Гамлет (1964)

Hace mucho desde la última shakesperiana. Es "Hamlet", por cierto.

Cuando el rey de Dinamarca muere repentinamente, su hijo, el príncipe heredero Hamlet, regresa a casa y descubre que su tío Claudio ha usurpado el trono y se ha casado con su cuñada, la madre de Hamlet. Una noche, Hamlet recibe la visita del fantasma de su padre, quien le ordena vengar su asesinato a manos de Claudio.

Es considerada la mejor adaptación de una obra de William Shakespeare en la gran pantalla. Lo cual difícilmente voy a poder corroborar porque no he visto tantas. Aunque he de decir que "A Midsummer Night's Dream" (1999) la disfruté muchísimo y "Hamlet" (1948) de Laurence Olivier me encantó.

Aparte que todo el mundo sabe que la obra de Shakespeare gana mucho en el klingon original, y el ruso es lo más parecido que existe.

La parte de la conversación con el fantasma es realmente impresionante. Sin decir nada el fantasma consigue mostrarse como una figura imponente que causa pavor a todos. Además, el blanco y negro le hace un favor, pues hace que su figura contraste aún más con las luces y las sombras, aparte de ocultar su rostro hasta el último momento en el que sólo vemos sus ojos.

Es una obra que normalmente en sus versiones cinematográficas da la impresión de ser muy teatral, con muchos escenarios interiores, planos fijos, actores que suelen exagerar. Pero no es el caso. Para nada.

Está dividida en dos partes, con su intermedio.

Recomiendo encontrar unos buenos subtítulos si queréis verla. No es que sea una trama difícil de seguir sin ellos, pero ayudan bastante.

Por lo demás, no tengo mucho que contar sobre ella. Sí es una gran adaptación de Shakespeare.

The Wizard of Oz (1964)

Una versión hecha para televisión.

Un tornado se lleva a Dorothy y su perrito Toto y despiertan en Oz. Allí Glinda le da los zapatos de rubíes y le dice que vaya a hablar con el Mago de Oz para regresar a Kansas.

Su duración es de 26 minutos.

Técnicamente es una adaptación de la versión teatral. Preparaos porque vienen unas cuantas así en este recorrido. Lo cual es normal, son títulos que me ha costado bastante saber de su existencia.

El escenario está compuesto de dibujos, casi infantiles.

Los actores exageran bastante los gestos y parece que en algunos momento se dirijan hacia los espectadores de un teatro.

Aceleran mucho la trama, en apenas dos minutos Dorothy ya está frente a Glinda. Esto es porque reducen el reparto a lo mínimo.

De hecho se encuentran con el hombre de hojalata y con el león cobarde en el mismo sitio.

Además no hay numeritos musicales, ni canciones.

La bruja envía un abejorro venenoso para acabar con Dorothy.

La versión que he visto incluye una pausa publicitaria, lo peculiar es que está grabada en el mismo plató, con las mismas decoraciones que la parte de Kansas. Es un anuncio de ropa infantil/juvenil.

El deseo de Dorothy no es regresar a Kansas sino que convierte a el mago en uno de verdad, por eso puede cumplir los deseos de cada uno. Es otra manera de contar el final, desde luego.

No me parece una mala versión, incluye algunos cambios pero con sentido. Tiene una calidad correcta para ser de televisión. Y agradezco que no canten, la verdad.

The Heisters (1964)

Cambiemos de temática.

Tres hombres han sido puestos en busca y captura tras robar dinero y joyas. La codicia de uno, que acapara las joyas, hace que otro se enfade mucho y empieza a destrozar cosas. Para calmarle le vende la joya más grande a cambio de todo su dinero, y él acepta y se calma hasta que descubre que era un cubito de hielo. Mientras tanto el tercero está experimentando con insectos.

Su duración es de 10 minutos.

Dirigido y coescrito por Tobe Hopper. En aquellos momentos tenía 19 años. Es su segundo cortometraje tras "The Abyss" (1959), el cual no cuentro. Era estudiante de la Universidad de Austin, Texas.

Empieza con un aviso de que la película que vamos a ver es ridícula. Qué importante es dejar claras las cosas.

Me recuerda al cine de Jodorowsky, de Mel Brooks y de los Monty Python. Aunque visualmente trata de homenajear las películas de la Hammer.

Me encanta que lo primero que hiciera Hopper sea una comedia del absurdo, por algo es uno de mis directores favoritos.

Es un nivel de comedia que se asemeja al de los dibujos animados de la Warner. El enfrentamiento de los dos tipos es cada vez más ridículo.

El otro homenajea a Edgar Allan Poe y su "Pit and the Pendulum" en un momento dado.

Y es que al fin y al cabo es todo muy... medieval. Me ha parecido genial, en una palabra. Podría haber optado por algo más serio, contaba con los medios, los actores y el escenario, y decidió hacer justo lo contrario. A veces es divertido pasárselo bien sin más.

It's Not Just You, Murray! (1964)

Otro de Scorsese.

Murray es muy rico, muy influyente y tiene una buena vida. Todo fue gracias a un amigo suyo llamado Joe. Y todo fue gracias a que se dedicaron a la distribución de ginebra de contrabando. La realidad es Joe no sólo no es su amigo sino que se está acostando con su esposa.

Su duración es de 16 minutos.

Dirigido y coescrito por Martin Scorsese. Fue su tercer cortometraje. En el arranque vemos que lo hizo cuando estudiaba en la Universidad de Nueva York.

Me recuerda un poco a "Greased Lightning" (1977), otra película de traficantes de licor en EEUU. La diferencia es que aquí son "mafiosos" italianos.

No podía faltar el momento en el que la policía descubre el laboratorio y terminan arrestando a Murray. Los policías le interrogan y torturan. Y luego vemos los métodos de Joe con los que no saben tener la boca cerrada, literalmente le vemos hacer unos "zapatos de cemento".

Tras salir de la cárcel Murray se casa y con Joe empiezan otro tipo de negocios que incluyen la prostitución, las trampas en los deportes, la política...

Contiene bastante comedia, todo tiene un toque gracioso. Y mafioso.

El padrecito (1964)

Otra comedia.

El padre Damián va a recibir un sacerdote nuevo debido a su avanzada edad. La noticia corre como la pólvora por el pueblo de San Jerónimo el Alto porque nadie quiere que lo cambien. Aunque el principal problema es don Silvestre, un tipejo con mucho poder y dinero. Tampoco ayuda demasiado Sara, la hermana del padre Damián, quien se dedica a ponerle todo tipo de problemas al cura nuevo.

De nuevo la dirige y co-escribe Miguel M. Delgado.

Obviamente está protagonizada por Cantinflas (Padre Sebastián). Pero esta vez lo llamativo del reparto es el nombre de Angelines Fernández (Sara), una de las actrices de "El chavo del ocho".

Se la considera una versión de "Going My Way" (1944) de Bing Crosby.

Creo que la frase "Yo tampoco me entiendo pero sí se lo que digo" resume de manera genial la manera de expresarse que tiene Cantinflas.

Qué bueno cuando se pone a tocar una versión más "rock" del "Ave María" en el órgano.

En un momento dado habla de su pasado y cita algunos de los otros personajes que ha interpretado Cantinflas.

También le vemos toreando, a su manera, como ya hizo en "Around the World in Eighty Days" (1956).

Aunque sea una comedia y Cantinflas trata de ser comedido en realidad expone uno de los mayores problemas que tiene la iglesia, están estancados en una manera de hacer las cosas porque "la experiencia" les ha demostrado que los cambios radicales no son buenos.

En todo caso es una gran película, con un final un poco empalagoso pero que encaja con el tono.

Return to Oz (1964)

Sigamos con algo de animación.

Estamos en Kansas. Dorothy está en la granja de sus tíos cuando de repente recibe una carta de Oz poniéndole al día de cómo están las cosas por allí. De repente llega un tornado y es transportada de nuevo allí. Pero al llegar Glenda le dice que sus amigos Sock, Rusty y Dandy han sido secuestrados por la bruja malvada del Oeste. Le advierte que debe tener cuidado con sus zapatos mágicos para que la bruja no se los robe.

20 años antes de la secuela de acción real "Return to Oz" (1985) hubo esta película animada de apenas una hora de duración.

En la novela original los zapatos mágicos son de color plateado, eso es algo que mantienen aquí. Aunque la trama no adapta la de la novela, se toma bastantes libertades y simplemente trata de seguir la historia de la versión de 1939.

La voz de Dorothy cuando canta es totalmente diferente. La que canta es Susan Morse, cuando habla es Susan Conway. Aunque lo realmente peculiar es que a Morse la acreditaron como Munchkin.

He leído algunas críticas y se quejan especialmente de la animación y del estilo de dibujo. Creo que la gente no comprende que esto es un producto infantil hecho para televisión en los años 60. Lo cierto es que no es tan horrible, hay personajes que me recuerdan a los de "Pink Panther", por ejemplo.

El espantapájaros es Sock (Socrates), el hombre de hojalata es Rusty y el león es Dandy. La bruja oxidó a Rusty haciéndole creer que conocía a una chica de hojalata. A Sock le quemó su diploma y le volvió a colgar como un espantapájaros. Y a Dandy le quitó el coraje y se volvió de nuevo un cobarde.

Una de las frases en la canción de Rusty es "Sometimes I'd like to be gay". Me ha hecho algo de gracia.

Lo de los nombres de los personajes de Oz es algo exclusivo de esta película. Aunque al espantapájaros lo llamaron Fiyero Tigelaar en algunas adaptaciones teatrales y al hombre de hojalata se le conoce también como Nick Chopper.

Dicen lo de "todos para uno y uno para todos" cuando se reúnen los 4 por primera vez.

La bruja invoca cocodrilos voladores esta vez.

A pesar de su corta duración incluye un número bastante sorprendente de canciones. Y lo que cantan tiene más o menos que ver con la trama.

No me ha parecido del todo mal, en líneas generales. Aunque quizás sea como una pequeña expansión de la historia original, no canónica.

宇宙大怪獣ドゴラ (1964)

También conocida como "Dogora".

Una serie de satélites han desaparecido, la causa parece ser una extraña criatura. Mientras tanto en la tierra empiezan a suceder una serie de extraños fenómenos en los que las cosas flotan en el aire y algo está absorbiendo el carbón. Por otra parte tenemos a Mark Jackson, un ladrón, y una banda que se dedican a robar diamantes.

Dirigida por Ishirô Honda.

El monstruo en sí es una célula azul gigantesca que flota en el aire y que puede derretir metales con facilidad, hacer flotar cosas de gran tamaño y aunque la vemos brevemente al principio durante buena parte de la película está oculta en las nubes.

Combina una historia de una banda que se dedica a robar diamantes y un monstruo que se alimenta con carbono (osea carbón y diamantes).

Lo único que no me ha quedado demasiado claro es qué tienen que ver las avispas con la célula gigante.

Dogora es el único monstruo de Toho que no ha salido en una película de Godzilla. Bueno, técnicamente se vio una foto suya en "Gojira: Kaijû Wakusei" (2017).

Se planteó hacer una serie de películas basadas en Mark Jackson. No creo que esta película tuviera demasiado impacto en su momento.

Y es que a pesar de ser un monstruo de Toho apenas le vemos y no queda muy claro si es que está formado por pequeñas "cosas azules flotantes" independientes que trabajan en plan mente colmena o es todo un ser.

Aparte que entiendo lo de que se alimente de carbón y diamantes, pero es que hace cosas sin demasiado sentido. Por ejemplo lo primero que vemos es un señor tumbado flotando en el aire. Así sin más.

Y sigo sin tener claro si Mark es bueno o malo. Da la impresión de ser un ladrón pero colabora con la policía con la excusa de que trabaja en una especie de empresa de seguros, pero yo creo que miente vilmente y que sólo quiere quedarse con la mercancía... pero es falsa. Lo dicho, un lío.

Ya es raro que diga esto pero me ha parecido bastante flojita, probablemente lo peor que visto de Honda.

Mary Poppins (1964)

Pues sí, el clásico.

Estamos en Abril de 1910. Los Banks se acaban de quedar sin niñera y el padre decide hacerse cargo. Pero los niños escriben su propia carta para pedir lo que necesitan, la cual rompe su padre sin pensárselo. Aún así al día siguiente aparece sólo una niñera llamada Mary Poppins que ha leído la carta de los niños.

Basada en la serie de novelas escritas por P.L. Travers. A la autora no le hizo ninguna gracia esta adaptación, de hecho puso muchas trabas en la versión teatral que querían hacer en 1993 y sólo les dio permiso cuando le dijeron que la Disney no estaría involucrada en ella. Lo realmente peculiar es que al morir ella en 1996 la compañía Walt Disney sí metió mano y pasó a ser coproductora.

Dirigida por Robert Stevenson. Suyas son "King Solomon's Mines" (1937), "Darby O'Gill and the Little People" (1959), "Son of Flubber" (1963), "The Love Bug" (1968)...

Es la película más exitosa de las que estuvo involucrado directamente Walt Disney cuando vivía. Aún a día de hoy sigue siendo una de las más vendidas.

Protagonizada por Julie Andrews (Mary Poppins), su película más conocida junto con "The Sound of Music" (1965). Con Dick Van Dyke (Bert / Mr. Dawes Sr.), le vimos también en "Chitty Chitty Bang Bang" (1968). Pidió hacer del segundo personaje con bastante intensidad.

Durante los créditos de inicio vemos una recopilación musical de las canciones que sonarán posteriormente en la película.

En realidad Bert es una amalgama de varios personajes de las novelas.

Curiosamente la he visto en versión doblada y me ha llamado mucho la atención que hayan doblado también las canciones.

La Sra.Banks es una sufragista y pro-feminista aunque está casada con un hombre que no comparte sus ideas.

Muchas de las niñeras que hacen cola al principio de la película con hombres disfrazados.

Los niños no sabían algunas de las cosas que iban a suceder, como cuando Mary Poppins saca un perchero del bolso o la botella de medicina que vería líquidos de diferentes colores. Las caras de asombro son reales.

La propia Julie Andrews es quien hizo el silbido del petirrojo durante la canción "A Spoonful of Sugar". Es una parte que me llama la atención pues usan un animatrónico cuando poco después viajan al mundo de los dibujos animados.

La leyenda cuenta que la palabra "supercalifragilisticexpialidocious" tiene algo que ver con prostitutas irlandesas o escocesas. Lo más probable es que provenga de la canción "Supercalafajalistickespeealadojus" de Gloria Parker y Barney Young, la cual data de 1949.

Es un musical y como tal contiene abundantes canciones, de las cuales algunas han transcendido y han pasado a formar parte de la cultura popular.

El tío Albert está interpretado por Ed Wynn, puso también la voz a Mad Hatter en "Alice in Wonderland" (1951).

La tradición de pasar la buena suerte de un deshollinador cuando le das la mano viene de que sus vidas eran cortas debido a la inhalación de carbón y por ello tenían que dejar el trabajo terminando en la pobreza. Dicho de otra manera, su suerte era siempre mala y al dar la mano transferían toda su buena suerte a otra persona.

La parte de "Step in time" tuvo que ser regrabada por completo porque el celuloide resultó dañado. Les costó una semana rehacerla.

La voz del paraguas la pone el actor que hace de padre.

Hace poco hicieron una secuela titulada "Mary Poppins Returns" (2018). No la he visto y no tengo intención de verla próximamente. Pero no tiene nada que ver el hecho de que la Disney decidiera ignorar lo que opinaba la autora, simplemente con esta tengo más que suficiente.

Personalmente me parece una película que está penasada para un público infantil pero que no trata a los niños como si fueran imbéciles, lo cual la hace entretenida incluso para un adulto. Dicho lo cual, no es el tipo de película que disfruto. Me han gustado algunas partes, como la de los deshollinadores (cuya coreografía es impresionante), pero poco más.

Hawaiian Aye Aye (1964)

El título es una parodia de la serie de televisión "Hawaiian Eye".

La abuela y Tweety se hospedan en una cabaña en Honolulu. Ella se va a un baile al que le han invitado. Sylvester deambula muerto de hambre cuando oye cantar a Tweety y decide ir a por él. Pero el tiburón guardián se lo impide, así que intentará diferentes formas de conseguirlo.

Tiene una duración de 6 minutos.

Pertenece a la serie de cortometrajes animados de Merrie Melodies.

Por supuesto la voz más destacable es la de Mel Blanc (Sylvester y Tweety).

Tiene la peculiaridad de ser el último cortometraje clásico en el que aparece Tweety hasta "Carrotblanca" (1995) y la última vez que apareció junto con Sylvester hasta "Museum Scream" (2003). Esto fue debido a que el estudio de animación de la Warner Bros. cerró en 1963. Sylvester aún salió en algunos cortos más durante la década de los 60.

La abuela tiene un tiburón a modo de perro guardián llamado Sharkey, con su caseta en el agua y todo.

Los peces que aparecen en uno de sus frascasos  de Sylvester son conocidos en ingles como sawfish pero también los llaman tiburones carpinteros. Nosotros los llamamos peces sierra.

Todo un clásico de la animación. Me ha gustado especialmente que haya un tiburón semiprotagonista que aparece en prácticamente todas las escenas.

Como dos gotas de agua (1964)

Las gemelas más famosas de España, cinematográficamente hablando.

Pili se prepara para presentarse en un concurso musical, vive en un barrio humilde con su padrino Gregorio "El Chopín", trabajando juntos con un organillo en la calle. Mili mientras tanto está con su tía Teresa viviendo en Madrid, justo su padre Ricardo Ariaga está a punto de regresar de un largo viaje a París y espera recoger a su hija pero la madre no piensa dejarle. Pero la abogada que llev ael caso conoce a Pili y decide encasquetársela.

Hablo, cómo no, de Pilar Bayona (Pili Benítez) y Emilia Bayona (Mili Arriaga), más conocidas como Pili y Mili. Esta es su película debut.

Aunque me gustaría destacar a Xan das Bolas (Martínez), porque aparece en muchas de las películas que he comentado últimamente y es que llegó a salir en más de 200 a lo largo de su carrera, mayormente españolas pero también las hay italianas, estadounidenses y alemanas. Me fascina no saber nada de él siendo alguien tan prolífico y con muchos títulos relevantes, aunque casi siempre en papeles menores.

También salen Manolo Morán (Gregorio "El Chopín"), conocido por "Recluta con niño" (1956) y "¡Bienvenido, Mister Marshall!" (1953). E Isabel Garcés (Ángela Goñi), salió en "Las 4 bodas de Marisol" (1967).

Estaríamos hablando de un remake de la película argentina "Soñar no cuesta nada" (1941) protagonizada por las gemelas Mirtha y Silvia Legrand. Aunque viene a ser la misma historia que la novela de Erich Kästner titulada "Das doppelte Lottchen" publicada en 1949 y que ha tenido un montón de versiones en el cine, incluidas un par de Disney. La diferencia es que no dejan establecido que sean hermanas gemelas, sólo dos chicas que se parecen demasiado.

La película arranca con un número musical en el que Pili canta la canción "Ponle sal".

Me hace gracia la manera "vulgar" en la que habla Pili, pero en realidad sin decir nada malsonante. Expresiones como "¡sopla!", "¡jolín!", "¡porra!", "ponerse como el quico", "plimpar", "personal", "panoli", "leñe"...

En la cena "pija" la gente se asombra cuando usa alguna de ellas, lo cual me hace gracia por lo ridículos que llegan a ser.

En la cena "pobre" me hace gracia que Mili hable en inglés con un fuerte acento marcado español, pero vamos se defiende. Ambas cenas incluyen un numerito musical.

Mencionan las bases estadounidenses en España. En 1953 el gobierno de Franco llegó a un acuerdo para que pusieran cuatro de ellas, tres aéreas (Base Aérea de Morón, Base Aérea de Zaragoza, Base Aérea de Torrejón de Ardoz) y una naval (Base Naval de Rota). En total habían unos 7000 militares estadounidenses junto con sus familias. A cambio España recibió una compensación económica de 1500 millones de dólares.

Termina con otro número musical, esta vez con las dos hermanas.

Es bastante caótica, de enredo más bien. Aunque hay cosas que suceden porque sí como el encuentro de las dos hermanas en el que se hacen superamigas instantáneamente y en realidad no influye en nada porque todo lo maneja la abogada. Sin ese encuentro el resto queda exactamente igual. Además lo de la tía y el padre que quieren casarse pero no, pero sí, pero no... creo que no sabían muy bien cómo abordarlo, de hecho al final sigue sin quedar del todo claro.

Marnie (1964)

Aquí la titulamos "Marnie, la ladrona".

Marnie Edgar es una cleptómana que siente que su madre nunca la ha querido y quiere conseguir ganar su cariño. En su nuevo trabajo Mark Ruthland la reconoce de otro robo y espera a que ella actúe para intervenir y sacar a relucir la verdad.

Volvemos al cine de Alfred Hitchcock con otro de sus títulos más reconocidos. Su cameo es bastante tempranero, casi nada más empezar.

En el reparto tenemos a Tippi Hedren (Marnie Edgar Rutland), conocida por "The Birds" (1963). Sean Connery (Mark Rutland) acababa de hacer "From Russia with Love" (1963). Diane Baker (Lil Mainwaring), salió en "The Silence of the Lambs" (1991). Alan Napier (Sr. Rutland), conocido por la serie "Batman". Bruce Dern (Marinero), salió en "The 'Burbs" (1989).

Aparte fue el debut de  Melody Thomas Scott (Marnie de pequeña), salió en "Piranha" (1978) y "The Car" (1977).

Entre los apodos que usa Marnie tenemos Marion Holland, Mary Taylor, Margaret Edgar y Peggy Nicholson.

Noto una cierta insistencia en el tema cabellos. Primero vemos a Marnie cambiárselo de color, luego su madre se queja de que está demasiado rubio, luego la niña pide que se lo cepillen.

Resulta bastante fácil diferenciar qué escenas están rodadas en platós o en exteriores, sólo hay que fijarse en los fondos. En los platós intentan que haya una continuidad entre el dibujo y los edificios falsos, por ejemplo cuando visita a su madre por primera vez, pero no acaba de encajar el color. Ese mismo lugar se ve que es real cuando se marchan con el coche al final.

Para poder usar caballos reales a Hitchcock se le ocurrió usar una cinta andadora de gran tamaño, cosa que a los del equipo les pareció descabellado y peligroso. Sin embargo tras hacer una prueba las cosas funcionaron tan bien que es lo que usaron.

Por cierto, el nombre del caballo de Marnie es Forio. Phorion es una palabra griega que significa "objetos robados" (he de decir que no he podido contrastar esta información).

La escena de la tormenta en la que una rama de árbol atraviesa una ventana podría ser la inspiración de "Poltergeist" (1982).

La frase que dice Lil "siempre pensé que la mejor amiga de una chica es su madre" es similar a la de "Psycho" (1960) "el mejor amigo de un chico es su madre".

Me pregunto si lo de la fobia al color rojo de la protagonista es una referencia a la era McCarthy de una manera un tanto rebuscada.

Es una película de una mujer con muchos traumas y aunque algunas cosas se llegan a intuir hasta que llegamos a la parte final no podemos entenderla en su totalidad, lo cual merece mucho la pena.

Es un título de Hitchcock donde juega con temas como el robo o incluso el asesinato pero que deja de lado por completo para centrarse en la protagonista y su manera de ser. Sus reacciones adversas a cosas tan mundanas como una tormenta, su manera tan inteligente de planear los robos, su repudia absoluta a los hombres (especialmente al sexo) y la relación con su madre, complicada como ella sola.

Fıstık Gibi Maşallah (1964)

Seguimos con un remake.

Naci y Fikri son un par de amigos músicos y cómicos que trabajan en un local de mala muerte donde se realizan actividades criminales. Un día son testigos de una masacre y se libran por los pelos así que deciden disfrazarse de mujeres para poder pasar desapercibidos.

Más concretamente se trata del remake turco de "Some Like it Hot" (1959) de la cual hace poco vi otra versión anterior. Estaba planteándome reservarla para cuando hiciera otro recorrido por la Yeşilçam pero como no sé si pertenece a ella y ya tengo bastantes títulos guardados he decidido atacarla ahora.

Con la tontería ya es la cuarta versión que veo y sigo si haber visto la primera. Ni siquiera me he planteado buscarla de hecho. Pero bueno, como curiosidad esta tuvo un remake también turco titulado "Fistik gibi" (1970).

Básicamente sigue el argumento de la película de Billy Wilder pero es muy diferente. Aparte que no dan el pego ni de coña como mujeres.

Como dije en la versión alemana la parte del tren de la versión de Wilder siempre me pareció que no encajaba demasiado bien. Aquí la cambian por un barco, lo cual hace que socialicen con las chicas del grupo de una manera más coherente (y tenga más sentido la referencia  al camarote de los Hermanos Marx). Además hace aparición el tipo que acosa a uno de ellos mucho más pronto.

Cambian lo de la petaca de alcohol por un paquete de cigarrillos. Me llama la atención que sean tan antitabaco en los 60.

La parte de la cita doble es un calco. Además uno se viste igual que Tony Curtis, gorra incluida.

Me imagino que fue una de las razones por las que siguieron haciendo copias de las películas estadounidenses. Tiene pinta de haber funcionado muy bien en su momento (especialmente si no pudieron ver otra versión) y aunque cuenta con un presupuesto bastante ajustado consiguen sacarle mucho partido.

Paskutinė atostogų diena (1964)

El título se traduce como "El último día de vacaciones". También conocida como "Девочка и эхо".

Vika se encuentra con unos niños que andan jugando en playa cuando ve que a Roman, uno de ellos, le menosprecian, así que decide ayudarle. Pero cuando él puede ayudarle decide ponerse de parte de sus amigos, lo cual deteriora su relación de amistad.

Me hace gracia que la barca del abuelo de Vika se llame "delfín" tal cual pero en cirílico. De hecho es especialmente curioso porque el idioma original es lituano (no sabría decir hasta qué punto porque he visto la versión doblada al ruso, pero por ejemplo la niña escribe en dicho idioma en la arena).

Es una película parsimoniosa pero llena de encanto y sutilezas. Recuerda ligeramente al estilo japonés por la manera en la que en vez de centrarse en narrar la historia per se nos muestra el entorno hasta el punto de que resulta fácil familiarizarse con él.

A Vika le gusta bañarse desnuda, y eso no es un gran problema cuando está sola (o Roman, con quien pronto adquiere gran confianza) pero al llegar los niños se quedan esperando junto a su ropa y tendrá que pasearse frente a ellos.

He de decir que me ha sorprendido la manera tan inteligente de posicionar la cámara para que en ningún momento veamos a la niña completamente desnuda, o bien está muy lejos o bien se la ve de lado medio cubriéndose o, lo mejor de todo, la pone justo fuera del enfoque y cuando camina se mueve junto a ella hasta que se pone la ropa. No me esperaba algo así en una película de los 60, la verdad.

Es una historia sencilla, sin pretensiones ni tratando de ser demasiado profunda. De hecho su estilo me recuerda mucho a otras películas europeas de diferentes países, incluso puede que alguna de Argentina.