Tabu: A Story of the South Seas (1931)

Esta pinta bien.

Dos jóvenes amantes en la idílica isla de Bora Bora, en el Pacífico Sur, ven su vida truncada cuando el viejo guerrero declara a la muchacha la Doncella Elegida y prohíbe a cualquier hombre siquiera mirarla. Negándose a aceptar una vida separados, huyen a otra isla, decadente y occidentalizada. El joven trabaja como buceador de perlas, pero, al no comprender del todo el concepto del dinero, pronto se endeuda. Cuando el viejo guerrero los encuentra, planean huir de nuevo, pero en un intento desesperado por saldar sus deudas, el joven bucea en busca de perlas en aguas infestadas de tiburones.

Dirigida y co-escrita por F.W. Murnau. Fue su última película, falleció en un accidente de coche una semana antes de su estreno.

El "tabu" del título hace referencia a varias cosas. Por una parte la prohibición de "tocar" a la chica virgen elegida para ser sacrificada, cosa que provoca que el chico del que está enamorada se fugue con ella. Y luego, más tarde, el peligro de un lugar lleno de perlas donde hay un tiburón muy peligroso. Por eso ponen un aviso.

La historia está dividida en dos capítulos. El primero termina con la fuga de la pareja, el segundo se centra en su nueva vida en otra isla.

Es muda pero en vez de sacar los típicos cartelitos usan textos escritos en alguna parte, algunos a tiempo real.

Les hacen el lío, pero bien. Se endeudan, sin saberlo, y cuando quieren comprarse unos billetes de barco para huir no les llega. De hecho aún deben mucho, pero mucho, dinero. Lo cual les fuerza a ir a por las perlas de la zona prohibida.

Al tiburón tardamos mucho en verle (casi en el final) y aparece de manera borrosa o realmente cerca de la cámara. Aún así se nota que es uno realmente pequeño, no debe llegar al metro de longitud. Cuando vemos su aleta sobre el mar sí parece más grande (y más falso).

Es una escena corta,pero al menos vemos como ataca al protagonista.

El final es trágico, como no podía ser de otra manera. La comparan con "Romeo y Julieta", yo opino que tienen más diferencias que similitudes.

Venga, sigamos que aún quedan algunos títulos de la década de los 30.

Cuarto especial sobre Oz:

Bienvenidos al que espero que sea el último piso de este descenso a la locura que han resultado ser los especiales que he hecho sobre el tema de Oz. Llevo ya tres recorridos, bastante intensos cuyos títulos fueron bastante complicados de recopilar, y aún así siempre he terminado descubriendo que hay más. Parece no tener fin el tema.

Esta vez me he esmerado a fondo. Lo voy a decir de una manera clara, es posible que me haya dejado títulos, algunos soy muy consciente de su existencia y por ello los voy a listar a continuación. Dicho lo cual, he decidido no fijarme demasiado en cosas como documentales o episodios de series que traten el tema, hay algunos en este recorrido pero eran tantos que me cansé y preferí centrarme en producciones más "normales".

Esto ha sido realmente difícil, quiero que sea el punto y final.

Empecemos por los títulos que no he encontrado. Si más adelante salen más títulos quizás me moleste en verlos, quizás no, me da igual. Es demasiado.

• The Wizard of Oz (1967): Una película hecha para televisión.
• El Mago y Sus Amigos (1984): Dirigida por Pepe Romay. No sé mucho de ella, salvo que es mexicana.
• Ode to Dorothy (1998): Se trata de un cortometraje creado por Dayna McLeod, de 8 minutos de duración. Entra dentro de la categoría experimental.
• Untitled #125 (Hickory) (2011): Vídeo de 120 horas de duración, hay disponibles unos 15 minutos. Es de Josh Azzarella y la idea es expandir una escena de la película de 1939 de 6 minutos de duración a algo que es prácticamente imposible de ver.
• Toto’s Christmas in Oz (2024): Una película de animación.

Estos son los títulos que sé que están perdidos o directamente no existen:

• The Fairylogue and Radio-Plays (1908) (función multimedia con segmentos filmados): Primer “evento” cinematográfico de Oz creado por L. Frank Baum.
• John Dough and the Cherub (1910): Estado desconocido.
• The Land of Oz, a Sequel to the 'Wizard of Oz' (1932): Hay una copia pero no ha sido lanzada al público.
• No. 13: Oz (1962): Adaptación comercial inacabada de la novela de L. Frank Baum, archivada tras la muerte por cáncer de Arthur Young, amigo íntimo de Smith, productor ejecutivo y principal inversor. Sólo se conservan 15 minutos de las casi 6 horas que se rodaron, aunque sólo hay una secuencia de 5 minutos completa.

Bien, una última cosa. He dado con títulos de lugares muy diversos, lo cual me hace pensar que es más que posible que puedan haber más. Por ejemplo de China o de la India. Pero estoy agotado, de verdad. Llevo meses buscando intensamente y mi cabeza ya no puede más.

En fin, empecemos con esta locura con...

Oz University (1936)

La producción más temprana de este listado.

Dorothy acompaña al Mago de Oz al trono, asistido por Ojo, él mira a través de la Imagen Mágica la Universidad de Michigan y ve a los estudiantes. Por Entonces decide llevarlos a la Universidad de Oz, transformándolos en celebridades como Tippetarius, the Scarecrow, Nick Chopper, Tik-Tok, Old Mombi, Jinjur, Scraps, The Shaggy Man, Betsy Bobbin y Jack Pumpkinhead. Después de celebrar una fiesta van a clase con el Profesor Wogglebug.

Su duración es de 12 minutos.

Está interpretado íntegramente por mujeres. Aunque por la manera de vestir juraría que alguna se está haciendo pasar por un hombre.

Es una producción un tanto peculiar pues pertenece a la época sonora pero es muda. Y encima en color, más concretamente usaron la técnica de dos tiras de Technicolor.

Es una obra teatral, pero está grabada en exteriores y el "escenario" es bastante grande. De hecho diría que es un parking.

Cuando habla el Mago de Oz lo hace rimando.

Los disfraces no están muy elaborados, pero se pueden identificar algunos de los personajes.

No tiene sonido y aún así vemos un numerito musical. Siempre me fascinan estas cosas. Parecen los guardias de la ciudad esmeralda haciendo una coreografía.

Luego vemos a una pareja (Tip y Jack) bailando sincronizadas.

Al terminar la clase hacen otro numero todas juntas y regresan a casa donde vuelven a ser ellas mismas.

Definitivamente es una rareza de las que, por suerte, han llegado a nuestros tiempos con una buena calidad.

Empezamos suave. A saber cuánto tiempo me llevará ver todos estos títulos...

Little Annie Rooney (1925)

Aquí la titulamos "La pequeña Annie Rooney" y "La pequeña Anita".

En la zona alta de la ciudad a una banda se la llama "sociedad", en la zona baja es simplemente "banda". Mickey Kelly es el líder de la banda "Kid Kellys", y su principal enemiga es la pequeña Annie Rooney y su grupo, con quienes se pelean a menudo. Por otra parte está su hermano mayor, Joe Kelly, y su banda "Big Kellys".

Una película más de Mary Pickford (Little Annie Rooney), llevo ya unos cuantos de sus títulos en el blog. Es también quien escribió la historia original, aunque con el sobrenombre Catherine Hennessey.

Interpreta a una jovencita, pero en realidad tenía 33 años cuando hizo esta película. Claro que es bastante bajita, pasa perfectamente por una adolescente y no queda tan raro cuando se la ve pegándose con unos críos.

Durante las peleas se tiran piedras, ladrillos, botas y cubos... poca broma. Y no tienen ningún tipo de consideración de razas, género o edad...

Resulta que Annie es hija de un policía bonachón, lo cual explica por qué Mickey la tiene tomada con ella. Y Tim es su hermano, es uno de la banda de Joe.

Salen griegos, hablando en griego. Más concretamente tenemos la frase "ΣΑΜΑΤΑ ΝΑ ΚΤΥΠΤΩΜΕΘΑ ΚΑΙ ΕΛΘΕ ΕΠΑΝΩ", seguido de la frase en inglés "or I'll knock you for a loop", cuya interpretación completa vendría a ser "¡Arma follón y ven aquí (arriba)... o te dejo fuera de combate!". Creo que sería mas bien una orden para que el crío deje de armar lío en la calle y vuelva a su casa, pero eso es lo que dice. Se supone que es griego "roto" de todas maneras.

Más tarde sale el texto "ΕΑΝ ΕΙΠΗΣ ΕΞ ΚΑΝΕΝΑ ΟΤΙ ΕΚΑΜΑ ΤΙ ΠΡΟΣ ΤΟΝ ΜΙΚΡΟΝ ΡΟΥΝΗ ΘΑ ΠΑΘΗΣ ΚΑΙ ΕΣΥ ΤΟ ΙΔΙΟΝ", Cuya traducción es "Si le dices a alguien lo que le hice al pequeño Rooney, tú también sufrirás lo mismo".

Tiene muchos momentos simpáticos, sin embargo la parte que más me ha gustado es la de Annie preparando la cena especial para su padre, cuando llega un policía y le dice que ha muerto. Es brutal.

En la parte final, tras donar sangre, Annie le pregunta al médico "When do I croak?". Es un coloquialismo que quiere decir "¿Cuando voy a morir?". Lo cierto es que lo entendí a la primera, pues el extertor de la muerte suena un poco como el croar de una rana.

A ver, sin saber la edad de la actriz en aquellos momentos quizás puedas creer que es más joven, pero definitivamente, incluso siendo bajita y con coletitas, tiene aspecto de ser bastante mayor que los niños con los que se junta.

Pero eso no quita de que sea una buena historia. Me ha gustado, en pocas palabras.

The Little American (1917)

Regresemos al cine más... normal.

Karl von Austreim es un súbdito del emperador alemán que vive en EEUU con su padre alemán y su madre estadounidense. Angela es una chica joven de EEUU, cuya abuela le pide que regrese a Paris. Llega el cuatro de julio, el día de su cumpleaños, y Karl le dice que quiere casarse con ella, pero que tiene que irse a Hamburgo urgentemente.

Dirigida por Cecil B. DeMille, quien también la produjo y co-escribió, y Joseph Levering. A estas alturas DeMille ya llevaba una treintena larga de títulos dirigidos.

Protagonizada por Mary Pickford (Angela Moore). Así a ojo calculo que ella había parecido en unos 200 títulos cuando la rodó. Menuda barbaridad. Fue uno de los dos títulos en los que trabajó con DeMille, el otro es "A Romance of the Redwoods" (1917).

La película arranca con un mensaje. Empezó a rodarse en 1917 justo cuando EEUU entró en la Primera Guerra Mundial, lo cual ocasionó que la población pasara de mantenerse neutrales a apoyar mayoritariamente a los aliados. Tras ser estrenada fue considerada la película patriótica que más había hecho por el reclutamiento.

Fue restaurada el año 1990 a partir de una copia original de 35mm. En el 2019 la escanearon para darle una calidad 4k mediante una restauración digital.

En el arranque vemos una mansión de lujo, que resulta ser la casa del propio Cecil B.DeMille.

Me hace mucha gracia que el alemán le enseñe el "paso del ganso" alemán a un niño estadounidense.

En la tarjeta que le dan al prusiano pone el mensaje secreto "Gehorcht", que se traduce como obedece.

La guerra estalla entre Francia y Alemania y la primera noticia que reciben es que han muerto 10.000 alemanes. No tengo muy claro si es algo positivo o negativo desde el punto de vista estadounidense.

Desconocía la existencia de batallas de submarinos durante la Primera Guerra Mundial. Los alemanes llegaron a hundir más de 5000 barcos, incluído el RMS Lusitania en 1915 que provocó la entrada de EEUU en la guerra. Dicho lo cual, conozco sólo esbozos de esta guerra, apenas he leído sobre ella y sólo he visto películas del frente o de las batallas aéreas.

En realidad la película refleja de una manera fiel lo que sucedió (aunque llaman al barco "Veritania"). El barco fue objetivo de los alemanes porque sospechaban que llevaban municiones a los aliados, cosa que así era, les atacaron sin previo aviso y murió más o menos la mitad de la gente que iba en él.

Según recientes investigaciones el hundimiento se produjo tan rápido porque una caldera estalló, provocando una segunda explosión.

La ciudad francesa donde sucede la acción es Vangy. No existe ninguna escrita tal cual, aunque hay un par que tienen nombres similares.

Para sorpresa de nadie, el alemán (Karl) que estaba apunto de violar a una mujer (Angela) decide no interponerse cuando sus compañeros de regimiento van a por un grupo de mujeres indefensas.

Una cosa que retratan muy bien es la eficiencia alemana.

No puedo decir que me gusten los finales felices, de hecho hubiera sido mucho mejor si Karl hubiera muerto durante el bombardeo, pero bueno, no creo que se le pueda pedir mucho en ese sentido a una película de esta época.

Ha sido interesante ver un poco más de la guerra, especialmente la parte de los ataques de los submarinos. Está muy bien hecha, mejor de lo que uno podría anticipar. Y ojo, que fue rodada cuando la contienda aún no había terminado, aunque dan a entender que esperaban que los aliados ganaran y que los alemanes eran realmente malos.

Mercy, the Mummy Mumbled (1918)

Seguimos con unos títulos aleatorios.

El profesor Pushee busca momias egipcias reales para un experimento. Su hija Lulu está enamorada de Bill, pero tratan de mantener las formas cuando están en su presencia. Les dice que aceptará su noviazgo si su fórmula resulta ser un éxito. Así que Bill tiene una idea, que empieza por alquilar un disfraz de momia y pagar a un tipo para que se haga pasar por una.

Su duración es de 13 minutos.

Bien, tras dos especiales creo que ha llegado un momento de relax, con películas variadas. Tengo una veintena de títulos esperando así que no veo mejor momento.

Y arrancamos con un cortometraje de la época muda, cómo no, voy a seguir el orden de salida de los títulos. Os adelanto que habrán dos trilogías y mucha variedad.

La primera curiosidad es que fue distribuida por la compañía Ebony Film, para que diera la impresión que estaba hecha por negros. La realidad es que la hizo la compañía Historical Feature Film, cuya dirección estaba compuesta únicamente por blancos. De hecho había visto un póster donde aparece bajo el título "Ebony Comedies".

Aunque sí es cierto que el reparto está compuesto por negros.

La calidad de la copia que se conserva es realmente mala, con numerosos errores de imagen en todo momento. No resulta fácil verla a ratos. Pero mayormente se ve qué sucede en todo momento. La parte final es la más deteriorada.

La historia está basada en el descubrimiento de la tumba del rey Tut, la cual sería penetrada por primera vez pocos años más tarde.

El profesor paga 1000 dólares por la momia. Es una cifra bastante elevada para la época.

En fin, unos egipcios roban la momia, Bill y Lulu se casan y al final el tipo consigue escapar de los vendajes.

Todo muy "gracioso". Aunque a mí me interesan dos cosas, la primera es que refleja algo que sí sucedió a principios del siglo XX y es la compra indiscriminada de momias reales egipcias. Y lo segundo, no es la primera película sobre momias, de hecho para ello habría que remontarse casi 20 años con el cortometraje "Cléopâtre" (1899). Lo cual es fascinante.

Die weiße Hölle vom Piz Palü (1929)

También conocida como "The White Hell Of Pitz Palu".

Mientras estaban escalando una montaña nevada un matrimonio de recién casados es sorprendido por una avalancha y ella termina atrapada en un glaciar. Durante cuatro años el marido se dedica a recorrer las montañas en busca del cuerpo de su esposa.

El guion está basado en una historia corta que apareció en un periódico sobre unos montañeros que estuvieron perdidos durante 7 días.

Es una película donde aparece Leni Riefenstahl (Maria Maioni) pero no la dirige. De hecho es la segunda suya que veo en la que actúa, siendo la primera "Der heilige Berg" (1926).

La grabación tuvo lugar en temperaturas bajo cero que acabaron por provocarle congelamiento y una infección de vejiga que la afectó durante el resto de su vida.

Una de las avalanchas que vemos sucedió sin estar previsto, la grabaron a pesar del peligro que corría el equipo, acabando casi sepultados por la nieve.

Destaca también la aparición de Ernst Udet (Flieger Udet). Fue un piloto durante la primera guerra mundial que derribó 62 aviones y sobrevivió a la guerra, lo cual le sitúa justo por detrás del Barón von Richthofen, cuya cifra final fueron 80.

Tuvo un remake titulado "Föhn" (1950).

Por lo que estoy viendo se ve que se puso de moda en Alemania en aquella época hacer películas sobre las montañas.

Me hace gracia que en la primera escena veamos a la chica llevando una falda durante una escalada mientras que los hombres van todos con pantalones largos.

La trama me recuerda un poco a uno de los personajes que aparecía en "Vertical Limit" (2000).

Definitivamente lo más curioso es cómo apenas se abrigan, incluso la cama en la que duermen es de lo más precaria, literalmente un montón de paja, una almohada y una manta individual.

Sinceramente no le veo el atractivo a subir una montaña nevada escalando. En esta película vemos que no tienen apenas recursos y que una avalancha puede provocar una caída mortal con una sencillez extrema. ¿Y todo para qué? ¿para poder contar que subiste una montaña? No acabo de verlo.

La historia en sí no tiene demasiada miga, una pareja y el tipo del principio suben a la montaña y quedan atrapados en ella, días después salen a buscarles sin éxito y al final un avión acaba encontrándoles. Todo eso vienen a ser tres cuartas partes de película.

Y la parte final se hace bastante pesada de ver, se recrean demasiado mostrando el avión volando y lanzando paquetes con pequeños paracaídas.

Todo muy triste y muy trágico, pero también muy estúpido. Suben una montaña para morir congelados, qué gran plan.

Bien, tras este título voy a tomarme un largo descanso de las películas mudas y vuelvo al cine más convencional. Aunque no he decidido aún qué voy a ver exactamente, pero os adelanto que quedan pocos días para el especial de tiburones de este año.

The Mysterious Island (1929)

Aquí la titulamos "La isla misteriosa".

Estamos en el reino de Hetvia. Se aproxima el tiempo de la revolución, El pueblo quiere destronar a su rey. Al Conde Andre Dakkar le importan poco esas cosas pues sólo piensa en la ciencia. Está firmemente convencido de que existe una especie de humanos que viven bajo el agua. Por ello construye un barco especial que puede hundirse bajo el agua y navegar sin problemas. En su primer viaje de prueba decide que vaya su ayudante, quien además está enamorado de Sonia, la hermana del conde.

Empezaba a echar de menos alguna adaptación de Julio Verne.

El rodaje comenzó en 1926 y pasaron por todo tipo de calamidades, entre las que destaca el mal tiempo y el hecho de que empezasen a grabarse películas sonoras cuando ya estaban a mitad. Eso hace que parcialmente sea muda, parcialmente sonora, parte en color y parte en blanco y negro.

Claro que la vendieron como que era "toda en Technicolor" cuando las escenas subacuáticas y algunas explosiones que fueron pintadas cuadro a cuadro.

Se encontró una copia en color en el 2013, no sé si es la que poseo pero podría ser.

En todo caso es considerada la primera película de ciencia ficción a color y con sonido.

Si bien hablan de construir un submarino y no queda claro en qué año transcurre la acción, no ayuda que estén en un país ficticio, habría que remontarse a 1776 para el primero que fue funcional, aunque hasta 1859 no hubo el primero más similar al concepto moderno.

En todo caso estaríamos hablando del Nautilus, el vehículo que hizo el capitán Nemo, aunque usando otros nombres.

Me hace gracia que lo primero que hacen antes de zarpar es ponerse a rezar. Menudos hombres de ciencia están hechos.

Para las escenas del submarino bajo el agua usaron miniaturas. Las escenas subacuáticas podrían haber sido grabadas en cualquier sitio.

Es tan extraño ver una película que a ratos tiene diálogos hablados y luego salen textos en pantalla. Pero lo realmente peculiar es cuando una misma escena tiene partes sin voces y otras en las que hablan.

Vemos una escena de tortura cuando capturan al Conde para que revele sus secretos científicos.

He intentando encontrar otros títulos donde pase algo similar con lo de las partes sonoras y mudas, sin embargo los únicos que me han salido son algunos de los que ya he visto y si bien tenían algún cartel ocasional no es, ni de lejos, nada parecido. Es una película única, realmente rara.

Lo único que me ha gustado es cómo consiguieron recrear a esos seres acuáticos humanoides, porque además salen un montón. Y bueno alguna de las escenas de destrucción.

Por lo demás es una historia que no acaba de ser nada en concreto, no es romántica ni bélica ni de ciencia ficción, pero tiene un poco de todo ello. Resulta un poco molesta esa falta de definición, aunque viendo lo mucho que costó rodarla, y no hablo del dinero, y los numerosos cambios que sufrió me sorprende que consiguieran estrenarla.

13 Washington Square (1928)

Cambiemos de género.

Jack DePeyster decide presentar a su madre a Mary, su pareja, a pesar de ser de una clase social diferente. Pero la madre se niega a verla y al día siguiente se van de viaje a Europa, así que Jack le dice a Mary de casarse esa misma noche. Pero la madre se entera y decide bajar del barco y hacerse pasar por una criada para espiarle. Mientras tanto la prensa quiere averiguar todo lo que está pasando también.

Me parece tan ridículo lo del periódico que pone que les parece una locura que un noble se case con una chica de clase inferior. Me cuesta mucho entender que algo así sea un escándalo, lo mismo pasa con que Jack se ponga a trabajar. Lo peor es que la prensa actual sigue siendo igual de estúpida, buscando resaltar cosas que no le deberían importar a nadie sobre gente de la que no tendrían ni que nombrar.

Otra película más de la época muda que gira en torno a la diferencia de clases sociales.

Una curiosidad, en la década de 1920 un viaje en barco de EEUU a Europa tardaba entre 7 y 10 días. Hoy en día tarda mínimo una semana. Es algo que no ha cambiado demasiado en 100 años.

No acababa de entender el sentido de que la madre no quisiera ver a la novia de su hijo, sin embargo es necesario que no se conozcan para una escena que sucede en la parte final.

La historia termina en un clásico enredo donde los personajes tienen diferentes intenciones y hasta el final no se consigue averiguar la verdad.

Y es que termina de una manera muy positiva, quizás demasiado para mi gusto, pero bueno siendo una comedia ligera tampoco lo veo tan mal. Eso sí el sentido de la justicia prevalece, más o menos.

Es una película de apenas una hora de duración ya que tampoco es que el argumento sea demasiado enrevesado. Lo más gracioso es ver como la criada no para de confundir palabras, cosa que en realidad no queda demasiado bien explicada, simplemente es así.

Uncle Tom's Cabin (1927)

"La película de los dos millones de dólares", tal y como dice el cartel.

Estamos en el año 1856, en Kentucky. Los Shelbys son una familia que lleva allí desde la época de la revolución. Celebran la boda de Eliza y George. Uncle Tom es un esclavo de confianza de la familia que lleva 3 generaciones trabajando para ellos.

Basada en la novela "Uncle Tom's Cabin; or, Life Among the Lowly" de Harriet Beecher Stowe publicada en 1852.

Tuvo bastantes adaptaciones previas. Por orden, tenemos los cortometrajes "Uncle Tom's Cabin" (1903) de Siegmund Lubin, "Uncle Tom's Cabin" (1903) de Edwin S. Porter, "A Cabana do Pai Tomás" (1909), "Uncle Tom's Cabin" (1910) de  J. Stuart Blackton, "Uncle Tom's Cabin" (1910) de Barry O'Neil, "Uncle Tom's Cabin" (1913) de Otis Turner y "Uncle Tom's Cabin" (1913) de Kenean Buel y Sidney Olcott, además de las películas "Uncle Tom's Cabin" (1914), "Uncle Tom's Cabin" (1918) y "La capanna dello zio Tom" (1918).

Tiene sentido pues fue la novela más adaptada en la época del cine mudo.

Posteriormente también ha tenido más versiones, concretamente los cortometrajes "Uncle Tom and Little Eva" (1932) y "Uncle Tom's Cabaña" (1947), las películas "Topsy and Eva" (1927), "Onkel Toms Hütte" (1965) y "Uncle Tom's Cabin" (1987) y la serie "A Cabana do Pai Tomás" de 1969.

Dirigida y co-escrita por Harry A. Pollard.

Fue la última película en la que aparecieron Margarita Fischer (Eliza) y James B. Lowe (Uncle Tom).

Me ha costado un poco entender por qué dos blancos son esclavos y es que resulta que el marido es un indio. La mujer supongo que será hija de esclavos o de indios, pero ni idea, no explican gran cosa.

Es una historia de pura crueldad. Por una parte no dejan que el marido pueda ser comprado por el amo de la esposa y cuando tienen un hijo lo venden, con lo cual deciden huir en medio de una tormenta de nieve.

Entiendo hasta un cierto punto que un hombre desesperado sin dinero decida vender alguno de sus esclavos. No entiendo que el tipo que se los compra decida llevarse a uno que está ya muy mayor, aparte de haber sido fiel a la familia del primero durante mucho tiempo, y a un niño sólo por joder a sus padres.

Es otra película en la que sale Abraham Lincoln, lo cual tiene mucho sentido por la temática que toca. Vemos el inicio de la Guerra Civil estadounidense.

Me ha sorprendido el movimiento de cámara en la escena donde se muere Eva y la composición posterior de su "alma" viajando al cielo.

Lo malo de hacer que alguien tenga los dientes sucios en blanco y negro es que no se sabe a ciencia cierta el color que pretenden mostrar y podría ser, perfectamente, rojo con lo cual tendría la boca llena de sangre y queda realmente raro.

Podría dar la sensación de que tratan de lavar la imagen de algunos de los esclavistas, pero nada más lejos de la realidad. Todos son crueles en mayor o menor medida.

El final es bastante intenso, lleno de momentos donde no sabes qué puede suceder. Es quizás la parte que más me ha gustado.

Es una historia dura, pero dura. No sé si la he llegado a ver adaptada anteriormente, viendo los años de las otras versiones diría que no, pero vamos esta se mea en la cara del cine moderno en todos los sentidos.

Tarzan and the Golden Lion (1927)

Aquí la titulamos "Tarzán y el león dorado".

Estamos en una jungla de África. La tribu de los Wazari celebran la captura de un gran oso. Mientras tanto su jefe Tarzan está con Jab, el león. Jeb encuentra a John Gordon, un explorador que ha conseguido escapar de sus captores después de años, y Tarzan le da una paliza por intentar comérselo. Esteban Miranda trata de robar las riquezas de Tarzan.

Basada en la novena novela, de idéntico título, que fue publicada en 1923.

Es la sexta película sobre Tarzan tras "Tarzan of the Apes" (1918), "The Romance of Tarzan" (1918), "The Son of Tarzan" (1920), "The Revenge of Tarzan" (1920) y "Adventures of Tarzan" (1921).

Aunque es la primera (y única) protagonizada por James Pierce (Tarzan), anteriormente lo habían interpretado Elmo Lincoln y Gene Pollar. La razón del cambio fue que el autor Edgar Rice Burroughs convenció a Pierce para que abandonase "Wings" (1927) para protagonizar esta película, su papel cayó en Gary Cooper, quien se convirtió en una gran estrella.

Aunque el nombre más destacable en el reparto es el de Boris Karloff (Owaza). A estas alturas ya lleva casi una década haciendo cine, habiendo aparecido en 40 títulos, aunque en muchos de ellos no recibió crédito o eran papeles menores.

Por lo que tengo entendido sólo ha llegado una copia a nuestros días y está en francés. La recuperaron en los años 90, durante décadas se consideró perdida.

Usaron más de 1000 extras.

Jim Pierce tuvo un accidente automovilístico que hizo que se retrasara el rodaje durante un mes.

El león que aparece es real y le vemos junto al protagonista sin más. Es más, se comporta como un perro guardián, lo cual me parece un poco gracioso.

Aparecen también Jane, la esposa de Tarzan, y Betty, la hermana de él. En un momento dado estalla una guerra entre los Wazari y una tribu vecina. Ellas mientras tanto están disfrutando de la vida como si no pasara nada. Resulta un poco raro el contraste.

Por supuesto el malo es un villano en toda regla, no sólo secuestra a Betty sino que mata a uno de los chimpancés de la tribu de Tarzan. Y como es un argumento demasiado básico poco después es capturada por otra tribu que decide sacrificarla a su dios, dejando que se la coma su león sagrado, de ahí el título.

Se resuelve manera bastante sencilla la trama porque todos terminan juntándose en el templo y Tarzan y los suyos consiguen vencer fácilmente a todos, incluido el león "malo". Pero bueno, tampoco se le puede pedir más a una novena novela sobre el personaje.

El puño de hierro (1927)

Ya tocaba una en español.

Carlos Hernán es un joven que ha sido inyectado con morfina por pura curiosidad, el Buitre es quien se la ha proporcionado. Por culpa de la droga se pone a besar un burrito llamándolo como su pareja Laura, y ella se lo encuentra así. Tras atracar a un vehículo la banda del buitre tiene que huír y él consigue no ser atrapado. Posteriormente se une a la banda del Murciélago para vender drogas. Y Laura inetnta ayudar a Carlos acudiendo a un doctor, pero él está más interesado en conquistarla a cualquier precio.

La copia que he visto fue depositada en la UNAM en los años 60 y estaba editada, posiblemente por el propio director Gabriel García Moreno. Es la tercera restauración, fechada en el 2015, para la cual usaron la sinopsis argumental original para rellenar las partes de texto que faltaban.

Así de primeras puedo decir que tiene una calidad de imagen realmente buena.

Me acabo de percatar que el tema drogas es tocado en varios de los títulos que he visto últimamente, aunque de maneras muy diferentes.

En esta ocasión vemos a todo detalle como le inyecta la morfina en el brazo.

De hecho se acerca bastante a lo que podríamos llamar un documental sobre los efectos de las drogas basadas en la heroína. Aparece un médico que explica sus efectos no sólo en la persona que las consume sino en sus hijos y también qué usan para ayudarles.

La película termina con una escena que se encuentra perdida en la que un encapuchado le da un susto a una de las chicas, pero al final es todo una broma.

Tiene un ritmo un poco irregular, principalmente porque la parte del doctor y su lectura es bastante educativa pero dura demasiado. Y luego les cuesta un poco centrarse hasta que llegamos al momento cuando empiezan a vender drogas y demás.

Der Geisterzug (1927)

También conocida como "El tren fantasma".

Estamos en el puerto de Harwich. Los trabajadores cargan el tren con mercancías llegadas en barco. Un hombre es asesinado por ser curioso y creen que fue arrollado por un tren fantasma. Miss Burns va a una reunión para luchar contra el alcoholismo. Charles y Peggy van a celebrar su noche de bodas. Elsie y Bobby son otro matrimonio. Todos coincidirán en el mismo tren. También un tal Teddy, quien parece un poco tonto.

Está basada en la obra de teatro homónima de 1923. Posteriormente ha sido adaptada en títulos como "The Ghost Train" (1931), "Trenul fantoma" (1933), "Kísértetek vonata" (1933), "The Ghost Train" (1937), "De spooktrein" (1939), "The Ghost Train" (1941), "The Ghost Train" (1948), "Der Geisterzug" (1957), "Der Geisterzug" (1963) y "Spøgelsestoget" (1976).

La época muda estaba alcanzando su fin y aún así es un título que fue producido con textos en alemán, inglés y francés de manera simultánea. La razón es porque fue una de las primeras co-producciones germano-británicas. En Alemania fue prohibida para los jóvenes.

Hay un cambio entre la versión inglesa y la alemana. En la inglesa salen unos contrabandistas de alcohol que usan el tren para sus negocios, en la alemana son revolucionarios traficantes de armas.

Creo que hay más cambios porque al principio dice que Ilse Bois interpreta a Miss Burns en la versión alemana y en la inglesa es Miss Ophelia Bourne y Guy Newall en la alemana es Teddy Puffnut y en la inglesa Teddy Deakin.

El mensaje anti alcohol tiene bastante presencia.

El loro de Miss Burns habla y para ello hacen aparecer palabras en medio de la pantalla. En realidad me hace bastante gracia.

Aunque en esencia es una historia de carácter policial en realidad los personajes del tren son bastante cómicos, especialmente Miss Burns. Y he de decir que funciona muy bien, me está haciendo reír incluso.

Llevo un buen rato dándole vueltas a los trenes que aparecen porque desde un principio me han parecido maquetas, como la calidad de imagen no es demasiado buena me ha costado apreciarlo bien. En la escena en la que vemos un tren cayendo por un puente cortado creí que lo tendría más claro pero o bien hacen una composición realmente buena o es real.

Ben Izaacs era el conductor del tren que tuvo el accidente. Y es el fantasma que regresa en busca de nuevas víctimas.

En serio, lo de Ilse Bois es demasiado. Me hace reír de verdad. En un momento dado le dan alcohol porque se ha desmayado y dice "¿Whisky? yo nunca lo he bebido" (obviamente sí lo ha hecho cuando lo ha reconocido en seguida) pero es que el chiste va más allá cuando bebe por segunda vez y dice "¿Es Black & White o Johnny Walker?". Me meo.

Leyendo un poco veo que es la última película que hizo Ilse Bois porque se retiró para hacer cabaret. En total salió en una docena de películas y otros tantos cortometrajes entre 1912 y 1927.

De repente vemos un pequeño reproductor de discos animado en stop motion. Esto no me lo esperaba para nada. Jaja y poco después la borracha ve objetos a los que les salen piernas y se ponen a bailar.

En definitiva, la historia de un tren fantasma que al final resultó ser todo un complot criminal. Muy divertida y sorprendente.

Casanova (1927)

También conocida como "Prince of adventurers".

Estamos en el año 1760, en Venecia. La locura se adueña de las calles y Giacomo Casanova de Seingalt es el símbolo de la decadencia imperante. Estando con sus dos sirvientas recibe la visita de Menucci, el alguacil, quien le exige un pago. Él le muestra el poder que tiene un libro con la sabiduría de Salomón y el alguacil le exige que se lo de, pero Casanova le advierte que si se lo lleva sin su consentimiento le caerá una desgracia, con lo cual llegan a un acuerdo, el usurero le perdona la deuda a cambio del libro.

La copia que he visto es la restaurada en el año 2016 por la Cinémathèque francesa a partir de los negativos que conservan.

Arranca con una superposición de imágenes. Por una parte vemos un grupo de mujeres bailando y por otra fotografías de lugares emblemáticos de la ciudad de Venecia.

La comedia es omnipresente, pero está bien encajada con las diferentes situaciones que se dan. De hecho hace que la película sea muy amena.

Salen escenas (llamémoslas ensoñaciones) de demonios bailando que recuerdan mucho a "Häxan" (1922).

Jaja, no vemos desnudos pero sí están grabados. Usaron una especie de tela ligeramente transparente que cubría justo la parte de la imagen donde aparecen los cuerpos de las chicas, pero se ven sus piernas.

Casanova no sólo es un conquistador de mujeres, también defiende a las personas que sufren abusos y tiene un modo de ver la justicia muy particular.

La acción empieza en Venecia pero pasa por Austria y por Rusia.

Me acabo de percatar de que el maquillaje que llevan habitualmente los actores de la época muda en esta película está perfectamente justificado. De hecho vemos a Casanova mostrando a la emperatriz rusa como aplicar parte de dicho maquillaje.

La parte final de la película, la de la celebración del carnaval veneciano, tiene algunas imágenes coloreadas. Usan el método de ir pintando fotograma a fotograma y no demasiado bien.

Una de las cosas de las que se acusa al protagonista es de ser un libre pensador, bueno también de que ha usado la magia (lo cual implica que ha hecho un pacto con el diablo). Aún así la opinión popular está a su favor, aunque sólo unos pocos le ayudan.

Es un personaje de quien sabía bien poco, salvo las cosas más básicas. Sus vivencias han sido puestas en duda por algunos pero no sólo escribió un libro donde las relata también existe correspondencia de la época que apoya la veracidad de sus historias.