The Loves of Edgar Allan Poe (1942)

Otra del mismo año.

Estamos en Richmond, Virginia, en 1811. Tras la muerte de su madre Edgar Poe fue acogido por los señores Allan aunque John, el padrastro, no acaba de fiarse de él. Elmira Royster es su amor desde que eran niños. Poe consigue entrar en la Universidad pero su padrastro apenas le da dinero.

He tenido algunos problemas con la película de la entrada anterior pero al final se solucionaron solos, para variar. Pero como soy precavido decidí buscar otra película basada en Poe de los años 40 y esta es la que tenía preparada por si acaso. Mi intención original era ver una de cada década pero ya que la tengo he decidido ponerme con ella ahora.

Obviamente esta película no está basada en ninguna novela de Poe, es su biografía, la cual ya habíamos visto en "The Raven" (1915).

En las primeras escenas vemos al pequeño Edgar viendo a un cuervo posado sobre una rama. Aunque parezca increíble el pájaro era un "profesional" que salió en más de 200 títulos y de nombre Jim. Por su aparición en esta película su criador recibió 50 dólares por cada día de trabajo.

Poe no consigue que nadie publique sus poemas, lo cual me recuerda a la historia de Frank Baum, tal y como la vimos en "The Dreamer of Oz" (1990).

En la universidad también está el presidente Jefferson, a quien le gusta lo que ha escrito e incluso le aconseja sobre cómo ha de tratar a su padrastro.

Por desesperación termina alistándose pero en West Point dura bien poco y termina yéndose a vivir con su tía y su prima Virginia a la que eventualmente le pedirá matrimonio.

El tema del copyright tardó mucho en ser resuelto. De hecho ya lo mencioné en la entrada de "Ben Hur" (1907), en el cine las primeras películas no tenían ningún tipo de control y los autores no recibían nada por las adaptaciones de sus obras. Dicho lo cual, hoy en día la obra entera de Poe pertenece al dominio público.

Buena parte de la trama se centra en el hecho de que Poe se dedica a beber sin parar cada vez que pierde un empleo, aún así tiene algunos momentos de grandeza.

Charles Dickens es otro de los amigos de Poe.

Respecto a la versión de 1915 amplía bastante la historia de Poe, con mucho más dramatismo. Aún así "The Raven" vuelve a ser una pieza clave de la trama.

No deja de ser una historia que mezcla romance y drama en la que el protagonista va pasando por fases siendo las partes donde está más deprimido donde produce sus mejores obras, aunque por su manera de defender los derechos de autor sólo consigue ponerse en contra de todos los que podrían publicarlas. Pero bueno, es un poco lo que podrías esperarte detrás de un título así.

The Mystery of Marie Roget (1942)

También conocida como "Phantom of Paris".

Estamos en 1889, en París. Marie Roget, una cantante famosa, lleva 10 días desaparecida y la policía no tiene ninguna pista. El jefe de policía acude a su amigo el Dr.Dupin para que le preste su ayuda. De repente aparece el cuerpo de una mujer flotando en el río. pero su cara ha sido arrancada y las primeras suposiciones apuntan a que ha sido cosa de un animal. Aún así la identifican como la desaparecida, pero de repente aparece en su casa.

La novela de Poe estuvo basada en el asesinato de Mary Cecilia Rogers, a quien encontraron flotando en el río Hudson, en Nueva Jersey. Poe situó la acción en París y puso al detective C. Auguste Dupin al cargo de la investigación. Antes de ser publicada se supieron las circunstancias del crimen y Poe había acertado plenamente.

Es una secuela de "The Murders in the Rue Morgue" (1932), sin embargo hay bastantes cambios, empezando por que la acción está situada 44 años más tarde. Al principio mencionan el caso.

Sigue bastante bien la novela, o al menos lo que recuerdo de ella. Es una de las historias que menos veces he visto adaptada, de hecho sólo recuerdo esta versión. Y no es porque sea una mala historia, ni muchísimo menos, es quizás porque el estilo detectivesco recuerda demasiado a las novelas de Conan Doyle, quien basó en parte a su personaje más famoso en Dupin.

Eso es quizás el mayor elogio que podría hacérsele a esta película pues está basada en el origen de tantos y tantos personajes, detectives que trabajan al margen de la policía pero que se apoyan en ella cuando lo creen necesario. Con un perfil bastante arquetípico, extremadamente inteligentes, con un toque singular y peculiaridades que lo hacen único.

En las novelas Dupin era capaz de averiguar todo tipo de detalles leyendo tan sólo los artículos de los periódicos en los que se hablaba de los casos, aquí usa un método más normal siguiendo las pistas y fijándose en los detalles que nadie más ve, pero al final resultan ser la clave.

Personalmente me ha gustado por lo que es más que por la película en sí, la cual en su momento tendría alguna relevancia pero dudo mucho que destacase cuando Basil Rathbone inundaba las carteleras con su versión de Holmes.

Los Tres Mosqueteros (1942)

Pasemos al clásico de Dumas.

Cantinflas y sus tres amigos son liberados de la cárcel tras tres días. Tras ello consiguen colarse en un local y mientras él baila con una actriz se apagan las luces y le roban un collar a la chica, uno de sus amigos lo recupera y Cantinflas se lo devuelve, ella en agradecimiento les invita al lugar del rodaje de su próxima película.

Ya mencioné en una entrada anterior que esta es una de las obras que más adaptaciones ha tenido en el cine. Eso implica que también hay algunas de carácter cómico, como la que nos ocupa.

Es la primera película de Cantinflas (Cantinflas / D'Artagnan) en la que Ángel Garasa (Ricardo / Cardenal Richelieu) interpreta a un personaje de peso. Posteriormente se convertiría en un habitual de sus películas. Destaca también el nombre de Ricardo Montalban en el reparto quien no recibió crédito.

Hasta el momento las tres películas que he visto de Cantinflas tienen al menos una escena que gira en torno a una comisaría y todas interpreta a un personaje similar, un hombre sin apenas dinero que tiene ciertos problemas con la autoridad pero que es lo suficientemente pillo como para salirse con la suya.

Me hace mucha gracia que en la historia sitúan la acción en Francia pero lo primero que dicen es que D'Artagnan es mexicano.

Contiene muchos combates a espada, con muertos incluidos, pero incluso esos tienen un cierto toque cómico por parte de Cantinflas.

También incluye numerosas canciones e incluso un numerito de ballet y un baile en la corte. También vemos bailar un par de veces a Cantinflas, siguiendo su manera particular, cómo no.

Siguen la historia original bastante fielmente pero cada intervención de Cantinflas hace que el diálogo más simple se convierta en un pequeño lío.

Como firme defensor de la adaptación que hizo Douglas Fairbank he de decir que esta me parece tan válida como cualquier otra. Al menos es más entretenida que la mayoría pues incluye comedia y música, aparte que el componente romántico está bastante suavizado.

The Black Swan (1942)

Aquí la titulamos "El cisne negro".

Los españoles buscan al Capitán Morgan para ejecutarle pero justo España e Inglaterra han firmado un tratado de paz y le conceden el indulto además de nombrarle gobernador de Jamaica. Y su primera medida es obligar a los piratas a unirse a él o a abandonar los mares del Caribe.

En el reparto tenemos a Tyrone Power (Jamie Waring), a quien vi recientemente en "Witness for prosecution" (1957). Maureen O'Hara (Lady Margaret Denby), la vi en "The Quiet Man" (1952). Anthony Quinn (Wogan), seguidamente salió en "City Beneath the Sea" (1953). George Sanders (Capitán Billy Leech), salió en "Rebecca" (1940) y "The Picture of Dorian Gray" (1945).

Según los créditos de inicio es una adaptación de la novela homónima de Rafael Sabatini, sin embargo es una historia diferente que escribieron adrede.

Es graciosa la manera en la que tratan a las prisioneras como si fueran un saco de patatas. Y el poco apego que tenían a la vida los piratas.

Buena parte de lo que aparece está basado en hechos históricos, lo cual me parece bien pero eso va en detrimento de la acción. El mejor ejemplo lo tenemos durante un asalto a un barco que lo resumen en apenas 10 segundos de escenas rápidas.

Aunque también tuvo que ver el hecho de que la rodasen en plena Segunda Guerra Mundial, lo cual hizo que el presupuesto se redujese notablemente y procuraban ahorrar de donde buenamente podían, como por ejemplo haciendo las escenas en una sola toma.

El combate a espadas entre Jamie y el capitán Billy está acelerado, lo cual no le resta mérito pero queda un poco raro especialmente en el momento en que entran en el camarote y está la chica de fondo atada. Al acelerar la imagen ella se mueve de una manera un tanto peculiar.

En fin, una gran película de piratas, con todos los elementos básicos. Tenemos barcos, las típicas ciudades e islas, peleas multitudinarias y traiciones por doquier.

Night Monster (1942)

También conocida como "House of mystery".

Estamos en Hillsdale. Tres científicos son invitados a ir a la casa de los Ingston. También acuden allí un periodista amigo de Kurt Ingston, el dueño, y una psiquiatra a petición de su hermana Margaret. Allí son testigos de un experimento muy peculiar. Mientras tanto aparece un segundo cadáver estrangulado en las inmediaciones de la mansión y la policía no sabe qué hacer.

Tenía unas ganas enormes de ver una película de Bela Lugosi (Rolf) porque hace mucho desde la última y siendo uno de mis actores favoritos ya iba siendo hora.

Su papel es secundario pero lo pusieron como cabeza de cartel para atraer más al público. En todo caso es otra de las películas de monstruos de la Universal (cuyo listado más completo incluye también películas de terror sin más, es por el que me guío).

En la casa donde transcurre la acción tienen un mayordomo, una ama de llaves, una criada, un chófer, un tipo jorobado que se ocupa de la puerta (intuyo que es el jardinero), un mentalista (a ratos va con un turbante y todo) y en realidad sólo viven dos personas allí.

No vemos ni un solo cadáver con claridad, de hecho sólo llegamos a ver una mano de cada uno de ellos, todas en tensión.

El policía es bastante inepto, en seguida se da por rendido y apenas indaga las pistas. De hecho ni siquiera ve un charco de sangre cuando se queda parado sobre él.

No es un título demasiado fácil de recordar porque suena demasiado genérico, sin embargo tras él hay una película muy interesante que juega con la magia y un misterioso asesino que va dejando manchas de su propia sangre al lado de los cadáveres.

The Boogie Man Will Get You (1942)

Aquí la titulamos "Que viene el coco".

El Profesor Nathaniel Billings ha vendido su casa a una mujer que quiere hacer un hotel para turistas al estilo colonial pero le pone como condición que le deje continuar con sus experimentos. Allí aparece el exmarido de la mujer quien decide quedarse para ayudarla pero pronto empezarán a pasar cosas peculiares.

Aunque el título en castellano suene ridículo es una traducción bastante buena, la correcta sería "El coco vendrá a por ti".

La segunda de las cuatro películas en las que coincidieron Boris Karloff (Profesor Nathaniel Billings" y Peter Lorre (Dr.Arthur Lorencz), todas comedias. Las otras tres son "You'll Find Out" (1940), "The Raven" (1963) y "The Comedy of Terrors" (1963).

Hacen una pareja perfecta. De hecho me encanta ver a Karloff en un papel donde puede expresarse con palabras más que con su aspecto y casi lo mismo podría decirse de Lorre.

En ocasiones olvido la época en la que fue grabada una película. Aquí EEUU ya había entrado en la Segunda Guerra Mundial. En un momento dado el profesor explica que su creación, de no haber muerto, podría estar destruyendo Berlín o volando sobre Tokio y que podría estar ganando la guerra para EEUU en esos momentos.

Está cargada de momentos cómicos, casi siempre jugando con sonidos estridentes. Personalmente lo que más gracia me hace es que Peter Lorre va con un gatito metido en el interior de su chaqueta.

La verdad es que resulta gracioso ver a Karloff como un científico loco que usa la electricidad para crear un superhumano. Es una clara referencia a "Frankenstein" (1931).

Es una comedia de enredo con cadáveres por doquier, asesinos, policías sin autoridad y un Peter Lorre que ejerce de todas las profesiones imaginables. En resumen, muy entretenida.

The Mummy's Tomb (1942)

No confundir con "Blood from the Mummy's Tomb" (1971). Aquí la titulamos "La Tumba de la momia".

Kharis es trasladado a EEUU por su cuidador y le hace regresar a la vida para que asesine a los que profanaron la tumba de la princesa Ananka.

Técnicamente la acción tiene cabo 30 años más tarde que "The Mummy's Hand" (1940), lo cual la situaría en los años 70, sin embargo no hacen ni el más mínimo esfuerzo por mostrar cosas "futuristas". De hecho la única razón para hacer el salto temporal es que el nuevo cuidador es un actor joven y hasta que no muera el anterior no puede pasarle el testigo. Simplemente no se les ocurrió una manera mejor de hacerlo.

La primera de las tres películas que hizo Lon Chaney Jr. (La momia/Kharis) sobre momias. Creo que he mencionado alguna vez que este hombre se metió en la piel de un montón de monstruos de la Universal en pocos años.

Dick Foran (Stephen Banning) y Wallace Ford (Babe Hanson) son los únicos que retoman sus personajes de "The Mummy's Hand" (1940).

La película dura una hora. Aún así nada más empezar nos hacen un resumen de la película anterior de 10 minutos de duración usando escenas casi enteras. Y seguidamente recrean la escena con la que empezaba, la del sacerdote pasando el legado del cuidado de la momia a su discípulo. Con lo cual se comen casi un cuarto de hora antes del comienzo real de la historia.

Su corta duración me recuerda a "La momia azteca contra el robot humano" (1958).

En ambas películas los egipcios llaman "efendi" a los occidentales. Viene a traducirse como "señor". Es una palabra que se popularizó en el imperio otomano sin embargo su origen es egipcio, con lo cual tiene bastante sentido su uso en la película.

El aspecto de la la momia es ligeramente diferente. El cambio se nota en la cara principalmente.

Al igual que en al primera película alguien decide pegarle varios tiros a la momia, sin resultado. Lo curioso es que aquí tiene mucho más sentido pues están en EEUU.

En los últimos 15 minutos de película toman prestadas algunas ideas de "Dracula" (1931) y de "Frankenstein" (1931).

El final no parece dar pie a una posible continuación, sin embargo tuvo dos secuelas más, pero eso lo dejo para más adelante. La película en sí no está mal, peca de sencillez pero no creo que se le pueda exigir demasiado a una productora que sólo quería sacar más y más títulos con sus personajes icónicos (que es lo que está tratando de hacer hoy en día pero no acaba de arrancar la cosa).

Raza (1942)

Esta la llevo posponiendo demasiado tiempo.

Los tres hermanos Churruca terminan separándose tras la muerte de su madre. Jaime es un cura que vive en un convento y termina siendo asesinado por izquierdistas, Pedro es un miembro del gobierno que acaba por traicionar los ideales y tradiciones de su familia y José es un capitán del ejército capturado por los republicanos.

Han coincidido dos películas históricas casi seguidas, no ha sido intencionado. Aunque ésta es bastante diferente a "Persepolis" (2007).

La primera vez que la vi mencionar fue en unos cómics llamados "Martínez el facha" de la revista "El jueves". Era una de las películas que el protagonista y sus amigos solían ver de forma habitual.

Personalmente no sé mucho sobre ella salvo que Franco fue uno de los guionistas aunque firmó como Jaime de Andrade.

El director es José Luis Sáenz de Heredia. También dirigió años más tarde el documental "Franco: ese hombre" (1964), otro habitual de los cómics que mencioné anteriormente, y las comedias "Don Erre que erre" (1970) y "¡¡Se armó el belén!!" (1970) ambas protagonizadas por Paco Martínez Soria.

En 1950 fue relanzada con el título "Espíritu de una raza" y con 6 minutos menos de metraje. Concretamente cortaron las partes en las que se veían saludos fascistas y añadieron algunos diálogos anti-comunistas.

Uno de los principales enemigos de España, según esta película, es la masonería.

Es muy interesante la manera en la que tienen de expresarse, aunque a veces suenan un tanto ridículos con tanto "¡arribaspaña!".

Me recuerda a "The Birth of a Nation" (1915), en ella cuentan la historia de EEUU desde el punto de vista de una familia que quedó disgregada por culpa de la guerra de secesión.

La ejecución de los monjes es una de las escenas más bestias.

En fin, me resulta difícil de creer que tuvieran la necesidad de ensalzar aún más el carácter patrio de esta película. Exagerado es poco decir, es complicado meter más consignas por minuto. Y la última frase me ha hecho soltar una carcajada, de lo absurdamente cutre que llega a ser.

Casablanca (1942)

Entrada 3400

Bueno, pues llegamos a otro hito en el camino. Esta vez no tenía nada preparado y he improvisado un poco sobre la marcha, aunque creo que el título elegido es más que correcto.

Estos últimos dos meses estoy teniendo ciertos problemas a la hora de seguir con el ritmo que me había impuesto últimamente (2 publicaciones diarias de media). Principalmente porque he visto algunas series aunque también porque he empleado mucho tiempo viendo vídeos del AGDQ de este año y algunos han sido de larga duración. Pero bueno, no me quejo, el impacto ha sido bajo.

El blog ha sufrido un cambio y no ha sido cosa mía esta vez. Debido a que Google+ va a desaparecer los comentarios vuelven al formato original con lo cual se han perdido cientos de ellos (sin contar los que se generaban automáticamente). Por una parte me alegro porque el sistema de avisos cuando alguien comentaba fallaba muchísimo y era raro que me enterase. Por otra es un fastidio porque mediante Google+ tenía algunas visitillas extra.

También desaparecen los botones de +1 y alguna que otra cosilla sin importancia a la que ni siquiera le he prestado atención en todo este tiempo.

Pero bueno, que me enrollo y no paro. La película elegida es una de las que mas veces he visto. De hecho cuando aún miraba la televisión seguía el ritual de verla al menos una vez al mes (por la cadena TCM). Se dice pronto.

Casablanca (1942)

Originalmente se titulaba "Everyone come to Rick's".

Diciembre de 1941, Casablanca. El café de Rick es el lugar donde acude todo el mundo para intentar negociar un billete de avión hacia Lisboa y así poder huir hacia Estados Unidos. Pero el asesinato de un hombre hace que un Mayor nazis se ocupe personalmente del caso mientras trata de acabar con la resistencia.
 
Ya es curioso que recientemente volviera a ver "Barb Wire" (1996) que viene a ser un remake. Lo cierto es que nunca me lo había planteado hasta que volví a verla el otro día y la historia es básicamente igual.

Hablando de remakes, en 1973 la Warner le pidió a François Truffaut que hiciera uno y el se negó argumentando que pese para él no es la mejor película de Bogart los estudiantes de cine la adoran. Además no creía que Jean-Paul Belmondo y a Catherine Deneuve fueran a tener éxito reinterpretando a los protagonistas.

Luego Madonna quiso hacer uno a mediados de la década del 2000 con ella como Ilsa y Ashton Kutcher como Rick, quería ambientarla durante la Guerra de Irak. Ningún estudio aceptó producirla, la respuesta fue que se trata de una película intocable.

Se hicieron dos series de televisión con el mismo título, una de 1955 de 10 episodios producida por la ABC y otra de la 1983 de 5 episodios producida por la NBC.

Tuvo una secuela oficial en forma de novela titulada "As time goes by" escrita por Michael Walsh en 1998. Aunque no tuvo demasiada buena acogida. También hubo una no oficial titulada "Suspects" escrita por David Thompson en 1985.

En los años 80 fue otra de las películas en blanco y negro que pasaron por el proceso de coloración con un resultado nefasto y criticado.

Fue una de las más de 170 películas dirigidas por Michael Curtiz. Este director húngaro comenzó su carrera en la época del cine mudo en su país natal. Entre sus títulos más destacados tenemos "The adventures of Robin Hood" (1938) y "The Comancheros" (1961) con John Wayne.

El reparto está encabezado por Humphrey Bogart (Rick Blaine), el año antes hizo "The Maltese Falcon" (1941). Ingrid Bergman (Ilsa Lund), salió también en "Notorius" (1946) de Hitchcock. Claude Reins (Capitán Renault), protagonizó "The Invisible Man" (1933). Conrad Veidt (Mayor Heinrich Strasser), salió en "Das Cabinet des Dr. Caligari" (1920). Peter Lorre (Ugarte), hace poco le vi en "Arsenic and Old Lace" (1944). Y Paul Henreid (Victor Laszlo), su última película fue "Exorcist II: The Heretic" (1977).

La película fue grabada durante la Segunda Guerra Mundial, lo cual supuso que tuvieran que reciclar escenarios de otras películas. Sin embargo el Café de Rick fue construido adrede.

Y, aunque no lo parezca, fue rodada principalmente en platós de Estados Unidos (en California y Arizona). Las imágenes del aeropuerto fueron tomadas aparte y las de París son de archivo.

El tablero de ajedrez con el que juega Rick en su primera aparición no está dispuesto de cualquier manera, era una partida que estaba jugando Humphrey Bogart con un amigo de Nueva York por correo.

El actor Claude Rains no era fumador, sin embargo aparece casi siempre con un cigarrillo. Simuló que fumaba aspirando el humo pero sin tragárselo y luego lo expulsaba.

Jugaron muy bien con los papeles de villanos. Aparte de los nazis tenemos a Ugarte, a Ferrari y al carterista, los tres son de nacionalidad italiana, osea los aliados de los nazis.

Nunca es revelada la razón por la que Rick no puede regresar a Estados Unidos. En realidad los hermanos Epstein (los guionistas) no consiguieron dar con una que fuese convincente así que simplemente no la dieron.

En realidad Dooley Wilson (Sam) no sabía tocar el piano, aunque era un batería profesional. La música se grabó en directo y lo que hizo fue imitar los gestos de las manos del pianista que la tocaba.
En ningún momento dicen lo de "Play it again, Sam". La frase que dice Rick es "You played it for her, you can play it for me. If she can take it, I can take it so Play it!", por su parte Ilsa dice "Play it, Sam. Play As Time Goes By".

Una vez terminó la filmación quisieron cambiar esa canción pero Ingrid Bergman se había cortado el pelo para rodar "For Whom The Bell Tolls" (1943) y les era imposible volver a rodar la escena.

Acabo de recordar que en "What's up, doc?" (1972) Barbra Streisand también la cantaba.

No querían que Humphrey Bogart llevase un sombrero en demasiadas escenas porque según los ejecutivos del estudio le daba un aspecto de gángster.

Tras dejar ganar a la pareja de búlgaros, Sascha (Leonid Kinskey) dice en ruso: "Ну, какой человек, это замечательно". Se traduce como "Vaya hombre, eso es remarcable.".

Las lágrimas de algunos de los actores que aparecen en la escena de la Marsellesa son reales. Se trataba de refugiados que habían huido del régimen Nazi. La escena en sí, con Victor Laszlo dirigiendo a la orquesta, fue copiada de la película "La grande illusion" (1937) de Jean Renoir.

De igual modo muchos de los que interpretaron a los soldados Nazis que aparecen en la película eran en realidad judíos alemanes que habían escapado de su país.

Por ser tiempos de guerra no pudieron grabar en un aeropuerto de noche. Lo que hicieron fue usar un plató y un avión de cartón puesto en perspectiva forzada. Además para dar más impresión de profundidad los actores que se suben a él son más bajitos de lo normal.

Es sutil pero en la parte final cuando Renault tira una botella de agua de Vichy es su manera de protestar contra el gobierno de Vichy, el que tenía el control de Casablanca en aquel momento.

Una película difícil de olvidar. Como dije al principio la he visto en multitud de ocasiones y siempre acabo descubriendo algún detalle nuevo. Personalmente la considero una de las mejores de todos los tiempos por diversos motivos, aunque principalmente por los personajes y la historia. Muy recomendable.

Destruction Inc. (1942)

Aquí lo titulamos "Destrucción incorporada".

La aparición del cadáver del vigilante de una fábrica de munición hace despertar el instinto periodístico a Lois y acude allí para infiltrarse como trabajadora y poder investigar.

Seguimos con esta colección de cortos de Supermán, aún quedan unos pocos. El que nos ocupa dura poco más de 8 minutos.

Aunque la historia base viene a ser la misma que la del resto de cortos en este incorporan una pequeña intriga con Clark disfrazándose de hombre mayor y reapareciendo como Supermán en la parte final.

Además las secuencias de acción son numerosas, no sólo vemos a Lois haciendo acrobacias y siendo metida en un torpedo, a Supermán le caen unas vigas encima, luego la salva, consigue detener a los culpables (siempre in-extremis) y finalmente evita que un camión cargado de explosivos choque contra la fábrica.

Eleventh Hour (1942)

Aquí lo titulamos "La hora de la verdad".

Son las 11 de la noche en Yokohama, Supermán se dedica a sabotear barcos de guerra japoneses aprovechando que él y Lois están en el país.

Otro que alcanza la marca de los 9 minutos. Aunque esta vez tiene la introducción larga (que sólo se vio en el primer corto).

Y el segundo sobre la guerra con los japoneses. Esta vez es más propagandística por la manera de actuar de Supermán, aunque en cierta manera le veo sentido. Hoy en día trataría de terminar el conflicto de manera más diplomática interviniendo sólo en caso de extrema necesidad.

En cualquier caso su manera de actuar me parece de lo más ineficiente hundiendo un barco cada noche, con sus poderes podría acabar con la flota entera en un suspiro.

Queda un poco raro que permitan que dos reporteros estadounidenses viajen allí y que encima ella esté a punto de ser fusilada. Supongo que era la única manera de continuar los tópicos de esta serie de cortos.

Showdown (1942)

Aquí la titulamos "El Duelo".

Un ladrón disfrazado de Supermán comete una serie de robos por toda la ciudad. Lois y Clark acuden a la ópera y el ladrón decide hacer acto de presencia así que Supermán podrá confrontarlo y descubrir quien está detrás del engaño.

Este dura un poco más de 8 minutos.

Es la primera vez que un villano dispara a Supermán, se da cuenta de que es inefectivo y seguidamente le lanza la pistola desesperado. Es una escena que se repetirá a lo largo de las películas y cortos del kryptoniano.

Al principio el malo llama a un billete de 5$ un "fin", es un término también usado en Canadá. Luego menciona a un tal Mickey Finn como una especie de amenaza, se refiere a un barman de principios del siglo XX conocido por poner droga en la bebida de sus clientes para robarles.

Me parece interesante la aparición de un tal Jimmy en la redacción del periódico. Imagino que es Olsen, aunque aquí es más bien un crío que se dedica a hacer recados.

También que dejen montarse en el coche de policía a Lois para ir tras el ladrón, sin más. Por la manera en que sucede está claro que no es la primera vez.

Japoteurs (1942)

El título es una combinación de la palabra francesa "saboteurs" y la inglesa "japanese".

Unos espías japoneses quieren sabotear el vuelo de prueba del bombardero más grande del mundo. Por supuesto Lois se esconde en una cabina durante una visita al mismo.

Esta vez la duración llega a los 9 minutos.

La fuente usada para el título se asemeja a los caracteres japoneses.

Hay que recordar que a pesar de lo distendido de la temática de estos cortos EEUU había sufrido un año antes el ataque a Pearl Harbor por parte de Japón.

El avión en sí es capaz de transportar otros aviones dentro de lo grande que es.

Aunque la intención de los espías es llevar el avión a Tokio cuando se ven acorralados deciden destrozar los mandos y dejarlo caer sobre una ciudad. Esa parte me ha recordado bastante una escena de "1941" (1979).