebé camina mientra la niñera la acompaña, al final se cae y se vuelve a levantar.

Sé que este no es el título correcto pero no consigo dar con él. Será algo muy parecido.

La pêche aux poissons rouges (1895)

Otra niña mete su mano en una pecera mientras su padre la sujeta.

Son Auguste Lumière y su hija Andrée.

Petit frère et petite soeur (1897)

Dos niños dan vueltas a modo de baile y dan saltitos, también se caen y se levantan.

Son los hermanos Madeleine y Marcel Koehler.

Enfants pêchant des crevettes (1896)

Un grupo de niños está en la arena de la playa con redes de pesca tratando de conseguir almejas mientras los adultos les miran.

Es quizás el mejor corto de esta colección pues aparece bastante gente paseando por la orilla. Incluso unos van en una carreta tirada por caballos.

Le goûter des bébés (1897)

Tres niños están sentados en la mesa y comen uvas.

En este aparece Suzanne Lumière junto con los hermanos Madeleine y Marcel Koehler.

Lo primero, he visto la versión restaurada a 4k y coloreada. También les han agregado sonido ambiente para darles más vida. Y sí, se nota la calidad de la imagen, especialmente en el corto del gato y en el de playa. Sin embargo no considero que el color esté demasiado logrado.

Los detalles más interesantes son, en mi opinión, la manera tan exagerada en la que vestían a sus hijos a finales del siglo XIX la gente pudiente. Es obvio, especialmente en el corto de la playa, que se trata de gente adinerada ya que incluso podían permitirse tener una niñera, como la que sale en el segundo cortometraje.

En todo caso sigo pensando que aún queda mucho trabajo para hacer de estos procesos de restauración algo que de un resultado realmente bueno. Es mejor que ver las versiones que circulan en las páginas de dominio público, eso sí.

Seinfeld (1989-1998)

Cuando la empezaron a emitir en España la estuve medio siguiendo, viendo capítulos sueltos, pero nunca me acabó de enganchar como para sentarme a verla del tirón. Y si ahora estoy empezando a verla de manera ordenada es por entender mejor los personajes y cómo se relacionan, aparte de que sé que hay episodios realmente buenos que en su día me perdí.

Pero en realidad no espero demasiado de esta serie. No tiene historia per se, cada episodio trata sobre un tema que es de lo más normal pero tiene un toque peculiar, los personajes entran y salen aportando su granito de arena y lo más peculiar creo que será ver cómo de diferentes eran las cosas en los 90. Aunque es básicamente lo mismo que pasa con las otras series de dicha década.

No voy a analizar cada episodio porque me podría morir escribiendo. Pero comentaré las cosas más interesantes.

Temporada 1 (1989-1990)

Está compuesta por tan solo 5 episodios, cosa realmente rara. Por lo que sé fueron grabados del tirón y esperaron a ver si resultaba un éxito para grabar más.

Para empezar tenemos el piloto. En él no aparece Elaine Benes (Julia Louis-Dreyfus), ya que se incorporará a la serie en el segundo episodio (cosa que no sabía). Pero sí salen George Constanza (Jason Alexander) y Cosmo Kramer (Michael Richards), dos de las piezas clave de la serie.

En el primer episodio nos marcan las pautas por las que se regirá toda la serie. Pequeños monólogos de Jerry Seinfeld (él mismo) interrumpirán la acción incorporando a ellos lo que le va sucediendo en su vida, haciendo que el público se pueda identificar con ellos, pero dándoles su particular punto de vista cómico.

Por cierto, es el único episodio en el que vemos el perro de Kramer porque iban a hacer un monólogo sobre ello, pero al final lo cambiaron y el perro aparece sin sentido alguno y jamás lo volvemos a ver.

Elaine en principio se iba a llamar Eleene. Julia Louis-Dreyfus confiesa que nunca ha visto el episodio piloto.

En el segundo episodio se inventan el nombre de "Art Vandalay" que será recurrente a lo largo de la serie, con 8 apariciones en total siendo la última en el final.

Es también el primer episodio donde vemos a Helen Seinfeld (Liz Sheridan) y Morty Seinfeld (Phil Bruns), los padres del protagonista.

En los tres siguientes episodios destaca la reaparición de la chica que conoció Seinfeld en el segundo episodio. Originalmente iba a ser otro personaje pero prefirieron darle algo de continuidad. Y casi se agradece porque eso hace que la serie tenga una cierta trama.

En un momento dado Seinfeld está a punto de cambiarse de casa, sé de antemano que no lo hace porque toda la serie transcurre en el mismo apartamento, pero me ha hecho gracia que lo valorasen.

Es una temporada que da muy poco de sí y que no arriesgan prácticamente nada, van un poco a lo seguro con argumentos dispares que no cambian prácticamente nada. Pero al menos ayuda a familiarizarte con los personajes y su manera de ser.

Temporada 2 (1990-1991)

De nuevo tiene un número curioso de episodios, son 12. Son muy pocos, a estas alturas ya deberían haber llegado a la veintena larga.

En el primer episodio ocurre una de las escenas que más recuerdo de la serie que es cuando una chica con la que está empezando a salir Seinfeld (con la que acababa de cortar George) le deja porque vio uno de sus monólogos y no le hizo ninguna gracia.

En el segundo episodio reaparecen los padres de Seinfeld y hay un cambio, ahora el padre está interpretado por Barney Martin, quien lo sería hasta el final de la serie. Más adelante se plantearon editar el episodio de la primera temporada regrabando las escenas del otro actor pero como no iba a quedar bien lo dejaron estar.

Es también la primera aparición del tío Leo quien se volverá un personaje semirrecurrente a lo largo de la serie. Su característica más peculiar es que siempre habla de su hijo Jeffrey, aunque nunca le llegamos a ver.

En el tercer episodio sale el padre de Elaine, un escritor famoso llamado Alton Benes. Por desgracia es su única aparición en la serie y hay una explicación bastante peculiar. Resulta que el actor Lawrence Tierney robó un cuchillo del plató y cuando le confrontaron al respecto lo sacó y bromeó con él de manera similar a la famosa escena de la ducha de "Psycho" (1960), algunos actores lo vieron desde una cierta distancia y se cagaron vivos.

En el quinto casi se produce un cambio importante pero lo revierten a tiempo. Se trata de Elaine quien está a punto de ponerse a vivir en el apartamento de encima de Seinfeld, lo cual ocasionaría que se vieran mas de continuo y sus relaciones esporádicas serían espiadas por el otro.

Es también la primera vez en la que Elaine hace lo de empujar a alguien mientras dice "Get out!", en señal de incredulidad.

El sexto está plagado de referencias a la serie "Dragnet".

En el séptimo hace aparición por vez primera Newman, el amigo de Kramer. Bueno, más o menos, en realidad le mencionan y llegamos a oír su voz en la parte final. Aunque no es la voz del actor que lo interpretaría a partir de la tercera temporada, osea Wayne Night, sino la del productor Larry David.

Es también el episodio en el que George pierde el trabajo fijo, cosa que no recuperaría hasta la quinta temporada.

En el octavo Kramer menciona por primera vez a Bob Sacamano, un amigo suyo que nunca haría aparición en la serie.

Destaca la aparición de Stephen Tobolowsky (Tor Eckman), interpretando a un sanador holístico. Y el cameo de Larry David como el actor en la película televisiva cutre que mira Seinfeld.

En el 9º Elaine y Seinfeld llevan su amistad un paso más allá y empiezan a acostarse esporádicamente, aunque con unas reglas. No queda explícito si al final seguirán así pero en realidad se olvidaron del tema en el resto de la serie. Es la primera vez en la que vemos a Tina, la compañera de habitación de Elaine quien regresará en un par de episodios posteriores.

En el 10º vemos morir a Seinfeld tiroteado. En un sueño, eso sí.

La principal peculiaridad del 11º es que fue grabado en un plató de manera contínua a tiempo real. Fue una apuesta arriesgada pero terminó convirtiéndose en uno de los episodios más queridos por los fans. Otro detalle es que no aparece Kramer (si no me equivoco es la primera vez que pasa).

Jerry menciona a su hermana, sin embargo nunca llegamos a verla en la serie. Sí aparece James Hong (Bruce), un actor conocido por "Big Trouble in Little China" (1986).

Y el 12º es el primer episodio donde vemos en solitario a George y Kramer. Hasta el momento George simplemente lo toleraba pero estaba claro que no le gusta estar con él, con razón.

Hay un episodio más que no llegó a ser emitido titulado "The Bet". Fue grabado parcialmente y decidieron no terminarlo por lo controvertido del tema que trataba.

Para rematar quisiera hacer mención de un dato que me llamó mucho la atención y es que el famoso bajo que se oye en realidad estaba grabado con un sintetizador y en cada episodio fue regrabado para que la melodía se adecuase al tono del monólogo de Jerry.

En fin, hasta aquí el tema Seinfeld, quizás lo retome más adelante pero de momento no tengo ganas de seguir viendo más capítulos.

ゴールデンボーイ (1995)

También conocida como "Golden Boy".

Se trata de una de las mejores series cómicas con un toque picantón que se han hecho en Japón, una de mis favoritas y que más veces he visto. Y, de hecho, no me importa volver a ver pasado un tiempo.

Está dividida en 6 episodios a los que llaman "lecciones" pues en cada uno el protagonista aprende algo.

Lección 1: コンピューターでお勉強

Estudios de ordenadores.

Kintaro Oe es un joven de 25 años que se desplaza en bicicleta hacia su nuevo trabajo cuando un Ferrari amarillo le derriba sobre unos cubos de basura y su ocupante le da en compensación 1 millón de yenes. Pero la cosa se complica cuando al llegar al trabajo descubre que es su jefa, lo cual hace que se cree una tensión entre ellos y por ello le pone a limpiar los baños.

Un detalle peculiar de la serie es el hiperrealismo de los vehículos que salen. El Ferrari es fácilmente identificable a pesar de ser de color amarillo, por ejemplo.

En la primera aparición de la jefa (desconocemos su nombre aunque es conocida como "Madame Presidenta") va con un traje rojo muy escotado que hace que le salten mucho las tetas. Es algo que está exagerado adrede hasta resultar cómico. Más adelante lleva otro tipo de ropa pero siguen marcándosele los pezones y saltando las tetas. Por supuesto el protagonista reacciona al más puro estilo pervertido cuando las ve.

De hecho otra escena notable es cuando le cae de casualidad una bolsa y dentro hay un sujetador de encaje. No se le ocurre nada mejor que ponérselo mientras dice algo así como "me encantaría poder ver qué ha cubierto este sujetador". Es para mearse.

Por cierto, una de las características principales del protagonista es que es capaz de aprender cualquier cosa muy rápido mientras dice una y otra vez "estoy aprendiendo". En este episodio no llegamos a verlo del todo pero recuerdo la escena de él estudiando a saco informática para poder hacer el programa que borró accidentalmente en una noche.

Al final del episodio la voz en off explica que Kintaro terminó los estudios universitarios en una carrera de leyes, sin embargo no tiene ningún título porque no llevó a cabo los trámites para graduarse. Es un ejemplo de lo rápido que tomó su decisión de lanzarse para aprender lecciones en el mundo real.

Lección 2: 乙女の誘惑

La tentación de la doncella.

Kintaro trabaja ahora haciendo campaña para un político, el cual tiene una hija llamada Naoko en la que el joven se ha fijado. Ella trata de seducirle para engañarle porque cree que es sólo un pervertido más y tras leer su diario se da cuenta que en realidad es él quien está jugando con ella, cosa que hace que se enfade mucho y trata de meterle en líos, pero le sale mal la jugada.

Es un episodio cargado de erotismo. Desde la primera escena Kintaro se fija más en las bragas de la chica que en ella, y ella no deja de insinuarse posteriormente quedándose en ropa interior frente a él o poniéndose un bañador.

La parte política la dejan un poco de lado a pesar de que el candidato está apoyado por la mafia japonesa y es un corrupto. Además cuando gana invita a sus empleados a una noche en un salón de chicas, pero Kintaro no puede ir porque está demasiado liado con la hija, es una de las cosas de las que no aprende nada.

Lección 3:  危機!乙女の初恋

¡Peligro, el primer amor de una virgen!.

Kintaro trabaja en un pequeño restaurante de Udon donde el dueño fue atropellado por un coche y tiene el brazo en cabestrillo. Allí conocerá a Noriko, la hija del dueño, quien es muy inocente y sólo piensa en las flores. El caso es que el hombre que ayudó a su padre ahora quiere casarse con Noriko pero en realidad tiene muy malas intenciones y Kintaro lo descubre por pura casualidad.

Las dos primeras lecciones son idénticas al manga, en la tercera se saltan un capítulo (de una tenista) pero el 4º es también exactamente lo mismo. De hecho el dibujo de los personajes y los entornos están muy bien recreados.

Lo realmente curioso de esta historia es que es un episodio sin nada erótico, salvo quizás la parte en al que el tipo intenta meterle mano a la chica, pero como interviene Kintaro disimuladamente para evitarlo en realidad no llegamos a ver nada.

Vemos que el protagonista también es un especialista en artes marciales, aunque no le gusta hacer gala de ello y evita a toda costa las peleas. De hecho se siente mal tras golpear al tío chungo en la parte final.

De nuevo vuelve a surgir el tema mafia pues Kintaro define al tipo como un yakuza.

Es también el único episodio donde la voz en off del final dice algo diferente. De hecho esta vez es la de Kintaro.

Lección 4: 野性の海を泳ぐ

Nadando en los mares del amor.

Kintaro hace una desastrosa prueba de natación para poder enseñar en una piscina, pero en vez de aceptar la derrota le propone a la directora del centro que en un mes le ganará. Claro que poco después se entera de que es la campeona de la medalla de oro en las Olimpiadas. Cosa que no le desmotiva. Una tarde echa una carrera de natación con ella y termina enfadándola, con lo cual le expulsa del centro para siempre...

Es impresionante la carrera contra la profesora, ha sido uno de los momentos que más me ha hecho reír en toda la serie. Al leer el manga he descubierto que el anime mejora notablemente esa escena. De hecho es la escena en la que Kintaro termina metiendo sus narices en la entrepierna de la chica, diría que es la primera vez que tiene un contacto tan directo con alguien.

Hay una diferencia curiosa respecto al manga. En la parte en la que Kintaro se imagina que ella es una dominatrix en el manga sale vestida, en el anime sale enseñando las tetas.

El final del episodio nos indica que ha conseguido un puesto de trabajo en la piscina, pero nunca se entera de ello porque para entonces ya se ha ido.

Lección 5: ノーブレーキの青春

¡A echarle huevos!.

Tras cruzarse con una motorista cachonda, Kintaro llega a Kyoto donde trabajará en una casa señorial donde hay una chica muy recatada. Pero él sigue con su manera de ser y terminan echándole. Al día siguiente descubre que la chica es la motorista y ella le pronpone un trato, si quiere follar con ella tendrá que ganarle a una carrera, ella en moto y él en bici.

Es, de largo, el mejor episodio de la serie. Además es con el que hicieron un videoclip hace un montón de años que unía una de las mejores escenas con una canción tecno que le pega muchísimo. Concretamente una versión de "Bicycle Race" de Queen que hicieron los alemanes Blümchen. Os dejo aquí el video.

Es el episodio más erótico, con diferencia. La chica usa el motor de la moto para excitarse hasta el éxtasis sexual, la segunda vez que lo hace lleva sólo unas bragas.

Me he fijado que el lugar donde tiene cabo la carrera aparece al principio del episodio y que la cámara se detiene ligeramente para mostrarlo en detalle.

Por cierto, en este sí he notado una diferencia importante respecto al manga. El coche que aparece en mitad de la carrera en el anime es un Porsche de color negro, en el manga es otro Ferrari (y a diferencia del anime sí se ve claro el logotipo).

Pero vamos, el anime logra hacer de la carrera una auténtica epicidad, en el manga se quedan cortos a pesar de que es básicamente lo mismo.

Lección 6: アニメーションは面白い!

¡La animación es divertida!.

Su siguiente trabajo es en un estudio de animación donde hacen películas de anime. Y las cosas no le van del todo mal, a pesar de que al jefe le costó bastante aceptarle por no tener coche. Pero pronto se da cuenta de las enormes dificultades que han de superar pues los plazos de entrega son infernales, apenas hay descansos y por ello Kintaro tendrá que pedir ayuda a las chicas que ha ido conociendo para poder completar el proyecto.

He estado buscando el manga en el que está basado y no lo he encontrado. También es verdad que me he cansado al llegar al número 26 de los 100 y pico que son. Pero bueno, da la impresión de ser algo hecho adrede para la serie de animación.

Por otra parte el autor del manga hace un cameo y hablan de un cómic suyo titulado "Golden Girl", me ha parecido un detalle la mar de simpático.

En este episodio reaparecen todas las chicas de los anteriores para ayudarle, aunque Naoko en realidad no le hace ningún favor (creo, es un poco lioso reconocerlas por las caras) y aparecen dos chicas que no sé quienes son pero se ve que tienen una voz bonita.

Y es que está lleno de conexiones con los anteriores episodios, siendo la más peculiar la que enseña a un dibujante cómo haría él las tetas perfectas, cosa que aprendió en el primer episodio cuando estaba escondido en las taquillas del lugar donde se cambiaban las chicas de la empresa de informática.

Por cierto, en casi todos los episodios Kintaro muestra su obsesión por los retretes que usan las chicas (siempre le pillan abrazado a uno) y siempre toma notas en su libretita, la cual definió como que era "su propia vida" en el primer episodio.

Además siempre consigue aprender algo pero también hace que las chicas aprendan. En prácticamente todos los casos tienen una idea equivocada de él (o de los hombres en general) y consigue convencerlas de lo contrario.

En definitiva es uno de los animes más divertidos que puedes ver, es muy corto y entretenido.