Invaders From Mars (1953)

Este póster llevo viéndolo desde hace tantos años...

El misterio que queda por resolver, ¿qué clase de vida habita los demás planetas de nuestro sistema solar? ¿Quizás sea humana como en el nuestro? ¿O una vida mucho más baja en la escala? ¿O más alta y peligrosa? Los científicos de todas partes y edades tratan de encontrar la respuesta.

Tuvo un remake 50 años más tarde titulado "Invaders From Mars" (1986).

Fue el debut en el cine de Richard Deacon (Policía militar). Salió en "Them!" (1954), "Invasion of the Body Snatchers" (1956), "The Birds" (1963), "Blackbeard's Ghost" (1968) y "Piranha" (1978).

Por si no lo sabéis, adoro el cine de ciencia ficción de los años 50. Poco a poco voy recorriendo todos sus títulos, bien sean de EEUU o del Reino Unido. Y no decepcionan.

La versión que he visto es la restaurada en el 2023 a partir de los negativos originales, gracias a una copia encontrada en Australia.

Y es que esta película es una rareza en sí misma, pues es de las pocas de ciencia ficción de los 50 que está en color. Esto es porque fue rodada usando el nuevo negativo de una sola tira EastmanColor. Cinecolor Labs produjo los tráilers y las copias de estreno mediante el proceso SuperCinecolor de tres colores. Cuando Cinecolor quebró, los elementos originales y las matrices de impresión fueron confiscados y vendidos como material de desecho.

Mencionan dos eventos, "Lubbock Lights", de 1951, y "Captain Mantell", de 1948. Son avistamientos de OVNIs que causaron sensación a nivel nacional en EEUU. Incluso muestran las fotos del primero que llegaron a la prensa.

Mientras la veía no podía dejar de pensar en cómo serían las cosas si la acción estuviera situada en un pueblo de Albacete. Para empezar, la colleja que se hubiera llevado el crío por despertar a sus padres a las 4 de la madrugada se hubiera oído desde Sebastopol.

Me encanta lo poco sutiles que son. Si es que incluso rompen a cuarta pared para dejar claro al espectador cuando alguien ha sido manipulado. Qué bueno.

Me hace gracia lo rápido que se involucra el ejército.

Mencionan a los mutantes, los rayos X, los rayos radioactivos, los infrarrojos... Y todo se parece demasiado a "Invasion of the Body Snatchers" (1956). También hacen uso de "chips" implantados para controlar a los sujetos que capturan, que contienen una pequeña "bomba" para eliminarlos antes de ser capturados. Es increíble la cantidad de ideas expuestas que hemos visto usadas una y otra vez en películas y series posteriores.

En realidad usan lógicas de personas que tienen una tecnología inferior a los invasores, y les veo mucho sentido. Pero vamos, supongamos una tecnología moderna usada en los años 50. Por muchos soldados y tanques que tengan, no lograrían nada.

Parte de las "burbujas" que vemos en el túnel subterráneo son condones.

Usaron un truco de perspectiva que luego vimos en "Alien" (1979). En una escena necesitaban crear la ilusión de que los alienígenas son realmente altos, cerca de dos metros y medio de altura, así que emplearon enanos en algunas de las escenas en las que pelean mano a mano con ellos. En la película de Ridley Scott usaron a sus propios hijos.

Me acabo de dar cuenta de que en blanco y negro no habría funcionado igual esta película. Se nota que fue concebida con color. Además, hay partes oscuras en las que sin el color prácticamente no se distinguiría nada. Y, bueno, el color verde de los alienígenas creo que es fundamental.

Qué bueno el final. Es literalmente el típico de "todo fue un sueño... o no".

La película dura unos 80 minutos, aún así no se hace corta para nada. Tiene mucha trama, bastantes personajes, acción, muertes... y alienígenas, claro.

De hecho, lo único que intriga tras verla es cómo hicieron la versión de los 80. Es de Tobe Hopper, así que es más que posible que la haya visto, pero hace mucho.

Gran película, sin duda, me lo he pasado en grande viéndola.

K (1953)

Pasemos a uno un poco más raro.

Gregor Samsa despierta un día transformado tras una noche pesadillesca. Su madre, su hermana y su padre llaman  a su habitación para despertarle pero no responde.

Su duración es de 29 minutos.

Basado en "La metamorfosis" de Frank Kafka. Aunque el título podría provenir del personaje Josef K de la también suya "El proceso". Otra lectura es que la K se refiere a Kafka.

Y esa es la razón por la que busqué este cortometraje pues la directora Lorenza Mazzetti hizo uno previo y unas pocas películas posteriormente, pero poco más. No recibió crédito como la guionista.

La versión que he visto es la restaurada en 4k en el año 2022.

El nombre de Gregor Samsa está mal escrito en los créditos iniciales donde pone Gregory.

En las primeras escenas, cuando vemos a Gregor caminando por las calles con multitud de gente, la cámara está ligeramente ladeada hacia abajo con lo que no llegamos a ver las caras de los que se va cruzando cuando nos pone en su punto de vista. Eso viene a querer decir que camina cabizbajo.

Tiene algunos diálogos pero parecen más bien las voces interiores del protagonista y alguna que otra frase de refuerzo visual, pero no lo que está sonando realmente.

Yo creo que más que una transformación física es una liberación. A partir de ese momento el protagonista va incluso bailando por las calles.

Como anticipé es un cortometraje extraño, de hecho yo lo clasificaría como experimental. Dicho lo cual, no adapta la novela de Kafka, aunque al principio deja bien claro que está ligeramente basado en ella.

¡Bienvenido, Mister Marshall! (1953)

Un clásico básico.

Estamos en Villar del Río. Es un día como otro cualquiera cuando de repente hacen aparición dos motocicletas escoltando un coche. Es el delegado general y le anuncia al alcalde que están a punto de recibir la visita de unos "americanos del norte" y deben organizar un recibimiento en todo el pueblo.

Dirigida por Luis García Berlanga. Fue su debut, aunque previamente había hecho 3 cortometrajes titulados "El circo" (1949), "Tres cantos" (1948) y "Paseo por una guerra antigua" (1948).

Miguel Mihura aparece como uno de los tres guionistas. En realidad no participó en el guion, agregaron su nombre para que tuviera más prestigio la película.

Tras leer el guion los censores dijeron que no podían rodar la escena en la que la profesora sueña con su encuentro con el americano, debido a su contenido erótico y político. Con lo cual Berlanga ni siquiera la rodó pero años más tarde la usó en el cortometraje "El sueño de la maestra" (2002).

En el reparto tenemos a Lolita Sevilla (Carmen Vargas), fue su debut en el cine, aunque su carrera no fue demasiado prolífica. Manolo Morán (Manolo), salió también en "Los últimos de Filipinas" (1945) y "Recluta con niño" (1956). José Isbert (Don Pablo, el alcalde), conocido por "El cochecito" (1960) y "El verdugo" (1963). Rafael Alonso (Enviado), salió en "El abuelo" (1998) y en "La colmena" (1982). Y Manuel Alexandre (Secretario), conocido por "Plácido" (1961).

Aparte tenemos la voz de Fernando Rey (Narrador). Conocido por títulos como "Tristana" (1970), "La marrana" (1992) y "El bosque animado" (1987), entre muchos otros.

Como primera curiosidad, se trata de la primera película que tuve en formato digital. Fue a principios de los 90 al poco de comprarme un lector de CD (a una velocidad 2x) para mi PC (si mal no recuerdo un 486). La regalaban con una revista de informática que solía comprar por aquel entonces.

El Plan Marshall (muy resumidamente) fue una ayuda por parte de los EEUU a los países europeos que participaron en la 2ª Guerra Mundial. Bueno, no a todos, ni los que formaban parte del bloque comunista ni España recibieron nada.

Es un retrato de cómo era España en aquel momento. Por un lado estaba el poder (que serían el alcalde, el cura y los que tenían una buena posición económica) y por otro el pueblo (los que trabajan en el campo y carecían de cultura). Es peculiar esta división tan clara pues fue permitida por el régimen franquista, claro que quizás no lo vieron como una sátira por ser demasiado realista.

El alcalde es sordo, lo cual no es casual. Aparte cuando hace un discurso tiende a repetirse mucho, para que la gente no se cuestione nada y simplemente acepte lo que dice.

Las figuras del poder me han recordado a los cómics de Fer, concretamente a la serie "Puticlub".

Creo que el dato que más me ha llamado la atención es que a los niños que salen les pagaron 25 pesetas y lo hicieron porque era más que lo que ganaban recogiendo los cultivos (18 pesetas).

El autobús que aparece nada más arrancar la película es un Ford Model A de 1928. El primer coche que aparece con las dos motos es un Packard One-Ten de 1941 y las motos son Royal Enfield Bullet. El vehículo lleno de banderas de EEUU y de España es un Muir-Hill 10 B, el que le sigue parece un Aveling and Porter road roler. La moto con sidecar con la que llega el ayudante del delegado es una Harley-Davidson. Y por último de los coches que pasan cuando llegan los "americanos" uno es un Chrysler Windsor de 1946, los otros parecen otro Chrysler y un Alfa Romeo.

Lo mejor es la manera en la que especulan qué sucede. Los de la barbería concluyen que es la guerra (no se sabe cuál). El hidalgo cree que son los indios.

Pero la mayor especulación es de la del alcalde, quien cree que saldrán ganando una cuantiosa cantidad de dinero, tanto que promete una cosa a cada uno de los habitantes del pueblo. Pero sólo una.

El verdadero culpable de todo es el tan temido delegado quien incluso les presionó cuando no habían hecho ningún cambio en su pueblo (del que ni siquiera recuerda el nombre correcto).

Es una película que refleja la facilidad con la que se puede engañar al pueblo llano y es que incluso después del engaño nadie se enfada y simplemente deciden pagar la deuda y seguir con sus vidas. Algo normal en un país donde el que manda no se equivoca nunca y por ello nadie le cuestiona nada.

Roman Holiday (1953)

Aquí la titulamos "Vacaciones en Roma".

La princesa Ann está harta de sus obligaciones y una noche decide escaparse. Pero como le han dado un tranquilizante termina durmiendo en la calle, ahí es donde la encuentra Joe y como ella parece estar borracha se la lleva a su casa.

Una de tantas películas que he oído mencionar en multitud de ocasiones y nunca me he sentado a ver. Por fin llegó ese día.

Dirigida por William Wyler. También suyas son “Ben-Hur” (1959), “The Best Years of Our Lives” (1946) y “The Collector” (1965).

Protagonizada por Gregory Peck (Joe Bradley), conocido por “To Kill a Mockingbird” (1962) y “Spellbound” (1945). Y Audrey Hepburn (Princesa Ann), una de sus películas más famosas junto con “Breakfast at Tiffany’s” (1961) y “Charade” (1963).

En aquellos momentos Audrey Hepburn era una desconocida y le vino muy bien a los productores porque tenían un presupuesto muy ajustado debido a que William Wyler quiso rodarla en Roma y no en Hollywood. Fue la película que la propulsó al éxito, cosa que supo anticipar Gregory Peck al terminar de rodarla.

Hablemos de Dalton Trumbo, el autor del guión. Debido a su pertenencia al Partido Comunista pasó a formar parte de la conocida lista de los “10 de Hollywood”, lo cual le obligó a irse a México. Cuando la película ganó el Oscar a la mejor historia se lo tuvieron que dar a Ian McLellan Hunter, un amigo suyo. Posteriormente (en 1993) le fue reconocido, aunque él había fallecido en 1976.

De hecho la famosa caza de brujas en EEUU es lo que provocó que el director se fuese a Italia para rodarla. Temía ser señalado por su postura liberal.

La Piaggio Vespa 125 de 1951 que llevan los protagonistas se hizo muy popular gracias a esta película.

Parte del éxito fue debido a la popularidad de la Princesa Margaret y sus quehaceres. Aunque el gobierno británico les obligó a desvincular a la princesa de la película con su casa real, para lo cual rodaron una escena adrede en la que quedaba claro que era de otro país (no dicen cuál, pero se intuye que es de Europa del este).

Me hace gracia la facilidad con la que Joe termina comprando una sandía en la calle, sin necesidad alguna. Y luego se va paseando con ella. El detalle es que no le sobra el dinero precisamente en esos momentos y aún así la compra y luego la regala a unos niños. Es un personaje que en ningún momento muestra signos de maldad.

Irving el fotógrafo tiene la peculiaridad de hablar más de la cuenta en los momentos más inapropiados. Bueno, eso y que es incapaz de leer a Joe cuando trata de evitar que meta la pata.

En la escena final los periodistas que aparecen son reales. Me hace gracia que haya uno del ABC y otro de La Vanguardia.

Es una historia sin complicaciones y aún así consiguen explorar mucho cada uno de sus aspectos. Por ejemplo, podrían haber simplificado mucho más la parte en la que Joe descubre quién es la chica y sin embargo la deja ir sin saber a ciencia cierta qué hará, lo cual le permite verla desde cierta distancia para poder descubrir mejor cómo es.

Y el final es equilibrado, nada ha cambiado en realidad pero todo es diferente para ambos. Es importante la manera tan cortés con la que se tratan, para guardar las formas frente al resto de gente, pero que en realidad oculta mucho.

La definiría como una película muy cómoda de ver. Está carente de las tonterías sin sentido con las que nos bombardean en las comedias románticas actuales. Aparte su argumento ha sido copiado en multitud de ocasiones, pero nunca con un resultado tan bueno.

Phantom from space (1953)

Aquí la titulamos "El fantasma del espacio".

Un objeto extraño ha aparecido a gran altura en diferentes lugares del planeta moviéndose a gran velocidad. Tras desaparecer empiezan a suceder una serie de asesinatos en la costa de California.

Denominan al alienígena "x-men" antes de empezar a usar la palabra fantasma. Y en realidad es algo llamativo. Está claro que se refieren a un ser desconocido pero es curioso que hayan optado por dicha nomenclatura.

La película arranca con unos 5~6 minutos de introducción con una voz en off que va narrando las diferentes posiciones de un objeto desconocido junto con la hora exacta y la velocidad. Se llega a hacer un poco pesada porque en realidad no hacía falta entrar tanto al detalle para describir a un objeto volador no identificado que describe una trayectoria por la atmósfera terrestre.

Luego tenemos al alienígena en sí al cual describen diferentes testigos de idéntica manera. Qué menos que variar un poco en los detalles para darle un poco de juego, pero es que todos dicen que lleva un traje de buzo y que no tiene cara. Y, por supuesto, los que lo investigan no acaban de creerse a los testigos.

Personalmente me han hecho gracia algunos detalles, porque es la única manera de disfrutar estas películas, osea buscando las cosas absurdas que aparecen o suceden.

Y entre las cosas graciosas está la manera en la que termina porque, en esencia, dejan que el ser se muera y se quedan mirando al cielo diciendo una frase tipo "oh, está amaneciendo", fin.

Pero vamos, que tampoco se puede exigir demasiado a un producto de presupuesto casi nulo con un guión muy sencillo y unas situaciones que recuerdan más a un episodio de Benny Hill que a una película de ciencia ficción de extraterrestres.

雨月物語 (1953)

Aquí la titulamos "Los cuentos de la luna pálida", también conocida como "Cuentos de la luna vaga después de la lluvia".

Tobei quiere convertirse en samurai para ganar mucho dinero. Genjuro es un alfarero quien sólo quiere vender sus mercancías antes de que la guerra les alcance. El primero fracasa, el segundo triunfa. Pero poco importa cuando llegan los soldados enemigos al poblado.

Basado en el libro homónimo de Ueda Akinari, publicado en 1776. Bueno, en realidad sólo coge dos de sus historias, una titulada "Asaji ga Yado" (La casa en la espesura) y la otra "Jasei no In" (La lujuria de la serpiente blanca).

Es interesante ver como una vez que Genjuro gana algo de dinero se lo gasta en ropa y algo de comida. Las necesidades básicas.

Los más afectados por la guerra son los campesinos y la gente pobre. Da igual cuando leas esto. En esta película vemos como los hombres son llevados para realizar labores forzadas mientras saquean sus casas.

Los soldados que vemos, unos samurai, llevan lanzas y espadas sin embargo a medida que se aproxima el combate oímos disparos. La acción tiene cabo durante las guerras civiles del siglo XVI (durante el periodo Sengoku), las armas llegaron a Japón a mediados del siglo XIII pero fue durante esas guerras donde se popularizó su uso.

Eso es algo a lo que le he estado dando vueltas durante toda la película ya que en "The Last Samurai" (2003) parece que sea algo que introduzcan en el siglo XIX.

El destino de ambos protagonistas es prolífico pero sus mujeres son las que sufren las consecuencias. El samurai triunfa pero su mujer se convierte en prostituta, el alfarero encuentra una mujer noble de la que se enamora (que en realidad es un fantasma) pero su mujer y su hijo sufren hambruna y los soldados les atacan.

Es fascinante como consiguen meter a los fantasmas en una historia dramática con tintes bélicos y encima los hacen encajar bien.

Y a pesar de la seriedad de la historia hay momentos en que resulta cómica, especialmente las intervenciones del personaje de Tobei, aunque se puede leer como algo dramático también porque no deja de ser alguien obsesionado con un sueño inalcanzable a costa de su esposa.

Personalmente la he disfrutado mucho, no es parsimoniosa ni está cargada de acción, tiene sus pequeños momentos de deleite e incluso las partes fantasmales resultan de lo más mundanas.

The Tell-Tale Heart (1953)

Aquí la titulamos "El corazón delator".

Un hombre mayor con un ojo de cristal es asesinado fríamente. Su asesino no para de escuchar el latido de su corazón y aprovechando que está durmiendo lo mata.

Tiene escasos 8 minutos de duración.

Está narrada por James Mason, conocido por "Lolita" (1962) y "20,000 Leagues under the sea" (1954).

Es una animación no continua, se basa en mostrar sólo imágenes significativas y a enfatizar una mirada o un parte de una habitación, por ejemplo.

Aún así al estar reforzada por una narración que se centra en describir lo que ve y siente el asesino tampoco hace falta mucho más.

Lo mejor de Edgar Allan Poe es que algunas de sus historias se pueden contar en pocos minutos sin dejar de ser fascinantes. De hecho es el autor ideal para hacer una película de segmentos (alguna he comentado ya de hecho).

Me ha gustado, a pesar de su corta duración consigue sumergirte en la locura de Poe. Evidentemente una adaptación más larga haría que el suspense durase más (que es lo mejor de esta historia), pero aún así está muy bien.

Stalag 17 (1953)

Aquí la titulamos "Traidor en el infierno".

Estamos en Diciembre de 1944. El Stalag 17 es famoso porque ningún prisionero ha logrado escapar con vida de él. Tras el último intento fallido sospechan que tienen a un chivato entre ellos y el principal sospechoso es uno que hace buenas migas con los guardias.

La obra de teatro en la que está basada fue estrenada en 1951 y tuvo 472 funciones. Varios actores de ella retomaron sus papeles en la película.

Dirigida por Billy Wilder. Fue uno de sus mayores éxitos y por ello esperaba ganar mucho dinero sin embargo la Paramount le dijo que dado que habían perdido con "Ace in the Hole" (1951), su anterior película, le descontarían las pérdidas de su sueldo. Digamos que no le sentó bien y abandonó la Paramount.

Hay otra explicación de lo sucedido. Para mejorar las posibilidades de éxito en Alemania del Oeste un ejecutivo de la Paramount sugirió al director que pusiera a los guardias del campamento como si fuesen polacos y no nazis. Al director no le hizo ni la más mínima gracia porque había perdido familiares en campos de concentración y exigió una disculpa del ejecutivo. Dado que nunca llegó decidió abandonar el estudio. Puede que la decisión final fuese tomada tras ambas historias.

Un Stalag es como denominaban los nazis a sus campos de prisioneros de guerra. La palabra es una abreviación de Stammlager. No confundir con los campos de concentración, en los Stalag sólo habían militares capturados durante la guerra. Originalmente eran sólo para tropa y suboficiales pero tenían tantos prisioneros que tuvieron que poner allí también a los oficiales quienes hasta ese momento eran metidos en los Oflag (Offizier-Lager).

Me gusta que usen bastante el idioma alemán. Aparte del fuerte acento van soltando palabras sueltas de manera casual y alguna que otra conversación puntual.

La parte cómica de la película es un tanto sutil. Por ejemplo cuando leen las cartas y descubrimos que uno que tiene un montón en realidad son avisos de retrasos de pago y a otro su esposa le dice que se ha encontrado un bebé en su puerta que tiene sus ojos.

La verdad es que cuesta adivinar quién es el traidor. Hasta pasada una hora y 20 minutos no lo descubrimos.

En el campo cuentan con una radio secreta, un telescopio improvisado, un alambique e incluso organizan carreras de ratas en las que apuestan cigarrillos, la moneda de cambio.

Me ha gustado mucho, el toque cómico está sólo para aligerar un poco el ambiente, sin pasarse demasiado. Juegan con elementos típicos de películas de campos de prisioneros de una manera muy inteligente. De hecho creo que fue una de las principales influencias de películas como "The Great Escape" (1963) "Victory" (1981) o la serie "'Allo 'Allo".

How to Marry a Millionaire (1953)

Aquí la titulamos "Cómo casarse con un millonario".

Tres mujeres forman una sociedad para encontrar un marido rico cada una, pero tras tres meses no han adelantado nada y han ido vendiendo muebles para poder subsistir.

Basada en la obra de teatro "The Greeks Had a Word for Them" de 1930 que tuvo una adaptación cinematográfica en el año 1932.

Fue una de las primeras películas con el sonido grabado en estéreo.

Protagonizada por Betty Grable (Loco Dempsey), salió también en "I wake up screaming" (1941). Marilyn Monroe (Pola Debevoise), acababa de hacer "Gentlemen Prefer Blondes" (1953). Y Lauren Bacall (Schatze Page), conocida por "To have and have not" (1944).

El personaje interpretado por Lauren Bacall dice que siempre le gustaron los hombre mayores como el que tipo ese como se llame que sale en "The African Queen" (1951). Se refiere, obviamente, a Humphrey Bogart con quien estaba casada en aquel momento.

Por su parte cuando Pola está en el traje de baño rojo vemos que en la descripción pone "ya sabe, por supuesto, que los diamantes son los mejores amigos de una chica". Es una referencia a "Gentlemen Prefer Blondes" (1953) en la que Marilyn Monroe cantó la canción "Diamonds are a girl's best friend".

Según lo que contó Lauren Bacall, Marilyn Monroe estaba siempre insegura y estaba siempre pendiente de la aprobación de su entrenadora Natasha Lytess. Es algo que se vio reflejado en "My Week with Marilyn" (2011).

No entiendo la gente que critica la edad de los actores para interpretar según qué personajes. Me ha pasado en unas cuantas de las películas que he visto estas últimas semanas y llega a ser molesto incluso.

La película arranca con una orquesta tocando una canción y tras unos 6 minutos empiezan los créditos de inicio. Es algo similar a lo que me pasó cuando vi hace unos días "Spartacus" (1960), no sabía que fuese una especie de costumbre lo de incluir un pequeño receso musical antes de empezar la película. En el caso de la película de Kirk Douglas también había otro a mitad debido a su larga duración, pero los intermedios son más habituales.

Me hace gracia lo pudorosa que es Pola con que la vean llevando gafas y as situaciones graciosas que ello le ocasiona. Es una referencia a la frase de Dorothy Parker que decía que los hombres raras veces se interesan por las mujeres que llevan gafas.

En un momento dado Pola menciona al "Sr.Cadillac" como posible candidato para casarse y Page la corrige diciendo que es el nombre de un coche, no una persona. En realidad sí existió un Sr.Cadillac que fue el gobernador francés de Canadá, fundó la ciudad de Detroit, luego fue gobernador de Louisiana y la marca de coches recibió su nombre.

Las tres protagonistas vienen a ser unas "gold-diggers" en toda regla. O dicho de otra manera unas mujeres cuyo único interés en un hombre es la cantidad de dinero que posee.

En la versión doblada al español a Lauren Bacall la llaman Sara. Se pierde un chiste un poco difícil de pillar de la VO pues Schatze, o más bien "Schatz", en alemán significa tesoro.

Está muy bien. No incluye numeritos musicales y casi es de agradecer. Aparte cada una de las tres protagonistas tiene un final muy justo, creo yo.

The Big Heat (1953)

Aquí la titularon "Los sobornados".

Harto de la corrupción un policía se suicida para tratar de hacerla relevante pero su esposa llama primero a un mafioso y siguiendo sus órdenes oculta la carta donde lo explicaba todo. Dave Bannion es quien se encarga del caso y pronto descubre que algo no anda bien, pero no tiene pruebas de nada e incluso terminan echándole del cuerpo.

Otra película de Fritz Lang, esta vez de su etapa en EEUU.

Protagonizada por Glenn Ford (Dave Bannion), conocido por "Gilda" (1946). Con Lee Marvin (Vince Stone), conocido por "The Dirty Dozen" (1967).

La historia está basada en un serial publicado en The Saturday Evening Post que a su vez se basó en los hechos reales que sucedieron en Filadelfia a finales de los años 40. Es algo muy típico de Fritz Lang lo de basar sus películas en hechos reales.

Creo que el mafioso es poco discreto en sus acciones. No sólo se carga a la confidente sino que le mete una bomba en el coche del protagonista. Aunque eventualmente descubrimos que es cosa de unos de sus subordinados.

Y además su jefe en la policía no parece darse cuenta (o igual no quiere/puede) de que sus superiores están pringados.

El director sabe jugar muy bien con lo que sucede en segundo plano. Por ejemplo la primera escena muestra a la esposa del suicida junto a un reloj. O cuando el protagonista interroga al tipo del desguace la secretaria está a punto de decir algo pero se calla.

La historia sigue una estructura que ha sido repetida hasta la saciedad. El policía que se encarga de un caso escabroso donde hay gente cercana a él pringada y que se ve obligado a abandonar el cuerpo para poder tener más libertad a la hora de investigar. Incluso lo de matar a su esposa como "mensaje" ha sido repetido en innumerables ocasiones.

A pesar de ello hay que tener en cuenta el año en que fue hecha, no sabría decir hasta qué punto ya había sido llevada una historia así al cine en aquel momento.

En todo caso me ha gustado la parte más salvaje de la historia, especialmente Vince Stone quien incluso llega a desfigurar a su mujer, cosa que terminará por ser su caída y la de sus socios.

El (1953)

Me gusta lo conciso del título.

La persistencia de Francisco Galván de Montemayor hace que consiga casarse con Gloria Vilalta, la mujer que quiere. Pero pronto él se vuelve posesivo y paranoico con los hombres que conoce su esposa y la empieza a maltratar física y psicológicamente.

Dirigida por Luís Buñuel en su etapa en México. El director hace un cameo como uno de los monjes. En su opinión el resultado final no fue del todo satisfactorio sin embargo se sintió orgulloso de que un psicoanalista francés usase esta cinta para mostrar a sus estudiantes un ejemplo de lo que es la paranoia.

Se trata de una adaptación de la novela con el mismo título de Mercedes Pinto publicada en 1934.

La película empieza con una ceremonia religiosa cristiana en la que un cura lava y besa los pies de algunos feligreses. Es una de tantas cosas que se ha normalizado con el paso de los años entre los cristianos pero que en realidad es una marcianada.

La escena en la que Gloria cruza una calle y Raúl la ve y frena es similar a una de "Psycho" (1960).

Creo que la escena más brutal es cuando el marido le pega unos cuantos tiros a la esposa y luego resulta que eran de fogueo. Aún así ella termina varios días en cama por el susto. Y aún así le perdona y le sigue queriendo, es demencial.

Me gusta como a pesar del incremento de la locura del protagonista al final acaba en un lugar perfecto para él. No sé hasta qué punto se podría hablar de justicia porque en realidad no ha llegado a matar nadie, pero no es por falta de intentarlo.

Me ha gustado, por el título me esperaba algún tipo de historia en torno un hombre que poco a poco va empeorando y, esencialmente, es eso. Pero jamás pude imaginarme la brutalidad de alguna de las escenas.

The Wild One (1953)

Aquí la titulamos "Salvaje".

Una banda de moteros llamada B.R.M.C. (Black Rebels Motorcycle Club) anda buscando camorra de pueblo en pueblo. Su líder es Johnny quien va luciendo el premio de una carrera de motos en la que ni siquiera compitió.

Mirando la filmografía de Marlon Brando (Johnny Strabler) resulta impresionante descubrir que sus primeros trabajos fuesen tan buenos. Por ejemplo protagonizó "A Streetcar Named Desire" (1951) y "Viva Zapata!" (1952) antes de hacer ésta película, que se trata de una de sus más icónicas.

Para Mary Murphy (Kathie Bleeker) fue su papel más destacable aunque había salido en "Westward the Women" (1951) y "Houdini" (1953) en las cuales no recibió crédito. También aparece Robert Keith (Sheriff Harry Bleeker), quien años después saldría en "Cimarron" (1960). Y Lee Marvin (Chino), conocido por "The Dirty Dozen" (1967).

Lee Marvin estaba realmente bebido en algunas de las escenas. Su rivalidad con Marlon Brando continuó fuera de cámara.

Los moteros impresionan por ser un grupo bastante grande, sin embargo se comportan como críos. Lo único que hacen es beber, bailar con chicas y hacer ruido.

Y Johnny es el líder pero no por ello el más marrullero. De hecho es justo lo contrario. En medio del caos que crean él es el único que se mantiene en calma y trata de conquistar a una chica de manera progresiva.

En realidad los verdaderos causantes del caos son los propios ciudadanos cuando se unen para echar a los moteros y la toman con Johnny, es lo que acabará por matar a uno de ellos.

Desde que llegan al pueblo he tenido la sensación de que es todo un decorado. Principalmente porque las calles parecen de un poblado del salvaje Oeste con sus fachadas modernizadas. De hecho la manera en la que están esperando los ciudadanos cuando llegan los moteros es exactamente igual que si fuesen unos forajidos montados a caballo.

Es una película con una imagen icónica que ha pasado a la posteridad pero no me ha parecido TAN buena. De hecho no la volvería a ver.

Inferno (1953)

Aquí la titulamos "Infierno".

Gerry Carson y Joe Duncan dejan a Donald Whitley Carson, el marido de Gerry, tirado en medio del desierto con una pierna rota. Pero Don es un tipo con muchos recursos y pronto consigue ponerse en movimiento.

La primera película en 3D de la 20th Century Fox.

Querían aprovechar la tecnología 3D al máximo así que cambiaron el final para que tuviera un enfrentamiento extra.

Durante buena parte de la película vemos a Don hablando solo (bueno, oímos la voz en off) y tratando de sobrevivir con lo mínimo. De hecho en un momento dado se pone a comer el interior de unos cactus y poco a poco van aumentando sus posibilidades de salir con vida.

Pasan varios días y todo parece indicar que Don no va a conseguirlo, sin embargo va teniendo más suerte y poco a poco consigue incluso ponerse a andar. Es genial la escena del conejo al que consigue darle de un disparo y entonces llega un coyote y se lo quita.

Y los otros dos aunque siguen el caso de cerca no tratan de hacer gran cosa hasta llegado el día en que llueve y el rastro que dejaron ha desaparecido. Entonces deciden ir a matarle y ahí es cuando cometen el mayor error.

Bien podría ser una historia que adaptase Alfred Hitchcock, el suspense es bueno y pese a la simpleza del argumento vemos cómo va creciendo la tensión hasta el enfrentamiento final.

Como sospechaba para mostrar el 3D hacen uso del clásico truco de acercar mucho objetos a la cámara o directamente lanzarlos en dirección del espectador.

Interesante, sencilla pero bien hecha. A veces no pido mucho más.