Atraco a las tres (1962)

Va, una comedia española, de las de verdad.

Galindo trabaja en un banco. Un día convence a sus compañeros para atracar la sucursal. Preparan todo con esmero, pero ni siquiera un ensayo meticuloso puede prepararlos para las diversas complicaciones que se interponen en sus planes.

Dirigida por José María Forqué. Suyas son "Las que tienen que servir" (1967) y "Usted puede ser un asesino" (1961).

Además con un reparto bien cargado de nombres famosos como José Luis López Vázquez (Fernando Galindo), Cassen (Martínez), Gracita Morales (Enriqueta), Manuel Alexandre (Benítez), Agustín González (Cordero), Alfredo Landa (Castrillo), Rafaela Aparicio (Doña Vicenta) y Jesús Guzmán (Cobrador de letras).

Acabo de descubrir que tuvo un remake titulado "Atraco a las 3... y media" (2003).

Me encanta como las cosas se complican desde el minuto cero. Osea, literalmente cuando están escuchando el plan llega la policía y se lleva a uno de ellos al hospital. Me meo.

De esta película procede la famosa escena de "Fernando Galindo, un admirador, un amigo, un esclavo, un siervo". De hecho, esta fue la razón por la que la busqué.

Me fascina como siendo tantos personajes consiguen que cada uno tenga un perfil único.

Es la definición de la cuenta de la lechera. Pero con mucho caos y momentos muy graciosos.

Acabo de caer, se les ve comer en bastantes ocasiones, me recuerdan a Brad Pitt en "Ocean's Eleven" (2001).

Hay un momento en el que casi parece una película de la época del destape.

Me pregunto si fue la inspiración para la serie "Los ladrones van a la oficina". Algunos de los actores salen en ambas, curiosamente.

Muy divertida, desde luego. Me ha hecho reír un par de veces.

Baron Prášil (1962)

También conocida como "The fabulous Baron Munchausen".

El extravagante barón Munchausen narra sus numerosas aventuras, desde conocer al hombre de la Luna hasta derrotar él solo a un ejército turco.

Cuál ha sido mi sorpresa al descubrir esto. De hecho cuando vi "The Adventures of Baron Munchausen" (1988) de Terry Gilliam nunca imaginé que había una anterior. Siempre supuse que se basó en la novela. Pero no, para nada, de hecho hizo referencias a este título en su versión.

Pero esperad, que hay más adaptaciones. Tenemos las películas "Münchhausen" (1943), "Les fabuleuses aventures du légendaire Baron de Munchausen" (1979) y "Tot samyy Myunkhgauzen" (1980) y los cortos "Les Hallucinations du baron de Münchhausen" (1911) y "Die Abenteuer des Freiherrn von Münchhausen" (1944). Casi ná.

En todo caso, tenía interés en ver más animación checoslovaca y surgió este título.

De nuevo combina animación con lugares y actores reales. Pero esto es puro surrealismo a ratos.

En la primera escena un hombre llega a la Luna y se encuentra con una nave con una placa que dice "De a terre a la lune" Jules Verne, 1865.

Intentar explicar lo que aparece en esta película es algo complicado de verdad. Los escenarios se suceden, los personajes aparecen, brevemente. Y es todo muy... imaginativo.

Ahora que me fijo, visualmente hablando recuerda a las películas mudas de la década de los 20 en concreto. Usa colores filtros de imagen azules o amarillos, para representar el día y la noche, por ejemplo. El humo rojo que vemos en un momento dado parece "coloreado" fotograma a fotograma, como hacían entonces.

En todo caso usan mucho la superposición de imágenes.

La escena del barón montado en una bala de cañón me ha recordado a las locuras que hacen en el cine hindú.

El aspecto visual es fascinante, sin duda, como pasó en "Vynález zkázy" (1958). Claro que esta es más fantasiosa.

Me imagino que habrá más producciones de este estilo, pero bueno, con dos he tenido más que suficiente.

The Manchurian Candidate (1962)

La original.

El mayor Bennett Marco es un oficial de inteligencia del Ejército de los Estados Unidos. Sirvió valientemente como capitán en la guerra de Corea en 1952 y su sargento, Raymond Shaw, incluso recibió la Medalla de Honor. Sin embargo, Marco tiene un grave problema: sufre una pesadilla recurrente en la que dos miembros de su pelotón mueren a manos de Shaw.

No sé cuántas veces habré visto el remake homónimo del 2004, pero vamos, me parece una gran película. Esta llegué a verla hace ya muchos años, apenas la recuerdo, así que me vendrá bien refrescarla.

Dirigida por John Frankenheimer. Acababa de hacer "Birdman of Alcatraz" (1962), poco tiempo después dirigió "Grand Prix" (1966) y "Prophecy" (1979).

En el reparto destacan Frank Sinatra (Mayor Bennett Marco), Janet Leigh (Eugenie Rose Chaney) y Angela Lansbury (Sra. Eleanor Shaw Iselin). Sin embargo quisiera destacar a Henry Silva (Chunjin), un actor que hemos visto en títulos tan dispares como "Viva Zapata!" (1952), "Buck Rogers in the 25th Century" (1979), "Alligator" (1980) o "Cannonball Run II" (1984).

Como dato adicional, Joe Adams (Psiquiatra) interpreta a un personaje que originalmente era blanco, algo que en aquellos momentos era realmente raro.

El presupuesto fue de 2,2 millones de dólares. 1 se lo llevó Sinatra, 200.000 se los llevó Laurence Harvey (Raymond Shaw), el millón restante fue para lo demás.

Fue prohibida en muchos países debido a lo controversial de la temática que toca. Hasta 1993 no llegó a ser estrenada en la mayoría de ellos.

Durante el prólogo, ambientado en 1952, una de las camareras lee una vieja revista de cine cuya portada muestra a Tony Curtis y a su entonces esposa, Janet Leigh. Durante el rodaje de la película le llegaron a ella los papeles de divorcio.

La escena del lavado de cerebro fue grabada tres veces por completo. Una desde el punto de vista de Allen Melvin (con las mujeres negras), otra desde el de los captores comunistas (sin mujeres) y una tercera desde el punto de vista del mayor (con las mujeres blancas).

Los dos artículos de revistas científicas que el Dr. Yen Lo menciona en la secuencia de hipnosis inicial son reales.

Me acabo de dar cuenta de que es una película en la que el peligro comunista es absolutamente real. Van más allá de la simple insinuación o la confrontación de espías, aquí es algo realmente peligroso.

A diferencia del remake aquí dejan bien claro que Shaw tiene el cerebro lavado, incluso discuten frente a él si debe matar a alguien pues lleva dos años "inactivo". Creo que eso es ir demasiado lejos, entiendo la necesidad de la discusión, no me acaba de cuadrar que él simplemente acepte lo que están diciendo sin más.

Janet Leigh tarda unos 40 minutos en aparecer. A ver, la película dura algo más de dos horas con lo cual no es tanto.

Frank Sinatra se fracturó el dedo meñique de la mano derecha contra el escritorio durante la escena de lucha con Henry Silva (se ve esa toma en la película). Debido a sus compromisos de rodaje, no pudo descansar ni vendarse la mano correctamente, lo que provocó que la lesión sanara mal. Esto le causó molestias crónicas durante el resto de su vida.

En esa pelea tenemos dos hechos interesantes. Por una parte usan artes marciales, un tanto rudimentarias pero efectivas. Por otra, según dijo Sinatra, no usaron dobles. Siento diferir en eso, pues sí lo parece, por la manera de enfocar ciertas partes tratan de ocultar la cara de uno de ellos.

Es una película estadounidense de las primeras mostrar artes marciales. Previamente tuvimos "Bad Day at Black Rock" (1955), en la que Spencer Tracy usa karate. En "Blood on the Sun" (1945) vimos a Ernest Borgnine usando judo. Peter Lorre hacía jujitsu en las películas de Mr.Moto, siendo la primera "Think Fast, Mr. Moto" (1937). Y en "Strike Me Pink" (1936) Harry Einstein menciona el jujitsu.

Dos detalles que no se ven en la película, porque son especulativos. Eugenie es una agente doble, eso explica sus extraños comportamientos (especialmente su primer diálogo con el protagonista). El segundo es que la relación entre Shaw y su madre es incestuosa, esto proviene de la novela, en la película no podían mostrar algo así pero vamos, terminaban incluso acostándose juntos.

El director fue aclamado por una toma ligeramente desenfocada del mayor Marco mostrándole a Raymond Shaw la baraja de cartas compuesta por 52 reinas. Sin embargo, había sido completamente accidental. Al revisar el material grabado, se dio cuenta del error, lo que normalmente habría requerido repetirla. El problema era que Sinatra tenía una cláusula de "una sola toma" en su contrato, ya que creía que siempre daba lo mejor de sí en la primera toma y no veía sentido en hacer varias. Cuando Frankenheimer le dijo a Sinatra que debían volver a filmarla, este se negó, y no tuvo más remedio que incluirla tal cual en la película.

Durante décadas circuló la leyenda urbana de que Sinatra retiró la película de la circulación por respeto tras el asesinato de John F. Kennedy. Pero no fue así, la película estuvo fuera de vista casi 25 años, por una disputa legal entre Sinatra y el estudio sobre los derechos de distribución y las regalías. Sinatra simplemente la "guardó en su caja fuerte" hasta 1987.

Es una película que hubiera sido demasiado controversial en su momento, entiendo que al sacarla de circulación se logró frenar las especulaciones y teorías conspiranoicas, pero eso sólo hizo que tomaran más fuerza posteriormente, por ejemplo con el famoso programa MK-Ultra de la CIA.

El remake no tuvo ese mismo efecto porque la población ya estaba más "naturalizada" en estos temas. Pero no deja de ser una gran película, sin duda. Y esta tampoco, de hecho al volver a verla he podido descubrir muchos detalles que no conocía.

Sodom And Gomorrah (1962)

Tenía que verla.

Las riquezas se han ido acumulando durante siglos en las ciudades de Sodoma y Gomorra. El rey de los helemitas es el más poderoso de los que viven en el exterior de dichas ciudades. Mientras tanto los hebreos estaban andando por el desierto. Y la reina de Sodoma está preocupada por su llegada.

La mencioné hace unas entradas como uno de los pocos títulos que me faltaba por ver de Sergio Leone. Aunque fue dirigida por Robert Aldricht. Leone llegó para encargarse de la segunda unidad y abandonó la producción al poco de empezar, por motivos desconocidos. Según Aldritch es la peor película de las que hizo, y la severa censura que tuvo a la hora de distribuirla no ayudó lo más mínimo.

En la versión integral Leone aparece en los créditos como el director de la versión italiana. Según tengo entendido es por condiciones del contrato relacionadas con el financiamiento italiano.

Tardaron unos 11 meses en rodarla, principalmente en Marruecos, pero también en un par de puntos de Italia.

Su presupuesto se disparó de los 2 millones iniciales a 5 y encima fue un desastre en taquilla.

Es una de tantas películas de las que robaron escenas en la infame "Dünyayi Kurtaran Adam" (1982).

La reina Bera en la biblia es un hombre. Ese pequeñito detalle cambia mucho las cosas.

De todas las historias de la biblia la de los judíos andando 40 años por el desierto siempre me pareció la más inverosímil, y eso es mucho decir. Es razonable la parte en la que son exiliados, no tanto que sea durante tanto tiempo y menos aún que lo pasaran vagando. Aparte que los describen como cientos de miles o quizás millones de personas, cuando en las películas siempre los representan como unas pocas docenas.

Si nos basamos en las pruebas arqueológicas, todo indica que estaban establecidos en Canaan en la época del exilio, no que emigraron allí, que no habitaron en los sitios descritos del desierto durante 40 años (cabría una mínima posibilidad como nómadas, pero aún así no hay recursos para que sobreviviera tanta gente), y que la distancia de Egipto a Canaan la cubrirían en apenas unas semanas, no en años.

Algunos argumentan que es todo representativo de la identidad de los hebreos y su alianza con dios (quien los mantuvo con vida dándoles alimentos) y no real.

Me hace gracia la frase "es fácil reemplazar a la esposa" (cuando Lot dice que está apenado desde la muerte de la suya). En un lugar con dos ciudades que viven por y para el vicio parece muy bien contextualizado.

Tras una hora empiezo a ver varios problemas. El primero es que si censuras las escenas del baile esto es infumable. Lo segundo es que las torturas/asesinatos gratuitos de esclavos son las únicas escenas de acción y suceden demasiado pronto. Y lo tercero es que aún queda hora y media de película. Es bastante dura de ver.

Se empeñan en demostrarnos que palos y piedras son mejores armas que espadas, lanzas y arcos. El momento cumbre es el enfrentamiento entre el hermano de la reina (un conspirador de lo peorcito) y Lot (el líder de los hebreos).

En realidad no vemos cosas especialmente perturbadoras. A ver, hay una escena donde castigan a unos tipos atándolos a una rueda enorme y dejan claro que las hijas de Lot se acuestan con algunos sodomitas y la reina es lesbiana. Pero a la hora de la verdad sólo vemos mujeres bailando, gente comerciando con sal y... poco más. No sé si es como para destruir la ciudad por mandato divino.

Igual me he perdido algo, pero diría que toda la película transcurre en Sodoma. No creo haber oído mencionar a Gomorra hasta el final, cuando "dios" decide destruirlas.

Podrían haber hecho mejor lo de la estatua de sal...

Pero bueno, ese no es el mayor de sus problemas, ni de lejos. Es pesada de ver, tiene un par de escenas interesantes, pero dista mucho de otras películas de este estilo, y no hace falta compararla con grandes títulos para darse cuenta. En fin, la busqué por Leone y justo él apenas pinta nada en todo esto.

Sherlock Holmes und das Halsband des Todes (1962)

También conocida como "Valley of fear". El título se traduce como "Sherlock Holmes y el collar de la muerte".

Unos niños divisan un cuerpo flotando en un río. Se trata del tripulante de un barco. Holmes se pone a investigar inmediatamente y está seguro de que el Profesor Moriarty es quien está detrás, pero necesita encontrar pruebas para incriminarle.

Dirigida por Terence Fisher. A estas alturas ya había hecho títulos como "The Curse of Frankenstein" (1957), "Horror of Dracula" (1958) y "The Mummy" (1959). Se dice pronto.

Protagonizada por Christopher Lee (Sherlock Holmes). Fue la primera vez que lo interpretaba, posteriormente lo hizo en "Sherlock Holmes: Incident at Victoria Falls" (1992) y "Sherlock Holmes and the Leading Lady" (1991). Aparte hizo de Mycroft Holmes en "The Private Life of Sherlock Holmes" (1970) y de Sir Henry en "The Hound of the Baskervilles" (1959).

Era lo normal en aquel momento en Alemania del Oeste grabar las películas sin el sonido original y doblarlas posteriormente. Pero Christopher Lee y  Thorley Walters (Watson) no estaban disponibles así que en inglés sus voces las pusieron otros.

En la primera aparición de Holmes va disfrazado e incluso llega a engaña a la Sra. Hudson y a Watson. También habla de Moriarty, quien es el villano principal de esta historia. Y por último tenemos a Scotland Yard que son incapaces de seguirle el ritmo. En esencia, son caracteristicas sacadas de las novelas.

Las torpezas de Watson son el contrapunto cómico, pero sin abusar de ello.

Holmes no sólo deja en ridículo a los hombres de Moriarty, también se infiltra en sus filas e incluso trabaja para ellos.

En la parte final de la película la acción tiene cabo en unas alcantarillas. Los actores se quejaron del olor y acabaron descubriendo que era porque fue usada para crear gas venenoso durante la Segunda Guerra Mundial.

Me gusta, Christopher Lee consigue darle un toque único al personaje. La única pega que le veo es que sus disfraces no son demasiado buenos, pero para la época está bien.

The Premature Burial (1962)

Esta hace mucho tiempo que quería verla.

Guy Carrell decide cortar con Emily Gault, la que iba a ser su esposa, pero ella no lo acepta y por ello acude a su casa a pedirle explicaciones. Él le explica que tiene miedo a que le entierren vivo porque cree que sufrirá una catalepsia y ella le dice que cuidará de él, pese a que Kate, la hermana de Guy, no parece estar demasiado de acuerdo.

Por lo que he entendido Roger Corman no quería hacer la película para la AIP (American International Pictures) por una disputa con ellos y por ello optó por Pathe Labs, quienes también se encargarían de distribuirla. Pero Samuel Z. Arkoff, el fundador de AIP, al enterarse viajó a Nueva York y convenció al dueño de Pathe porque la AIP era uno de sus principales consumidores. Total que al final le vendieron los derechos a la AIP antes de que empezasen a filmarla.

Pero esperad, que el drama no termina ahí. De haber optado por la AIP desde un principio el protagonista hubiera sido Vincent Price, al decantarse por otra productora optaron por Ray Millan (Guy Carrell). Incluso siendo una película basada en una obra de Poe al no contar con Price perdió muchos enteros.

Acabo de darme cuenta de que Ray Millan es el protagonista de "X" (1963) y salió en "Dial M for Murder" (1954).

Atentos a las apariciones de Alan Napier (Dr. Gideon Gault), conocido por la serie de "Batman" de los 60 y Dick Miller (Mole), conocido por "Gremlins" (1984). 

No especifican en qué momento está situada la acción aunque sí sabemos que es poco después de la invención de la dinamita, cosa que sucedió en 1866.

La película arranca con un grupo de personas desenterrando un ataúd y al abrirlo descubren que el hombre que estaba en él seguía con vida cuando lo enterraron.

Al terror a ser enterrado vivo se le llama tafafobia (del griego "Ταφή" que quiere decir entierro). La gente que la padece ha usado todo tipo de métodos para evitarlo, como por ejemplo dejar al muerto durante 2 o 3 días sin enterrar (lo que comúnmente se conoce como velatorio). En el siglo XVIII se llegaron a usar unos cristales en los ataúdes para comprobar si el muerto aún respiraba. Otro método fue enterrar al muerto con una llave que abría el ataúd desde dentro. A finales del siglo XIX empezaron a patentar diferentes maneras de establecer una comunicación desde el interior del ataúd con el exterior mediante una campana, una bandera o una lámpara, aunque en realidad ninguna llegó a tener éxito porque resultaban demasiado costosas. Por cierto, la expresión "Salvado por la campana" no tiene su origen en esta práctica, viene del boxeo. Otra variante es que antes de morir pedían que le sacasen las vísceras (como el corazón).

En realidad no entiendo la reacción de sorpresa y casi terror de la esposa cuando Guy le explica las doscientas medidas que ha tomado en lo que será su ataúd. Me parece todo muy razonable y que no hace daño a nadie.

La parte en la que tiene una pesadilla donde está enterrado vivo y cada vez que grita oímos un instrumento musical (una trompeta con sordina) que suena como si dijera "help!" me ha parecido realmente buena.

Es una lástima que pertenezca a la época en la que el criminal ha de ser castigado al final, porque podría haber sido una masacre realmente bonita. Aún así la considero una de las mejores películas de Corman, lo cual es mucho decir.

Taras Bulba (1962)

Otra histórica.

Estamos a principios del siglo XVI, las hordas del imperio otomano avanzaban por el norte de África y por el este de Europa. El ejércicto cosaco era quien los mantenía a ralla y Taras Bulba es uno de sus coroneles. El ejército polaco deciden traicionarles tras una batalla y los cosacos acaban desperdigándose. Años más tarde los polacos les perdonan y Taras Bulba decide enviar a sus hijos para que estudien en sus universidades.

Basada en la historia de Nikolái Gógol incluída en la recopilación titulada "Mirgorod", más concretamente en la segunda historia de la primera parte, la cual fue publicada originalmente en 1835 y luego reeditada en 1842 con tres episodios menos centrados en temas nacionalistas rusos para contentar a los zaristas del momento. Curiosamente la primera historia de la segunda parte es "Viy" de la cual he visto la adaptación "Вий" (1967).

No es la primera adaptación. Previamente hicieron la rusa "Тарас Бульба" (1909), la alemana "Taras Bulba" (1924), la francesa "Tarass Boulba" (1936) y la británica "The Rebel Son" (1938). Posteriormente tenemos la italiana "Taras Bulba, il cosacco" (1962), la ucraniana "Хто завойовник?" (1977), la rusa "Тарас Бульба" (2009) y la india "Veer" (2010).

Protagonizada por Tony Curtis (Andrei Bulba) y Yul Brynner (Taras Bulba). Yul se preparó a fondo el personaje pero finalmente cortaron muchas de sus escenas y quedó como una película genérica de acción más, cosa que él quería evitar. Sobre Curtis decir que era 5 años más joven que Brynner y aún así hace de su hijo, aparte de que es casi un adolescente cuando ya peinaba canas.

La definen como una versión de "Romeo y Julieta" porque trata sobre un cosaco y una polaca enamorándose.

Me ha gustado mucho la bonita costumbre cosaca de dos personas que arreglan sus diferencias a base de saltar un barranco montados a caballo hasta que uno se cae. Habría que recuperarla pero usando vehículos modernos, claro.

También la de una vez estando borrachos pasar por encima de un foso con un oso enfadado en el fondo sobre un tablón en el que apenas cabe un pie.

Desde luego las escenas de batallas con cientos de hombres montados a caballo son realmente impresionantes. Y no parece haber trampa ni cartón. Me recuerdan bastante a "Braveheart" (1995). Por lo que tengo entendido son argentinos y se ve que hubo un malentendido el primer día de rodaje en el que aparecían, alguien les dijo que cobrarían extra si se dejaban caer del caballo así que en la primera toma se tiraron 2/3 de ellos, cuando descubrieron que no iban a cobrar más se dispusieron a montar una huelga pero Yul Brynner intervino y les dio de comer carne esa noche y les mantuvo entretenidos, eso les hizo cambiar de opinión.

En ciertas escenas usan un efecto de difuminación en el que dejan un círculo en el centro de la imagen que se ve claro. Es como focalizar un detalle muy concreto o similar al efecto ojo de pez.

También tiene ciertas reminiscencias de las películas de Errol Flynn. El estado físico de Tony Curtis es excelente y hace buena muestra de ello.

La manera en la que los Polacos están asediados en una fortaleza y cómo intentan salir para robar los bueyes de los cosacos me ha recordado a "The Alamo" (1960).

En su día no obtuvo una gran taquilla. Le veo bastante sentido mirando los títulos de aquel momento, aunque no me ha parecido mala ni mucho menos.

Personalmente no conocía la historia y si bien sí que guarda algunas similitudes con la obra que cité antes de Shakespeare en realidad no tienen nada que ver. En el aspecto negativo puedo decir que el póster resulta un tanto engañoso, aunque sucede esa confrontación no es como la muestran, de hecho resulta un poco decepcionante por lo rápido que termina.

La guerre des boutons (1962)

Hora de ver "La guerra de los botones".

Hay una rivalidad que dura generaciones entre los pueblos vecinos de Longueverne y Velrans. Aunque es algo que llevan a cabo los niños de ambas localidades. En una de sus batallas capturan a un prisionero de Longueverne y le cortan todos los botones, los ojales los cordones y los tirantes que lleva como castigo, cosa que hace que termine corriendo en calzoncillos. En venganza al día siguiente capturan al líder de los de Velrans y le hacen lo mismo. Eso le da una idea, ir todos desnudos a la batalla para así no ser castigados.

Basada en la novela de Louis Pergaud publicada en 1912. Hubo una versión previa titulada "La guerre des gosses" (1936) y posteriormente hicieron tres más tituladas "War of the Buttons" (1994), "La guerre des boutons" (2011) y "La nouvelle guerre des boutons" (2011).

Otro título más de gran relevancia en la historia del cine que nunca he tenido la oportunidad de ver.

Me encanta como el remedio para todo es el aguardiente, incluso para un niño. Durante la inauguración de la cabaña los niños beben vino y también aguardiente, además al final se fuman unos cigarrillos.

También que lleven boinas. Es curioso que les queden bien aún siendo niños.

Una cosa que me ha llamado la atención es que son todo chicos, igual es que a las chicas las mandan a otro lado a estudiar. A mitad aparece una niña que tiene pinta de ser la hermana de alguno de ellos, pero no participa de manera activa en las batallas.

Me fascina la manera en la que consiguen dinero para comprar botones y demás. Capturan víboras, zorros, cogen setas, pescan...

La parte en la que uno de ellos monta a caballo y persigue a uno de sus adversarios por el bosque tiene un travelling genial.

De repente me acabo de dar cuenta de que los Simpsons hicieron un episodio dedicado a esta película. También me ha recordado a la película soviética "До первой крови" (1989).

Aparenta ser una película infantil sin embargo yo la veo como el paso de la niñez a la adolescencia, si bien las batallas no son especialmente crueles (usan palos y piedraS) ni peligrosas (dado que son chicos de campo, son capaces de resistirlo sin problemas y al fin y al cabo no dejan de ser juegos de niños).

Por cierto, la versión que he visto tiene un par de escenas que fueron censuradas en su día. No sabría decir la razón porque están en francés sin subtítulos y me ha costado un poco entender lo que decían en esas partes.

Ti-Koyo e il suo pescecane (1962)

También conocida como "Tiko and the shark".

Estamos en las islas Tuamotu del Océano Pacífico. Allí habita un pequeño pueblo de pescadores que se dedica a vender lo que logran sacar del mar a los pocos barcos que pasan. Ti-Koyo tiene 12 hermanos y desde pequeño ha aprendido el oficio de pescador. La lllegada de un barco hace que conozco a una niña de su edad llamada Diana, pero les costará entablar amistad por las diferencias culturales.

La película arranca fuerte con un grupo de pescadores matando a un tiburón usando lanzas de madera, lo cual es bastante impresionante. Posteriormente vemos como lo dejan colgando cerca de la orilla.

El primer tiburón que aparece tiene toda la pinta de ser real, incluso cuando lo cazan. Sin embargo cuando lo cuelgan parece un muñeco, aunque podría ser real y que simplemente se ha secado un poco al sol.

La llegada de los turistas hace que el pueblo se vuelque en realizar actividades para entretenerles como clavar cocos a las aletas de algunos peces para que "bailen", o tirarles monedas en el fondo para que buceen los más jóvencitos. Además realizan una pesca multitudinaria usando una especie de espejos, redes y arpones para meterlos en unas trampas.

Me ha costado lo mío recordar a qué película me recordaba. Es "Beyond the Reef" (1979), la cual adapta la misma novela. Pero esta es mucho mejor, sin duda, las escenas con el tiburón son magníficas.

Usan un método bastante elaborado para deshacerse de los tiburones y así poder pescar en paz. Primero utilizan mantas para atraerles y cuando están comiendo sin parar les tiran calabazas hervidas que se comen sin pensarlo, pero el cambio de temperatura en sus estómagos les mata. Es brutal ver como van saliendo los muertos a flote.

Según dice el protagonista en esa isla todos pescan, incluidos los perros que tratan de capturar los peces que están más cerca de la orilla.

A ratos esto está más cerca de un documental que de una película. Principalmente porque está grabado en el lugar donde transcurre la acción, cosa que hace que todo se vea de una manera muy realista, desde las aguas cristalinas a las abundantes palmeras, pasando por los tiburones.

Es otra película dividida en dos mitades, además de verdad porque más o menos al llegar a la hora de película da un salto temporal. La primera mitad es de cuando Ti-Koyo era niño y la segunda de cuando es ya más mayor.

Es la parte más triste, uno que ha crecido en EEUU decide modernizar el aspecto de las casas, quemando las antiguas y construyendo unas de cemento, trae una flota de barcos de pesca modernos y trata de contratar a todos, pero los hemanos de Ti-Koyo y él mismo se resisten y siguen con el método tradicional. Pero al final los hermanos terminan sucumbiendo y él se va con su tiburón a una parte secreta de la isla para vivir a solas.

Me acabo de percatar de que tiene similitudes visuales con "Life of Pi" (2012).

Es, de lejos, la mejor relación que he visto en una película entre un tiburón y un humano. Resulta incluso divertido verles juntos.

Ssaki (1962)

El título se traduce como "Mamíferos".

Dos hombres van por la nieve con un pequeño trineo, uno lleva al otro. Durante su viaje sufren varios accidentes y por ello se intercambian varias veces a pesar de que uno de ellos va en muletas.

Tiene una duración de 11 minutos.

Con este llegamos al último cortometraje de Roman Polański de los que dispongo. Pero aún quedan muchos de otros directores y rarezas varias.

De nuevo se trata de una comedia basada en cierta manera en la crueldad.

La parte más interesante es cuando uno de ellos pierde, literalmente, la cabeza. No sé muy bien cómo explicarlo, simplemente sucede.

Es muy dinámico, aunque a la vez caótico. Los cambios suceden a gran velocidad y es fácil perderse algún detalle. En esencia se dedican a pegarse y a molestarse entre ellos durante todo el rato.

Y, de nuevo, no hay diálogos, sólo suena música de fondo. La imagen es en blanco y negro, aunque esta vez he de decir que es muy muy brillante debido al entorno nevado en elq ue se encuentran.

Venga, pasemos a otra cosa.

Tómbola (1962)

De luz y de color.

Marisol es una joven muy alegre enamorada de la música. El problema es que tiene demasiada imaginación y la gente no se la suele tomar en serio. Un día mientras estaba en un museo vio como unos monjes cambian un cuadro por una copia y tras mucho insistir eventualmente un policía le cree. Entonces aparece por televisión para pedir a los ladrones que lo devuelvan.

Cambiamos radicalmente a una temática diferente. A partir de esta entrada tocan películas que tienen que ver con la música. La idea es que aparezcan grupos musicales o cantantes. También hay previstos algunos documentales y títulos realmente raros, como siempre.

Y la primera es de Marisol (Marisol), la canción que da título probablemente sea su más famosa, al menos es la más recordada. Se trata de su tercera película tras "Un rayo de luz" (1960) y "Ha llegado un ángel" (1961).

Dirigida por Luis Lucia. Suyas son "La novicia rebelde" (1972) y "Zampo y yo" (1966).

En el reparto destacan los nombres de Rafael Alonso (Pepe "Joe Carter") y Rafaela Aparicio (Testigo).

Se supone que el personaje que interpreta Marisol tenía unos 10 o 12 años, ella tenía 14 así que tuvieron que vendarle el pecho para que no le resaltase.

Marisol vive en una casa de lujo con todo tipo de gente a su servicio. Y por el uniforme que lleva intuyo que el colegio al que va es de pago y sólo de chicas. De hecho es así, tienen todo tipo de aparatos de gimnasia y practican hípica. Desde luego esto está muy alejado de ser un reflejo social como las otras películas costumbristas de los años 60.

Dicho lo cual, la niña negra tiene miedo de "las tribus" de su país, el cual no nombran pero es africano. Intuyo que es Sudán porque su guerra civil empezó en 1955 y duró hasta 1972.

Por cierto, canciones no faltan. En los primeros 10 minutos igual cantan 4.

No acabo de entender muy bien qué hacen un cazador, un tanque militar, un helicóptero, un grupo de soldados y unas niñas a caballo en medio del mismo campo. Y, vamos, que si una niña se pierde no tiene ningún sentido hacerle pagar los gastos de gasolina del helicóptero y demás movidas al tío de la niña que denunció la desaparición.

Durante la canción "Tómbola" se nota que hicieron varias tomas porque hay errores de continuidad. Por ejemplo, el guitarra empieza tocando con púa pero luego lo hace con la mano.

Marisol cuando canta no tiene acento sin embargo al hablar a ratos se le escapa el andaluz, bastante marcado además.

Es una película con un mensaje positivista basado en la religión. Y ese es quizás mi mayor pero, puedo aguantar las numerosas canciones hasta un cierto punto pero aquello de rezar cada dos por tres para que las cosas se solucionen no es precisamente la mejor solución.

What Ever Happened to Baby Jane? (1962)

Aquí la titulamos "¿Qué fue de Baby Jane?".

Jane y Blanche Huddon son dos hermanas que han sido rivales toda la vida. Siendo niñas la pequeña Jane tenía éxito en los escenarios pero era una malcriada mientras que Blanche esperaba su oportunidad entre bambalinas. Posteriormente las dos se ponen a hacer películas, pero el talento que le falta a Jane le sobra a Blanche. Pero la carrera de ambas terminó el día en que Blanche fue atropellada por un coche.

Basada en la novela de Henry Farrell.

Dirigida por Robert Aldrich. Hizo películas como "The Dirty Dozen" (1967), "The Longest Yard" (1974), "The Flight of the Phoenix" (1965) o "Apache" (1954).

Protagonizada por Bette Davis (Baby Jane Hudson) y Joan Crawford (Blanche Hudson). Davis tenía una máquina de Coca-Cola instalada en el plató sólo para cabrear a la Crawford quien había estado casada con Alfred Steele, el presidente de la Pepsi, hasta su fallecimiento.

Bette Davis se opuso a que la película fuera rodada en color porque hubiera hecho que una historia triste se viera bonita. Además tuvo control total en su maquillaje lo cual hizo que para encarnar a Jane de mayor se la imaginase como alguien que nunca se lavaba la cara, sólo se aplicaba una capa más de maquillaje. A Henry Farrell le encantó su decisión.

En contraste Joan Crawford quería verse siempre lo más bella posible. Les costó mucho convencerla de que, por ejemplo, dejara de pintarse las uñas.

Tuvieron un presupuesto tan ajustado que se vieron obligados a rodar las escena en las que conduce Bette Davis de manera real, con un cámara colocado en el asiento trasero o sobre el guardabarros delantero.

La rivalidad entre ambas llegó a ser sonada incluso en los Oscar. Davis tenía una nominación y Crawford inició una campaña para hacerla perder, cosa que no solo consiguió sino que encima subió a recoger la estatuílla en nombre de Anne Bancroft, la ganadora. Por lo visto la hostilidad entre ambas duró décadas.

Se cree que el personaje que interpreta Davis está basado en Mary Miles Minter, una actriz de la época muda cuya carrera se vio truncada cuando fue sospechosa del asesinato del director William Desmond Taylor. Aunque nunca llegaron a condenarla pasó el resto de su vida recluida en su casa.

Bette Davis era incapaz de imitar la voz de Joan Crawford, usaron su voz original.

Soy muy fan de Jane y la manera en la que tortura a su hermana.

Entiendo, hasta un cierto punto, que Blanche no quiera comerse el pájaro y la rata muertos pero si tanta hambre tiene la leche y el pan la hubieran saciado, aunque sea un poco.

Cualquier médico puede percatarse de que el golpe que sufrió Blanche no fue en sus piernas, o a la altura del parachoques, y que su problema estaba en la espalda, exculpando de todo a Jane. Eso explica porqué no acabaron juzgándola pero no por qué la interrogaron duramente.

Creo que ambas actrices usaron parte de sus problemas personales para ayudarse con los personajes. Claro que e obvio desde un principio que Blanche se siente culpable y por eso está siempre preocupada por Jane a pesar de que le juega malas pasadas.

Una gran película, sin duda. Además no tenía ni idea de lo que pasó entre las dos actrices posteriormente, ha sido la mar de interesante leer sobre ello.