The Magic of Oz (1963)

Una de animación.

De camino a conocer al Mago de Oz, Dorothy, el Espantapájaros y el Hombre de Hojalata se encuentran con el León Cobarde.

Su duración es de 6 minutos.

El título no está relacionado con la novela homónima.

Dirigida, diseñada y animada por Robert Capeheart.

Es otra rareza, hasta el punto que apenas se conocen datos de la producción, por ejemplo se especula sobre el año y se desconoce quienes pusieron las voces de doblaje.

Es considerada experimental por algunos.

Lo primero que me llama la atención es la falta de color. Todo es en blanco y negro.

El león canta una canción sobre que preferiría ser un ratón.

Usaron la técnica del rotoscopio con Dorothy durante menos de un segundo.

Oh, Dorothy también canta sobre el mago.

Creo que la gente exagera un poco. Sí, el sonido no es demasiado bueno pero se escucha bien lo que dicen mayormente. La animación es fluida, aunque hagan uso del "fondo infinito" en un momento dado. Y no deja de ser un trozo de la historia de la novela más famosa...

He visto cosas mucho peores.

Der 90. Geburtstag oder Dinner for One (1963)

Venga, un corto.

Miss Sophie celebra su 90.º cumpleaños. Como ha sobrevivido a todos sus amigos, su mayordomo, James, debe personificar a los cuatro invitados ausentes: Sir Toby, el Almirante von Schneider, Mr. Pomeroy y Mr. Winterbottom.

Su duración es de 18 minutos.

Este corto me llamó la atención porque es uno que ponen en Alemania en fin de año, como una tradición más. Originalmente fue emitido como un relleno, lo emitieron 4 veces entre 1963 y 1972, pero empezó a convertirse en algo regular a partir de ese año. Ha habido años en los que ha sido emitido en 19 estaciones diferentes de televisión alemanas.

Tiene el récord del programa de televisión que más veces ha sido re-emitido.

Originalmente fue escrito por Lauri Wylie, fue estrenado en versión teatral en Londres en 1948. En 1953 llegó a Broadway. En 1963 fue grabado para la cadena de televisión alemana NDR.

Con el paso de los años ha ido convirtiéndose en una costumbre emitirlo en fin de año en otros países como Noruega, Australia, Suiza, Finlandia, Dinamarca y Austria. En el 2018 también fue emitido en el Reino Unido.

Freddie Frinton (James) tenía mucho odio a Alemania por la Segunda Guerra Mundial y se negó a hacerlo en alemán. Es el único programa emitido en Alemania en inglés durante décadas.

El tigre con el que tropieza el mayordomo no estaba en la producción original, lo agregaron como simple decoración. Cuando tropezó por primera vez hizo tanta gracia que decidieron reusarlo. Tropieza con él un total de 11 veces.

James bebe 18 vasos de licor. Y le da un trago a una vasija de flores.

En 1999 realizaron una copia en color. Sufrieron protestas masivas por parte de los espectadores quienes demandaban la versión original.

Freddie Frinton es un abstemio en la vida real.

Recientemente estrenaron la serie "Miss Sophie: Same Procedure As Every Year" que sirve como precuela de la historia. También hubo una versión hace pocos años titulada "Dinner for One à la Netflix" (2016) donde salen personajes famosos de la plataforma. Y una parodia titulada "The 90th Euro rescue summit" (2011).

Arranca con una introducción en alemán. El presentador explica a los televidentes la situación. Dice que es el 90º cumpleaños de Miss Sophie y ha invitado a sus cuatro amigos, pero están todos muertos, el más reciente murió hace 25 años. Pero James hará el papel de cada uno de ellos. Luego explica los diálogos recurrentes. Esto es para ayudar a los que no sepan inglés.

James se mueve de una manera cómica desde su primera aparición, incluso se tropieza con el tigre. El público presente lo encuentra todo gracioso.

Me hace mucha gracia que balbucee algo ininteligible al tigre cuando se tropieza. Al igual que cuando "habla" con Sir Toby.

Imita el acento, la voz y la forma de hablar de cada uno de los invitados. Por ejemplo el almirante dice "Skål", al brindar,  es una palabra de origen nórdico.

Durante el segundo brindis James mira a cámara, rompiendo la cuarta pared.

A medida que se emborracha va perdiendo la capacidad de hablar claramente y de caminar... recto.

Me ha parecido uno de los cortos más graciosos que he visto. Entiendo, en cierta manera, por qué se puede llegar a convertir en una tradición verlo. Incluso sabiendo lo que va a suceder es gracioso, porque juega muy bien con la repetición.

Flipper (1963)

Llegó la hora del delfín más famoso.

Porter Ricks y su hijo están pescando cuando encuentran unos delfines. Una fuerte tormenta se aproxima así que regresan al puerto. Tras ello al regresar a su barca se encuentran con otro delfín amistoso. Más tarde buceando el niño se encuentra a un delfín al que han clavado un arpón y lo rescata, llevándoselo a su casa.

Protagonizada por Chuck Connors (Porter Ricks). Conocido por "Soylent Green" (1973), salió en "Fukkatsu no hi" (1980).

Tuvo una serie un año después, que probablemente sea lo más famoso que se ha hecho de Flipper. También una secuela titulada "Flipper's New Adventure" (1964), otra serie en el 1995 y el remake "Flipper" (1996) con Paul Hogan y Elijah Wood.

Empieza con lo que casi parece un documental sobre la vida marina.

Todo el poblado se mete en la oficina de correos. No he tenido que fijarme mucho, todas las casas son de madera, la oficina está hecha de ladrillos. Uno podría pensar que lo lógico sería hacer las casas más robustas, pero es costumbre de los estadounidenses perder sus casas en la temporada de huracanes para volver a construirlas de materiales endebles.

En medio del huracán el niño no hace más que preocuparse por Pete, un pelicán amigo suyo. Otro sólo piensa en su barca, hasta que se la lleva el viento. Y a otro se le quema la casa, teniendo que ver impotente como nadie puede hacer nada.

Por lo que sea, la casa del protagonista está en perfecto estado de conservación, incluso el pelícano está bien. Y su barca está mayormente bien.

Confunden al delfín con un tiburón, a los 22 minutos.

Nunca entenderé por qué hacen la distinción de "animals" y "fish" en inglés. Eso sólo consigue que algunos lleguen a pensar que los peces no son animales. Todo por no usar la palabra mamífero.

Incluye una canción muy infantil sobre Flipper. No diría que la película tenga un tono infantil, porque tiene un toque dramático y las partes del delfín con el arpón clavado me parecen incluso un poco fuertes, muy realistas. Pero imagino que querían que resultase atractiva para todos los públicos.

Hay que esperar hasta pasada una hora y veinte minutos para llegar a la escena del tiburón. El niño anda buscando a Flipper en medio del mar cuando no uno, sino dos tiburones se le acercan, al lanzarse a bucear. Son escenas bastante buenas, vemos incluso planos con el niño y los tiburones más o menos juntos. También algunos de Flipper atacándoles, provocándoles incluso heridas con sangre, eso me parece un poco exagerado.

Pero bueno, supongo que es lo que tenía que suceder, si quería salvar al niño. No me ha parecido decepcionante para nada, aunque se ha hecho esperar.

La película en sí no está mal, tiene bastante variedad y más o menos hasta mitad no vemos la parte en la que el niño se hace amigo de Flipper, llegando a ponerle nombre.

海底軍艦 (1963)

También conocida como "Atragon".

Una modelo posa en bikini en plena calle, a pesar de que está nevado y hace frío. De repente ve salir algo del agua y todos se quedan callados, el fotógrafo logra captarlo, justo antes de que un coche pase sin frenar y caiga en el agua, en el mismo sitio. La desaparición de dos científicos parece relacionada. Aparte un hombre busca un submarino secreto desaparecido durante la guerra.

Por algún motivo que no acabo de comprender en España la titulamos "Agente 04 del imperio submarino".

Basada en la novela homónima de Shigeru Komatsuzaki. Aunque algunos supusieron en su día que estaría basada en Verne.

Una de sus peculiaridades es que en EEUU fue lanzada en DVD con el doblaje inglés internacional y no el que habían hecho ellos mismos. Es porque la Toho no les dio permiso.

La Toho quería lanzarla en navidades así que la tuvieron que hacer en tan solo 4 meses, desde el concepto original al resultado final. Lo cual es una auténtica locura incluso para la década de los 60.

Aparecen hasta 600 bailarines en algunas de las secuencias.

Pocas cosas me fastidian más que empezar a ver una película y creer que ya la he visto y no conseguir encontrar su entrada. Por suerte creo que he dado con el problema. Es porque vi "惑星大戦争" (1977), que es el remake de esta.

En esencia hay un imperio secreto, situado en el Pacífico, de nombre Mu. Tienen el submarino y amenazan a Japón.

Por algún motivo, los habitantes de Mu tienen aspecto de japoneses. Aunque son como una secta y visten parecido a los Hawaianos.

En medio de todo el lío tenemos a un general desaparecido durante la guerra, que no parece estar muy feliz de reencontrarse con su hija 20 años más tarde. Lo cual no tiene ningún sentido, pues ella debía ser un bebé cuando desapareció.

Y un "periodista" que es muy listo y consigue ir con un grupo de militares a la isla secreta donde están fabricando el submarino especial. Dicho submarino aparece pasados 45 minutos de película.

Manda tiene aspecto de dragón porque el año 1964 iba a ser el año del dragón. Regresó en la película de Godzilla "怪獣総進撃" (1968). Le vemos pasada una hora de película por vez primera.

No falta la clásica secuencia de japoneses corriendo por las calles cuando se acerca una amenaza.

Es demasiado "militar" para mi gusto. Además tratan el tema de la guerra de una manera demasiado cruda. Aunque supongo que incluso 20 años más tarde seguiría siendo algo difícil de tratar.

What's a Nice Girl Like You Doing in a Place Like This? (1963)

Sigamos.

Un escritor llamado Algernon (o Harry, según sus amigos) compra una fotografía de un hombre en una barca en un lago y se obsesiona con ella. Debido a que no puede dormir decide montar una fiesta en su apartamento y tras un día y pico conoce a una chica con la que terminará casándose. Empiezan a vivir una vida normal en la que él escribía y ella pinta cuadros. Pero ella empieza a pintar muchos cuadros con agua y él acaba metiéndose en uno de ellos.

Su duración es de 10 minutos.

Dirigido y escrito por Martin Scorsese. Su segundo cortometraje tras "Vesuvius VI" (1959), aunque tengo la impresión de que ese está perdido.

Me parece la mar de interesante comprobar que estos primeros cortometrajes sean todos en blanco y negro. Lo cual responde no sólo al hecho de que son obras noveles y de poco presupuesto sino que en los años 50 y 60 era lo habitual, incluso en el cine comercial.

Vemos un montaje rápido de cómo decoró su casa.

La cámara es realmente dinámica. Lo más peculiar es cómo lograron eliminar al tipo y a la barca de la fotografía, se nota bastante pero aún así tuvo que ser algo bastante elaborado (y a mano).

Juega también con la repetición y los mismos planos, pero con ligeras diferencias.

Está bien, tiene su gracia. Me recuerda bastante al estilo de Woody Allen, especialmente porque aparece una psicoanalista para ayudar al protagonista. Es quizás demasiado corto, hubiera dado pie a toda una película en caso de ser de Allen.

Woton's Wake (1963)

Saltemos al otro lado del charco.

Woton Wretchichevsky tiene su cara desfigurada y vieste con una capa negra, además de llevar una máscara. Se dedica a espiear parejas y a quemarles vivos con su soplete. Se dedica a esculpir esculturas de acero y como las mujeres le rehúyen decide crear una y cuando va a usar el soplete con ella, la chica sale corriendo. Él la persigue por la calle con el soplete en la mano. Finalmente ella termina escondiéndose en el ático de unos apartamentos dándole esquinazo.

Su duración es de 27 minutos.

Dirigido y escrito por Brian De Palma. Previamente había hecho dos cortometrajes titulados "Icarus" (1960) y "660124: The Story of an IBM Card" (1961). De nuevo, tenía entendido que este era el primero, en todo caso se consideran perdidos.

Protagonizado por William Finley (Woton), conocido por "Phantom of the Paradise" (1974). Este fue su debut en el cine. Lleva un maquillaje realmente grotesco para exagerar sus facciones, no ayuda demasiado la manera en la que viste y se mueve.

Lo primero que llama la atención es que los créditos de inicio van acompañados de una canción dedicada a Woton.

El uso de una cámara de mano enfocando de manera casual y en ocasiones torcida, las imágenes que se suceden a gran velocidad con cortes de milisegundos, todo ello para dotar de mayor velocidad a la acción son características primigenias de un cineasta que aún tenía un largo recorrido frente a él.

En un momento dado vemos a Woton frente a un espejo probando diferentes maquillajes y pelucas. En realidad es una lástima que sea en blanco y negro porque tiene pinta de ser muy colorido todo lo que lleva.

No tiene diálogos pero en algunas escenas oímos una especie de voz en off y aparecen unos textos en pantalla que nos explican un poco qué está sucediendo.

Dicho lo cual, la segunda dice que la chica no sabe jugar al ajedrez y resulta muy gracioso como va apilando las piezas.

En un momento dado recrean la escena de la partida de ajedrez de "Det Sjunde Inseglet" (1957), con Woton y la mujer, yendo ella vestida como la muerte e incluso imitando sus gestos.

Woton también imita a "King Kong" (1933) en lo alto de un rascacielos derribando aviones a manotazos. Esa parte incluye un momento bastante absurdo en el que se dedica a arrojar platos con nata a los que miran, como si fuera un sketch cómico de la época muda.

Tiene mucho de perturbador, pero en realidad parece todo muy suave, por lo absurdo. Incluso cuando quema a la pareja al principio no parece que sufran, de hecho da la impresión de que ya están muertos. Y el edificio donde se meten incluye una especie de bestia salvaje, un mayordomo con un parche y una ¿orgía?, no me ha quedado muy claro, podría ser el ritual de una secta.

En todo caso es un señor debut, raro como él solo.

8½ (1963)

Esta es una de las pocas que no he visto de esta selección.

Guido Anselmi es un director de cine que está trabajando en su próxima película. La llegada de su amante Carla, a quien ha buscado un hotel discreto, no le ayuda con la crisis creativa por la que está pasando.

La película que todo el mundo nombra al hablar de Federico Fellini. He esperado demasiado para verla, lo sé, pero bueno, ha llegado el momento. Aparte de dirigirla fue co-guionista. El título viene de que tras dirigir 6 películas, dos cortometrajes y codirigir una película esta sería su 8ª y media. Originalmente iba a titularse "La Bella Confusione".

El reparto está encabezado por Marcello Mastroianni (Guido Anselmi), conocido también por "La dolce vita" (1960), protagonizó "Sostiene Pereira" (1995). Con Claudia Cardinale (Claudia), a quien vimos en "C'era una volta il West" (1968) y en "The Pink Panther" (1963).

En aquella época era común en las películas italianas grabarlas sin sonido para doblarlas posteriormente. A Fellini le encantaba dar órdenes mientras rodaba las escenas y también hacía pequeños cambios en el guion posteriormente, con lo cual muchos diálogos acabaron desincronizados.

El arranque de la película me recuerda al videoclip de la canción "Everybody Hurts" de REM y al de la película "Falling Down" (1993).

La reunión con la gente del rodaje es una parte bastante caótica en la que cada uno espera que el protagonista les informe, pero él se dedica a dar largas a todos. Durante la cena su amante está en la mesa de al lado y uno de sus amigos intenta ligar con ella.

"La Saraghina" parece un personaje sacado de una película de John Waters, de hecho no me cabe duda de que fue una de sus inspiraciones.

La religión forma parte de una parte de la historia. Aunque lo exageran tanto todo que resulta cómico.

La escena en la que sueña que todas las mujeres que ha conocido viven con él y se llevan bien es muy caótica también.

Claudia hace de sí misma y aparece durante apenas 8 minutos de película.

Durante toda la película el tipo de los decorados no para de mencionar "la astronave". Eventualmente visitan el decorado y cuando por fin decide no rodarla lo desmontan.

Es todo muy meta, el director de cine y el enjambre de personas que le sigue a todas partes esperando a que empiece el rodaje, cada uno con su tema particular. Y la guinda del pastel es la esposa, especialmente cuando descubre su affair.

Tuvo un remake titulado "Nine" (2009), aunque técnicamente está basado en el musical que surgió de esta película.

Es rara, diferente, original, difícil de explicar de hecho. Me encanta.

Cleopatra (1963)

Una producción de las grandes.

Estamos en el año 48 antes de Cristo. Gaius Julius Caesar acaba de ganar en la batalla de Pharsalia, pero Pompey ha logrado huír hacia Egipto. Mientras tanto el faraón Ptolemy XIII es el nuevo mandatario tras derrotar a su hermana Cleopatra VII y pretende ganarse el favor de Caesar entregándole la cabeza de Pompey. Sin embargo Cleopatra se presenta ante Caesar y él se enamora de ella, echando a Ptolemy y proclamándola la nueva gobernanta de Egipto. Caesar regresa a Roma, donde es asesinado, y Cleopatra se va a Egipto. Años más tarde Mark Anthony es el nuevo aliado de Cleopatra, se casa con Octavia, la hermana de Octavian, y Cleopatra se enfada con él. Eso hace que Mark Anthony regrese a Egipto y se case con Cleopatra, pero Octavian aprovecha para atacarle y le derrota. Cleopatra finalmente decide huir y ocultarse en su tumba.

Este argumento está ultraresumido de uno sacado de una página. No me apetecía escribir uno yo mismo. Con lo cual es posible que haya alguna cosa mal.

Lo primero, creo que de esta selección es la única película larga. Aunque podría equivocarme, pero no me suena ninguna que supere las 3 horas.

Dirigida por Joseph L. Mankiewicz y Rouben Mamoulian. El primero es conocido por "Julius Caesar" (1953) y "All About Eve" (1950), aunque yo sólo he visto "The Ghost and Mrs. Muir" (1947). El segundo hizo "Dr. Jekyll and Mr. Hyde" (1931) y "The Mark of Zorro" (1940), esta fue su última película como director.

Rouben Mamoulian fue despedido tras 16 semanas de rodaje, sin embargo sólo se usaron 10 minutos de todo lo que había rodado.

Joseph L. Mankiewicz fue despedido durante la post-producción por desavenencias sobre la duración de la película con el nuevo presidente de la Fox, Darryl F. Zanuck. Sin embargo al ser también el guionista era el único que sabía como habían de editarla así que lo tuvieron que traer de vuelta para que completase el proyecto.

De hecho su idea original era hacer dos películas de unas 3 horas cada una tituladas "Caesar and Cleopatra" y "Antony and Cleopatra". Al oponerse la Fox pensó en hacer una película de unas 4 horas, pero aún así fue editada hasta las 3 horas y cuarto que dura.

Un reparto bastante impresionante con nombres como Elizabeth Taylor (Cleopatra), en aquellos momentos había salido en "Cat on a Hot Tin Roof" (1958) y en "Giant" (1956). Richard Burton (Mark Antony), le vimos en "Nineteen Eighty-Four" (1984), "Exorcist II: The Heretic" (1977) y "The Longest Day" (1962). Rex Harrison (Julius Caesar), protagonizó "Doctor Dolittle" (1967), salió en "My Fair Lady" (1964). Martin Landau (Rufio), conocido por "Ed Wood" (1994) y "North by Northwest" (1959). Y Roddy McDowall (Octavian Caesar Augustus), a quien me encuentro en todas partes, le hemos visto en "Fright Night" (1985), "Planet of the Apes" (1968) y "Hello Down There" (1969)... por decir tres.

Por lo que tengo entendido hay varias versiones. La de 243 minutos es la original, tal y como fue estrenada en su día. Luego hicieron una de 194 minutos que fue la que emitieron más veces por televisión. Existe la del 50º aniversario que dura 251 minutos y también la del director de 320 minutos de duración, pero por más que busque información sobre ella nadie parece saber nada.

En todo caso yo poseo la original.

Construyeron 79 escenarios y crearon unos 26.000 trajes.

Ajustando el presupuesto hoy en día hubiera costado unos 400 millones de dólares hacerla. Inicialmente fue un fracaso de taquilla, a pesar de ser la película que más recaudó en su momento. Fue gracias al mercado del vídeo doméstico que compensaron las pérdidas.

En Anzio, donde estaba situado el escenario para hacer de Alejandría, explotó una bomba de la Segunda Guerra Mundial matando a varios trabajadores.

En Egipto rechazaron la entrada de Elizabeth Taylor porque se había convertido al judaísmo para casarse. Sin embargo cambiaron de opinión cuando se dieron cuenta de que ganarían millones de dólares sólo por permitir el rodaje.

En realidad no se sabe la localización de la tumba de Cleopatra ni de su palacio porque en el año 365 hubo un terremoto que causó un Tsunami el cual destruyó Alejandría hundiendo parte de ella bajo el mar.

Joan Collins fue la primera elegida para protagonizarla, en esos momentos el presupuesto iba a ser de unos 2 millones de dólares. Según contó años más tarde rechazó el papel porque el jefe del estudio le pidió acostarse con ella. En todo caso sí sale como doble de Elizabeth Taylor en los planos lejanos. De hecho cuando Elizabeth Taylor se puso enferma (y casi muere por una neumonía) Joan Collins era la elegida para sustituirla, aunque no se sentía especialmente feliz con la idea.

Es la película que, en esencia, arruinó la carrera del director Rouben Mamoulian (quien ni siquiera recibió crédito por ello), también la del productor Walter Wanger, ya que fue despedido, que nunca gustó a Elizabeth Taylor ni a Richard Burton (porque la editaron severamente) y que, definitivamente, no era lo que tenía mente Joseph L. Mankiewicz.

Y aún así es considerada una obra de culto y de éxito porque la Fox consiguió venderla muy bien en los Oscar de ese año, llevándose 4 estatuíllas de las 8 a las que estaba nominada. Esto es Hollywood, señores.

Una de las técnicas más usadas en esa época era la de las pinturas matte. Sin embargo estoy seguro de que la ciudad de Alejandria fue construida realmente (por lo que leí tuvieron que hacerla 3 veces). Y se nota, podemos ver la gente frente a las enormes columnas y edificios y la cámara se posiciona en diferentes sitios sin problemas.

Es tan ridícula la conversación de Cleopatra y Caesar sobre si ella es la hija de Isis y él el descendiente de Venus.

En la película Caesar padece crisis epilépticas, al menos así las definen. Sin embargo la teoría moderna que más cuadra es que en realidad fueron derrames cerebrales. Pero no hay manera de demostrar ninguna de las teorías que han ido surgiendo (se ha hablado de un tumor cerebral, de un posible origen genético, que si fue cosa de la sífilis e incluso si tenía un parásito intestinal).

Me hace gracia porque mientras la veo más seguro estoy de que basaron la Cleopatra de "Astérix et Cléopâtre" (1968) en esta película. Lo mismo con su relación con Caesar y la persona que se dedica a probar sus bebidas y comidas.

Explican la destrucción de la biblioteca de Alejandría como un accidente cuando la estrategia de los romanos de quemar los barcos se les fue de las manos y quemó parte de la ciudad.

Esa parte tiene un error bastante grave y es que hablan del "testamento del dios hebreo" (el antiguo testamento) y del "libro de libros", que es una de las maneras que hay para referirse a la biblia (más concretamente a la del Rey Jaime de 1611). Lo del testamento encaja históricamente pero no serían TAN relevantes (eran unos textos escritos por profetas y demás recopilados alrededor del año 500 AC, pero no eran ni de lejos la versión que llegó a nuestra época) y desde luego no se perdieron en la destrucción de la biblioteca más famosa del momento.

Por lo que he podido entender la edición severa fue para favorecer las escenas de batallas, sin embargo tampoco es que se vean tantas (aunque están muy bien). De hecho eso hace que me pregunte si quitaron las partes donde vemos más desarrolladas historias secundarias.

La primera vez que se besan Caesar y Cleopatra no me pareció nada convincente, no tuve la sensación de que pasase nada entre ellos. De hecho parecía más algo para romper un poco la tensión del momento. Por eso cuando ella decide casarse con él no me acaba de cuadrar demasiado.

En realidad no se sabe a ciencia cierta donde está la tumba de Alejandro Magno, pero sí que durante un tiempo fue adorada en Alejandría, tal y como se ve en la película.

Me fascina que la parte de Caesar y Cleopatra en Egipto dure apenas una hora. La ambición de ambos es unir sus imperios siguiendo las ideas de Alejandro Magno y para ello usarán a su hijo Cesarión.

En realidad Cesarión era un apodo, su nombre completo fue Ptolomeo XV Filópator Filómetor César. Se duda de que fuera hijo de Caesar y no fue reconocido oficialmente en Roma.

La llegada de Cleopatra a Roma viene precedida de una serie de numeritos y lo que más me ha llamado la atención es que aunque algunos son claramente coreografías la manera de ejecutarlas es ligeramente caótica para que casi parezcan espontáneas. Me parto de risa cada vez que enfocan a las esposas de los romanos por las caras que ponen al ver a Cleopatra.

En la película dicen que la existencia de Cesarión hace que Bruto no pueda ser considerado hijo de Caesar. Pero es que no lo era, no cuadran las fechas de su nacimiento. Por otra parte la famosa frase "¿Tú también, hijo mío?" (o variantes de la misma) ha sido atribuida como las últimas de César al ser asesinado, sin embargo lo que relataron algunos testigos es que no dijo nada y murió con dignidad (es como sale en la película). La frase la popularizó la obra de Shakespeare. Bruto y los suyos fueron perseguidos tras la muerte de Caesar y, eventualmente, murieron.

Siguiendo con las cosas ridículas la relación entre Mark Anthony y Cleopatra tras la muerte de Caesar es una de las que más. No sé quien es más tontaco de los dos.

Mark Anthony es un borrachuzo con el que juegan todos, primero Cleopatra, luego Octavian y más tarde Cleopatra de nuevo. Y al final lo manda todo a la mierda, como es natural.

La muerte de Cleopatra en la película es por la mordedura de una serpiente. Se especula que en realidad usó una combinación de venenos.

Bien, tras verla he de decir que han intentado ser lo más fieles posibles a lo que se sabía de la época romana y la historia de Cleopatra. Es una verdadera lástima que no podamos ver la versión completa de la película porque lo más seguro es que sería igualmente interesante.

Lo que más he echado en falta son los combates, por lo visto sí tenían en mente grabarlos pero no había presupuesto para ello. Y eso no me sorprende lo más mínimo dado que incluso después de haberla terminado de grabar para hacer la edición severa todavía tuvieron que rodar algunas escenas más porque sino no les cuadraba la historia.

Especial 6100:

Hora de hacer una pequeña parada porque llegamos a una entrada con número redondo, y eso quiere decir que he de hacer un "especial".

Creo que este año me he pasado un poco con la cantidad de títulos sobre tiburones. Quedan aún 15 y está a punto de acabar Agosto. Esta vez ha sido una barbaridad. La buena noticia es que para el año que viene tengo ya 8 películas de acción real y 6 de animación, esto no para.

En realidad si hubiera tenido un ritmo de visionado similar al de años anteriores me las hubiera ventilado sin problemas, pero me está costando bastante avanzar debido a que me dedico a ver bastante Twitch, principalmente.

En cuanto al blog no ha habido cambios esta vez. Al menos no aparentes, porque se ve que según Google algunas entradas dieron errores de indexación que se arreglaron mágicamente. Yo tampoco lo entiendo, al final es más fácil ignorarlo. Aparte que Google Analytics ha cambiado y creo que tengo que hacer algunos cambios, pero me da una pereza enorme y, sinceramente, me dan bastante igual las estadísticas.

Pero bueno, pasemos al tema que nos ocupa. Una película que ya debería estar en el blog, por suerte he hecho una pequeña recopilación de títulos que "faltan" y que me facilita las cosas a la hora de hacer estos especiales. El título elegido es un clasicazo que tengo muchas ganas de volver a ver.

The Great Escape (1963)

En España la titulamos "La gran evasión".

Un grupo de soldados aliados llega a un campo de refugiados nazi. Lo primero que reciben es la noticia de que el capitán del campo no quiere que los prisioneros tratan de escapar y para ello han creado ese campo. Sin embargo cada uno trata de hacer uso de su ingenio desde el momento en que llegan allí para tratar de salir del campo, sin éxito. Es la llegada de otro prisionero lo que hace que empiecen a realizar serios planes de escape cavando tres túneles a la vez para que puedan escapar unos 250 prisioneros.

Dirigida por John Sturges. Suyas son "The Magnificent Seven" (1960), "Gunfight at the O.K. Corral" (1957) y "The Old Man and the Sea" (1958). Como curiosidad extra empezó el rodaje de "Le Mans" (1971) pero lo abandonó tras 7 semanas.

Un reparto de lujo con nombres como Steve McQueen (Hilts "The Cooler King"), James Garner (Hendley "The Scrounger"), Richard Attenborough (Bartlett "Big X"), Charles Bronson (Danny "Tunnel King"), James Donald (Ramsey "The SBO"), Donald Pleasence (Blythe "The Forger") y James Coburn (Sedgwick "Manufacturer").

La primera curiosidad es que tuvo una secuela titulada "The Great Escape II: The Untold Story" (1988). Fue una película hecha para televisión en la que reaparece Donald Pleasence.

El campo en la vida real estaba en Zagan, Polonia y se llamaba Stalag Luft III.

El escritor Paul Brickhill fue quien hizo la novela en la que se basaron. Estuvo en dicho campo durante la guerra y ayudó en la preparación de la huida.

El último superviviente de los que escaparon en la vida real, Dick Churchill, murió en el año 2019 a los 99 años.

En la película vemos algunos estadounidenses escapando. En la vida real los oficiales de EEUU ayudaron a construir el túnel pero no escaparon porque justo antes los alemanes les habían trasladado a otro campo.

United Artists quiso hacer cortes porque consideraba que era demasiado larga. Fueron a pedir dinero a un banco y al director le hizo ilusión verla antes del estreno, aceptaron y al descubrir que habían cortado una escena que explicaba algo esencial decidieron dejarla entera (estamos hablando de casi 3 horas de duración).

La policía del lugar donde realizaron el rodaje puso una trampa para capturar a los que excedían el límite de velocidad. Entre los que capturaron estuvo Steve McQueen a quien le dijeron que fue el que iba más rápido. Fue arrestado y le metieron brevemente en la cárcel.

Charles Bronson por su parte aportó mucho al personaje porque había sido minero de carbón antes de meterse en la actuación. Le dio ideas al director de cómo mover la tierra, por ejemplo. Además su etapa como minero le dejó como secuela una claustrofobia similar a la del personaje que interpreta.

Y hablando de Danny, dice que sólo sabe decir "Te quiero" en ruso ("я вас люблю"). El actor habla ruso de forma fluida ya era el único idioma que hablaba cuando era niño. De hecho dice algunas cosas más como ""товарищ" y "спасибо".

Wally Floody fue quien hizo el túnel en la vida real, aunque no llegó a escapar porque lo transfirieron a otro campo. Colaboró también con el rodaje durante más de un año.

El túnel de la película fue creado por más de 600 hombres durante un año.

Varios actores estuvieron en campos de prisioneros durante la guerra. Más concretamente Donald Pleasence estuvo en el Stalag Luft I, Hannes Messemer en uno ruso y Til Kiwe y Hans Reiser fueron prisioneros de los estadounidenses. Según Pleasence la película hizo una gran recreación de un campo.

En la secuencia de la persecución en moto Steve McQueen también hizo de uno de los nazis. Concretamente el que se golpea contra un alambre de espino.

Lo primero que cala en esta película es su BSO. Tiene un aire militar a la vez que alegre, creo que es un gran acierto dada la temática que trata.

El mensaje inicial nos dice que está basada en hechos reales pero que tanto los personajes como el lugar son bastante diferentes. Sobre los personajes puedo decir que algunos están basados en varios de ellos, otros tienen rasgos físicos similares y otros simplemente hacen un papel similar, aunque ninguno de los nombres coincide.

Creo que lo más importante de esta película es que fue rodada en exteriores, no usaron ningún plató. Eso la dota de mucho realismo, independientemente de si la historia es más bien ficción debido a los numerosos cambios respecto a lo que sucedió en la realidad.

Es la película donde dicen la famosa frase "it is the sworn duty of all officers to try to escape". Sin embargo no sé si llamar éxito al hecho de tratar de escapar numerosas veces o de conseguirlo y ser recapturado posteriormente.

Los prisioneros rusos son tratados de manera muy diferente a los soldados aliados. Tiene que ver con el hecho de que los nazis los consideraban "Untermensch", que vienen a ser "humanos inferiores".

Una de las escenas más icónicas es la de Steve McQueen y su pelota de béisbol.

Prácticamente nada más llegar meten a Ives y Hilts en aislamiento durante 20 días. Pero en realidad están sólo 15, lo cual no parece algo que harían los nazis, quienes adoraban seguir las reglas a rajatabla.

Lo de usar nombres para los túneles es muy inteligente. De esa manera cuando hablas de "Tom", "Dick" o "Harry" estás haciendo una referencia a ellos sin que los nazis sepan de qué estás hablando. Claro que para ello hay que dejar claro que jamás se ha de usar la palabra "túnel" en ninguna conversación.

La palabra "goon" significa matón, sin embargo en este contexto proviene de las siglas de "German Officer Or Non-Com".

Definitivamente lo mejor de la película son los ocurrentes planes de fuga de Steve McQueen. Incluso el hecho de que fracasen es genial.

Lo más loco de todo es cómo hacen ropa de paisano a partir de los uniformes, mantas y demás.

Es increíble lo mucho que dura la parte de la huida y la cantidad de imprevistos que tienen, aún así consiguen salir 76. no tantos como tenían planeado desde un principio pero no está nada mal.

En la escena del tren corre el rumor que se ve a un jovencito Harrison Ford de fondo. En realidad es alguien que se le parece, pero es literalmente imposible que sea él. Para empezar para los extras usaron a gente local y rodaron la película en el sur de Alemania. Y luego tenemos que aunque su cara se asemeje en realidad tiene un mentón muy diferente.

En realidad McQueen quería demostrar sus proezas conduciendo una moto, pero la escena en la que salta una valla es un amigo suyo de nombre Bud Ekins quien la hace. De hecho también hizo de doble suyo en "Bullitt" (1968).

El final es la cosa más cruel posible, no sólo capturan a casi todos ellos sino que ejecutan a 50. En la vida real pasó algo similar pero no fueron ejecutados todos juntos sino en grupos. Y algunos de los que les ejecutaron fueron posteriormente asesinados.

En fin, un peliculón que ha recibido críticas por las razones más absurdas como por ejemplo que no haya ningún papel interpretado por una mujer. O que no sea fiel a la realidad. Para mi es más que válida en todos los sentidos.

Agente XU 777 (1963)

También conocida como "Entrega Inmediata".

Feliciano Calloso es un cartero que apenas gana para poder vivir. Un día recibe la visita de una mujer quien le pide que entregue las cartas del día siguiente más temprano, cosa que él acepta porque cree que está ligando. Y resulta que es un plan de un grupo de personas para hacerse con una fórmula secreta. Por cosas del destino terminan confundiéndole con un espía y le encargan que vigile a la mujer que le contactó en primer lugar.

Otra película de Cantinflas (Feliciano Calloso / Agente XU 777) en la que interpreta a un personaje que acaba suplantando a otra persona. Además tenemos el número 777, ambas cosas son temáticas recurrentes en su cine.

Del resto del reparto destaca el nombre de Gina Romand (Carlota), quien falleció el año pasado. Ha salido en títulos como "Santo contra hombres infernales" (1961), "Santo vs. la hija de Frankestein" (1972) y "La venganza de las mujeres vampiro" (1970).

Lo primero destacable es que regresamos al blanco y negro.

Es un desastre de cartero, desde su primera aparición vemos como incluso es capaz de partir una carta en varios trozos para que quepa en su bolsa. Además uno de los lugares a los que lleva correspondencia es la casa de un señor francés que vende vinos y allí pilla una cogorza importante cuando le invita.

También es la segunda película que veo de Cantinflas en la que termina haciéndose cargo de alguien tras el fallecimiento de uno de sus compadres. La diferencia es que esta vez es una jovencita apodada "Bebé", cosa que hizo que adquiriese una cuna antes de conocerla. He de decir que era un chiste que se veía venir de lejos.

El rollo de los espías es el mismo de siempre, espionaje y contraespionaje por parte de ambas partes, vigilando cada cosa que hace el enemigo.

El espectáculo al que acude es un zapateao flamenco. Algo muy típico de México.

Una frase un tanto desacertada: "Con la cantidad de hombres que has conocido alguno ha de parecerse a otro", dicha a la espía.

Y también el detalle de que describen a Cantinflas disfrazado como pelirrojo cuando es en blanco y negro la película. Yo pensaba que llevaba una peluca gris.

He de decir que me han gustado las partes en las que se disfraza, especialmente la de la funeraria. Y que no me esperaba al principio que terminaría casándose.

天国と地獄 (1963)

El título se traduce como "Cielo e infierno".

National Shoes es una empresa de zapatos cuyas ventas están estacandas y por eso los ejecutivos están planeando destituir al presidente pero Kingo Gondo, uno de ellos, se opone. De repente hace saber a su esposa y su ayudante que acaba de adquirir el 47% de las acciones de la compañía a cambio de 50 millones de yenes. De repente recibe una llamada diciendo que su hijo ha sido secuestrado, pero en realidad es el hijo de su chófer.

Pasamos a otro título de Akira Kurosawa. Y, una vez más, tenemos a Toshirô Mifune (Kingo Gondo) de protagonista.

Tras su estreno aumentaron los secuestros en Japón. De el propio director recibió amenazas con que secuestrarían a su hija Kazuko. Según dijo su intención era hacer que la película resaltase el problema para que impusieran penas más duras a los secuestradores.

Tiene uno de los errores más graves que puede cometer un cineasta del nivel de Akira Kurosawa. Es tan grave que hace que esta película pierda enteros, de hecho no sé si mencionarlo porque puede que cambie tu manera de ver el cine de este director para siempre. Pero bueno, aquí hemos venido a jugar, la trama transcurre a mediados de verano pero la película fue grabada en invierno con lo cual la copa del monte Fuji está nevada. Obviamente estoy bromeando, efectivamente sí que es un error pero, aquí es donde viene la parte interesante, es el único que tiene la película. Y no lo digo yo.

Una película de 1963 y la policía ya sabe como evitar que unos secuestradores sepan que están enterados de todo. En películas posteriores (estadounidenses principalmente) son bastante más torpes e incluso tienen topos.

En vez de mostrar dos veces el diálogo con los secuestradores pasan directamente al análisis del mismo. Me parece algo muy inteligente por parte del director. De nuevo algo que las películas más modernas no tienen en cuenta.

El protagonista se enfrenta a un dilema bastante complicado. O bien paga a los secuestradores y se arruina por completo o bien no paga y hace que todos le odien, incluso que le acusen de haber sacrificado a un niño con lo cual su compañía se iría al garete.

Lo primero en lo que me he fijado del secuestro es que pasa muy poco tiempo entre que vemos al niño y llaman pidiendo el rescate. Eso me hizo pensar que quizás fueran los 3 tipos del principio que actuaron a la desesperada, pero entonces les hubieran reconocido las voces, la siguiente opción es alguien que tenía todo planeado y que escondió al niño cerca. Y resulta ser esto segundo.

La parte en la que los policías van dando sus reportes de la investigación minuciosa tras el secuestro es fascinante.

Técnicamente es la primera película de Akira Kurosawa en la que hay algo de color (es una escena muy significativa además). Fue eso lo que inspiró a títulos como "Schindler's List" (1993) y "Rumble Fish" (1983).

Dicen que la famosa escena del baile en "Pulp Fiction" (1994) está inspirada en esta película. Sin embargo Tarantino confirmó que se basó en "Bande à part" (1964) de Jean-Luc Godard.

Lo que sí me ha parecido una influencia es la parte en la que se acerca a la yonki. Cuando vemos el reflejo en las gafas de sol es similar a como se ve Elijah Wood en "Sin City" (2005).

Es un título realmente interesante de Kurosawa, no sabía muy bien qué me esperaba y me ha enganchado de principio a fin.