The Ghoul (1933)

Aquí la titulamos "El resucitado".

Mahmoud es un hombre que anda buscando la "luz eterna", un objeto que fue robado de una tumba. El profesor Morlant es quien la posee, per está moribundo y Mahmoud podría recuperarlo tras su muerte. Pero el profesor tiene intención de ser enterrado con ello.

Hace mucho desde la última película de Boris Karloff (Profesor Morlant) en el blog, y nada menos que uno de los papeles más peculiares de su carrera.

Estuvo perdida durante muchos años, hasta que encontraron una copia en 1969 en Checoslovaquia, sin audio y con escenas cortada. En 1980 se logró restaurar por completo gracias al British Film Institute. Hoy es de dominio público, pero hay copias de alta calidad.

Fue la primera película en recibir la certificación "H" (Horrific) de la censura británica. La razón fue que mostraba entierros prematuros y asesinatos brutales.

Fue considerada como una mala copia de "The Mummy" (1932), lo cual ha hecho que esté un tanto mal valorada actualmente. Pero no deja de ser una rareza muy interesante.

El maquillaje de Karloff al principio está cercano al aspecto de un zombie, posteriormente está más cerca de una momia. Teniendo en cuenta que estamos en el año 33, es realmente fascinante.

La obsesión del profesor por la cultura del antiguo Egipto hace que su entierro siga dicho estilo, terminando su cuerpo metido en un sarcófago.

La historia evoluciona a la del típico grupo de personas que termina en una casa "encantada". Que en este caso no lo está, sólo tiene cosas peculiares en ella.

La cabezonería del cura sobre sus quejas del ritual de entierro son irritantes.

Aunque muere al principio y tiene varias escenas, tras su muerte no volvemos a ver Karloff hasta pasados 49 minutos. Apenas dice una palabra en su segunda aparición.

La problemática es que los dos herederos de la fortuna del profesor, una chica y un chico que se llevan mal por una disputa familiar, no van a llevarse nada si descubren que el tipo está vivo.

Las actuaciones son tan intensas y teatrales, me encanta todo.

La llorona (1933)

Pasemos a algo en nuestro idioma.

  Un hombre muere en plena calle tras ver algo misterioso. El primogénito de una familia acaba de cumplir 4 años, lo cual hace que el abuelo se tema que vuelva la maldición de la familia. Según dice al cumplir los 4 años el primer hijo desaparece y al día siguiente lo encuentran con el pecho abierto por un puñal. Pero no es el único, también el hijo de doña Ana, cuyo padre, don Rodrigo, no ha querido reconocerlo, acaba de cumplir años.

Recientemente salió una película de la misma temática, la cual no me llama lo más mínimo la atención, pero sí este título clásico del cine mexicano.

Considerada la primera película de terror mexicana sonora. La versión que he visto fue restaurada en el año 2021 por la filmoteca UNAM, el archivo de la academia del cine y la alianza de la preservación del cine. Aunque originalmente fue rodada en 35mm no queda ninguna copia y por eso usaron la única que queda de 16mm.

Tal y como dice al inicio, es una versión moderna de la leyenda mexicana. Es algo que se remonta a 1550 en la ciudad de México. El primer ente se llama Cihuacóatl, una diosa mexica de la tierra, fertilidad y partos, que vagaba llorando por sus hijos. Los pueblos chibchenses, como bribris y cabécares tenían espíritus como la Wíkela o Tulevieja, seres acuáticos que lloran por niños perdidos o muertos.

Fuera de México tenemos Pucullén de Chile) y el Ayaymama de Perú que guardan similitudes. También la figura de la dama de blanco del folclore español.

No vemos a la llorona en el arranque, aunque sí la oímos.

Se ve y se oye bastante bien, sin embargo hay una escena que da la impresión que falte un diálogo, aunque bien podría estar hecho adrede. Sucede cuando Ana se despide de su amante.

De repente la película evoluciona a una de espadachines, al más puro estilo mosqueteros.

Me estoy fijando en como hablan, hay ratos en el que bien podrían ser españoles. Especialmente los nobles.

Don Rodrigo se va a casar con doña Elvira, pero tiene un hijo con doña Ana. Era por recapitular el putiferio de los nobles.

Durante la boda, no sé muy bien por qué, hacen un barrido de todos los presentes y son un montón de nobles, con sus parejas, que sonríen. Es algo bastante largo.

No acababa de comprender el por qué del rollo de los nobles y es que es una de las historias que lee el abuelo, la del origen de la Llorona. En esencia, doña Ana asesinó a su hijo para que no se lo llevara don Rodrigo y luego se suicidó. Pero para ello usó una especie de daga de un dios azteca (o vete a saber qué) que la maldijo.

La daga parece que tenga un filo de obsidiana, o algo muy similar.

Y ahí es cuando vemos el fantasma de la llorona por primera vez.

Pero bueno, aquí el misterio es claro, no es un fantasma quien se lleva al niño sino un encapuchado, al que vemos desde bien pronto. Hubiera sido mejor mostrarlo sólo en la segunda parte de la historia principal.

Lo que más me sorprende es ver esos planos abiertos donde podemos apreciar todo un escenario, es casi como ver una obra teatral, pero de gran presupuesto.

Por un momento creí que no llegaríamos a ver la segunda historia del pasado. Es de un conquistador español y una princesa india a la que dejó embarazada y arrebató su hijo. Y ella maldijo al conquistador y a sus descendientes, tras morir fue su sirvienta quien juró perpetuar la maldición. De nuevo, al final vemos al fantasma de la llorona.

Yo hubiera usado a los mismos actores para los personajes de la historia principal y las del pasado.

Para no romper la costumbre, la policía es de lo más inútil.

Hay un personaje que casi podríamos considerar el contrapunto cómico, el criado de bigotito, que tiene ciertas características de Cantinflas, son muy sutiles.

Definitivamente es una película que merece la pena ser buscada y vista. Me ha gustado mucho. Trata el mito de una manera correcta, dando no una sino dos explicaciones a su origen y encajándolas con la historia principal.

Duck Soup (1933)

Aquí la titulamos "Sopa de ganso".

Estamos en el reino de Freedonia, Gloria Teasdale se niega a dar más dinero para ayudar al gobierno a no ser que cambie el líder a Rufus T. Firefly, y aceptan. El reino de Sylvania quiere hacerse con su territorio y para ello usan a dos espías llamados Chicolini y Pinky.

El término "duck soup" quiere decir algo fácil de hacer. El título fue usado anteriormente en el cortometraje "Duck Soup" (1927) de Laurel y Hardy.

No se la considera un éxito de taquilla por los números tan bajos que obtuvo, sin embargo fue debido a la crisis que atravesaba el país en aquel momento.

Pero vamos, está situada entre las mejores, si no la mejor, de los hermanos Marx. En parte por el mensaje antibélico.

Tenemos a Groucho Marx (Rufus T. Firefly), Harpo Marx (Pinky), Chico Marx (Chicolini) y Zeppo Marx (Bob Roland), juntos por última vez. Tras esta película Zeppo dejó la actuación y fue apodado "el hermano Marx sin gracia".

Y por fin regresa Margaret Dumont (Gloria Teasdale), la echaba de menos.

Como dije, Harpo repite el personaje de "Horse feathers" (1932). Originalmente era Snoopy, en una promoción lo llamaban Skippy.

Benito Mussolini la prohibió en Italia porque creía que era un ataque directo a su persona. Cuando se enteraron los Marx les encantó.

El director Leo McCarey no quería trabajar para los Marx, consiguió evitarles en primera instancia pero la Paramount le obligó a hacerlo como parte de la reconciliación con los hermanos tras despedirse de la productora. Al final acabó pasándolo muy mal porque están muy locos.

Esta es buena, arranca con un cartel que dice "Somos miembros orgullosos de la NRA".

Lo primero que vemos son unos patos vivos, revoloteando en un caldero que está en el fuego. Al menos sí que nos da una "sopa de ganso".

La ciudad de Fredonia, en Nueva York, se quejó porque usaban su nombre con una e extra. Los hermanos respondieron que deberían cambiar el nombre de la ciudad, pues está haciendo daño a la película.

El país ficticio Sylvania se llamaba Amnesia originalmente.

Otra película que empieza con un numerito musical, con bailarinas. Además, de nuevo está dedicado al personaje que interpreta Groucho.

Tras el numerito Groucho rompe la cuarta pared.

Pinky se llama igual pero es claramente otro personaje. Aunque también está muy interesado en las chicas jóvenes. Su gag recurrente es que usa unas tijeras para cortar cosas.

La escena del intercambio de sombreros proviene de la obra teatral "Waiting For Godot" de Samuel Beckett. Harold Lloyd hizo algo similar en "The Marathon" (1919)

A pesar de que pasa junto a uno, Chico no toca su piano por primera vez en una película. Harpo no toca su harpa pero sí usa las cuerdas de un piano a como si fuera una brevemente.

Fue idea del director la secuencia del espejo, basada en una antigua rutina teatral. Tardaron unas dos horas en rodarla. Es fascinante ver a Chico y a Harpo disfrazarse de Groucho y comprobar lo mucho que se parecen.

Fue la película que popularizó la frase  "Of course you know this means war", aunque era usada desde antes.

Incluye una de las pocas veces en las que los cuatro hermanos hicieron un numerito musical juntos. Me he fijado que Zeppo apenas aparece en la película, de hecho creo que participación más larga es precisamente en esa parte.

No puedo evitar pensar en los soviéticos durante la Segunda Guerra Mundial cuando Rufus dispara a sus propios hombres.

Gran final, me lo he pasado en grande volviéndola a ver.

Der Sieg des Glaubens (1933)

El título se traduce como "La victoria de la fe".

Dirigida por Leni Riefenstahl. Fue su tercera película, la primera considerada de propaganda nazi. De su obra ya he comentado “Triumph des Willens” (1935) y las dos partes de “Olympia 1. Teil – Fest der Völker” (1938).

Se consideró perdida durante décadas debido a que Hitler ordenó que fuese destruida. Por suerte en los años 90 se encontró una copia en el Reino Unido. Vale, acabo de leer otra versión que dice que se encontró una copia en los años 80 en la República Democrática Alemana. En todo caso, ha llegado a nuestros días.

La razón por la que fue prohibida es que se ve a Hitler junto a Ernst Röhm llevándose bien. Es uno de los que fueron ejecutados durante la conocida como “noche de los cuchillos largos” en Julio de 1934. Tras matarle ordenó que toda prueba de su “existencia” fuese borrada, esencialmente.

La copia llegó al Reino Unido cuando Leni Reifenstahl fue allí en 1934 a dar conferencias en las universidades sobre técnicas de filmación de documentales. Se cree que alguien hizo una copia y permaneció guardada en un almacén.

Las siglas N.S.D.A.P. son de Nationalsozialitsche Deutsche Arbeiter Partei. Traducido es el Partido Nacionalsocialista Obrero Alemán. Leni no formaba parte de él cuando rodó este documental lo cual hizo que tuviera algunos detractores, más aún por ser mujer.

Se ve que la versión que poseo es una “limpieza” de una de las dos copias que mencioné previamente, aunque no sabría decir de cuál. En todo caso la original fue restaurada en el año 2003 y esta se ve un poco mejor aunque al principio se ven un par de logos superpuestos para tapar lo que ponía originalmente (el copyright).

En esencia viene a ser lo mismo que se ve en “Triumph des Willens” (1935), la cual fue grabada durante el 6º Congreso también en Núremberg.

Empieza con tropas desfilando por la ciudad, luego esperando la llegada del tren en el que viajan algunos mandatarios y seguidamente vemos a Hitler descendiendo de un avión (con un montaje no muy bien hecho de las tropas saludándole).

Se nota que es el primer documental que hizo Leni, la cámara está posicionada en la espalda de Hitler cuando va en coche por las calles tapando buena parte de la imagen. Queda bastante mal.

Cuando llega al lugar donde hará el discurso aparece Joseph Goebbels de pasada y una vez dentro se sienta junto a Rudolf Hess. Durante su discurso van saliendo imágenes de diferentes altos cargos del partido, entre ellos Ernst Röhm.

Rudolf Hess lo bautiza como el congreso de la victoria. Los nazis subieron al poder en Alemania en Marzo de 1933 y este congreso tuvo cabo entre Agosto y Septiembre de ese año.

Buf, esto es más complicado de lo que me esperaba. Algunas de las regiones alemanas cambiaron de nombre justo cuando los nazis subieron al poder, no entendía porque Julius Streicher (el líder de la región, quien además se autoproclamó “Rey de Núremberg”) denomina Franken a los habitantes de Núremberg, es el nombre que le pusieron a la región. Por cierto, resulta fascinante ver los mapas de evolución de las regiones alemanas entre 1926 y 1943.

Me llama la atención que el siguiente en hablar sea Arturo Marpicati, vicesecretario del Partido Fascista Italiano. Por supuesto habla en italiano y dice que viene en representación de los camisas negras y de Mussolini.

Seguidamente pasamos a un momento musical, que viene a ser el punto y final de la parte de los discursos, para luego pasar al multitudinario despliegue donde Hitler vuelve a dirigirse a ellos.

Tras ello vemos a unos 65.000 miembros de las juventudes hitlerianas y hace aparición un zepelín sobrevolando el lugar. Cosa que me ha recordado a una escena de “Hell’s Angels” (1930).

Es Baldur von Schirach quien anima a los jóvenes con Hitler a su lado antes de que les hable.

Y luego pasamos al desfile por las calles de la ciudad por parte de las tropas de los SA y SS. Entre los diferentes altos cargos que aparecen destacan Hermann Göring y Heinrich Himmler. Aquí apenas vemos a Himmler pero en “Triumph des Willens” (1935) tendría una presencia más significativa.

Es fascinante la cantidad de planos del desfile, lo grabaron desde multitud de lugares.

Lo siguiente es lo que podríamos denominar una marcha de las banderas. Y un último discurso de Hitler.

Definitivamente me gusta por lo que representa, especialmente ahora que sé un poco más sobre qué sucedió y como casi nos quedamos sin poder verlo. Entre las dos películas que hizo Leni sobre los congresos de los nazis hay algunas diferencias pero también muchas similitudes. De hecho casi podría apostar a que aprovechó alguno de los planos por lo similares que son.

Deluge (1933)

El título se traduce como "diluvio".

Detectan la llegada de un gran terremoto y por ello llaman a puerto a todos los barcos y hacen aterrizar a los aviones. El terremoto es tan bestia que hunde en el mar por completo la costa oeste estadounidense y no se sabe los daños que ha causado en Europa.

Una película que se consideró perdida durante mucho tiempo, concretamente hasta que fue encontrada una copia en 1981 en italiano. En el 2016 encontraron una en mejor estado que estaba en inglés.

Empieza con una cita de la biblia. Concretamente Génesis 9:11, que viene a ser cuando dios promete que no habrán ningún otro diluvio tras el de Noe. Me hace gracia la numeración, seguro que habrá algún conspiranoico que la conecte con lo de las torres gemelas.

Usan miniaturas para recrear los barcos regresando al puerto o cuando sucede el terremoto en la ciudad se ve claramente que combinan miniaturas con imágenes de gente corriendo de un lado a otro siendo aplastados por los escombros. Y luego cuando el mar se come la ciudad está muy bien hecho. Es realmente impresionante la cantidad de escenas y de detalles que tienen.

Dicho lo cual, me parece sorprendente la cantidad de muertes que llegamos a ver durante el terremoto. Me río yo de las películas de desastres de los años 70, esto es brutal. Para que os hagáis una idea hasta pasados 20 minutos no queda claro quien es el protagonista porque van muriendo todos.

Ahora que me fijo, parece que el mensaje sea precisamente antireligioso pues todos los que rezan y piden ayuda a dios acaban mal. Y de hecho tras el terremoto no hay signos de religión ni de gente que se dedique a predicar.

Me hace gracia que dos de los supervivientes se encuentren con una chica en ropa interior inconsciente tirada fuera de la cabaña en la que están. Y que al poco de despertarse se viste pero no tarda demasiado en volver a quedarse en paños menores.

En el mundo post apocalíptico hay tres tipos de personas. Los que sobreviven en solitario, los que montan un grupo y se dedican a cometer atrocidades y los que tratan de vivir en comunidad construyendo de nuevo una civilización. No es excesivamente diferente a lo que se ve en películas/libros/juegos posteriores.

La parte del túnel me recuerda a "Лепа села лепо горе" (1996).

El final es bastante repentino, da la impresión de que podrían haber añadido un poco más de historia. Aunque no me parece mal, de hecho me gusta tal cual.

Una película que me ha sorprendido en muchos aspectos, especialmente la parte del terremoto.

Alice in Wonderland (1933)

Aquí la titulamos "Alicia en el país de las maravillas".

Alicia se aburre en casa y atraviesa un espejo. Allí los objetos que le rodean tienen vida y pronto se verá inmersa en un mundo lleno de seres peculiares.

Cuando hice el recorrido por las películas basadas en los libros de "El mago de Oz" me planteé hacer uno por las diversas adaptaciones de "Alicia en el país de las maravillas" pero creo que hubiera sido bastante repetitivo ya que es siempre la misma historia y la versión animada de 1951 es simplemente genial.

Esta no es la primera adaptación, hubo un corto en 1903 y otro en 1910. Además ya vi la película de 1915 y hubo otra en 1931. Posteriormente salieron un porrón más de las cuales ya he comentado "Alice in Wonderland: An X-Rated Musical Fantasy" (1976), "Něco z Alenky" (1988) y "Alice in Wonderland" (2010).

Sorprendentemente no tuvo versión en vídeo hasta la salida del DVD en el año 2010, en parte debido al estreno de la versión de Burton. Es porque la versión de Disney era la más demandada.

En el reparto tenemos nombres como Gary Cooper (Caballero Blanco) o Cary Grant (Mock Turtle). Sin embargo eso no ayudó en la taquilla que fue más bien pobre debido a que iban tan caracterizados que eran irreconocibles.

La protagonista es Charlotte Henry (Alice) quien había salido en "Huckleberry Finn" (1931) y posteriormente en "Charlie Chan at the Opera" (1936).

No creo que el problema sea que no reconozcas a los actores sino que tiene un tono difícil de calibrar. Parece un producto infantil pero a la vez es todo muy serio, incluso cuando cantan una canción tiene un cierto toque tenebroso. Además carece de comedia, más allá de algún que otro juego de palabras (que personalmente en esta ocasión no los encuentro graciosos).

La actriz que hace de Alice no lo hace del todo mal pero no me entusiasma. El resto de personajes son muy caricaturescos, pero resultan muy bizarros. Además hay una parte hecha con animación.

He de decir que de todas las conversaciones la más interesante para mí es la que mantiene Alice con Humpty Dumpty.

Roza lo que podría definirse como una película experimental. Es una auténtica locura la parte final en la que se juntan todos los personajes para comer en una mesa. Definitivamente es una de las versiones más extrañas que he visto.

The Son of Kong (1933)

Aquí la titulamos "El hijo de Kong".

Ha pasado un mes desde el incidente de King Kong y Carl Denham está en la bancarrota rodeado de gente que quiere demandarle. Además le pueden caer 10 años junto con el capitán Englehorn, así que deciden navegar por el Pacífico hasta el puerto holandés de Dakang.

Dirigida y producida por Ernest B. Schoedsack, con Merian C.Cooper como productor ejecutivo esta vez. Repiten también los actores Robert Armstrong, Frank Reicher, Victor Wong, Noble Johnson y Steve Clemente retomando sus papeles de "King Kong" (1933).

El estudio le dio a Cooper la mitad del presupuesto y un tiempo límite de seis meses para completarla. Aún así resultó ser un éxito menor porque su guionista, Ruth Rose, se percató que la mejor manera de hacerlo era enfocarla como una comedia.

Reusaron el muñeco de Kong cuando lucha contra el T-Rex para hacer a su hijo albino. Willis O'Brien tuvo total libertad en la anterior película pero esta vez Cooper y Schoedsack estuvieron encima de él, cosa que le molestó muchísimo e incluso dejó de acudir a trabajar. Buzz Gibson tuvo que terminar las animaciones sin él.

Claro que también fue porque la mujer de O'Brien decidió asesinar a sus dos hijos e intentó suicidarse. Tras ello no quiso volver a hablar de esta película, lo cual hizo que algunos de sus secretos no llegasen a ser revelados ni siquiera a Ray Harryhausen, su protegido.

De nuevo vuelven a salir pájaros al acercarse a la isla. Y de nuevo el gorila gigante hace su aparición a los 40 minutos.

Aunque no lo mencionan en ningún momento el hijo de Kong se llama Kiko (la abreviatura de King Kong). Sigue siendo gigante pero es de mucho menor tamaño que su padre, en la película le calculan unos 3,5 metros de altura, yo diría que está más cerca de los 4.

Es una historia sencilla y algo corta aunque no por ello es mala. Algunas de las animaciones están a la altura de su predecesora. Teniendo en cuenta las circunstancias en las que fue producida me ha gustado bastante. Además la vendieron como una comedia y tampoco me esperaba gran cosa. Aparte al final la comedia son sólo un par de ratos tontos (las caras del gorila principalmente) y poco más.

和製キング・コング (1933)

El título traducido es "King Kong japonés", se lee como "Wasei Kingu Kongu".

"King Kong" (1933) fue estrenada el 2 de Marzo pero hasta Septiembre de ese mismo año no llegaría a Japón, bien pues ésta película salió el 5 de Octubre, apenas un mes después.

Se trata de un corto mudo de 30 minutos de duración en tono de comedia. Nunca llegó a salir de Japón y hoy en día se considera que todas sus copias fueron destruidas en los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki.

Su argumento sí se conoce:

Santa y Koichi son dos amigos vagabundos que se dedican a recoger monedas por las calles. Santa se enamora de una chica llamada Omitsy pero el padre de ella quiere casarla con un hombre rico. Entonces Santa busca un trabajo y se le ocurre la idea de disfrazarse de King Kong aprovechándose del éxito de la película. Al dueño de un teatro le gusta la idea y le contrata y la cosa funciona muy bien. Un día aparecen en el teatro Omitsy y su novio rico, Santa entra en cólera y le ataca disfrazado de gorila, persiguiéndole por la ciudad causando caos a su paso, finalmente le alcanza y lo deja inconsciente, se quita el disfraz y se lo pone al rico. Entonces Koichi le dice que el dueño del teatro le pagará mucho dinero por sus actuaciones, cosa que le convierte en rico y consigue casarse con Omitsu.

Considerada la primera película japonesa de monstruos, adelantándose a "Gojira" (1954) por un par de décadas.

江戸に現れたキングコング (1938)

Hubo un segundo título japonés que traducido sería "King Kong aparece en Edo". Se trata de un drama de dos partes que transcurre en el periodo Edo. La primera parte fue titulada "Henge no maki" (El episodio del monstruo) y la segunda "Ōgon no Maki" (El episodio de oro), fueron estrenadas con una semana de diferencia. También se considera perdido aunque se conoce su argumento:

El padre de Chinami, Hyoue Toba, ofrece una gran recompensa por su rescate. Sus empleados se ponen prontamente a buscarla, todos salvo Magonojyō Gō porque es el secuestrador. Para ello empleó a un simio que tiene entrenado cuyo nombre es King Kong. Su motivo es que su jefe obligó a Senbei, su padre, a falsificar monedas y cuando se negó a hacerlo lo encerró y lo mató. Se encara a él amenazándole con el simio para que le pague y termina encerrándole, pero el simio se vuelve loco y lo mata. Finalmente aparecen los empleados y le hieren gravemente aunque Magonojyō consigue huir de Edo con el dinero.

Por las fotos que quedan de ella se ve que no es un gorila sino más bien una especie de yeti, aunque con el nombre de King Kong. No queda muy claro cual era su tamaño aunque está claro que intentaron aprovecharse del éxito de la película americana.

King Kong (1933)

Llegó la hora de volver a ver al mono más famoso del cine.

Un director de cine contrata a una chica que estaba robando en la calle como la actriz para su nueva película. Todo sucede muy rápido porque el barco que le llevará al lugar del rodaje está a punto de zarpar.

Llevo demasiado tiempo posponiendo este recorrido por las películas de King Kong, sin ningún motivo en concreto. La buena noticia es que he tenido tiempo de recopilar unas cuantas y encima justo acaban de estrenar una, así que quedará genial, o al menos eso espero.

Merian C.Cooper tenía en mente un simio gigante en lo alto del edificio más alto del mundo luchando contra los aviones que pasaban junto a él. A partir de esa idea desarrolló el resto de la historia. El proverbio árabe antiguo con el que empieza la película fue invención suya.

Entre sus influencias están los libros "The Lost World" de Arthur Conan Doyle y "The Land That Time Forgot" de Edgar Rice Burroughs, también la adaptación de 1925 del libro de Doyle.

Fue dirigida por el propio Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack aunque no recibieron crédito por ello. Además fueron también productores. Previamente habían practicado la lucha libre y por ello recrearon los movimientos de la pelea entre King Kong y el T-Rex para darles una visión realista de la misma a los animadores. Y hacen un cameo como los tripulantes del avión que dirige la lucha contra la criatura.

Pasó por varios títulos antes del definitivo. Desde "The Beast" a "The Eighth Wonder", "The Ape", "King Ape" o simplemente "Kong". Fueron los publicistas de la productora quienes añadieron lo de "King".

Las animaciones en stop motion corren a cargo de Willis O'Brien. Era la mejor opción tras ver su trabajo en "The Lost World" (1925). La recreación de los dinosaurios era científicamente precisa según lo que se creía sobre ellos en ese momento.

Cada animación fue grabada imagen a imagen, con un minuto de diferencia entre ellas para hacer los cambios. Un segundo de película (24 fotogramas) costaba de hacer toda una tarde. La pelea entre Kong y el Pterodáctilo les costó 7 semanas en producirla. La película completa les costó un año y pico de producción.

Uno de los errores más famosos es que parece que el pelo de King Kong esté cambiando constantemente. Es debido a que los animadores cogían la figura y la manipulaban dejando las marcas de sus manos. Intentaban camuflarlo "peinándole" de nuevo, pero no siempre quedaba igual. A pesar de ser un fallo los expertos consideran que es una labor excepcional porque hay que ser muy hábil para manipular tan bien un muñeco.

Para lograr el rugido de King Kong combinaron los de un león y un tigre y los pusieron al revés ralentizados. El sonido que hace el T-Rex era un grito de puma combinado con el de aire comprimido. El del Brontosauro lo lograron gruñendo en una calabaza.

Una de las innovaciones que introdujo fue la combinación de imágenes proyectadas tras los actores con miniaturas. La primera escena en la que la usaron fue la que aparece Fay Wray y el T-Rex, les costó 3 días grabarla. Otra escena de este tipo es la de Driscoll dentro de la cueva mientras la mano de Kong intenta cogerle.

Tras su primer pase de prueba en Enero de 1933 una de las escenas fue eliminada. Concretamente hablo de la del foso de las arañas. En ella unos marineros caían a una fosa porque Kong agitaba el tronco en el que estaban, allí abajo se encontraban con una araña gigante, un cangrejo gigante, un lagarto gigante y un octópodo que los devoraban vivos. La escena provocó varias reacciones adversas, algunos espectadores se fueron del cine, otros se desmayaron y otros se pusieron a gritar. Cooper decidió quitarla no sólo por lo que sucedió sino porque ralentizaba la historia.

Tuvo cuatro reestrenos entre 1933 y 1952 en los que sufrió varios cortes más por culpa de la censura. En ellos se quitaron las escenas donde Kong mastica gente, la chafa con sus pies y la que le quita el vestido a Ann. En los 70 fue restaurada aunque hasta el 2005 no tendríamos una versión en alta calidad.

Fue la película que más dinero ganó en el fin de semana de su estreno, un total de 90.000 dólares. Es la película icónica de la RKO por excelencia, principalmente porque fue la que salvó a la productora de la bancarrota.

Me encanta el concepto "moving pictures" para describir a las películas que usan, es tan clásico.

Dunham menciona a "La bella y la bestia" cuando ve a Ann jugando con el mono que tienen abordo. Esta se podría considerar la primera adaptación cinematográfica de dicha historia en versión libre, claro está, ya que habría que esperar a la película francesa "La Belle et la Bête" (1946) para la primera oficial.

Incumple uno de los códigos de vestuario que se impondrían al año siguiente de estrenarse. En la escena en la que Ann está en la cubierta mientras Charlie pela patatas y cuando Denham está haciendo algunas pruebas de cámara y dice "Scream for your life, Ann, scream!", el vestido que lleva ella es de un material muy fino y se nota que no lleva sujetador. Aunque solo se aprecia ligeramente, no llega a transparentarse nada.

Detalles como los pájaros revoloteando cuando llegan a la isla.

A Driscoll no le impresiona la enorme pared en la isla y menciona haber estado en Angkor cuyo "origen es desconocido y es mucho más grande". Se refiere al templo hinduista de Angkor Wat, el más grande y mejor conservado, situado en Camboya.

Kong hace su primera aparición a los 40 minutos de película. En esa escena combinan dos modelos, el de cuerpo completo animado y el que sólo es una cabeza enorme para los primeros planos.

Me he fijado también en que las animaciones en la jungla no son a campo abierto, hay árboles y ramas que dificultan verlas con claridad. Aunque en mi opinión es un punto a su favor porque les da más realismo.

Para grabar las escenas de la mano gigante cogiendo a Ann usaron una grúa que la elevaba a 3 metros de altura. La expresión de terror de la actriz es real, de hecho tenía que hacer una señal para que la bajasen porque lo único que la sujetaba era la mano y se iba aflojando a medida que se movía.

La escena en la que le quita la ropa es bastante cómica. En parte por las expresiones de Kong pero también porque cada vez que ella se mueve uno de sus dedos se desplaza ligeramente de forma rara empujado por ella.

Según un diálogo las entradas para ver a King Kong costaban 10 dólares. Es una barbaridad para la época, hay que tener en cuenta que fue durante la depresión, para que os hagáis una idea una entrada de cine costaba unos 35 centavos.

El reparto está encabezado por Fay Wray como Ann Darrow. Robert Amstrong es Carl Denham, repetió papel en "The Son of Kong" (1933). Bruce Cabot es John Driscoll, su último papel fue en "Diamonds are Forever" (1971). Noble Johnson es el líder de la tribu, salió también en "The Mummy" (1932) y "Murders In The Rue Morgue" (1932).

Fay Wray murió el 8 agosto del 2004, en la habitación de hospital en la que estaba cuando sucedió había una tele en la que proyectaban esta película, fue el mayor éxito de su carrera.

Viéndola de nuevo he visto más claras las enormes diferencias con la versión de Peter Jackson, la cual comentaré próximamente, y lo mucho que se puede llegar a cagarla con un remake (absurdo e innecesario, como la gran mayoría).

Pero bueno, se trata de un clásico imprescindible en el que veo claras influencias de títulos como "Gojira" (1954), "Creature of the Black Lagoon" (1954) y prácticamente todas las que tengan criaturas prehistóricas, aparte de las animaciones en stop motion.

La siguiente entrada tratará sobre unos títulos de King Kong un tanto peculiares que se consideran perdidos. ¡No os la perdáis!.

The Invisible Man (1933)

En España la titularon "El hombre invisble".

Un hombre extraño aparece en mitad de una noche fria en una taberna de un pequeño pueblo solicitando una habitacion. Solo pide que no se le moleste pero la curiosidad de los habitantes es inevitable y, eventualmente, consiguen que se enfade. En ese momento descubren su secreto, es invisible y, tras burlarse un rato de ellos, decide marcharse.

Esta vez si esta basada en una obra muy famosa, concretamente de H.G.Wells. Aunque hubo una serie de versiones del guion ya que fue pasando de mano en mano por practicamente todos los guionistas de la Universal (incluido el propio James Whale), al final se opto por coger el argumento original (aparte porque el autor debia aprobarlo) pero con unas ligeras modificaciones o si lo preferis, licencias artisticas, como la inclusion de la pareja del cientifico o sus aires megalomaniacos.

La pelicula guarda muchas semejanzas estructurales con la de "Frankenstein" (1931). Tenemos a un cientifico loco que vive aislado enfrascado en lo que sera su obra mas grande, alejado de su pareja a quien visita su mejor amigo con intenciones de algo mas que consolarla y eventualmente el pueblo se alzara contra su creacion con animo de destruirla.

La pelicula es un drama suavizado con algunas escenas de humor, sobretdo por parte de los personajes secundarios (los habitantes del pueblo). El toque mas terrorifico lo da el protagonista cuando describe sus planes futuros, aunque no llega a aprovecharse de la invisibilidad como uno cabria imaginar porque esta mas obsesionado con volver a ser normal.

Lo mas llamativo de esta pelicula son, como no, los efectos especiales. Aunque desde practicamente que nacio el cine tanto Edison como Melies con gran imaginacion lograban hacer efectos cada vez mas sorprendentes en sus obras, algunos efectos tardaron unos años en aflorar. En este caso no podian usar la superposicion de imagenes "recortadas" porque estaba muy desfasado y buscaron una nueva manera de hacerlo usando tela de color negro para cubrir las partes "invisibles" grabando sobre un fondo totalmente negro. Hoy en dia se hace con algun color brillante pero esencialmente es lo mismo.

Protagonizada por Claude Rains, un actor que practicamente surgio de la nada. James Whale queria a alguien con una voz muy caracteristica para su papel principal y, aunque la audicion que hizo Rains fue desastrosa, su voz se impuso por encima del resto y convencio totalmente al director. No es su primera pelicula aunque si su primer exito, años mas tarde saldria en titulos como "The Wolf Man" (1941), en el papel del padre del hombre lobo, "Casablanca" (1942), como el policia Renault o incluso "Lawrence de Arabia" (1962).

Una de las curiosidades mas interesantes es que el papel protagonista le fue ofrecido a Boris Karloff pero lo rechazo porque no se le veria la cara hasta el final. Es otra de esas peliculas que me intriga saber como hubiera quedado.

La siguiente entrada tratara sobre la secuela de esta, salio pocos años despues.