13 Washington Square (1928)

Cambiemos de género.

Jack DePeyster decide presentar a su madre a Mary, su pareja, a pesar de ser de una clase social diferente. Pero la madre se niega a verla y al día siguiente se van de viaje a Europa, así que Jack le dice a Mary de casarse esa misma noche. Pero la madre se entera y decide bajar del barco y hacerse pasar por una criada para espiarle. Mientras tanto la prensa quiere averiguar todo lo que está pasando también.

Me parece tan ridículo lo del periódico que pone que les parece una locura que un noble se case con una chica de clase inferior. Me cuesta mucho entender que algo así sea un escándalo, lo mismo pasa con que Jack se ponga a trabajar. Lo peor es que la prensa actual sigue siendo igual de estúpida, buscando resaltar cosas que no le deberían importar a nadie sobre gente de la que no tendrían ni que nombrar.

Otra película más de la época muda que gira en torno a la diferencia de clases sociales.

Una curiosidad, en la década de 1920 un viaje en barco de EEUU a Europa tardaba entre 7 y 10 días. Hoy en día tarda mínimo una semana. Es algo que no ha cambiado demasiado en 100 años.

No acababa de entender el sentido de que la madre no quisiera ver a la novia de su hijo, sin embargo es necesario que no se conozcan para una escena que sucede en la parte final.

La historia termina en un clásico enredo donde los personajes tienen diferentes intenciones y hasta el final no se consigue averiguar la verdad.

Y es que termina de una manera muy positiva, quizás demasiado para mi gusto, pero bueno siendo una comedia ligera tampoco lo veo tan mal. Eso sí el sentido de la justicia prevalece, más o menos.

Es una película de apenas una hora de duración ya que tampoco es que el argumento sea demasiado enrevesado. Lo más gracioso es ver como la criada no para de confundir palabras, cosa que en realidad no queda demasiado bien explicada, simplemente es así.

White Shadows in the South Seas (1928)

Qué ganas tengo de verla. El título original era "Robert Flaherty's Southern Skies".

Estamos en el Pacífico Sur. En un paraíso terrenal donde habitan tribus ancestrales llega el hombre blanco para imponer su civilización. Allí está Matthew Lloyd, un médico venido a menos que está en contra de lo que está haciendo el hombre blanco. Por ello un día le engañan y le llevan a un barco haciéndole creer que hay un brote de sarampión cuando en realidad es de la peste bubónica parfa luego dejarle inconsciente y a la deriva.

Se trata de la primera película sonora de la MGM. Eso quiere decir que es la primera en la que se oyó el rugido del león al principio. Y más concretamente se trata de Jackie, cuyo rugido fue grabado en Julio de 1928. Fue el cuarto león de la MGM tras dos que no tuvieron nombre que aparecieron entre 1917 y 1924 (cuando el estudio se llamaba Goldwyn Pictures Corp.) y Slats quien fue usado entre 1924 y 1928 (cuando pasó a ser Metro Goldwyn Mayer tras la fusión con Metro Pictures Corp. y Louis B. Mayer Pictures).

En realidad fue grabada como el resto de películas mudas y luego agregaron el sonido posteriormente sincronizándolo. También pusieron la música y los efectos sonoros.

Por algún motivo siempre que veo películas de la época muda doy con aquellas que tienen auténticas peculiaridades, y siempre es de forma no intencional, normalmente elijo los títulos que simplemente me apetece ver o que me llaman la atención, me entero de las cosas en el momento en que me dispongo a verlas e investigo un poco sobre ellas. Tengo intención de regresar al cine mudo pronto, pero antes quiero quitarme de encima los títulos recientes que me quedan por ver (no son demasiados) y los cortometrajes que se me han acumulado bastantes desde la última vez.

En todo caso este es el primer título de acción real de este especial de tiburones y os adelanto que este año me he esmerado mucho a la hora de hacer la selección. Nos esperan muchos largometrajes, muchos cortometrajes y títulos muy variopintos, aunque no siempre el tiburón será lo principal de la trama.

Es sonoro pero sigue teniendo carteles para los textos de introducción y los diálogos.

Un detalle interesante es que sí fue filmada en unas islas del Pacífico e incluso aparecen algunas tribus nativas reales.

La película arranca con un travelling bastante largo que nos muestra cómo ha cambiado el pueblo indígena tras la visita del hombre blanco.

Luego vemos las maneras en las que timaban a la gente local a base de engaños para lograr llevarse las preciadas perlas que recolectan.

Por supuesto tiene escenas subacuáticas y ahí es cuando hace su primera aparición un tiburón, más o menos a los 8 minutos de película. Es real y no llegamos a verle compartiendo pantalla con un buceador que está recogiendo perlas, pero la idea es que pasa cerca suyo.

Los nativos se dedican a sumergirse para lograr las codiciadas perlas pero se exponen tanto a los peligros del océano, que no son pocos, y las descompresiones por subir demasiado rápido. Encima los explotadores le ponen trabas al doctor cuando trata de salvar la vida a sus trabajadores y aún así algunos pierden la vida a pesar de sus esfuerzos.

Las escenas nocturnas del barco en pleno tifón son bastante espectaculares. Usan el típico filtro de colores azulados y he de decir que funciona muy bien.

Durante la parte en la que el doctor llega a una nueva isla oímos voces por vez primera, el doctor dice "hello!" y las mujeres al descubrirle huyen gritando. Pero después volvemos al formato mudo.

En la isla nueva vemos como preparan comidas locales con bastante detalle, quizás demasiado, de hecho la historia se queda un poco parada durante en esa parte. Tras ello aparece un señor bailando cuyo nombre es Kekelafaufaupaopao, lo cual se traduce como "hombre con piernas como huevos explosivos". De repente esta película ha ganado enteros.

Es fascinante como ya hace casi un siglo trataban de mostrar la crueldad del hombre blanco cuando se trataba de explotar a las tribus indígenas hasta matarlos.

El final es bastante cruel.

Tiene mucho drama, algo de acción, un poco de romance y pocas escenas con tiburones. Pero ojo, es una buena película.

The Telltale Heart (1928)

Otro cortometraje.

Un hombre nos cuenta sus razones para asesinar a un señor mayor. Tras hacerlo lo entierra y al poco llaman a la puerta. Se trata de dos policías quienes han acudido allí tras serles notificado que alguien gritó. El hombre entonces explica que tuvo una pesadilla y la ausencia del señor mayor se explica porque está de viaje, aparte que los tesoros que guardaba están intactos, cosa que convence a los policías.

Tiene una duración de 21 minutos.

Pasamos a una de las historias más adaptadas, la cual funciona muy bien como cortometraje o como parte de una trama que no tenga demasiado que ver pero en la que de repente se ve inmerso el protagonista para rematar la historia. Personalmente prefiero la adaptación tal cual, ya que es un auténtico descenso a la locura.

Para ponernos un poco en contexto la película empieza con un texto que dice que la historia que nos van a narrar está sacada de la mente distorsionada de un hombre loco. No esperaba menos.

En el siguiente texto aparece la palabra "hearken", es una forma arcaica de decir "¡escuchad!", también puede escribirse como "harken". Aunque para ser más precisos se refiere al acto de escuchar atentamente. Ese texto se desliza verticalmente, lo cual me parece algo poco frecuente en la década de los 1920.

Juega mucho con las imágenes surrealistas y los textos superpuestos para mostrar la locura del protagonista cuando va a matar al señor mayor. Además en la versión que poseo han coloreado ligeramente sus ojos de color azul.

Consiguen plasmar como afectan los latidos de corazón al protagonista de una manera muy sencilla pero efectiva, lo cual me parece un logro al no usar sonido.

La casa en la que sucede la acción está poco iluminada al principio con lo cual no podemos apreciar los detalles pero tras enterrar al viejo vemos que las paredes, la puerta y todo en general está distorsionado. Me recuerda mucho a la alemana "Das Cabinet des Dr. Caligari" (1920).

Me hace gracia que al final el hombre confiese y diga que "paren esta tortura" cuando los policías lo único que han hecho es escucharle. Es un reflejo de un impulso psicológico que funciona con frecuencia, en una conversación si quieres que la otra persona te diga algo simplemente quédate escuchando, si siente la necesidad de hablar lo hará inconscientemente sin parar.

En todo caso es un cortometraje que se ajusta bastante bien a la historia original, a pesar de las limitaciones del cine mudo.

The viking (1928)

Aquí la titulamos "El viking".

Hace mil años un barco vikingo noruego llegaba a las costas de Inglaterra. No era su primera visita y con bastante facilidad consiguen conquistar un castillo en la costa. Tras ello regresan con su botín y algunos esclavos. En su próximo viaje Leif pretende ir a tierras desconocidas con el beneplácito del rey Olaf pero primero tendrán que parar en Groenlandia donde le espera su padre, Erik el rojo.

Basada en la novela "The Thrall of Leif the Lucky: A Story of Viking Days" de Ottilie A. Liljencrantz, publicada en 1902. Está basada en la historia de Leif Erikson.

La cuarta película grabada íntegramente en color tras "The Toll of the Sea" (1922), "Wanderers of the Wasteland" (1924) (se considera perdida) y "The Black Pirate" (1926). Aunque también hubo varias en las que se veían pequeñas partes en color. El sistema sigue siendo el de las dos tiras (verde y rojo) de Technicolor.

El león que aparece en el logo de MGM al principio se llama Telly y es una verdadera rareza porque salió en muy poquitas películas siendo esta la única en color.

Históricamente hablando el islandés Leif Erikson es considerado el primer europeo en pisar tierra norteamericana. En realidad hasta los años 60 no se tenían pruebas de ello. La película está basada en la torre de Newport que se creía que fue construida por los vikingos, pero posteriormente se demostró que no era así.

Lo primero que llama la atención son esos cascos con cuernos y alitas. La culpa de que se les asocie con los cascos con cuernos la tuvieron varios artistas del siglo XIX, entre ellos el sueco Gustav Malmström (su intención era demonizarlos), y posteriormente fueron usados en la ópera “Der Ring des Nibelungen” en 1870, extendiendo la idea de que eran los que usaban. Y los que llevan alas los usaban los antiguos sacerdotes celtas para algunos rituales religiosos, la idea de su uso fue difundida por los romanos y los griegos.

Los cascos que llevaban en la realidad eran redondos y casi siempre de cuero con algún refuerzo de madera o los que tenían una posición de poder podían usar cascos de hierro o bronce. Pero vamos, era raro que llevasen casco.

A Helga la retratan como una mujer débil que necesita la protección y cuidado constante de alguien. Básicamente porque es una producción estadounidense y prefieren retratarla de una manera más similar a como son ellos.

De todos los cascos el más ridículo es el de Egil. Parece que lleve un casco de moto con cuernos.

La época en la que está situada la historia es la del rey Olav Tryggvason, el primer rey cristiano de los noruegos.

Es bastante estúpido lo de "no querrás manchar tu espada con la sangre de un esclavo". Pues sí, sí querrá.

Usan esclavos para remar en el bote. En realidad eran ellos mismos ya que formaban un grupo de exploración y de esa manera se mantenían en forma. Lo que muestran es una mezcla de barco romano y pirata.

A pesar de todos los problemas que le veo hay una cosa que me encanta, los cuernos con los que beben cerveza. Son enormes. No tengo claro de qué animal deben ser, pero da igual.

La historia que cuenta en aquellos momentos era pura especulación pero hace poco encontraron restos vikingos en EEUU y bien podría ser verdad, hasta un cierto punto.

Jajajaja, Eric el Rojo tiene una "estatua" de Thor al lado de su trono pero muy mal hecha. Es para mearse.

En realidad se aproximan bastante en los cálculos de distancia sin saber nada. De Groenlandia a Canadá hay unos 1500 km de distancia y dicen que serán unas 200 leguas marinas, que vienen a ser 1000 km.

De nuevo otra película histórica con una relación romántica como trasfondo. Además esta vez es un triángulo amoroso con una falta de información importante. Helga ama al esclavo y Leif ama a Helga, pero ella no lo sabe (y él no sabe lo de ella, claro).

Se ven en la necesidad de agregarlo porque la historia de unos vikingos atravesando el Océano Atlántico en rumbo a lo desconocido no es lo suficientemente interesante, claro. Qué pereza me da Hollywood a veces.

Pero bueno, me encantan las películas de vikingos y para ser de 1928 me parece una auténtica maravilla lo que llegaron a hacer.

The Last Command (1928)

Aquí la titulamos "La última orden".

 Estamos en Hollywood, en 1928. Un director del estudio Eureka anda buscando un actor ruso cuando da con la fotografía de Sergius Alexander quien afirma haber formado parte del ejército del Zar además de ser un primo suyo, pero tiene poca experiencia como actor.

Dirigida por Josef von Sternberg. El mismo que hizo "Underworld" (1927) y co-dirigió "It" (1927) sin recibir crédito por ello.

Tres meses antes de celebrarse la primera ceremonia de los Oscar ya se sabía quienes iban a ser los premiados y Emil Jannings (Gran Duque Sergius Alexander) era el ganador al mejor actor. El problema es que se iba a ir a Alemania cuando iba a tener lugar la entrega de premios así que se lo dieron previamente. Eso lo convierte en la primera persona en recibir un Oscar y también el primer premiado en estar ausente durante la susodicha ceremonia.

Está basada en la vida de Theodore Lodi. Fue general del ejército del Zar Nicolás y huyó de Rusia en 1917. Terminó haciendo algunos trabajitos en Hollywood como extra.

Me encanta la alegría con la que reparten los uniformes a los extras. En realidad no entiendo a qué viene tanto caos y desorden, si se pusieran en fila y fueran poco a poco obtendrían exactamente el mismo resultado. Aparte que lo único que consiguen es ponerse de mala leche.

De nuevo salen cosas escritas en lo que parece ruso pero no tengo muy claro qué pone ni si es ruso realmente. Tengo la impresión de que no es algo inventado sino una lengua derivada, pero ni idea de cuál, no llego a tanto. Pero por ejemplo he pillado que en el coche en el que va el protagonista pone que es del comandante en jefe.

Otra película estadounidense más con la revolución rusa como base argumental y una historia de amor entre uno que está a favor de los revolucionarios y otro que está en el bando contrario. Aunque es bastante diferente a "Tempest" (1928) no deja de ser más o menos lo mismo.

Me acabo de dar cuenta de que la revolución tuvo cabo después de la guerra, no durante.

Jajaja, el encargado de vestuario le dice al protagonista donde ha de colocar su medalla porque "ha hecho más de 20 películas sobre Rusia y él lo sabe todo sobre Rusia". Es para mearse.

No sé si será la primera película en mostrar el síndrome post traumático pero desde luego está muy bien hecho. El actor protagonista está siempre con un tembleque en la cabeza y cuando empiezan a rodar la escena de la batalla la expresión de terror en su cara es magnífica.

El final es una auténtica maravilla, no tenía muy claro cómo lo iban a hacer pero se veía venir qué le iba a suceder al protagonista. Creo que han optado por la mejor opción.

Me fascina que Hollywood se interesase tanto por la revolución rusa incluso 10 años después de haber sucedido.

The Crowd (1928)

Aquí la titulamos "Y el mundo marcha".

Es el 4 de Julio del año 1900, el 124º aniversario de EEUU. En casa de los Sims acaba de nacer un bebé y le llama Johnny. A los 12 años recitaba poesía, tocaba el piano y cantaba en un coro. Es tambièn cuando perdió a su padre. A los 21 se fue a Nueva York. Allí trabaja en una oficina y se hace amigo de Bert. Gracias a él conoce a Mary con quien termina por casarse.

Dirigida por King Vidor. El mismo que hizo "War and Peace" (1956), "Duel in the Sun" (1946) y "The Big Parade" (1925).

Usó cámaras ocultas para grabar la actividad en las calles de Nueva York. De hecho un policía mira a cámara y dice "move along" a alguien, realmente se está dirigiendo al equipo de grabación. El director supo integrar esa escena en la película.

Algunos afirman que es la primera película de la historia en la que se ven WC. La realidad es que no sabemos a ciencia cierta si es así por la cantidad de títulos que se han perdido con el paso de los años.

Es la película que proyectaban en el cine Glen de Escocia cuando ocurrió una tragedia. En aquel momento el cine se encontraba repleto de niños (entre 700 y 1000) cuando de repente uno de los rollos de película se prendió fuego y empezó a salir un humo negro, al abrir el contenedor que lo contenía el fuego se propagó rápidamente y cundió el pánico. Los niños intentaron salir pero una de las puertas estaba cerrada para que no se colase nadie y algunos de los que estaban en los balcones saltaron tratando de escapar. En total murieron 71 y 40 resultaron heridos.

Para el plano en el que la cámara sube hacia lo alto de un rascacielos usaron una maqueta colocada horizontalmente.

Van a un parque de atracciones y montan en las mismas que las que vimos en "It" (1927)  y algunas más, como el "túnel del amor" o un tíovivo.

Está llena de momentos que hemos visto repetidos en infinidad de veces como cuando Bert dice "les doy dos años" justo tras la boda de Johnny y Mary o el apartamento situado demasiado cerca de unas vías de tren. También lo de la pareja que se lleva demasiado bien pero con el tiempo termina discutiendo por todo y ella amenazando con irse, para luego solucionarlo con un embarazo.

Sin embargo creo que lo que tratan de reflejar es realismo por encima de todo. Nada de lo que sale en esta película podría calificarse de ficción, pero tampoco es una historia de alguien en concreto. Muchas parejas se verían identificadas por las cosas que suceden, quizás no todas pero seguro que bastantes. Incluso casi 100 años más tarde son cosas que siguen sucediendo. 

El tren en el que viajan tiene las mismas camas que "Some like it hot" (1959). Es una escena muy graciosa en al que Johnny se equivoca de cama varias veces. Me creería que fuese la inspiración.

Cuando están en la playa un hombre llama cítara al instrumento que toca el protagonista. En realidad es un ukelele.

El director grabó diferentes finales y al final eligieron el final feliz. Sin embargo en mi opinión un final oscuro hubiera tenido más sentido.

De hecho entre los directivos que dieron problemas está Louis B. Mayer, el jefe de la MGM, quien odiaba esta película por su tono decadente y de hecho en los primeros Oscar él pidió que votasen en contra del premio a la mejor película, lo cual hizo que se lo llevase "Sunrise: A Song of Two Humans" (1927) de F.W. Murnau (merecidamente en mi opinión).

Tempest (1928)

Aquí la titulamos "Tempestad".

Estamos en 1914 en Volinsk, cerca de la frontera austríaca. Allí está en sargento Ivan Markov quien se pasa las noches estudiando para lograr un puesto de mando. Aunque para algunos su pasado humilde como campesino no le hace ningún favor al final la junta decide darle una oportunidad. A los pocos días recibe la carta que le han promovido a Teniente primero. Entretanto se ha enamorado de una princesa llamada Tamara y trata de conquistarla, pero las diferencias entre ambos complican mucho las cosas.

Protagonizada por John Barrymore (sargento Ivan Markov). Salió en "The Invisible Woman" (1940) y en "Moby Dick" (1930).

Al principio usa la palabra "dragoon". Puede referirse a un dragón (pues habla de una princesa) o un soldado que monta a caballo y que lleva un arma de fuego.

Impresionante el primer plano, usan una maqueta de una ciudad y la cámara se acerca a una valla moviéndose cada vez más rápido, de repente aparece la calle real.

Es una producción estadounidense y aún así salen algunos textos en ruso, que son traducidos inmediatamente después.

Un detalle en el que se equivocan, creo yo, es la manera en la que Ivan castiga a un pobre hombre que vive donde los soldados porque está repartiendo propaganda en contra del Zar. Creo que en la vida real hubiera sido mucho más duro.

Si hubiera sido una película rusa la historia hubiera girado en torno a los revolucionarios, sin tener ninguna figura en concreto como protagonista.

Me encanta la manera en la que poco a poco el tipo se da cuenta que los oficiales son unos gilipollas engreídos y que en realidad no encaja entre ellos. Y que en realidad cuando le degradan y le meten en la cárcel le hacen un favor.

Vale, sí sale un cartel escrito en algo raro que parece ruso pero no es. Diría que es ucraniano pero no me suenan ciertas letras.

No queda claro cuanto tiempo pasa el protagonista en solitario en su celda, pero da la impresión de que es mucho tiempo porque desvaría. Dado que no queda nadie allí porque se han ido todos al frente no acabo de entender cómo logra sobrevivir sin agua ni comida.

Es una película en la que se nota mucho que quienes escribieron el guión no tenían mucha idea del verdadero significado de la revolución soviética. Desde un punto de vista estadounidense parece que sí, pero ni de lejos.

Pero bueno, no deja de ser el típico producto del momento en el que combinaron una historia de amor con la historia reciente, a su manera.

La compagnia dei matti (1928)

Una italiana para variar.

Momi, Bartolo y Pietro, ahora hombres maduros, junto con su amigo, el conde Bardonazzi, fundaron la Compañía de los locos, muchos años antes. El objetivo era el disfrute más desenfrenado de la existencia. Sin embargo, el conde Bardonazzi murió a los treinta años, dejando a los otros tres un legado que les permitió vivir una vida ociosa y mundana. El testamento indicaba claramente que los herederos tendrían derecho a la propiedad solo si continuaban la vida de juerga y entretenimiento. El abogado de Giostra, encargado de verificar el cumplimiento de las condiciones del testamento, señala que los tres se han convertido en viejos gruñones y melancólicos, y que no se dan las condiciones para continuar aprovechando la herencia. Temiendo perderlo todo, los tres intentan encontrar el espíritu que animó sus incursiones durante una fiesta de Carnaval.

Sí, he sacado la sinopsis de Filmaffinity. Hoy me siento realmente perezoso, pero está muy bien.

La película empieza con un texto que explica que para pertenecer a la "compañía de los locos" había que alterar el orden público al menos una vez cada dos años.

Me encanta la parte en la que van a la feria a hacer todo tipo de locuras y cómo aunque los detiene la policía y sean unos viejales consiguen escapar.

Refleja dos realidades importantes. La de las familias que apenas llegaban a fin de mes y que si no fuera por alguna ayuda que recibían ni siquiera tendrían para comer. Y la de los que antaño eran unos jóvenes alocados y ahora se han hecho demasiado mayores, por ello prefieren estar relajados sentados en cómodos sillones, pero que de repente sienten la necesidad de volver a actuar como antes.

Esto último lo hemos visto en más títulos, casi siempre con desastrosas consecuencias. De hecho me acabo de acordar de "Белорусский вокзал" (1970). y de la española "Estoy hecho un chaval" (1977). Aunque hay una diferencia importante, aquí se ven obligados a hacerlo.

De hecho tiene también un cierto toque bélico cuando uno de los tres protagonistas lee las últimas cartas que le mandó su hijo antes de fallecer en el frente.

A pesar de que el club de los locos nació como algo para divertirse ahora se ven forzados a hacer locuras y no es lo mismo. De hecho se fuerzan a ello y no tienen edad para ir haciendo tonterías, por eso uno acaba haciéndse daño.

En un momento dado reflejan el viaje a la locura de uno de los protagonistas. Son una serie de imágenes perturbadoras y muy logradas para el año en que fueron hechas.

Visualmente hablando varios escenarios parecen sacados de una película expresionista alemana, además juegan mucho con el contraste de luces y sombras.

Es un tanto extraña, tiene un ambiente melancólico y triste salpicado a ratos por pequeños momentos de alegría.

Дом на Трубной (1928)

Aquí la titulamos "La casa de la plaza Trubnaya".

Parasha Pitunova se va a vivir a Moscú pero al llegar allí la dirección que le han dado es de un edificio cerrado. Tras desesperarse en medio de las calles de la ciudad acaba siendo encontrada por el hombre que la había contratado, un barbero. La lleva a vivir a un edificio ruinoso donde tendrá que trabajar sin parar.

Seguimos en la época muda con otra película soviética. He de decir que la tanda actual de películas es de lo más variada en cuanto a nacionalidades y que apenas he comenzado.

Por cierto, se trata de uno de los títulos más destacables de la Unión Soviética.

Protagonizada por Vera Maretskaya (Parasha Pitunova). Su vida es bastante interesante. En 1937 sus dos hermanos fueron ejecutados por Stalin por apoyar a uno de sus rivales políticos. Ella trató de imponer una apelación pero fue ignorada. Su marido murió en 1941 durante la Segunda Guerra Mundial. Tras ello tuvo que hacerse cargo de sus hijos y sus sobrinos. En 1940 se convirtió en una de las caras de la propaganda soviética y acabó ganando varios premios Stalin. Y murió en 1978.

En los primeros cinco minutos vemos un plano de las escaleras del edificio que llegan hasta 5 alturas. Me ha recordado tres cosas, el descenso por la fachada de “The Burglar’s Side Slide for Life” (1905), la escena de la prisión de “The iron mask” (1929) y el hotel de “Les vacances de Monsieur Hulot” (1953).

La diferencia esta vez es que también vemos una toma desde arriba. Similar al famoso plano de “Vertigo” (1958) pero sin moverse.

En un momento dado vemos una representación teatral sobre la toma de las Bastilla. Me ha hecho gracia la manera en la que se comporta el público antes de empezar. También la parte en la que vemos como creaban los efectos sonoros (que, obviamente, no escuchamos).

Queda muy lejos de ser una película propagandística y aunque juega con elementos dramáticos acaban convirtiéndose en situaciones divertidas.

The Man Who Laughs (1928)

Aquí la titulamos "El hombre que ríe".

Estamos en Inglaterra durante el Siglo XVII. Barkilphedro es el bufón del rey Jacobo II, pero sus bromas eran crueles y su sonrisa falsa. El rey obliga a que un cirujano le ponga una sonrisa permanente al hijo de un traidor como castigo.

Desde hace ya un tiempo quiero ver esta película principalmente porque se la cita como uno de los orígenes del personaje del Joker. Y lo primero que veo en su cartel es que es una adaptación de una historia de Victor Hugo.

Está protagonizada por Conrad Veidt (Gwynplaine / Lord Clancharlie), quien salió en "Casablanca" (1942) y "Das Cabinet des Dr.Caligari" (1920). Destacan también Olga Baclanova (Duquesa Josiana), quien años más tarde aparecería en "Freaks" (1932). Y Mary Philbin (Dea), salió también en "The Phantom of the Opera" (1925).

Es curioso que en los créditos también aparezca el perro, de nombre Homo en la película pero que realmente se llamaba Zimbo.

Me llama la atención que llamen a la dama de hierro (iron maiden), la tortura medieval, la señora de hierro (iron lady).

Me fascinan los diferentes escenarios en los que transcurre la acción. Algunos son bastante grandes y llenos de detalles.

Aparecen los comprachicos (es el nombre que les dan en VO), unos gitanos que se dedican a robar niños para deformarles la cara y así convertirles en bufones y por ello son expulsados del país.

Aunque le vemos sólo breve Gwynplaine de niño tiene ya la perturbadora sonrisa que caracterizará a su personaje. Me ha sorprendido lo bien hecho que está porque su boca no se mueve. De hecho en la versión adulta también la mantiene incluso cuando se la tapa con un trozo de tela.

Es una película muda pero la versión que he visto incluye no sólo la típica música acompañando a la acción sino también voces de fondo en momentos puntuales. Incluso se pueden llegar a entender algunas de las palabras que dicen. He de decir que no está perfectamente integrado, pero resulta realmente curioso.

A pesar de lo popular que es el protagonista y su número hasta pasados 45 minutos no vemos la obra en sí. Y es en ese momento, con la cara pintada de blanco y su pelo peinado hacia atrás, es cuando más se parece al Joker.

Es una película que no se le ha dado el mismo crédito que otras como "The Phantom of the Opera" (1925) o "The Hunchback of Notre Dame" (1923), y en mi opinión está a su altura.

The Fall of the House of Usher (1928)

Del mismo año que "La chute de la maison Usher" (1928) solo que esta version es un cortometraje rodado en Estados Unidos.

Un viajante se encuentra con la casa de los Usher y decide entrar. En ella los Usher estan cenando cuando ella tiene una vision de un ataud y se desmaya. Poco despues ella muere y el la mete en un ataud clavando la tapa pero sin enterrarla. Desde entonces el vive presa de un mal presagio, imaginandose lo peor.

Tiene una introduccion curiosa, sale la primera pagina de la historia de Poe con el texto moviendose en diferentes direcciones. Es un presagio de como sera la pelicula.

Los directores hacen un uso bastante indiscriminado de la superposicion de imagenes combinado con giros de camara imposibles al igual que del efecto "caleidoscopio". No ayudan demasiado pero la historia se comprende.

La pelicula tiene, en definitiva, un look unico. Los trucos de camara estan usados para mostrar ideas, ya que al fin y al cabo nadie dice nada, aunque al final vemos una serie de "onomatopeyas" moviendose por la pantalla.

Un extraño corto que narra la historia de forma diferente.

La chute de la maison Usher (1928)

Demos un salto temporal hasta la versión francesa de la historia "La caída de la casa Usher".

Sir Roderick Usher le pide a su buen amigo Allan que venga a su casa porque su esposa Madeleine se encuentra muy enferma. Tras ciertas dificultades para hallar la casa donde habitan se encuentra con Roderick y un médico que le comentan que la enfermedad de Madeleine es desconocida.

Como primer detalle interesante Luis Buñuel fue el guionista que adaptó la historia de Poe. El director es Jean Epstein. La influencia de Buñuel se refleja en ciertos momentos que dan la sensación de pertenecer al surrealismo (sobre todo por la posición de la cámara) aunque encaja más en el terror gótico que caracterizó al director.

Los primeros minutos, antes de llegar a la casa, me recuerdan al principio de "Dracula" (1932). Y es que el uso de los pueblerinos asustadizos que no quieren ni oír hablar de una casa "maldita" no sale en el libro de Poe.

El ambiente fantasmal que rodea la casa tanto por fuera como por dentro crea un ambiente genial para esta historia, retrata muy bien lo narrado en el libro. Podemos ver árboles muertos y mucha niebla y la casa en sí es antigua.

Una de las curiosidades es que dentro de la propia casa podemos ver el nombre de "Ligeia", otra historia de Poe de la que hablaré en una entrada posterior. Sucede lo mismo con la parte en la que el pinta un cuadro de su amada, en realidad es de otra historia de Poe llamada "El retrato Oval". Más tarde vemos como Usher coge un libro sobre magnetismo, es una referencia a "Los hechos en el caso de M. Valdemar", aunque no va más allá. Es una manera de fusionar historias muy inteligente ya que la historia original es corta y encajan muy bien.

Ignoro si la música que acompaña la versión que he visto es la que fue originalmente compuesta para la película, me da la impresión de que sí. La cosa es que se adapta perfectamente a la acción de cada momento. Destaca la parte en la que Roderick se pone a tocar una guitarra y en vez de poner la letra de la canción nos muestra unas imágenes que hacen referencia a ella. De hecho la película en general intenta contar la historia más con imágenes que con texto reduciéndolo a sólo cosas esenciales.

La película es perturbadora en ciertos momentos, logra crear un ambiente fascinante que te llega a poner nervioso. En pocas palabras me ha parecido genial.