Убийцы (1956)

También conocida como "The Killers".

Dos tipos entran en un bar y empiezan a incordiar al único cliente que hay, al camarero y al cocinero. Su intención es matar a un sueco llamado Ole Andreson. Pero no aparece, así que se van. Seguidamente el cliente va a ver a Ole para contarle lo sucedido.

Su duración es de 19 minutos.

Basada en la historia corta "The Killers" de Ernest Hemingway, publicada en 1927 pero que llegó a la Unión Soviética en los años 50.

Dirigida por Marika Beiku, Aleksandr Gordon (escena central) y Andrei Tarkovsky (primera y última escena). Aleksandr es el cuñado de Tarkovsky. Se trata del primer trabajo de Tarkovsky realizado cuando estudiaba en el ВГИК (Всероссийский государственный институт кинематографии, osea el Instituto de cinematografía Gerasimov), es la escuela de cine más antigua del mundo.

Se trata de la primera vez que el ВГИК permitía a un alumno usar una obra extranjera.

Todos los personajes están interpretados por estudiantes de dicho instituto. Además el propio Tarkovsky aparece como el segundo cliente y Gordon es George.

El cocinero se supone que es negro. No habían negros en la escuela de cine rusa así que usaron a un actor blanco y le pintaron la cara y las manos. Se nota bastante.

La tensión es palpable desde bien temprano, sin embargo consiguen que aumente fácilmente cuando el camarero entra a la cocina para preparar dos sandwiches.

Lo realmente interesante es que si bien la historia está planteada en la época de los gángsters de EEUU funciona perfectamente en la Unión Soviética pues los asesinos podrían pertenecer al NKVD. Aunque me extrañaría que lo difundiesen de una manera tan obvia. Podrían ser simplemente asesinos, claro.

No me había dado cuenta y es que se supone que la acción tiene cabo en EEUU, el nombre de la ciudad era la pista. En todo caso creo que estaría bien encajada en cualquier parte.

Me encanta como Ole acepta su destino sin más, es algo muy ruso.

Dentro de lo que cabe es una historia sencilla, podría dar pie para ser extendida e incluso hacer una película con ella, pero también es verdad que estas pequeñas pinceladas en ocasiones no necesitan más.

空の大怪獣ラドン (1956)

También conocida como "Rodan".

Tras la inundación de una parte de una mina aparece un hombre muerto y otro llamado Goro ha desaparecido. Posteriormente encuentran los cadáveres de un equipo de rescate compuesto por otros tres hombres. En el pueblo todos creen que Goro ha sido el asesino, pero entonces aparece una extraña criatura y la persiguen hasta la mina. Deciden que los militares se encarguen de ella, porque es demasiado peligrosa.

Cuando vi la selección de películas recientes me percaté de que había una de Godzilla, que de hecho ahora son dos porque justo acaba de salir otra, así que pensé que lo mejor sería ver todas las que tenía de Kaiju para ver de cara al futuro, agregar un par de títulos más y hacer un pequeño recorrido especial. Principalmente porque es algo que me divierte mucho y que da mucho de sí. Aparte que películas de Godzilla aún faltan un montón en el blog y quiero ir agregándolas poco a poco, así que es una oportunidad genial. Pero bueno, justo la primera es de otro monstruo.

En realidad Rodan en japonés es Radon. Proviene de Pteranodon, o como lo pronuncian ellos "Puteranodon". El cambio fue porque en EEUU había un jabón de nombre Radon.

Fue la película en la que debutó George Takei. Aunque sólo oímos su voz, concretamente es la del profesor Kashiwagi.

Fue también la primera película de terror y de monstruos de la productora Toho que se hizo a todo color. Y fue una de las pocas que lo tuvo ese año en Japón.

El cable que sujetaba a Rodan se rompió lo cual hizo que se precipitase al agua desde una altura de 8 metros. El actor Haruo Nakajima iba dentro de él y es una de las escenas que se ven en la película. Posteriormente estuvo a punto de romperse otra vez debido a que pesaba mucho más por el agua que había absorbido.

Los insectos gigantes se llaman Meganulon, su nombre proviene de los insectos prehistóricos Meganeura.

Es la única película en la que Rodan lanza una bocanada de aire concentrado por la boca.

El Meganulon es un bicho feo que se arrastra, hace un ruido muy molesto y se dedica a matar gente con sus garras. También sirve de alimento a Rodan.

El momento álgido del enfrentamiento con el primer Meganulon (salen bastantes más posteriormente) es cuando un minero decide soltar las vagonetas de la mina para que choquen con ella. Al más puro estilo Indiana Jones. Y no, no funciona.

Se me hace raro ver un monstruo que sale de Japón y llega hasta China, Filipinas y otros países asiáticos.

La primera vez que vemos a Rodan de una manera clara sucede pasados los 45 minutos.

Cuando vuela Rodan suena como si fuera un avión supersónico. Imagino que era la única manera que tenían de que tuviera algún sonido.

En la parte final aparece un segundo Rodan. Porque con uno los humanos no tenían ni una oportunidad de derrotarle, claro.

Lo peor es que las maquetas de vehículos militares y helicópteros son poco realistas, son juguetes. Jugando un poco con la perspectiva consiguen que alguna quede bien, pero en general se nota demasiado.

El final es bastante sencillo, muestran a Rodan muriendo y fin. Pero bueno, para el año en que está hecha difícilmente se le puede exigir nada.

Me ha gustado principalmente por lo que representa. Además Rodan es uno de los monstruos clásicos que más veces han aparecido en títulos posteriores.

Rabbitson Crusoe (1956)

Otro corto.

Crusoe lleva 20 años viviendo en una isla en solitario alimentándose a base de cocos. Aunque para conseguirlos ha de atravesar un pequeño canal entre dos islas en el cual le espera un tiburón llamado Dopey Dick. Cuando de repente aparece Bugs Bunny y decide capturarlo para cocinarlo.

Su duración es de 8 minutos.

A Crusoe le interpreta Yosemite Sam. Además le vemos haciendo surf, unos 20 años antes de que se pusiera de moda. Aunque tiene sentido pues a principios del siglo XX fue introducido por la leyenda Duke Kahanamoku, apodado el Gran Kahuna.

Dopey Dick es un juego de palabras con Moby Dick (dopey se puede traducir como atontado). En inglés Crusou le llama "flounder" (platija en castellano, es también el pez amarillo y azul de "The Little Mermaid" (1989)), "barracuda" (se llaman igual en castellano aunque su nombre formal es esfireno, también se las conoce como picudas en el Caribe), "hammerhead" (tiburón martillo en español), "halibut" (igual en español, son una especie de lenguado), "shovel nose" (pez guitarra en español) y "salmon" (salmón en castellano).

Por supuesto las voces en versión original las pone Mel Blanc.

El tiburón es uno de los tres personajes que aparecen y tiene prácticamente el mismo tiempo de pantalla que los otros dos, lo cual es fascinante.

Como siempre Bugs se sale con la suya y termina usando a Crusoe para poder salir de la isla, que termina desapareciendo cuando le pasa por encima una ola.

Manfish (1956)

Pasemos a la década de los 50.

"Swede" es el apodo de un marinero de un barco llamado Manfish que se encuentra en el mar del Caribe. Sus deudas se han acumulado tanto que puede llegar a perder su barco. Al día siguiente salen a pescar tortugas y en el fondo del mar se encuentran a un esqueleto sosteniendo una botella. En dicha botella hay un mensaje en francés que habla de la localización de un tesoro de hace 200 años y un anillo como el que vio el capitán en el dedo de un extraño profesor la noche antes.

Basada en las historias "The Gold Bug" y "The Tell-Tale Heart" de Edgar Allan Poe.

Del reparto destacan Lon Chaney Jr. ("Swede"), conocido por "The Wolf Man" (1941) y "High Noon" (1952). Y Barbara Nichols (Mimi), previamente había hecho televisión y una breve aparición en "River of No Return" (1954), posteriormente la vimos en "House of Women" (1962).

Por lo que he podido entender es de dominio público pero sólo nos han llegado copias en blanco y negro (y además con una calidad cuestionable cuanto menos). Por lo visto en su momento la distribuyeron mayormente en blanco y negro porque era más barato, tanto para cines como para las televisiones. De hecho la copia que he visto es de una televisión.

En un momento aparece un tiburón y el capitán "intrépido" se lanza al agua con un tridente y unas gafas de bucear. El tiburón real que vemos es de apenas un metro de largo y no parece demasiado interesado en los humanos que estaban buceando sin embargo lo mata sin dificultades.

Tiene abundantes escenas subacuáticas, incluyendo una en la que dos buzos se pelean.

La historia se centra en 4 personajes, el capitán y "Swede" (quien sabe bien poco de lo que está sucediendo), el profesor y una chica que conoce al capitán pero está con el profesor por conveniencia, cosa que él sabe perfectamente.

No es una adaptación de ninguna historia de Poe, coge elementos sueltos de dos de ellas y los mete dentro de una trama de codiciosos que prefieren matarse entre sí antes que repartir un tesoro. Todo ello aderezado con un par de mujeres que quieren al mismo hombre, una por sus riquezas y la otra por amor.

Al menos ofrecen una escena con un tiburón, eso de por sí es suficiente para mí. No es una mala película pero tampoco es que sea nada del otro mundo.

Calabuch (1956)

Seguimos con más películas españolas.

El profesor Jorge Serra Hamilton está siendo buscando por el mundo entero. Se encuentra en Calabuch, un pueblo de España. Allí un hombre le da un paquete de contrabando para entregárselo a un tipo llamado "El langosta". Resulta que está en la cárcel y le encierran con él, pero es un caradura y consiguen salir juntos. A él le gusta mucho el pueblo pero el carabinero sospecha de él.

Otra película de Luis García Berlanga, como suelo decir no ha sido adrede, se han juntado de casualidad dos títulos suyos. Aunque curiosamente este era uno de los que más ganas de tenía de ver porque me tiene muy intrigado.

Protagonizada por Edmund Gwenn (Profesor Jorge Serra Hamilton), fue su última película ya que falleció en 1959. Posteriormente hizo aparición en un par de capítulos de series de televisión. Es conocido por títulos como "Miracle on 34th Street" (1947), "The Trouble with Harry" (1955), "Pride and Prejudice" (1940) y "Them!" (1954). Su voz la dobló Eduardo Calvo.

Del reparto destacan los nombres de Manuel Alexandre (Vicente), José Isbert (Don Ramón) y José Luis Ozores (Cucherito).

Fue grabada en Peñíscola mayormente. Es una localidad que no está excesivamente lejos de donde vivo, de hecho he ido a visitarla bastantes veces.

Me hace gracia que salga una escuela de pueblo, con una maestra que lleva gafas y un niño castigado con los brazos en cruz. Eso mismo vimos en "¡Bienvenido, Mister Marshall!" (1953).

De nuevo vemos a las figuras de poder, pero esta vez no está el alcalde como figura principal sino el carabinero, seguido del cura. Los otros son principalmente pescadores, el director de la banda y la profesora de la escuela.

En realidad el profesor se delata cuando le dice al tipo de los cohetes que pueden llegar más rápido si usase una serie de explosiones en cadena. Es la manera en la que los cohetes espaciales consiguen salir al espacio.

Me encanta la "plaza" improvisada para la corrida de toros hecha con cuatro palos, unos carros y unas barcas, todo ello en la orilla del mar. Claro que el "toro" es una vaquilla y aunque hay un torero profesional los que la saben manejar son los mozos del pueblo.

Curioso que de nuevo la felicidad de un pueblo se vea trastocada por unos americanos. También que se movilicen todos pero no logren nada. De nuevo, lo mismo que pasa en "¡Bienvenido, Mister Marshall!" (1953).

En realidad la preocupación de los militares es que no revele sus secretos, les importa más bien poco la felicidad del protagonista.

Me ha gustado mucho, era un título del que no sabía nada y ha resultado ser una experiencia muy agradable a la par que cercana.

মুখ ও মুখোশ (1956)

El título se traduce como "The Face and the Mask".

Un pescador se encuentra a un niño inconsciente en el río y lo lleva a una orilla pero de repente llega un grupo de bandidos y lo matan, llevándose al niño. El líder de los bandidos soborna a la policía para que no actúen en caso de que alguien trate de denunciarles. Así que algunos rebeldes deciden luchar contra ellos.

Dirigida, escrita y protagonizada por Abdul Jabbar Khan (Afzal).

Los actores participaron en ella sin tener experiencia y lo hicieron de manera gratuita.

El primer largometraje sonoro de Bangladés. Técnicamente es de Pakistán Oriental, que era el nombre de la región en aquellos momentos. Previamente hubo un cortometraje titulado "Sukumari" (1929) y un largometraje mudo titulado "The Last Kiss" (1931).

La historia es que fue creada a partir de la provincia de Bengala por un plebiscito en lo que fue la India británica en 1947. Bengala Oriental eligió unirse a Pakistán y convertirse en una provincia de Pakistán denominada Bengala Oriental. Bengala Oriental fue renombrada como Pakistán Oriental en 1955 y más tarde se convirtió en una nación independiente, conocida ahora como Bangladés; tras la sangrienta guerra de liberación de Bangladés en 1971. (tal cual, de la wiki).

Por desgracia no ha llegado completa a nuestros días, hay una canción que se ha perdido.

El director empezó a trabajar en la película en 1953. Por aquel entonces no había ningún tipo de industria cinematográfica en el país y en la mayoría de cines ponían películas en urdu de Lahore (Pakistán, es el conocido como Lollywood), películas en hindú de Bombay (Bollywood) y películas en bengalí de Kolkata (Bengala Occidental, el conocido como Tollywood). En 1953 un distribuidor pakistaní le dijo que no había el clima para hacer producciones de cine en la zona, el director le retó y se puso a hacer esta película. Le pidió ayuda a Moni Bose (un guionista famoso) para seleccionar la historia y decidieron usar una obra de teatro llamada "Dakaat" (ladrones) basada en hechos reales que ocurrieron en Faridpur. Bose escribió las tres primeras páginas del guión, del resto se encargó el director. Y no sólo eso, tuvo que ocuparse de prácticamente todos los aspectos de la filmación, por ejemplo el celuloide que no existía en su país. Los negativos fueron procesados en Lahore.

Fue un éxito de espectadores precisamente por ser la primera película local.

He visto que hay varias versiones, una de ellas es en blanco y negro, yo he optado una que es una gama de marrones. No he encontrado ninguna sin algún tipo de logotipo en una esquina. Pero bueno, tampoco no es demasiado molesto.

Aparece un tipo que viene a ser un pregonero acompañado de otro con un tambor.

Hay una canción que canta una chica mientras se baña en el río que no tiene sonido. Y sí que se nota que falta alguna canción porque no sale ninguna durante un buen trozo de película.

Por la calidad de sonido de algunas escenas intuyo que fueron dobladas en post producción. Se oye como un eco.

Giant (1956)

Aquí la titulamos "Gigante".

Estamos en Ardmore, Maryland. Jordan Benedict acaba de llegar de Reata, Texas, para comprar un caballo pero al conocer a su dueña Leslie se enamora de ella y terminan casándose. Al llegar a su casa empiezan los conflictos con Luz, la hermana de él, quien no parece gustarle demasiado Leslie lo cual no le ayuda a adaptarse. También conocerá a Jett Rink, un ayudante con quien Jordan tiene algunos problemas.

Basada en la novela de Edna Ferber de idéntico título publicada en 1952.

Dirigida y producida por George Stevens. Curiosamente la siguiente película que veré también es suya.

Un reparto de lujo con Elizabeth Taylor (Leslie Benedict), Rock Hudson (Jordan "Bick" Benedict Jr.), James Dean (Jett Rink), Carroll Baker (Luz Benedict II), Mercedes McCambridge (Luz Benedict), Dennis Hopper (Jordan Benedict III) y Rod Taylor (Sir David Karfrey).

Fue la película más taquillera de la Warner en toda su historia hasta que estrenaron "The Exorcist" (1973).

Creo que de todos los actores del cine clásico con un cierto renombre James Dean es el que menos conozco porque no he visto ni una de las pocas películas en las que salió. Así que he decidido empezar por esta.

Como primera curiosidad James Dean hizo un anuncio sobre seguridad vial cuando aún estaban produciendo la película y falleció poco después en un accidente de coche. No hubo que grabar escenas con otro actor sustituyéndole porque habían terminado de hacer todas en las que salía, pero sí tuvieron que agregar algunas líneas de diálogo extra, cosa que hizo Nick Adams.

Su muerte hizo que Elizabeth Taylor, con quien había entablado una buena amistad, estuviera dos semanas sin ir al rodaje.

En los años 40 y 50 la tendencia era usar actores mayores y "rejuvenecerlos" para hacer el papel de joven y mayor. En esta película se hizo lo contrario, usando maquillaje para darles una apariencia más vieja.

Una de las anécdotas más graciosas es que durante una escena en exteriores James Dean gritó "Cut!" y se bajó los pantalones y se puso a mear en un lugar donde le podían ver todos.

Nada más arrancar vemos que usaron el sistema Warnercolor, aunque en realidad es Eastmancolor con el nombre cambiado por la Warner. Fue la respuesta barata al Technicolor. Destaca porque sus tonos son más bien amarillentos.

La frase "Texas it's like a whole other country" se usó como eslogan promocional del estado. Desde luego la película parece una promoción mostrándo sus enormes extensiones de terreno.

A pesar de su larga duración (casi 3 horas y media) las cosas suceden bastante rápido. Por ejemplo en apenas 20 minutos ya están casados los protagonistas.

Entre los coches que aparecen destaca especialmente un Rolls-Royce 40/50 h.p. "Silver Ghost" de 1921 y un Duesenberg J Convertible Berline de 1930. Aunque el que más usan es un Ford Model T de 1926.

En realidad Jordan es el personaje más odioso. Al llegar a Texas impone su "soy el marido", luego casi evita que su esposa lleve a un médico a un bebé de uno de sus trabajadores porque "no son de su clase", mata al caballo porque "se le rompió una pata" (yo tengo la impresión de que aunque fuese así el hecho de que matase a la hermana es la principal razón) y no deja que ella participe en una conversación "de hombres".

La historia es bastante densa, aunque es casi episódica con lo cual no se hace pesada. Además

Dicen que Gerónimo era un Comanche, en realidad era Apache.

Parte de la trama trata sobre el racismo. Al principio es algo de pasada pero en la última media hora pasa a ser de gran relevancia. Es también la razón por la que se produce el "cambio" en el protagonista.

Es la historia del cambio que sufrió Texas al terminar la época de los vaqueros y convertirse en la de zona de los millonarios propietarios de pozos de petróleo. Aunque el protagonista trata de aferrarse al pasado debido a las necesidades generadas por la Segunda Guerra Mundial termina cediendo y también él abre pozos en su terreno.

Sobre James Dean, me ha gustado la parte en la que su personaje se planta antes las presiones para vender cuando hereda parte del terreno en el que ha estado trabajando. Y también su última escena. Me he quedado con ganas de ver sus otros títulos, pero tendrá que ser más adelante.

Bus Stop (1956)

También conocida como "The Wrong Kind of Girl".

Un vaquero de rodeos llamado Bo viaja hacia Phoenix, Arizona, para participar en un rodeo. Está acompañado por su amigo Virge. Es un tipo que prácticamente no ha salido nunca de su rancho y cuando Virge le dice que en este viaje conocerá a alguna mujer, el inexperimentado Bo no lo tienen tan claro.

Se trata de una de las dos películas que hizo la productora "Marilyn Monroe Productions", la otra fue "The Prince and the Showgirl" (1957).

En el reparto tenemos a Marilyn Monroe (Chérie), fue la película que hizo tras "The Seven Year Itch" (1955). Don Murray (Beauregard "Bo" Decker), salió en "Conquest of the Planet of the Apes" (1972). Hope Lange (Elma Duckworth), salió en "Death Wish" (1974), "A Nightmare on Elm Street Part 2: Freddy's Revenge" (1985) y en "Blue Velvet" (1986).

Originalmente iban a estar protagonizada por Marilyn y Elvis. Personalmente opino que hubiera sido realmente interesante verles juntos. Ella quería a Rock Hudson, pero él no aceptó. También Montgomery Clift rechazó el personaje.

A Marilyn Monroe no le gustaba el color rubio del pelo de Hope Lange y tuvo que cambiárselo a uno más oscuro.

Marilyn Monroe basó su acento en el de Kim Stanley, quien interpretó su mismo personaje en la obra de Broadway. Además cantó mal adrede porque así lo requería el papel.

En la escena de la cama está completamente desnuda debajo de las sábanas. Según ella su personaje lo estaría.

Marilyn aparece por primera vez pasados 14 minutos.

No estoy tan metido en la cultura estadounidense como para pillar todas las referencias que hacen. Por ejemplo cuando Chérie dice que su destino es llegar a "Hollywood and Vine" se refiere a la intersección de Hollywood Boulevard y la calle Vine, en Los Angeles. Se hizo famosa en los años 20 porque concentraba muchos negocios relacionados con la radio y el cine. Cuando se estrenó esta película el conocido como "Hollywood walk of fame" estaba aún en desarrollo, hasta 1960 no fue inaugurado.

Chérie se define como una "chanteuse" (pronunciado "chantoose"), es la palabra francesa para cantante. Así que llamarla "singer" no es incorrecto.

Es una película extraña. Hay numerosas canciones pero están tan integradas en la acción que no son notables. Luego tenemos lo del secuestro/enamoramiento repentino en el que resulta difícil no empatizar con ambas partes, especialmente por la manera en la que termina. Y no me olvido del conductor del autobús capaz de pegarle una paliza sin problemas a un tipo que se dedica a hacer rodeos, ergo que está en forma.

No sabía muy qué esperarme y he de decir que lo que había leído de la Monroe sobre que buena parte de su personalidad queda reflejada en el personaje es verdad, al menos es la sensación que he tenido.

Hollywood or Bust (1956)

Aquí la titulamos "Loco por Anita".

Steve Wiley tiene duplicados de los tickets de la rifa de un coche, para asegurarse de que lo gana, pero de repente aparece el verdadero ganador y le engaña diciéndole que le llevará a Hollywood. El problema es que por mucho que lo intenta no consigue deshacerse de él.

La última película protagonizada por la pareja artística que formaron Dean Martin (Steve Wiley) y Jerry Lewis (Malcolm Smith). Tomaron la decisión antes del rodaje, durante el cual ni siquiera se dirigieron la palabra, cuando no estaban grabando claro. Eso hizo que Jerry Lewis nunca la viera posteriormente porque le resultaban muy dolorosos los recuerdos.

Destaca también Anita Ekberg haciendo de sí misma. La película que dice que va a protagonizar en la que hace de la amante de Napoleón no es real. Ha salido en títulos como “La dolce vita” (1960) y “Suor Omicidi” (1979).

La película empieza con Dean Martin hablando a los espectadores. Dice que la película está dedicada a los fans de las películas de diversos países y Jerry Lewis interpreta a cada uno de ellos. Muy meta todo.

El matón que va con Steve al principio no puede evitar reírse cuando ve a Jerry Lewis haciendo sus típicas tonterías. Anita Eckberg tampoco puede evitar partirse de risa cuando Jerry Lewis se lanza a la piscina a rescatarla. Estoy bastante seguro de que ambas reacciones son naturales.

Es una película grabada en VistaVision. Para que no se no os olvide lo repiten numerosas veces, incluso en una de las canciones. Es más, en Hollywood pasan (dos veces) por delante de un cartel enorme que pone VistaVision.

Resulta llamativa la facilidad con la que colocan mujeres en bikini en cualquier parte, por poco sentido que tenga.

Creo que el mejor de todos es el perro, uno de sus mejores momentos es cuando conduce un coche.

La cantidad de canciones es exagerada. Además cantan por cualquier cosa.

Por cierto, la película es una road movie en toda regla.

La parte en la que Jerry Lewis “torea” a un pequeño toro me ha recordado a los dibujos animados de Bugs Bunny. Es casi igual de absurda.

En Las Vegas pasan por delante de un cartel que pone “Dean Martin & Jerry Lewis”.

En realidad no acabo de entender la lógica de ir a Hollywood para vender un coche. Tampoco que Steve no se deshaga de Malcolm mucho antes, no se esfuerza demasiado en ese sentido.

Pero bueno, es una película en la que no hay que buscarle tres pies al gato porque tampoco está planteada de manera demasiado seria. Es una comedia musical con la que pasar el rato y poco más.

宮本武蔵完結編決闘巌流島 (1956)

También conocida como "Samurai III: Duel En Ganryu Island".

Kojiro Sasaki sueña con convertirse en un samurai de renombre y para ello ha de enfrentarse a Mushashi. Así que cuando por fin da con él le reta a un duelo que tendrá cabo pasado un año.

El personaje de Kojiro Sasaki fue introducido en la segunda película, no llegamos a verle pelear pero es bastante obvio que es un gran espadachín, casi tanto como su enorme espada característica. No parece ser un enemigo de Mushashi, más bien sería un neutral.

No lo he mencionado hasta ahora porque no lo he creído conveniente pero Toshirô Mifune (Mushashi Miyamoto) es quien la protagoniza. Es conocido por títulos como "Yôjinbô" (1961) y "Shichinin no samurai" (1954). Es un actor con cerca de 200 títulos a sus espaldas, se dice pronto.

Vemos a Mushashi cazar varias moscas usando unos palillos con toda la naturalidad del mundo. Algo que años más tarde saldría en "The Karate Kid" (1984).

Llamadme raro pero no entiendo la lógica de los bandidos de quemar las casas del poblado y matar a sus habitantes cuando son los que les están proporcionando comidas y riquezas.

Y la obsesión de Akemi (la hija de la chunga) con el protagonista es imposible que termine bien, aparte que sigue siendo una hija de puta.

Tengo la impresión de que sólo querían hacer que se enfrentasen los dos personajes pero no tenían una historia per se así que cogieron el argumento de "Shichinin no samurai" (1954) de relleno.

Es una trilogía bastante interesante, por una parte tenemos a un protagonista que empieza siendo un bala perdida (de hecho un asesino imparable) que acaba evolucionando en alguien que vive para los demás y, de hecho, su único obstáculo es la mujer que ama pero es incapaz de decírselo y cuando por fin lo hace alcanza una situación de paz consigo mismo.

Lo mejor, los combates y algunas de las estrategias que desarrollan para intentar detenerle. Especialmente en la segunda película, aunque en esta por ejemplo el ataque de los bandidos es bastante interesante.

Lo peor, que creo que la historia original es mucho más épica. También es verdad que sería realmente compleja de adaptar.

Trapeze (1956)

Aquí la titulamos "Trapecio".

Tino Orsini acude al circo donde trabaja Mike Ribble para proponerle hacer un acto en el trapecio cuyo clímax es un triple mortal. Pero Ribble sufrió un accidente que le dejó lisiado y desde entonces ha perdido todo el interés en volver a volar.

Basada en la novela de Max Catto titulada "The Killing Frost" publicada en 1950.

Dirigida por Carol Reed. También suyas son "The Third Man" (1949), "Oliver!" (1968) y "The Running Man" (1963).

Como bien dice el cartel, tenemos a Burt Lancaster (Mike Ribble), Tony Curtis (Tino Orsini) y Gina Lollobrigida (Lola).

Burt Lancaster hizo casi todas las acrobacias en el trapecio porque antes de dedicarse al mundo del cine trabajó en un circo. La única acrobacia que no le permitieron hacer es el triple mortal.

La doble de Gina Lollobrigida murió tras romperse la espalda en una caída de 12 metros de altura.

Llega un punto en la historia en la que ya no se saben cuáles son las intenciones de Lola, qué quiere Mike o qué va a pasar con Tino. Sin embargo se resuelve todo de una manera bastante rápida en los últimos minutos.

No tengo muy claro si es un buen final o no, quiero decir al final cada uno logra lo que quiere, más o menos, pero está claro que es el final de la carrera en los aires de Mike y que a Tino le aguarda un destino incierto, quizás lleno de éxitos o quizás sufra un accidente en su siguiente intento con el triple mortal.

En cualquier caso me ha gustado que hayan incluido tantos números acrobáticos en el aire.

The Man Who Knew Too Much (1956)

Aquí la titulamos "El hombre que sabía demasiado".

Un matrimonio y su hijo están de viaje por Marruecos. Allí conocen a un espía que es asesinado pero le dice al marido que van a asesinar a alguien en Londres. Para que no hable alguien secuestra a su hijo así que deciden ponerse a investigar.

Volvemos al cine de Alfred Hitchcock con uno de sus títulos más conocidos. Aunque en realidad es uno de los que hizo dos veces ya que grabó una versión previa en 1934, la cual era su preferida. La razón es que la primera era inglesa y la segunda estadounidense.

Protagonizada por James Stewart (Dr. Benjamin McKenna), un habitual del cine de Hitchcock. Con Doris Day (Josephine Conway McKenna), para ella en cambio fue su primera y única vez que trabajó con el director.

Doris Day se sintió molesta porque el director prestaba atención a todos los aspectos técnicos que sucedían en escena pero no a su interpretación y llegó un punto en que se lo dijo a lo que él respondió que si no le hubiera estado dando lo que él quería también la dirigiría.

Además fue la película que le hizo comprometerse en contra del abuso de los animales al ver como eran tratados los camellos y las cabras. De hecho hasta que no veía que estaban bien alimentados cada día se negaba a volver al trabajo.

El ya clásico cameo del director sucede cuando van al mercado marroquí, está de pie en la parte izquierda de la pantalla mirando a los acróbatas. Cuesta un poco de ver porque aparece de espaldas durante muy poco tiempo.

La secuencia del Albert Hall dura 12 minutos y no tiene diálogo. Originalmente sí tenía un montón de texto del Dr.Benjamin McKenna pero al director no le gustó que su voz hiciese que no se pudiera escuchar bien la música así que lo cambió.

La verdad es que no he visto la versión del 34 para poder compararlas, pero lo haré más adelante. Aunque a saber cuándo porque el caos de títulos por ver es bastante grande ahora mismo.

En cualquier caso la película da un enfoque diferente a las películas de espionaje con un elemento muy familiar. Aunque lo mejor es como consiguen resolver todos y cada uno de los puntos que trata, incluso en la breve escena que cierra la historia.

Definitivamente está muy en la línea de las historias típicas del cine de Hitchcock. En ese sentido no la considero ni peor ni mejor que las películas que más veces he visto del director. Aunque tiene algunos momentos en los que quizás la trama se podría haber cogido de una manera ligeramente diferente, por ejemplo la parte en la que dejan encerrado al protagonista en la capilla. Pero vamos, eso es por buscar alguna pega.