This Island Earth (1955)

Aquí la titulamos "Regreso a la Tierra".

Estamos en Washington. El doctor Cal Meacham es un ingeniero y piloto que está trabajando para lograr usar la energía nuclear junto con la electricidad. Durante un vuelo rutinario pierde el control de su jet pero algo lo estabiliza y aterriza sin problemas, sin que ni siquiera coja los mandos.

Otra película de ciencia ficción de los 50 a todo color. Usaron la técnica  de las tres tiras de Technicolor, lo cual dificultó las cosas en el rodaje. Las cámaras eran enormes y la iluminación demasiado fuerte. Encima hicieron que el presupuesto aumentase notablemente.

Eso explica lo de los "dos años y medio" que dice que tardaron en hacerla en el póster. Buena parte de ese tiempo fue la post producción y efectos especiales.

Dirigida originalmente por Joseph M. Newman, quien fue despedido cuando vieron el primer montaje. Llamaron a Jack Arnold para solucionarlo, grabó algunas escenas y la editó, pero nunca recibió crédito por ello.

Henry Mancini estuvo involucrado en la BSO, pero no recibió crédito tampoco. Tuvieron que echar mano de varios compositores de la Universal para completar la música antes del estreno.

Hay un "actor" que pese a tener sólo 5 años de edad consigue destacar, y eso que no obtuvo crédito. Se llama Orangey (Neutron) y salió también en títulos como "The Incredible Shrinking Man" (1957), "The Diary of Anne Frank" (1959), "Breakfast at Tiffany's" (1961) y "The Comedy of Terrors" (1963), aparte de series como "Alfred Hitchcock Presents", "The Twilight Zone", "Mister Ed" y "The Outer Limits". No está nada mal para un gato.

La versión que poseo es la que fue remasterizada en el 2019. En esencia, es un open matte que muestra toda la imagen y no la que fue proyectada en su momento en cines, más alargada con recortes en las partes superior e inferior. Además incorpora un formato de audio estéreo basado en Perspecta, el que usaron en su momento.

En el póster vemos las piernas de los mutantes. Así es como deberían haber sido en la película pero tuvieron muchos problemas a la hora de hacerlas realistas y que se pudieran mover los actores en ellas, así que terminaron por ponerles unos simples pantalones. Aunque en la parte final podemos apreciar sus "pies", y sí están detallados.

La miniatura de la Tierra fue usada como logo de la Universal entre los años 50 y 80. De hecho aparece en esta misma película.

La historia empieza centrándose en un dispositivo llamado Interocitor. Los dos científicos lo construyen usando los materiales que les envían y siguen las instrucciones al dedillo, pero tras terminarlo y tener una comunicación con el ser que se lo envió, de nombre Exeter, deciden destruirlo.

En cuanto a la tecnología, más allá del Interocitor, vemos que es muy tangible, muy visual, muy analógica. Lo cual tiene mucho sentido, son los años 50 y crear algo "invisible" o muy pequeño no sería posible, incluso cuando hablamos de seres muy avanzados.

Me parece particularmente interesante que dos tipos en gabardina estén esperando un avión rodeados de niebla y uno se monta en él. Todo muy "Casablanca" (1942).

El error que comete Exeter es mostrarle al protagonista las capacidades destructivas del Interocitor. Si hubiera seguido un camino más pacífico, más científico, él no habría tenido tantas sospechas. Reales, por otra parte, pero quizás para cuando descubriese la verdad sería demasiado tarde.

Otro error es que la manera en la que lavan los cerebros de los que se les oponen no sólo es contraproducente sino evidente, los otros humanos saben lo que les han hecho y lo ven como otra amenaza más. Pero es que encima no es algo útil para los aliens pues esos humanos pierden la capacidad de razonar. se convierten en zombies domesticados, esencialmente.

Muchos de los principios científicos son acertados. Por ejemplo la creación de una gravedad artificial en la nave para no estar flotando contínuamente. Hay que tener en cuenta que esto fue grabado un lustro antes de los primeros viajes espaciales tripulados. Era especulativo, pero preciso.

Esta película dista mucho de ser una más de ciencia ficción de los años 50. Hay escenas en el planeta alienígena que están realmente bien hechas, y no son pocas precisamente. Si bien usan entornos minimalistas para el interior los exteriores son bastante elaborados. Para ello usan trucos de cámara, claro, pero están logrados.

Creo que es una gran película, infravalorada. Su único pero es la historia que se desarrolla a dos tiempos y la primera mitad no es demasiado intensa, a partir del punto en que el científico sube al avión que vuela "solo" prácticamente no sucede nada hasta que es capturado de nuevo y llevado en la nave a su planeta. Pero creo que el resto es muy bueno, mejor de lo que nos tiene acostumbrados el cine de este período. Además no cae en topicazos como militares interviniendo porque sí o invasiones alienígenas hostiles.

Une Femme Coquette (d'aprés Maupassant) (1955)

El título se traduce como "una mujer coqueta (después de Maupassant)".

Agnes escribe a una amiga como le ha sido infiel a su marido y no sabe qué hacer. Seguidamente procede a narrar con todo tipo de detalles cómo sucedió. Vio a una mujer coqueteando con un hombre desde su balcón y ella decide hacer lo mismo con un desconocido en el parque. Pero después de sonreírle le entró en pánico y salió corriendo de vuelta a su casa, él la siguió y se acostó con ella tras pagarle 50 francos.

Su duración es de 9 minutos.

Dirigida y co-escrita por Jean-Luc Godard. Se trata de su primer trabajo, seguidamente hizo 3 cortometrajes más. Hace un cameo como el hombre que observa desde el balcón.

No puedo decir que sea un gran conocedor de la obra de Godard. Es más, no he visto ni una de sus películas, o si lo hice fue hace mucho (y quizás fuese una de Belmondo) y apenas la recuerdo. Con lo cual, tenía que suceder antes o después que acabara cayendo en su filmografía y qué mejor que empezar por su primer trabajo.

No tengo ni idea de qué puede ser lo de Maupassant del título, si se refiere a que se basó en alguna de las obras de Guy de Maupassant o qué.

Definitivamente se pueden hacer muchas lecturas, y no sé cuál sería la más acertada. Desde un punto de vista actual se podría llegar a interpretar como una violación, pero en realidad fue ella quien incitó al hombre en primer lugar de manera provocativa como dando a entender que es una prostituta.

También se podría entender como que ella no quería nada, sólo jugar, pero se le fue de las manos. Él respondió a sus instintos más básicos y todo empezó porque ella sintió envidia al ver la facilidad que tenía otra mujer para llevarse un hombre a la cama. ¿Es justificable lo que hizo él? como dije antes, desde un punto de vista actual posiblemente no, pero en los años 50 no parece tan horrible, de hecho ella empieza diciendo que quizás ese hombre sea ahora su amante, con lo cual no sólo ha aceptado el hecho de haberse acostado con él sino que espera repetirlo.

Soy incapaz de ver el "estilo de Godard" pues no conozco su obra, pero por lo poco que he leído se ve que refleja parte de él en este cortometraje a pesar de la tosca edición, la cual se atribuye al hecho de que es una película hecha como un trabajo de clase, que es lo más normal en los primeros trabajos de los directores de cine.

後窗 (1955)

También conocida como "Backyard adventures".

El reportero Yu Mong-yuen se ha roto una pierna y por ella se ha de quedar en el piso de su prometida, Man-wah. Al no tener mucho que hacer ella le dice que podría observar por la ventana las vidas de sus vecinos de enfrente. Una noche, mientras se encuentra a solas en el apartamento, ve a un hombre divorciado asesinando a una bailarina. El reportero llama a la policía para que lo detengan pero al final resultó ser todo un malentendido.

Después de las películas de Sadako he decidido ver los remakes orientales que tenía esperando. No son demasiados pero al menos sé que no se me harán pesados de ver (o al menos eso espero). Empezamos por el de "Rear Window" (1954).

Hay otro remake titulado "Rear Window" (1998) que fue para televisión protagonizado por Christopher Reeve, Daryl Hannah y Robert Forster.

Al menos este remake tiene un cierto sentido. Un comediante chino llamado Yi Qiushui murió y una se juntaron unos cantantes de ópera y actores famosos para participar gratuitamente en la producción como homenaje. Todas las ganancias fueron para la familia de Yi.

Así de primeras veo que tiene demasiada exposición, nos detallan la situación en la que se encuentra el protagonista con mucha precisión.

Entre los vecinos tenemos a un hombre mayor que quiere casarse con una chica joven, pero ella está enamorada de su hijo, uno que lee las cartas (engañando a los que acuden allí), un gimnasio bastante concurrido (usan el jardín para las pesas y demás y el interior para hacer aeróbic) y una escuela de ópera.

En la película original salía una mujer que cantaba ópera, aquí también. No tendría nada de particular pero es que esa parte la subtitularon en chino en la VO. Más tarde hacen una performance (bastante larga) en uno de los balcones grandes. Y luego aparecen en la calle dos chicas ciegas y se ponen a cantar junto a dos tipos que tocan instrumentos.

Todas esos numeritos musicales son la razón por la que la película dura casi 2 horas. Y, de hecho, tengo la impresión de que no nos ha llegado entera, al principio parece que falte parte de una escena.

Lo interesante de esta versión es que el edificio que mira tiene grandes puertas que dan a los balcones, además de ventanas a los lados, lo cual hace que podamos ver el interior de las viviendas casi por completo. Y eso hace que me pregunte si construyeron el edificio adrede o si existía uno así. Al fin y al cabo no vemos el otro edificio desde donde lo observa todo el protagonista, bien podría no haber nada enfrente.

Al igual que en la película de Hitchcock el protagonista empieza usando prismáticos pero luego usa una cámara de fotos para poder ver con más detalle.

Lo considero un remake correcto. La parte musical cobra sentido al saber que se trata de un homenaje a un actor y que cada uno aportó lo que mejor sabía hacer. Por lo demás la trama es básicamente igual, sólo que contextualizada.

ゴジラの逆襲 (1955)

También conocida como "Godzilla rides again". La traducción del título sería "Godzilla contraataca".

Un hidroavión se ve obligado a amerizar cerca de la isla de Iwato. Por suerte hay otro cerca y consigue rescatar al piloto. Una vez en la isla descubren que Godzilla está allí peleando con otro monstruo gigante. De regreso a Osaka ser reúnen con un grupo de científicos para tratar de encontrar una manera de detener a Godzilla. De repente descubren que Godzilla se dirige hacia las costas de Osaka.

Recomiendo mucho ver la versión original japonesa y no la que salió en EEUU en 1959. No sólo porque el doblaje es bastante malo sino porque cortaron escenas e incluso cambiaron algunas canciones de la BSO. Aparte que a Godzilla lo llamaron Gigantis.

De la primera película sólo retoma su personaje el actor Takashi Shimura (Dr. Yamane).

Fue el debut en el cine de George Takei (Comandante del avión), aunque sólo escuchamos su voz.

Dentro de los trajes iban Haruo Nakajima (Godzilla) y Katsumi Tezuka (Anguirus).

Estaríamos hablando de la segunda película de Godzilla, la primera en la que vemos un enfrentamiento entre dos monstruos kaiju.

Tuvo una gran taquilla en su momento, incluso mejor que su predecesora, aún así tardaron bastante en hacer una tercera película, que sería "King Kong tai Gojira" (1962).

El combate entre los dos monstruos iba a ser filmado en cámara lenta pero el operario se equivocó y lo grabó en cámara rápida. El director de efectos especiales, Eiji Tsuburaya, vio el resultado y decidió dejarlo tal cual porque le pareció interesante.

No todo el combate está acelerado, sólo algunas escenas. Queda un poco mal, la verdad.

El segundo monstruo es identificado como un Ankylosaurus, aunque deciden bautizarlo como Anguirus porque es el segundo nombre que recibe la especie.

Según establecen en esta película el que aparece es un segundo monstruo de Godzilla pues el primero terminó en las profundidades del mar frente a Tokio tras ser muerto.

Un poco como pasó con la secuela de "King Kong" (1933), la acción esta vez empieza rápidamente ya que no necesitan hacer una explicación sobre quién es Godzilla (aún así nos muestran parte de la primera película).

Lo que mas me gusta de Anguirus es que va a cuatro patas. Es muy diferente a Godzilla y no parece tener poderes especiales. El combate con Godzilla ocupa sólo la primera mitad de película, tras ello la lagartija con esteroides pasa a ser la protagonista aunque nos dan un poco de tiempo de tranquilidad hasta su siguiente aparición.

Creo que lo que más me ha impresionado son los planos aéreos de Godzilla.

En el enfrentamiento final mueren bastantes pilotos. Algunos parecen emplear tácticas kamikazes una vez son alcanzados por el rayo de Godzilla o simplemente son incapaces de evitar la montaña.

Me encantan estas películas, aún me quedan bastantes por ver y no sé cuándo podré ponerme con ellas (porque las tenía pero las perdí).

Dementia (1955)

También conocida como "Daughter of Horror".

El relato de un día en la vida de una mujer que está loca y cómo vive sus alucinaciones.

No confundir con "Dementia 13" (1963).

Es la película que se veía en el cine de "The Blob" (1958).

Todo empezó como un sueño que tuvo Adrienne Barrett (la pilluela), la secretaria de John Parker. Es ella quien protagoniza la película pero no era una actriz, fue Bruno Ve Sota quien la manipuló para hacerlo mediante triquiñuelas como hacerle cosquillas en los pies con una pluma o dispararle con una bala de fogueo de forma inesperada.

Según Ve Sota la película iba a ser un cortometraje de 10 minutos de duración, fue él quien creó una escena chocante tras otra y por ello se considera el guionista sin crédito. Además afirma haber dirigido al menos la mitad de la película y haber guiado a John Parker a dirigir el resto.

El videoclip de la canción "Separation Anxiety" de Faith No More toma las imágenes de esta película.

Aparte de la secretaria también aparecen la esposa de Bruno Ve Sota y Aaron Spelling, el famoso productor de televisión de series como "Melrose Place", "Beverly Hills, 90210" o "Charmed".

El arranque de la película fue una clara inspiración para Ed Wood y su "Plan 9 from Outer Space" (1959).

Durante los primeros minutos vemos a la protagonista teniendo una pesadilla en la que sea cae cuando está en la orilla del mar, se despierta, se acerca a un espejo, saca una navaja automática de un cajón y se marcha a la calle. No tendría nada de particular de no ser porque tanto la música como los ángulos de cámara y los gestos de la cara de la mujer tratan de hacernos entender que hay algo que no va bien.

El enano que vende periódicos tampoco es un actor. De hecho salió en varios títulos haciendo el mismo papel porque es su oficio real.

No hay diálogos, pero sí sonidos y música y alguna narración ocasional. Y las escenas parecen de lo más normales pero resultan inquietantes, aparte que a veces la protagonista tiene reacciones que no parecen encajar con la situación, como por ejemplo cuando se pone a reír al ver cómo un policía le da una paliza a un borracho que la acosaba.

Me encanta como llama a las personas normales "ghouls". Y también que el padre se le aparezca en todas partes.

En versión original, antes de que cambiaran el título, no había narración. Y creo que hubiera sido más interesante así, porque hubiera sido pura interpretación de las imágenes. Aunque no hay demasiadas dudas sobre lo que está sucediendo. De hecho se hubiera acercado al cine experimental.

Underwater! (1955)

También conocida como "The Big Rainbow". Aquí la titulamos "La sirena de las aguas verdes".

Estamos en el Caribe. Dominic Quesada y Jonny Gray han dado con un barco hundido y esperan sacar de él grandes fortunas. Ahora sólo falta que Jonny convenzca a su esposa Theresa y que consigan el dinero para poder ir con un barco más grande y el equipo necesario para el rescate marino. Por suerte Dominic da con un barco y la pareja decide vender el suyo para irse todos juntos de aventuras.

Una producción de la RKO en Superscope. Intentaban competir con el Cinemascope, que era exclusiva de la 20th Century Fox. El proceso era grabar la imagen en 4:3 y luego recortaban las partes superior e inferior de la imagen. La primera película en usarlo fue "Vera Cruz" (1954) y fue empleada hasta 1957. Se dice que posteriormente hay algunas películas más porque usaban una técnica similar. Luego cambiaron el nombre a "Super 35" que es el que ha prevalecido.

Uno de los primeros pases de la película fue bajo el agua en Florida. Habían 156 periodistas presentes llevando equipamiento de buceo y desde seis pequeños submarinos. La razón es que la gran mayoría de las escenas son subacuáticas.

Durante un acto promocional una jovencita Jayne Mansfield participó como una de las nadadoras y se le cayó la parte superior del bikini en una de las tomas subacuáticas. Las malas lenguas dicen que fue algo hecho adrede para tener más publicidad.

Perdieron buena parte del equipo debido a las tormentas que pillaron en Hawaii, el problema es que cuando se fueron a Jamaica les sucedió lo mismo.

El primer nombre que aparece en pantalla es el de Howard Hughes, en realidad sólo puso el dinero.

El protagonista habla de un barco hundido español y lo llama Scow, la traducción es chalana o barcaza. Se trata de un navío ligero de bajo calado que era usado para transportar mercancías.

Sobre los tiburones, vemos varios nadando tranquilamente alrededor de los buceadores, pero no se centran demasiado en ellos. Aunque hay una escena genial en la que un pequeño tiburón entra en el barco hundido por donde hay unas escaleras, es el único que tiene algo de protagonismo. Aunque también te digo que con el tamaño que tiene como mucho te puede dejar una marca en la pierna, peligroso, lo que se dice peligroso, no es.

Me ha hecho mucha gracia la frase "Como cuando intentaste dominar el mercado de los aguacates", especialmente por lo populares que son hoy en día.

Un detalle intesante es que de vez en cuando sueltan alguna palabra o frase en español y he de decir que están muy bien usadas. Y lo llamativo es que sea Jane Russell (Theresa Gray) una de las personas que las dice.

Cuando se sumergen a más profundidad usan trajes de baño con colores brillantes, según dicen es para que puedan verse entre ellos. En realidad es para ayudar al espectador porque las escenas subacuáticas son un poco oscuras y de un color azuloso.

Un detalle que sí me ha gustado es que cuando están bajo el agua a veces hablan entre ellos, pero lo hacen tal cual sonaría en la vida real.

A Dominic le dan "the bends". Es una manera de llamar al síndrome de descompresión. El nombre viene de que el que lo sufre se dobla sobre sí mismo.

No podía faltar la escena en la que una parte del barco se cae encima de alguien y no puede salir por sí mismo. Claro que debido a que es una película de 1955 igual no era tan típica en aquel momento.

Está bastante bien, es simpática y dadas las enormes dificultades que pasaron para grabarla la verdad es que la aprecio bastante mejor de lo que lo hubiera hecho de no haber leído sobre ella. En cuanto a los tiburones no hay ataques ni escenas peligrosas, pero tienen su momento y a veces es mejor eso que nada.

Creature with the Atom Brain (1955)

Aquí la titulamos "La criatura con el cerebro atómico".

Unos científicos consiguen resucitar a un hombre y le controlan usando ondas de radio. Eso hace que sea resistente a las balas pero no es inmortal ya que su cerebro acaba deteriorándose y muriendo de forma definitiva. La policía descubre que tanto la sangre como las huellas del misterioso hombre son luminiscentes.

Una de las primeras películas en usar petardos para simular las heridas de disparo. Lo cual es peculiarmente curioso pues algunos de los actores no estaban aún acostumbrados y reaccionan a ellos a pesar de que su personaje no siente nada de dolor.

Aunque no sea un remake la película “Invisible Invaders” (1959) está basada en la misma idea fundamental. Osea alienígenas invasores que usan los cadáveres de los humanos. Ambas son del mismo director, Edward L. Cahn.

Como suele ser habitual en el cine de ciencia ficción estadounidense de los años 50 su duración es bastante corta, una hora y poco, y el argumento va bastante al grano empezando por una escena en la que vemos a los científicos usando a un hombre. Seguidamente vemos su laboratorio y los problemas que están teniendo con su experimento.

Ya es curioso que el científico que hizo experimentos con animales para controlarlos con impulsos eléctricos sea de Madrid.

Aunque la historia sea de ciencia ficción algo que carece de sentido es que los malos sean capaces de ver qué está pasando en un lugar lejano, pero no sólo a través de los ojos de los hombres que han resucitado sino de sus alrededores.

Pero bueno, a pesar de ello la parte de la investigación me ha gustado bastante. Aparte que no se le puede exigir demasiado a este tipo de títulos y este en particular tiene algunos momentos interesantes.

続宮本武蔵 一乗寺の決闘 (1955)

También conocida como "Samurai II: Duel at Ichijoji Temple".

Mushashi continua con su entrenamiento. Tras derrotar a los estudiantes de una escuela de samurai (incluso matando a algunos de ellos) espera pacientemente al maestro, pero llega demasiado tarde y le reta a un duelo.

Así como la primera sigue la novela original en la que se basa, esta va más por libre. Creo que donde más se nota es en los personajes secundarios que repiten, están dejados bastante de lado.

La película empieza con un duelo, lo peculiar de esa escena es que vemos al protagonista blandir dos katanas, una más corta. Es su característica principal.

En el Japón feudal el valor de una vida era realmente bajo. Aunque se regían por un estricto código de honor, matar a un hombre por un error de identificación no traía ninguna consecuencia. Aparte de los duelos y las muertes "en defensa propia", claro está.

Creo que lo que más me está gustando de esta trilogía es lo detallistas que son los lugares en los que transcurre la acción. Es muy inmersiva, te hace creer que son sitios reales.

En un momento dado vemos la casa de las geishas. No tendría mayor relevancia de no ser porque algunas de ellas son realmente pequeñas, de hecho da la impresión de que son niñas. Incluso las que sí parecen adultas hablan con voz de niña, cosa que no ayuda demasiado.

Los duelos son abundantes, aunque no vemos todos los combates. Pero no carece de acción, ni muchísimo menos. De hecho la parte final es una auténtica masacre.

Sobre los personajes de la primera tenemos que el que era amigo del protagonista decide abandonar a su nueva esposa (que prácticamente le obligó a casarse a la fuerza) y volver a su casa haciéndose pasar por un espadachín de renombre (sale mal). La hija de la esposa obsesionada con volver junto a Mushashi (una pareja de hijas de puta de cuidado). Y luego Otsu que es el amor imposible de Mushashi y por ello quiere hacerse monja. Vaya cuatro.

Y así como en la primera veíamos la traición por parte de la familia de Mushashi, en esta vemos lo malas personas que son los padres del amigo.

El tipo de la escuela quiere enfrentarse a él y zanjar las cosas pero sus ayudantes le obligan a evitar los combates. Eso hace que pierda un montón de hombres (bastante inútiles he de decir) e incluso a su hermano.

La primera me gustó más. Aunque en esta el protagonista aprende una lección muy importante, la de ser caballeroso en los duelos y no matar obcecado por el simple hecho de vencer. El viaje de aprendizaje de Mushashi continua en la tercera y última película, en la próxima entrada.

Cesta do pravěku (1955)

El título se traduce como "Viaje a la prehistoria". Conocida también como "A Journey To The Beginning Of Time".

Cuatro amigos atraviesan en barca un lugar cubierto de hielo en busca de animales prehistóricos tras encontrar el fósil de un trilobite. Allí hayan una cueva en la que habitó un hombre prehistórico y en ella ven sus pinturas y los utensilios que ha fabricado.

Combinan la técnica de stop-motion con muñecos enormes para dar vida a los dinosaurios. El primero que encuentran es un mamut, de espaldas es el muñeco y de frente la animación. He de decir que está muy bien hecho.

Me recuerda en cierta manera a las novelas de Julio Verne (a quien nombran en la parte inicial). La historia está narrada por uno de los chicos mientras lee el diario que escribió durante sus aventuras. En él incluye además un mapa que trazó con los nombres con los que bautizó las diferentes zonas por las que van pasando.

Puntualmente aparecen también animales reales. De hecho no entiendo algunas de las animaciones como las de una jirafa o unos cocodrilos pudiendo haber usado animales reales.

Yo diría que está más cerca de un documental sobre la prehistoria que de una película, o quizás un film educacional. No sólo vemos a los animales en sus diferentes hábitats (cada zona representa un periodo) sino que uno de los niños lleva un libro con el que reconoce a las especies y las va nombrando, en ocasiones dando algún que otro dato extra.

Me fascinan las animaciones, aunque no son demasiado fluidas la integración con el entorno es perfecta y cuando componen imágenes de por ejemplo los niños en la barca y los animales en la orilla consigue que encaje perfectamente.

Me pregunto cómo animarían a los pterodáctilos volando. No es una escena corta precisamente y salen unos cuantos. Lo que me intriga es cómo lograron suspenderlos del "cielo".

El combate de los dos dinosaurios parece un homenaje a Ray Harryhausen.

Me ha gustado mucho. Me imagino que fue una de las influencias principales de Jan Svankmajer, un director checoslovaco caracterizado por el uso de animación frame a frame.

Tanková brigáda (1955)

También conocida como "The Tank Brigade".

El ejército checoslovaco se dispone a atacar una colina y para ello contarán con la ayuda de un regimiento de 15 tanques. Tras la victoria la recuperación de su país es el siguiente paso.

Aparece bastante variedad de tanques en ambos bandos. Por ejemplo los rusos T-34 y T-34/85s, o los alemanes Sturmgeschütz III, Panzer IV y Schwimmwagen.

Según leo el idioma es únicamente checoslovaco. Sin embargo en ocasiones usan muchas palabras rusas, con lo cual no sé si en realidad hablan en ruso (mi nivel no da tanto de sí) o es que es un idioma muy influenciado.

Es una película con un fuerte mensaje patriótico, centrándose en aquellos que no ven claro qué futuro tendrán tras la guerra.

Destacan diversos momentos importantes de la Segunda Guerra Mundial, especialmente las batallas en las que recuperaron algunas de las ciudades más importantes de Checoslovaquia.

Aunque a mí lo que más me ha llamado la atención son las partes en las que hablan de Londres. Da la impresión de que el ejército está bajo las órdenes de los ingleses, aunque es obvio que les ayudan los soviéticos. Incluso cuando tratan de formar gobierno parece haber una cierta división de opiniones en ese sentido, aunque al final optan por convertirse en un estado soviético y todos parecen contentos. Igual es que no he acabado de entender esa parte.

Me encanta la parte de los nazis dando órdenes tipo "no hay retirada, el que huya será disparado." y seguidamente salen por patas del cuartel general.

No es considerada una gran película, y creo que es porque la parte dramática de la historia es bastante flojita. Sin embargo el uso de tanques reales y la enorme cantidad de soldados (también reales) que usaron para recrear las escenas bélicas la hacen una película muy interesante para aquellos que les guste la temática bélica.

Nada como un poco de propaganda de la época soviética para ver lo diferentes que eran las cosas hace 60 años.

Les diaboliques (1955)

También conocida como "The Fiends".

En un colegio conviven Christina Delassalle, su marido y director del centro Michel y la amante del marido, Nicole Horner. Es un tipo malvado que no hace más que maltratarlas con lo cual Christina y Nicole planean asesinarle y poner fin a sus sufrimientos.

El productor y director Henri-Georges Clouzot adquirió los derechos de adaptación de una novela pocas horas antes que Alfred Hitchcock. El autor de la novela es Thomas Narcejac y su título "Celle qui n'était plus", años más tarde escribió "D'entre les morts" para que Hitchcock la adaptase en "Vertigo" (1958).

La principal diferencia con la novela es que no aparece una relación lesbiana.

Resulta chocante ver como la esposa le consiente todo al marido quien no sólo abusa de ella cada vez que tiene ocasión sino que usa su dinero para mantener el centro y quienes trabajan allí.

La verdad es que tiene un estilo muy hitchcockniano. Me recuerda bastante a "The Rope" (1948).

Son MUY franceses, se les ve comer baguette, conducir un Citroën 2CV y llevar boina.

Me encanta la parte en la que empiezan a amenazarse la una a la otra con llamar a la policía.

El taxista que se niega a llevar a Christina porque le pide ir un poco lejos me parece un gilipollas de campeonato.

La película originalmente terminaba con un mensaje rogando a los espectadores que no expliquen nada de lo que han visto. Es una de las primeras películas en incluir algo así.

Tuvo un remake titulado "Diabolique" (1996) protagonizado por Sharon Stone, bastante criticado.

Teniendo en cuenta el año en que fue hecha me ha parecido un título muy interesante. Me pregunto quién hubiera elegido Hitchcock para protagonizarla.

The Night of the Hunter (1955)

Aquí la titulamos "La noche del cazador".

Harry Powell es un predicador que termina en la cárcel por robar un coche. Ben Harper es sentenciado a muerte por dos asesinatos mientras robaba 10.000 dólares de un banco. Ambos compartirán celda y el predicador tratará de encontrarlos al salir de prisión.

Basada en la primera novela de Davis Grubb de idéntico título, publicada en 1953.

Se trata de la última película del director Charles Naughton quien había hecho esa misma labor sin obtener crédito en "The man on the Eiffel Tower" (1950). No quiso realizar más películas tras esta debido a la pobre recaudación.

En el reparto tenemos a Robert Mitchum (Harry Powell), una de sus películas más famosas. Shelley Winters (Willa Harper), la vimos en "Lolita" (1962). Lillian Gish (Rachel Cooper) salió también en "Duel in the sun" (1946). Evelyn Varden (Icey Spoon), salió también en "The Bad Seed" (1956). Peter Graves (Ben Harper), conocido por la serie "Mission: Impossible".

Un día Mitchum llegó borracho al set de rodaje y el productor Paul Gregory le dijo que no estaba en condiciones de trabajar. Mitchum resultó resentido por lo que le dijo así que mientras se marchaba se acercó al coche del productor y le meó el asiento delantero.

Una de las caracterísiticas por la que es conocida son los tatuajes en los dedos del protagonista con las palabras LOVE y HATE. Posteriormente es un detalle que ha sido copiado/parodiado en varios títulos como "The Rocky Horror Picture Show" (1975) o "The Devil's Rejects" (2005).

La escena del cadáver de Shelley Winters bajo el agua fue grabada usando un muñeco. Resulta de lo más creíble, de hecho sin saberlo me hubiera creído que era ella de verdad.

De hecho Winters aparece muy poco en la historia y su personaje parece caer en las redes del predicador demasiado fácilmente. Por otra parte no acabo de entender qué interés puede tener él en matarla, si se hubiera organizado mínimamente podría haber sonsacado a los niños cuando ella está trabajando. Por ejemplo.

Las escenas de Powell cabalgando a caballo fueron grabadas usando a un enano en un pony. Para lograr el efecto usaron la técnica de la falsa perspectiva.

Lo que la hace aún mejor es que esté grabada en blanco y negro. El uso de las sombras está muy pensado y el hecho de que las mejores partes transcurran de noche hacen que los negros sean muy oscuros.

Me sorprende ver algunos planos como el de diversos animales en primer plano mientras la barca navega río abajo o nada más empezar la película uno en el que vemos al protagonista de espaldas conduciendo.

Su final no me parece especialmente bueno, de hecho es muy conveniente que los niños terminen encontrando a una mujer que se dedica a cuidar niños huérfanos. De igual manera la policía tiene demasiado claro que él es el asesino de su esposa cuando lo capturan. Igual hubiera sido más interesante ver un poco cómo llegan a esa conclusión y menos del viaje de los niños por el río.

Tuvo un remake para televisión en 1991 protagonizado por Richard Chamberlain.

En cualquier caso es una de esas películas que siempre he querido ver y ha resultado ser muy interesante. Ahora veo más claro la influencia del personaje principal en posteriores películas, por ejemplo.