Tabu: A Story of the South Seas (1931)

Esta pinta bien.

Dos jóvenes amantes en la idílica isla de Bora Bora, en el Pacífico Sur, ven su vida truncada cuando el viejo guerrero declara a la muchacha la Doncella Elegida y prohíbe a cualquier hombre siquiera mirarla. Negándose a aceptar una vida separados, huyen a otra isla, decadente y occidentalizada. El joven trabaja como buceador de perlas, pero, al no comprender del todo el concepto del dinero, pronto se endeuda. Cuando el viejo guerrero los encuentra, planean huir de nuevo, pero en un intento desesperado por saldar sus deudas, el joven bucea en busca de perlas en aguas infestadas de tiburones.

Dirigida y co-escrita por F.W. Murnau. Fue su última película, falleció en un accidente de coche una semana antes de su estreno.

El "tabu" del título hace referencia a varias cosas. Por una parte la prohibición de "tocar" a la chica virgen elegida para ser sacrificada, cosa que provoca que el chico del que está enamorada se fugue con ella. Y luego, más tarde, el peligro de un lugar lleno de perlas donde hay un tiburón muy peligroso. Por eso ponen un aviso.

La historia está dividida en dos capítulos. El primero termina con la fuga de la pareja, el segundo se centra en su nueva vida en otra isla.

Es muda pero en vez de sacar los típicos cartelitos usan textos escritos en alguna parte, algunos a tiempo real.

Les hacen el lío, pero bien. Se endeudan, sin saberlo, y cuando quieren comprarse unos billetes de barco para huir no les llega. De hecho aún deben mucho, pero mucho, dinero. Lo cual les fuerza a ir a por las perlas de la zona prohibida.

Al tiburón tardamos mucho en verle (casi en el final) y aparece de manera borrosa o realmente cerca de la cámara. Aún así se nota que es uno realmente pequeño, no debe llegar al metro de longitud. Cuando vemos su aleta sobre el mar sí parece más grande (y más falso).

Es una escena corta,pero al menos vemos como ataca al protagonista.

El final es trágico, como no podía ser de otra manera. La comparan con "Romeo y Julieta", yo opino que tienen más diferencias que similitudes.

Venga, sigamos que aún quedan algunos títulos de la década de los 30.

Mädchen in Uniform (1931)

Aquí la titulamos "Muchachas uniforme".

Manuela es una chica de 14 años de edad. Es la nueva alumna de un colegio femenino. Allí hará nuevas amigas, aunque le sigue pesando mucho la muerte de su madre, años atrás.

Basada en la obra de teatro "Gestern und heute" de Christa Winsloe, estrenada en 1930. Se basó en sus propias experiencias en un colegio prusiano.

Cuando vi el título en alemán pensé que quizás fuera la inspiración de la canción "Women in uniform" de Iron Maiden. Pero en inglés se tituló "Girls in uniform", así que no lo creo. Su origen, de hecho, está en la banda australiana Skyhooks, de quienes hicieron la versión original.

Tuvo dos versiones posteriormente. La mexicana "Muchachas de Uniforme" (1951) y poco después, en Alemania del Oeste, hicieron "Mädchen in Uniform" (1958), protagonizada por Romy Schneider.

Me hace gracia la escena en la que va a por el uniforme. Primero la mujer encargada le coge la ropa que lleva puesta y la tira sin más en un armario, luego le hace un moño superapretado y luego le da una ropa usada por otra anteriormente, como uniforme.

Y hablando de uniformes, el que lleva me recuerda demasiado al de la serie "Wednesday". Claro que al ser en blanco y negro no sabría decir si es del mismo color.

Me llama la atención que digan "jawohl", que es una manera de decir sí muy "militar". Supongo que en los años 30 no tenía esa connotación.

Le quitan el dinero y los libros que trae. En esencia, la dejan con prácticamente nada de lo que trajo de fuera. A eso le veo mucho sentido, es una manera de controlar a las alumnas.

Me ha venido a la mente la española "La residencia" (1970) y el cortometraje de Edison "Seminary Girls" (1897).

La directora es muy estricta, como buena prusiana. Sólo quiere disciplina y hambre entre sus 50 alumnas. Y recortar gastos a toda cosa.

Mi favorita es Ilse, es un poco la revolucionaria, no para de meterse en líos y le da un toque ligero a la trama.

Y la peor es la segunda, una metomentodo que se dedica a lamerle el culo a la directora.

Llegamos a una escena... peculiar. Una profesora les da un beso en la frente a cada chica antes de acostarse para dormir. Salvo a Manuela, que se lo da en los labios.

Y eso me lleva a hablar del lesbianismo. En realidad no quería hacerlo hasta estar seguro, pues la película hasta ese momento tenía ligeras interacciones que se podrían malinterpretar si le das un par de vueltas, pero nada tan claro. Por ejemplo la primera interacción entre ambas, incluso cuando Ilse describe a la profesora, antes de que conozcamos, dejando claro que no es una más.

En su momento tuvo éxito como película lésbica, especialmente por la escena del beso. Aunque fue una fama efímera pues "Der blaue Engel" (1930) pasó a ser la más relevante.

Aunque también se podría leer como una relación no romántica, o mejor dicho como que Manuela usa a la profesora para rellenar el hueco que dejó su madre. Pero hay frases que dice y momentos en los que reacciona como si estuviera enamorada. Creo que el más claro es cuando bebe alcohol y declara su amor por ella en público.

La obra de teatro que interpretan es "Dom Karlos, Infant von Spanien", de Friedrich Schiller, escrita a finales del siglo XVIII. Tuvo una versión cinematográfica titulada "Carlos und Elisabeth" (1924) protagonizada por Conrad Veidt.

Quizás hubiera sido mejor un final trágico, más impactante. Pero supongo que vivir con el peso de lo que podría haber sucedido es un castigo suficiente para la directora.

The House That Shadows Built (1931)

Esto es diferente.

Es el 20º aniversario de la Paramount y para celebrarlo han juntado a sus mejores estrellas. Son diferentes cortes, he decidido centrarme en el que nos ocupa.

Arranca con el mensaje "Still the maddest comics of them all", teniendo en cuenta que debutaron en el cine dos años antes dice mucho del impacto que causaron los hermanos Marx. Es la promoción de "Monkey Bussiness" (1931), lo cual tiene mucho sentido, era su producción más reciente.

Tras ello pasamos a su gag humorístico. Un agente artístico llamado Lee busca artistas, van apareciendo los cuatro hermanos.

Empezando por Zeppo (Sammy Brown), quien habla rimando y dice que puede cantar y bailar e imita a Chevalier (como en "Monkey Bussiness" (1931), lo cual es gracioso si la has visto previamente).

Luego entra Chico (Tomalio), quien hace malabares, y canta la misma canción, reforzando el chiste.

El siguiente es Groucho Marx (Caesar's Ghost), se define como actor dramático. Termina cantando lo mismo.

Finalmente entra Harpo (The Merchant of Wieners), saluda a los demás y le ayudan a "hablar", Chico dice que es un gran bailarín.

Cuando se juntan los cuatro se ponen a hablar todos a la vez, creando un caos importante. Ahí termina el gag.

En total el especial dura menos de una hora, este gag vienen a ser sólo unos 5 minutos.

Monkey Business (1931)

Aquí la titulamos "Pistoleros de agua dulce".

Cuatro polizontes se han colado en un barco, el capitán manda que los busquen. Se ocultan en cuatro barriles de la bodega, hasta que les pillan y tienen que ocultarse entre los tripulantes.

Según los créditos los personajes no tienen nombres. Es interesante el cameo del padre Sam Marx, como el tipo que está sentado en una caja. No sale Margaret Dumont.

El primer día de rodaje los hermanos llegaron habiendo intercambiado sus trajes e imitándose entre ellos.

En los barriles pone "Kippering Herring", es arenque ahumado.

Hay dos momentos en los que se sospecha que se oye la voz de Harpo. La primera es cuando están cantando de manera harmoniosa en los barriles, tengo muchas dudas yo. La segunda es en la escena de las marionetas, ahí sí que podría ser.

De nuevo vemos a Harpo persiguiendo a una chica joven.

Musicalmente hablando salen tocando instrumentos de viento con Chico al piano, pero es algo muy breve. Groucho toca una guitarra un par de veces, también muy breves. En la parte final Chico nos deleita con un piano. Y Harpo toca el harpa acompañando a una mujer que canta el "'O sole mio".

A medida que la estoy viendo me he dado cuenta de que apenas recuerdo esta película. Siento como que es menos lineal, más caótica, con sketches sin apenas conexión entre ellos, pero manteniendo una serie de ideas base.

Efectivamente, durante toda la película logran no usar nunca los nombres de los personajes, con lo cual no los tienen. Es interesante.

Mary (1931)

Un título sencillo.

Mary Bering es acusada del asesinato de Ellen Moore. Durante el juicio ella declara no recordar qué sucedió y todos los hechos apuntan a que ella fue la asesina así que terminan condenándola a muerte. Pero uno de los jurados tiene serias dudas y decide investigar por su cuenta.

Hubo dos versiones, una de 1930 que fue estrenada en el Reino Unido de la que no ha llegado ninguna copia a nuestros días, y la de 1931 que es alemana. Son prácticamente iguales salvo por un pequeño detalle en el final, la alemana es un poco menos racista.

La calidad es media, está completa y tiene algunos pequeños errores de imagen pero se puede ver perfectamente.

Me encanta la manera en la que empieza la película. En vez de mostrar lo que sucede vemos a los vecinos molestos por el ruido asomándose a las ventanas y hablando de ello.

Me hace gracia la parte del policía interrogando a los actores mientras están actuando en la obra de teatro. Es el mismo caos que se ve en las comedias de enredo, aunque sin tratar de ser tan gracioso.

Los miembros del jurado deliberando y uno de ellos oponiéndose es algo que me recuerda a "12 Angry Men" (1957), con la enorme diferencia que aquí no logra hacer cambiar de opinión a nadie.

La confrontación del que investiga con el principal sospechoso se parece bastante al final de "Rope" (1948), aunque es como si fuera un borrador.

Si bien Hitchcock había mamado del cine expresionista alemán en su primera etapa como cineasta en realidad nunca llegó a plasmarlo en sus películas. Esta es tan sólo un ejemplo de ello, está lejos de recordar la obra de F.W.Murnau, por ejemplo.

Tiene un final bastante abrupto, aunque dudo que sea porque falte algo de metraje. Más bien da la impresión de que ya no quedaba nada más que contar.

Mi principal problema es que la investigación que se lleva a cabo tras el juicio no parece basarse en hechos demasiado complejos y, al menos para mí, resulta evidente qué sucedió desde bien temprano, mientras que el protagonista hasta prácticamente la confirmación final no parece tener nada claro, de hecho le cuesta bastante llegar a un sospechoso claro.

No la considero una gran película de Hitchcock, aunque al menos he podido practicar un poquito mi oxidado alemán.

Frankenstein (1931)

Otro de los grandes, en todos los sentidos.

El Doctor Frankenstein vive obsesionado con la idea de la creación de vida usando electricidad, es toda una eminencia en su campo aunque lleva un tiempo encerrado en un viejo molino con su ayudante, cosa que preocupa de mala manera a su prometida y por ello va a visitarle junto con su mentor y con un amigo. Una vez allí le verán dar vida a un cadáver, pero su mentor no esta tan seguro de que sea una buena idea, sobre todo cuando se da cuenta de que le han puesto el cerebro de un asesino.

ORÍGENES EN EL CINE:

No es la primera adaptación de la historia llevada a la gran, para ello habría que remontarse a un corto del que hable hace tiempo "Frankenstein" (1910) de Edison, que inspiro al maquillaje del monstruo de la version que nos ocupa, tras el se hizo la película "Life Without Soul" (1915), en la que se toman bastantes libertades respecto a la novela, y el corto "Il mostro di Frankenstein" (1921), que fue severamente censurado en su día y no se conservan copias.

EL TERROR:

A veces cuesta imaginarse como reaccionó la gente de los años en que se estrenó una película ante según qué imágenes, por suerte hay historiadores del cine que se dedican a recopilar ese tipo de datos curiosos. Lo comento porque me intrigaba saber qué les resultaría más aterrador a la gente que acababa de experimentar el mayor crack económico hasta entonces y vivían en la recesión.

Las primeras imágenes para cualquier persona de hoy en día no resultan demasiado chocantes pese a que son unos ladrones de tumbas que incluso se llevan a un ahorcado, en aquella época ese tipo de cosas no habían sido nunca mostradas en una película y chocaron bastante. Lo mismo pasa con la del ataúd cuando lo entierran y oímos la tierra que cae sobre el paletada a paletada (para lo cual metieron un micrófono dentro).

La escena en la que el monstruo está aterrado porque Fritz le azuza con una antorcha también causo conmoción porque nunca se había mostrado un plano tan cercano con el fuego tan cerca de un actor. Era demasiado real.

Y luego tenemos la escena cumbre, la de la niña y el monstruo. La censura quitó la parte en la que él se abalanzaba sobre ella y la arrojaba al agua para que se ahogara. El problema es que lo que consiguieron fue que la gente diera rienda suelta a su imaginación sobre lo que podría haber sucedido ya que solo se ve a un granjero con su hija muerta en brazos diciendo "la han asesinado".

REPARTO:

Empezaré hablando de Bela Lugosi. En principio le fue ofrecido el papel de Doctor Frankenstein pero Carl Laemle (el fundador de Universal) insistió que debía ser el monstruo. El llegó a crear el maquillaje que estaría dispuesto a usar, se hizo una prueba de cámara en el set de "Dracula" (1931) pero no hay copias ni imágenes aunque uno de los que lo vio lo describió como algo parecido al protagonista de "Der Golem" (1915) y otro como una especie de coloso de 30 pies de altura. Finalmente el maquillaje fue rechazado y el renunció al papel con la excusa de que el monstruo no hablaba. Como dato curioso, Lugosi era más alto que Karloff.

Otro nombre que se barajó para el monstruo fue el de John Carradine. Rechazó el papel porque se consideraba demasiado preparado para hacer películas de monstruos. Pocos años después haría de Dracula en las peliculas de la Universal "House of Frankenstein" (1944) y "House of Dracula" (1945) y posteriormente lo retomaría en varios títulos más.

Luego tenemos a Boris Karloff. El papel le fue ofrecido porque James Whale se lo cruzó un día y considero que era "muy feo", él no se lo dijo pero le sentó muy mal porque justo ese día llevaba su traje más elegante y se consideraba a si mismo "muy atractivo". Karloff tenia 44 años cuando interpretó este papel, lo cual relanzo su carrera obviamente, es uno de los casos tardíos de fama en la gran pantalla. La famosa escena del molino (ya hablé del accidente que tuvo cuando volvió a rodarla en "Bride of Frankenstein") la tuvo que repetir un montón de veces, cargando con un doble del actor que hace de Doctor Frankenstein, lo cual le ocasionó un dolor crónico en la espalda.

ANÉCDOTAS DEL RODAJE:

La escena de la niña al lado del lago fue censurada en su día, en ella se veía como el monstruo se quedaba sin flores y se cortaba de repente dejando en duda que le había sucedido a la niña. La escena completa fue recuperada y por fin pudimos ver como la ahoga.

Curiosamente para esa escena hubo que hacerse varias tomas porque no quedaba demasiado bien la niña ahogándose, la realidad es que apenas sabía nadar aunque ella mismo insistía en que se repitiera la toma. Otra curiosidad es que no sabían cómo reaccionaria cuando viese al monstruo por primera vez, ella al verle se le acercó, le cogió de la mano y le dijo "vamos al estudio", con toda naturalidad.

Otra cosa censurada fue la famosa frase "Now I know what it's like to BE God!", justo en el final pusieron el sonido de un trueno porque la consideraban blasfema. Durante años se intentó recuperar el sonido de la voz original pero no había manera, el trueno la tapaba demasiado bien. Por suerte encontraron una copia de la voz original en un disco antiguo y hoy en día podemos disfrutarla tal y como fue rodada. He descubierto que en la versión doblada al castellano esa frase no la dice, pero no es que la cambien es que simplemente ves la imagen del actor diciéndola y el doblador callado, queda fatal.

El monstruo sí tenia un nombre en los primeros guiones, le iban a llamar Adam. La cosa es que tras las primeras proyecciones la gente del publico empezó a llamarle "Frankenstein" y decidieron eliminar esa parte.

CAMBIOS RESPECTO AL LIBRO:

En realidad no describe en ningún momento el proceso de reanimación del monstruo, esta película fue la que asentó las bases de que tenia que ser mediante el uso de la electricidad de un rayo, en un laboratorio lleno de aparatos y demás. Originalmente el monstruo era reanimado en una habitación de lo más normal.

El Doctor Frankenstein se llama Henry en la película y su mejor amigo es Victor Moritz. En el libro el doctor es Victor y su amigo Henry. El cambio se debió a que querían que la gente (el publico americano esencialmente) empatizara con el Doctor y Victor les parecía "poco amistoso".

Esto más que un cambio es algo que no tiene respuesta. Hablamos de en qué año, aproximadamente, transcurre la acción de la película y de dónde. Bien, según la tecnología que usan debería ser finales del siglo XIX sin embargo hay que tener en cuenta que fue escrito a principios del siglo XIX. Por otro lado los nombres de los lugares indican que están en algún sitio de Alemania sin embargo tanto los personajes como su idioma son británicos.

El aspecto del monstruo no se parece al descrito en la novela. Fue creado adrede para la película, empezando por la cabeza plana, los tornillos del cuello (bueno, los electrodos), el color verdoso de la piel, los ojos... De hecho el color de la piel era para que destacara en las tonalidades blanco y negro. Por cierto, los derechos de copyright del maquillaje original pertenecen a Universal hasta el año 2026.

CONCLUSIÓN:

La historia del "Prometeo moderno" como la tituló originalmente Mary Shelley tuvo una adaptación tan buena que asentó muchas de las bases de lo que se ha considerado como parte fundamental de la historia, pese a que en el libro no son ni mencionadas. Eso pocas películas lo logran y menos transcienden mas allá de la gran pantalla para crear a un icono que tras más de 80 años sigue siendo reconocido en el mundo entero.

No quisiera ser un tiquismiquis pero hay algo que me he fijado que sucede bastantes veces durante la película y que no queda demasiado bien. Concretamente, las antorchas, parece que hagan un uso demasiado despreocupado de ellas, las dejan tiradas en cualquier sitio e incluso en la escena donde el Doctor se enfrenta a la bestia, en la parte final, él cae sobre su antorcha y le da un golpe para apartarla. Entiendo que es un recurso necesario para la narración pero no la manera en la que las van dejando felizmente por los sitios. Y encima provocan algunos errores de continuidad.

La siguiente de la lista es otra de Karloff, su personaje más antiguo, La Momia.

Drácula (1931)

El cartel es una copia de uno de los americanos. Me hace gracia que la unica forma de distinguirlas sin verlas sea por el acento en el titulo.

Reinfeld es enviado al castillo del Conde Dracula para que firme unos papeles de propiedad de una abadia en Londres. Tras ser hipnotizado por el Conde se embarcan en un viaje truculento y al llegar solo aparece un Reinfeld que se ha vuelto loco. Al poco el Conde Dracula hace aparicion y se presenta en sociedad, interesandose de forma insistente en dos amigas, Lucia y Eva.

Lo primero que llama la atencion al verla, aparte de la impresionante calidad, es el reparto, pero no por los actores sino por los personajes que interpretan. Los nombres han sido traducidos al castellano, Mina es Eva, John Harker es Juan Harker, Lucy es Lucia... queda gracioso xD.

Lo segundo que llama la atencion es que sigue el mismo patron argumental que la pelicula inglesa pero con sutiles cambios. Para empezar estan los sonidos de ambiente, en esta se oyen de forma mas continuada e incluso añaden alguno extra, como el de las puertas chirriando.

Las criticas que he leido suelen decir que el actor que hace de Dracula, Carlos Villarias, exagera demasiado el gesto y no esta a la altura de Lugosi. Bueno, eso puedo corroborarlo, para empezar no tiene un acento estilo el de los Carpatos, ni siquiera se molesta en intentarlo, y basa gran parte de su actuacion en su mirada. El otro actor del que suelen hablar es el que hace de Reinfeld, Pablo Alvarez Rubio, en general dicen de el que hace una magnifica actuacion, y yo tambien estoy de acuerdo, su transformacion de persona normal a loco es impresionante de veras..

Como ya dije en la anterior entrada fue rodada a la vez que la version de Lugosi, en los mismos escenarios, solo que de noche. Sin embargo tiene algunas curiosidades como que el director no sabia español, que en realidad es una mezcla de acentos porque el reparto provenia de España, Sudamerica y America Central.

Durante muchos años esta pelicula se consideraba perdida en parte, solo se conservaba una copia, y finalmente encontraron una version completa en Cuba. Al final la pelicula dura media hora mas que la version en ingles y el trozo que fue recuperado destaca porque tiene un color diferente.

La principal diferencia es que en esta pelicula se cuenta con mas detalle cada paso de la historia, incluida la parte en la que matan a Lucy y Reinfeld sale bastante mas. Y me ha costado darme cuenta pero al final lo he visto, esta pelicula carece de Banda Sonora, no hay musica acompañando la accion, eso hace que en algunos momentos parezca casi una pelicula japonesa con secuencias de planos largos de un personaje inmovil.

De todas las versiones raras, o diferentes, de Dracula que he visto esta destaca por las voces en castellano y el final bastante equilibrado (que es el de la obra de teatro, ojo).

Y con esto llegamos al final, ahora toca otra obra inmortal de la literatura y del cine, el monstruo de Frankenstein.

Dracula (1931)

Hora de ver una de mis películas favoritas.

Reinfeld es un abogado inglés que viaja al castillo del Conde Dracula para que firme unas escrituras que acaba de heredar. Al llegar allí el Conde le dice que se vaya preparando para el viaje de vuelta pues cogerán el siguiente barco que zarpe hacia Inglaterra. Al llegar el Conde se encapricha con Lucy y la convierte en vampiro y luego pretende hacer lo mismo con su amiga Mina.

EL REPARTO INICIAL:

El primer interesado en adaptar esta historia fue Carl Laemmle Jr, el fundador y jefe de Universal quien tras "The Hunchback of Notredame" (1923) y "The Phantom of the Opera" (1925) tenía como su primera opción para protagonizarla a Lon Chaney, pero desafortunadamente murió en 1928. Bela Lugosi no era el siguiente candidato, de hecho el estudio en principio no le quería. Aunque había interpretado el personaje en Broadway en más de 200 representaciones y parecía el mejor pero aún así no les acababa de gustar gustaba la idea. Cambiaron de opinión tras verle hacer una audición, su acento era muy real y no gesticulaba de forma extraña ni cómica como muchos de sus competidores.

Curiosamente con el director no tuvieron tantas dudas, Tod Browning era el candidato ideal. Aunque a él nunca le acabó de gustar el cine sonoro, cosa que hizo que terminase su carrera en 1939.

La película tuvo ciertos problemas económicos, debido al crack de 1929 y decidieron ir con mucho cuidado con el presupuesto. Para empezar está rodada de forma secuencial. Aunque los decorados fueron muy costosos más adelante fueron reutilizados en un montón de títulos de la Universal. Ahorraron bastante en las escenas del murciélago convirtiéndose en Dracula, más que nada porque no existen dichas escenas, siempre hace la transmutación fuera de cámara. Además a Bela le pagaron solo 500 dólares por cada una de las siete semanas de rodaje.

LA PELÍCULA EN ESPAÑOL:

Quizás no conozcáis la historia de la versión en español de esta película, es bastante curiosa.

Durante el día se usaban los platos y decorados para rodar la versión americana y por la noche hacían la otra. Al rodarlas de forma simultánea lograron ahorrar dinero.

Ambas son producciones de la Universal y el reparto es totalmente diferente. Para muchos la version en español es superior, no puedo decir mucho más sobre el tema porque llevo deseando verla desde hace quizás 20 años y no hace mucho que me hice con ella así que estoy bastante impaciente, será comentada en la siguiente entrada.

LA PRIMERA ADAPTACIÓN OFICIAL:

La primera adaptación de la historia fue la película húngara "Drakula halála" (1921), aunque realmente no sigue demasiado el libro y lo único en lo que se parecen es que aparece el personaje de Dracula.

Luego hubo una de la que ya hablé hace tiempo. Me refiero, como no, a "Nosferatu, eine Symphonie des Grauens" (1922). En la entrada ya comenté los problemas que tuvieron, pero vamos es la primera bastante fiel al libro.

La versión que nos ocupa sería la primera oficial aunque técnicamente hablando es la adaptación de la obra de teatro de 1925.

El principal cambio respecto de la novela original son los personajes de Reinfeld y Harker. En esta película Reinfeld es el que viaja a Transilvania y vuelve con el Conde tras ser "hechizado" convirtiéndose en su esclavo y Harker aparece una vez llegan a Londres siguiendo su papel de novio de Mina.

Si planteas así la historia cobra mas lógica porque lo de Harker quedándose en el castillo de Dracula durante semanas y luego huyendo y apareciendo a mitad novela es liar demasiado una subtrama que no conduce a ninguna parte.

El otro cambio del que se suele hablar es que no le clavan la estaca en el corazón a Lucy. Esto es más bien interpretable, no sale in-situ pero Van Helsing dice la frase "no te preocupes que esta noche su alma abandonará el horror" (o algo parecido) de lo cual intuimos que sí le clava la estaca. La escena donde se veía a Van Helsing a punto de entrar en la tumba de Lucy sí estaba en el guion pero no fue rodada.

BELA LUGOSI:

Bela Lugosi (también conocido como Arisztid Olt, aunque su nombre real es Be'la Ferenc Dezso Blasko) tenía una amplia carrera a sus espaldas cuando tuvo la oportunidad de ser el protagonista de esta película. De hecho debutó en el cine en 1917.

En mi opinión fue la decisión más acertada de su carrera, aunque el personaje le terminó trastornando pasados unos años.

Es un actor de origen Húngaro (aunque técnicamente el lugar donde nació hoy en día pertenece a Rumanía) que ya tenía una amplia experiencia en el cine americano y dominaba el inglés (es falso el rumor que se aprendía las frases de memoria cuando rodó esta película). Pero tenía un cierto acento que lo hizo perfecto para encarnar al Conde Dracula, cuyo origen es también de los Cárpatos.

Hay un rumor que dice que se llevaba mal con Boris Karloff que habría que matizarlo. Como actores se respetaban el uno al otro y así lo hacían notar en las películas en las que coincidieron (he comentado bastantes de ellas, es fascinante verlos juntos) aunque fuera del plató simplemente no eran amigos (esto ha sido confirmado tanto por la esposa de Karloff como por el hijo de Lugosi). Aunque Lugosi sostenía que podía interpretar mucho mejor al monstruo de Frankenstein (por ese motivo decidió encarnarlo en "Frankenstein Meets the Wolf Man" (1943)).

Como ya he comentado en alguna de sus películas posteriores su carrera alcanzó la cima con este título, a partir de entonces tuvo la suerte de poder participar en diversas películas de la Universal aunque nunca en un papel tan remarcable y pasados unos años, tras la crisis del cine de terror (en pocas palabras, fue prohibido durante un tiempo) regresó para hacer algunos de sus peores papeles.

En el final de su carrera tuvo a un aliado con ansias de hacer grandes películas pero que en realidad vivía en un mundo de sueños. Gracias a él pudo volver a tener su momento de gloria aunque fuese en forma de películas de culto. Me refiero, como no, a Edward D.Wood Jr., gran admirador suyo con el que hizo dos películas y tras su fallecimiento usó el metraje que había rodado para que pudiera aparecer en una tercera, la infame "Plan 9 from Outer Space" (1959).

EN  CONCLUSIÓN:

Una película más cerca de una obra de teatro que de un filme en sí, rodada por un director que en realidad la hubiera preferido como película muda (se nota mucho en los planos que usa), sin música en la mayor parte porque en aquel momento no vieron la necesidad de añadirla al creer que era innecesaria y que fue severamente recortada a los pocos años de salir (por suerte se pudo recuperar el metraje original).

No sé cuántas habré visto de las más de 200 adaptaciones que han habido del libro de Bram Stoker pero me sigue pareciendo la mejor.

Como dije antes, la siguiente entrada tratará sobre la versión en español.

The Censored Eleven

Durante años muchos dibujos animados han terminado censurados en parte o directamente prohibidos por distintos motivos. La mayoría de veces es por instigación a la violencia, por chistes racistas o comportamientos que los padres no quieren que imiten sus hijos (fumar, beber alcohol, tomar pastillas o productos químicos peligrosos, jugar con fuego, maltratar animales o robar).

Bueno, pues hoy he dado con 11 cortos de animación de Merrie Melodies y Looney Toons que allá por 1968 pasaron a formar parte de una lista conocida como "The Censored Eleven". En este caso no vieron posible editarlos en parte y decidieron prohibirlos. Todos ellos presentan claras muestras de racismo hacia la raza negra. La lista original es esta: 

Hittin' the Trail for Hallelujah Land (28-11-1931)

Dirigido por Rudolph Ising (Merrie Melodies).

El amable tío Tom lleva a Fluffy al barco de vapor de su amado, el Capitán Piggy. Al volver hacia casa el tío Tom termina metiéndose en un cementerio donde varios esqueletos se ponen a cantar y bailar, finalmente el tío Tom huye pero se mete en el río y no sabe nadar, por suerte llega Piggy a tiempo para rescatarlo, pero entonces un malvado secuestra a Fluffy y Piggy finalmente la rescata castigando al malhechor.

El título es el nombre de la canción de la escena del cementerio. La animación me recuerda muchísimo a la de los primeros dibujos de Mickey, de hecho comparándolos son una copia clara (tanto la escena del barco como la del cementerio).

Me cuesta ver el racismo aquí, de hecho salvo por el hecho de que el tío Tom parece ser un esclavo de Fluffy (es interpretable) en realidad poco más se puede decir, la razón oficial es que muestra estereotipos de personajes negros. Curiosamente fue el primer corto de animación en el que vemos a un barco bajando un río haciendo el "efecto escalera". Es de dominio publico hoy en día.

Sunday Go to Meetin' Time (08-08-1936)

Dirigida por Friz Freleng (Merrie Melodies).

Es domingo y el cura ha salido a la calle a saludar a sus parroquianos mientras se aproximan a la iglesia. Poco a poco van haciendo aparición todos los vecinos del lugar y eventualmente llegamos a Nicodemus. Su mujer le insta a ir a la iglesia para no terminar en el infierno pero el se le escapa en el último momento y tras un pequeño accidente provocado por una gallina termina soñando que va al infierno donde es juzgado y castigado. Al rato se despierta y decide volver a la iglesia.

El cura canta la canción del titulo nada más empezar el corto. En éste si veo más claras las muestras de racismo: negros bailando por la calle, una madre robando un sujetador tendido para usarlo como gorro de sus hijos gemelos, la típica familia con madre, padre y un montón de hijos, el típico holgazán e incluso al protagonista persiguiendo a una gallina con un palo.

También vemos como durante el juicio en el infierno el protagonista es acusado de robar gallinas, sandías y no ir a la iglesia entre otras cosas.

Clean Pastures (22-05-1937)

Dirigida por Friz Freleng (Merrie Melodies).

Debido a que cada vez menos gente va a al paraíso un San Pedro negro decide enviar a su ángel más vago a la tierra para solucionarlo. Pero no le hacen ni caso porque se limita a poner un cartel parecido al del ejército. Entonces un grupo de ángeles le aconseja a San Pedro que envíe un grupo de música. Y así lo hace, manda a varios cantantes de Jazz a las calles de Harlem y poco a poco se va congregando mas gente que finalmente les siguen al paraíso.

Es una parodia de la película "The Green Pastures" (1936), donde muestran historias de la biblia interpretadas por negros.

El principal problema que tuvieron es que el cielo estaba poblado únicamente por negros, lo cual le hizo terminar en esta infame lista prohibida. Sin embargo una lectura posterior nos dice que en realidad sólo esta reflejando una realidad que ocurrió en esa época: el aumento de negros en las iglesias, el jazz que se apoderaba de las calles e incluso se puede ver como una metáfora de como habían dejado atrás las labores del campo para integrarse en las ciudades.

Entre otros vemos que aparecen Louis Armstrong, Cab Calloway, Fats Waller y Jimmie Lunceford como los ángeles músicos. La canción que cantan es "Swing for Sale".

Uncle Tom's Bungalow (05-06-1937)

Dirigida por Tex Avery (Merrie Melodies).

La pequeña Eva vive junto a su amiga negra Topsy y juntas alquilan al tío Tom a un vendedor de esclavos para que no le pegue más. Pasan los meses y el vendedor se da cuenta de que llevan 3 pagos de retraso y va a verlas para que le devuelvan a su esclavo. Tras buscarlas por la casa se pone a perseguirlas con sus perros y su látigo y justo cuando las tiene arrinconadas aparece el tío Tom con un coche de lujo y un montón de dinero y le paga. Resulta que había sacado un montón dinero jugando a los dados.

Existen dos versiones de este corto, uno en blanco y negro y otro en color, no se la razón pero el original es en color. Basado en la novela "La cabaña del tío Tom".

Está planteado como una comedia y dado que es una versión de un libro muy famoso no entiendo la censura. Si bien muestra estereotipos sobre la raza negra lo que cuenta no es más que una realidad que sucedía años antes en todo el sur de EE.UU.: los negros esclavizados, el hombre blanco explotándolos. Y en realidad salvo por el detalle de los dados tampoco es tan estereotipado el personaje principal.

Jungle Jitters (19-02-1938)

Dirigida por Friz Freleng (Merrie Melodies).

Los nativos de una tribu de alguna selva se pasan el día bailando y cantando, vemos como un grupo de ellos bailando alrededor de una tienda se convierten en un carrusel. Luego vemos como tras tirar de la anilla de la nariz a uno se le alarga el cuello convirtiéndose sus aros en un muelle. Finalmente se cansan y se disponen a comer. Hace aparición un vendedor al que nadie quiere abrirle la puerta pero finalmente le dejan pasar para comérselo. Mientras lo cocinan la reina del lugar (una blanca poco agraciada) decide salvarlo para casarse con él pero tras la ceremonia él prefiere que se lo coman a enfrentarse la noche de bodas.

De nuevo existen varias versiones, una con mejor calidad. La canción que suena cuando aparece el carrusel es "The Merry-Go-Round Broke Down", esta es su primera aparición en dibujos animados y paso a ser la canción característica de los "Looney Tunes" (la que sale al final cuando aparece Porky).

En este corto vemos la aparición de varios blackfaces y la burla de algunos estereotipos de las tribus africanas, aunque opino que es un poco desmedido censurarlo, hay dibujos de Bugs Bunny que son prácticamente iguales. Es de dominio publico hoy en día.

The Isle of Pingo Pongo (28-05-1938)

Dirigida por Tex Avery (Merrie Melodies).

Un barco parte de Nueva York a la isla de Pingo Pongo, situada en los mares del Sur. Tras pasar la estatua de la libertad (que dirige el trafico marítimo), pasan por delante de las Islas Canarias (llenas de canarios, los pájaros) y las Islas Sandwich (que son un Sandwich, obvio). Al llegar y desembarcar vemos la fauna local compuesta por diversos pájaros salvajes, ciervos y, cómo no, una tribu de indígenas. En dicha tribu practican deportes como el fútbol americano y, sobre todo, se toca música primitiva con tambores que curiosamente termina siendo Jazz.

Aquí los estereotipos son lo único que hay, hacen parodia de todo un poco, personalmente me ha encantado la parte en la que durante una celebración se ponen a bailar como si estuvieran en un palacio victoriano.

Destaca la aparición de Elmer Fudd señalando a una caja de violín diciendo "¿ahora jefe?", tartamudeando más bien, y el narrador respondiendo "no, aún no", hasta el final no vemos qué es lo que contiene realmente.

En este cortometraje la censura parece un poco más lógica ya que están diciendo que los ritmos de Jazz suenan igual que los típicos tambores de las tribus africanas.

All This and Rabbit Stew (13-09-1941)

Dirigida por Tex Avery (Merrie Melodies).

Un cazador negro está dispuesto a matar un conejo cuando se encuentra con unas huellas que le llevan a una madriguera de la que salen zanahorias mordisqueadas. Tras apuntar al agujero este se mueve y finalmente le dispara ocasionando la aparición de Bugs Bunny sobre la escopeta del cazador. Tras mucho perseguirlo lo único que consigue es ser casi comido por un oso al entrar en su madriguera, casi ser apestado por una mofeta y caer por un precipicio. Al final Bugs saca unos dados, se ponen a jugar y pierde toda la ropa que lleva.

Es el único de los 11 protagonizado por Bugs Bunny. En realidad no viene a ser más que lo que pocos años despues, en 1946, sería el gag mas típico de Bugs Bunny con Elmer persiguiéndole para cazarle.

De hecho solo veo dos estereotipos, por una parte el negro que sale de caza (aunque mejoraría si fuese una gallina), y por otro la escena en la que se ponen a jugar a los dados. Y aparte la última escena del corto está censurada en algunas versiones, en ella bugs le quita lo único que le queda, una hoja que le tapa sus partes intimas. Es de dominio publico hoy en día.

Coal Black and de Sebben Dwarfs (19-01-1943)

Dirigida por Robert Clampett (Merrie Melodies).

So White es una joven que trabaja en el castillo de la reina limpiando ropa de día y cantando blues de noche. La reina pide que le traigan a un apuesto príncipe pero al llegar este se enamora de So White. Entonces la reina manda que la maten, pero los asesinos son incapaces de hacerlo y la abandonan en mitad del bosque donde un grupo de 7 enanos la encuentran. La reina envenena una manzana para matarla y tras comérsela ella cae en un profundo sueño. Los enanos entonces van a por la reina y buscan al príncipe para que le de un beso a So White, aunque finalmente es gracias a uno de ellos que consigue despertar.

Este es uno de los dos que menos sentido tiene la censura. De hecho el director lo explica, acudieron a él todo el reparto de una obra protagonizada por negros y le preguntaron como es que no habían dibujos sobre afroamericanos en los años 40, así que decidió contar con ellos para hacer una parodia de Blancanieves.

Muchas de las voces están puestas por cantantes famosos de Jazz de los años 40.

Por lo que sé el nombre de So White luego lo cambiaron por Coal Black, pero así era originalmente.

Lo que sí podemos ver es que contiene una gran dosis de sexualidad y jazz unido con algunos estereotipos (el príncipe lleva unos dados y una dentadura de oro, por ejemplo). Pero lo que creo que es más relevante es que todo transcurre con el trasfondo de la Segunda Guerra Mundial: los enanos son soldados que están en el frente, la chica se convierte en su chef particular y los asesinos muestran un cartel en el que pone que matan japoneses gratuitamente.

Tin Pan Alley Cats (17-07-1943)

Dirigida por Robert Clampett (Merrie Melodies).

Fats Waller va caminando por la calle cantando de noche cuando se cruza con un predicador que le avisa que será tentado con "mujeres, vino y música" si sigue por ese camino. Pero sólo consigue excitarle aun más y tras meterse en el club se pone a tocar el piano de forma demencial. Pero llega un momento en que se sumerge tanto en la música que "abandona" el mundo para adentrarse en un universo surrealista repleto de criaturas extrañas casi todas tocando instrumentos musicales y al final aparecen Adolph Hitler, Hideki Tojo y Joseph Stalin. Tras eso vuelve al mundo real y se pone a cantar junto a un grupo religioso que todos deberían volver a la iglesia.

Este fue el segundo corto fruto de la reunión entre los de la obra de teatro que mencione antes y el director. Es un reflejo de la escena musical Jazz de Los Angeles de la época, son caricaturas de músicos reales de aquel entonces. Y a todo el mundo, incluida la comunidad negra, les gustaron ambos cortos.

La parte surrealista pasa por ser mi favorita de los 11 cortos, es realmente increíble y no te esperas la aparición de Hitler y menos aun que Stalin se líe a palos con él. Algunos de los personajes de esta parte volvieron a aparecer en el corto "Dough for the Do-do" (1949).

Angel Puss (03-06-1944)

Dirigida por Chuck Jones (Looney Tunes).

Sambo lleva un saco con un gato negro al que le han mandado que ahogue. Pero el gato se escapa en el último momento rellenándole el saco de ladrillos. Sambo se lo piensa dos veces pero el gato, hablando con un trozo de cañería para aparentar otra voz, le insta a hacerlo y finalmente lo tira. El gato se disfraza de ángel, pintándose totalmente de blanco y poniéndose unas alas y un halo y se dedica a atormentarlo. Tras asustarle un poco el gato cae al agua y pierde la pintura blanca, entonces el negro saca una escopeta y le dispara pero entonces aparecen 7 gatos fantasmas.

Sambo habla con el típico acento de paleto del sur mezclado con el típico acento de negro. El gato en cambio habla como un blanco.

El toque más racista lo da cuando saca unos dados el gato para atraerle, cosa que funciona. Aunque bueno, solo la blackface típica de Sambo fue motivo suficiente para que lo incluyeran en esta lista. Personalmente en este caso lo veo un poco desmedido, sigue un estereotipo, eso es cierto, pero no parece más insultante que el que vemos en otros cortos similares.

Goldilocks and the Jivin' Bears (02-09-1944)

Dirigida por Friz Freleng (Merrie Melodies).

3 osos viven en su casita, tocando Jazz para pasar el día. Pero tocan con demasiada intensidad y sus instrumentos están que arden así que se van a dar una vuelta por el bosque para que se enfríen. En otra casa vemos al lobo esperando en la cama a Caperucita Roja, pero le llega un telegrama diciendo que llegará tarde. Al asomarse a la ventana ve a Ricitos de Oro entrar en la casa de los osos así que decide ir a por ella y cuando esta persiguiéndola llegan los 3 osos y se ponen a tocar para que bailen. Lo cual acaba agotando al lobo quien al final decide salir por patas y volver a casa de la abuelita justo cuando llega Caperucita, pero en ese momento ya está demasiado cansado como para comérsela.

Parodia las historias de Ricitos de Oro y Caperucita Roja. Todos los personajes son negros, incluso los animales tienen la típica blackface. Es lo que hizo que censuraran este corto. El único estereotipo que he visto es que tocan y bailan música de Jazz, al estilo Jitterbug.

En este corto creo que tiene bastante sentido la censura, aunque realmente el giro que le da a las dos historias, combinándolas de forma ingeniosa, me ha parecido muy divertido. Y también cómo las cosas se vuelven en contra del lobo cuando lo tenia todo de cara.

Con el paso de los años se añadieron algunos títulos mas a la lista, aunque quería centrarme en estos por ser los originales. La prohibición no se limita solo a EE.UU., de hecho en teoría salvo los de dominio publico ninguno debería estar en circulación (cosa que como podéis comprobar no es así).

Es una lástima que algunos estén en baja calidad, pero bueno se aprecian bastante bien los detalles y, dentro de lo que cabe, se oyen bastante bien. Casi todos son musicales y salvo alguna excepción no creo que haya una mala intención a la hora de retratar a los negros, pero supongo que es muy subjetivo.

Durante la Segunda Guerra Mundial surgieron muchos cortos de animación que parodiaban a Hitler, a los nazis, a los japoneses (algunos protagonizados por personajes famosos como Popeye o Donald). Y muchos de ellos también han sido censurados con el paso del tiempo. Quizás otro día haga un especial sobre ellos.