The Iron Horse (1924)

También conocida como "The Iron Trail".

La guerra civil no sólo dividió al país en norte y sur sino también en este y oeste y fue el ferrocarril transcontinental quien logró unir a estos últimos. La historia empieza en Illinois cuando un hombre tuvo el sueño de llegar a California en tren. Pero tres meses después de iniciar su trabajo se encuentra en territorio Cheyenne y es asesinado salvajemente, aunque su hijo logra escapar y es encontrado por unos cazadores. Años más tarde el sueño continúa.

Volvemos al cine de John Ford.

Muchos de los extras de procedencia china estuvieron trabajando en el ferrocarril años atrás.

Construyeron una ciudad falsa para la filmación, pero también servía como lugar donde se acomodaba el equipo lo cual incluía la sala de edición en uno de los edificios.

Tratan de ser "precisos" y "fieles" a los hechos, sin embargo algunas cosas no son correctas. Pero no quiero entrar ahí. La película está dedicada a Abraham Lincoln.

En 1862 el congreso estadounidense autorizó la construcción de dos ferrocarriles. El Union Pacific que iría hacia el oeste desde Omaha, Nebraska, y el Central Pacific, que iría hacia el este desde Sacramento, California.

El actor que hace de Abraham Lincoln es clavado a las imágenes de la época.

Nos muestran cómo subían las pesadas máquinas de tren por las montañas usando caballos que tiraban y hombres que empujaban. No acabo de entender muy bien por qué simplemente no las ponían en marcha, alguna explicación habrá.

Mientras tanto en la otra costa los trabajadores se tienen que defender de los indios que les atacan cuando pasan cerca suya.

Los trabajadores se alimentaban de carne de búfalo principalmente. Entre los cazadores había uno llamado Cody al que apodaron "Buffalo Bill".

Cuando las máquinas de tren empezaron a avanzar los indios las atacaban. Y he de decir que pocas veces he visto una manera más tonta de morir, por parte de ambos bandos.

Es una lástima que quede demasiado claro quién es el "indio con dos dedos en una mano" cuando reaparece. Especialmente cuando se encuentra con el hijo del tipo al que mató y se miran sospechando el uno del otro.

Siempre me pregunté qué produciría que una ciudad se quedase desierta, o los también conocidos como "pueblos fantasma", y una de las razones aparece en esta película. A medida que avanzaba la construcción del ferrocarril la población se trasladaba de un pueblo a otro, dejando completamente vacío el anterior.

Supongo que algunos de ellos acabarían siendo repoblados a medida que los trenes transportasen gente allí, pero también los habría que por su situación se quedarían vacíos.

Aunque mayormente es una película seria, con algo de romance si me apuras, también incluye momentos cómicos. Y el más exagerado es el del tipo que va al dentista/barbero y no quiere que le examine, pero al final le consigue arrancar la muela. Bueno y el de la pareja que se casa y en la siguiente escena se divorcia.

Y es que al fin y al cabo esto no es documental. Trata de ofrecer un poco de todo para que el público disfrute.

La lucha entre indios y "vaqueros" es la más intensa. Especialmente cuando tienen que convencer a los trabajadores quienes se anda quejando desde hace tiempo por la falta de comida y de paga. Y de repente hacen aparición las 10.000 cabezas de ganado provenientes de la otra punta del país.

Emplean el término "sharpshooter" para referirse a un francotirador. Que precisamente es el "dos dedos". De repente me ha venido a la mente la película "The Princess Bride" (1987), me pregunto si lo de Iñigo Montoya es una referencia a esta película.

Ni siquiera me había percatado de que dura 2 horas y media. Y no es culpa de las escenas "extra", para nada. La historia está bastante bien condensada, incluso tiene elipsis narrativas. No digo que se me haya hecho corta ni larga, dura lo que tiene que durar.

En definitiva es un título que me ha gustado a pesar de la manera tan obvia de exponer algunas cosas, como por ejemplo lo "malos" que son los indios Cheyenne a quienes vemos cometer puras crueldades. De hecho el "malo" es un blanco que va con ellos.

The Thief Of Bagdad (1924)

Aquí la titulamos "El ladrón  de Bagdad".

Estamos en Bagdad donde un ladronzuelo muy pícaro se dedica a su oficio. Tras robar varias carteras consigue hacerse con una cuerda mágica y varias joyas. Al día siguiente él y su socio intentarán penetrar en el palacio de la ciudad.

Hace un par de años comenté "The Thief of Bagdad" (1940) y me quedé con las ganas de compararla con una versión anterior, es hora de enmendarlo.

Protagonizada por el infatigable Douglas Fairbanks (El ladrón de Bagdad) quien también escribió la historia. Le hemos visto en títulos como "The Mark of Zorro" (1920) o "The Three Musketeers" (1921).

El actor se inspiró en una de las historias que aparecen en "Das Wachsfigurenkabinett" (1924).

La versión que he visto es la que fue restaurada en el año 2019. Pasó a ser de dominio público en el 2020 y por ello en estos últimos dos años han salido varias versiones de baja calidad tanto en dvd como en bluray.

Douglas Fairbanks es muy teatrero en esta película. Aunque resulta graciosa la manera en la que actúa exagerándolo todo.

En la escena en la que una jarra choca contra una columna y el protagonista surge ileso de ella usaron un doble. Lo cierto es que no hicieron un gran trabajo para disimularlo, vemos claramente que es otra persona y el cambio de imagen es muy brusco.

Muestra de una manera muy clara cómo son los rituales religiosos de los musulmanes (sus rezos, sus discursos e incluso sus severos castigos) pero también cómo el protagonista se burla de ellos. Al menos al principio, está claro que la evolución del personaje hará que acabe topando con la religión como su salvación eventualmente.

El lugar donde se esconde es realmente ingenioso, necesita bajar por la cuerda de un pozo, acceder a un agujero de la pared del mismo y luego adentrarse en una especie de cueva.

No puedo evitar acordarme de los enormes escenarios de "Intolerance: Love's Struggle Throughout the Ages" (1916) al ver el palacio de Bagdad. Quizás no sea tan ornamentado ni tan grande pero en vistas de las diferentes partes que vemos está claro que barato no fue. Y hablando de eso, originalmente se creía que el presupuesto rondaba los 2,5 millones de dólares pero años más tarde descubrieron que fueron poco más de 1,1.

He visto un montón de películas de la época muda y sé de sobras que ponían tintes de diferentes colores en los negativos para dar la sensación de luz o de oscuridad según convenía (incluso ligeras variaciones de los mismos colores para exteriores e interiores), sin embargo es la primera vez que veo una transición de colores del "día" a la "noche" con su luna y todo. Es fascinante.

Para hacer ver que el simio era muy grande pusieron niños haciendo de guardias, y sin saberlo quizás cueste un poco darse cuenta porque apenas les vemos las caras. Seguidamente en el plano donde sólo aparecen los guardias usaron adultos. El otro detalle es que el objeto que está entre ambos (una figura de un pavo real) también mengua de escala.

Me ha costado un poco darme cuenta pero Douglas Fairbanks va con la piel ligeramente oscurecida. Lo he notado especialmente por una marca de color blanco que tiene en el antebrazo con forma de medialuna. Me pregunto cuántos pondrían el grito en el cielo hoy en día por interpretar a alguien de otra raza y/o nacionalidad.

El aliado del protagonista es un tipo bajito al que vemos hacer un par de escenas un tanto peculiares. En la primera se mete dentro de una tela para hacerse pasar por un fardo y el protagonista lo levanta con gran facilidad. En la segunda usa de nuevo la misma tela y se "convierte" en una jarra.

El desfile de príncipes es una escena bastante impresionante también. Cada uno de ellos va montado en un elefantes o camellos con una ornamentados de una manera realmente exagerada. Mientras tanto el protagonista entra con un caballo.

Intentaron ocultar el nombre de Mathilde Comont (el príncipe persa) para que no se supiera que es una mujer. He de decir que sin saberlo no se nota para nada.

La parte en la que el protagonista va en busca del tesoro y llega a la cueva de un ermitaño que le da consejos sobre los peligros que le aguardan me ha recordado mucho "Die unendliche Geschichte" (1984).

En el Valle de los Monstruos se enfrenta a una bestia gigante y pese a que es claramente un muñeco el efecto de gigantismo está muy logrado.

Las escenas subacuáticas fueron filmadas poniendo tela de gasa frente a las cámaras. Posteriormente fueron coloreadas de un color verdoso. En dichas escenas vemos una especie de palacio subacuático que parece sacado de una pesadilla surrealista.

Me pregunto si la manzana mágica que consiguen los hunos está relacionada con la del Minecraft.

De igual modo aparece una capa de invisibilidad como las de los libros y películas de Harry Potter.

Para lograr el efecto de la alfombra voladora usaron una plataforma de acero colgada de una grúa con cuerdas de piano. Dichas cuerdas se ven cuando sobrevuelan Bagdad, pero qué más da, es un efecto increíblemente bien hecho.

La mejor parte es la del viaje de siete noches del protagonista para encontrar el tesoro raro. Me parece fascinante cómo logran crear algunos de los efectos y escenarios. Aparte que es una aventura en toda regla.

Pero no sólo eso, es que encima vemos a los otros tres príncipes encontrando tres tesoros y los escenarios en los que se mueven son realmente complejos (un bazar, una estatua gigante y un embarcadero). Empiezo a comprender por qué se especuló con el coste de la producción.

Es una película que me tiene maravillado. La versión de 1940 es muy diferente, pero no por ello peor. Aquí supieron usar muy bien el ingenio a la hora de crear algunos de los enormes escenarios y haciendo el uso de un montón de extras en algunas escenas.

Shootin' square (1924)

No tiene cartel.

Frank Macy es un capataz de la finca de los Mason. Lleva un tiempo intentando cortejar a Ruth, la hija, pero ella le rechaza. Tras un salvar a su hija contrata a Dan Dawson quien eventualmente termina casándose con ella. Pero las cosas se complican cuando descubren que el reverendo es un negro.

Protagonizada por Jack Perrin (Dan Dawson), un actor que ha salido en más de 400 títulos, westerns en su mayoría. Y creo que es tan buen momento como cualquier otro para hablar un poco de las conocidas como películas del oeste.

Hace un tiempo comenté "The Great Train Robbery" (1903), la cual es considerada la primera producción del género por algunos pero resulta que no, le precede el cortometraje "Kidnapping by Indians" (1899), rodado en Inglaterra. Y desde bien pronto fue un género explotado durante décadas hasta bien entrados los años 70 aunque la de los 50 es considerada la mejor.

Existen diferentes subgéneros con nombres como "Acid" (de los años 60 y 70), Australiano o "Meat Pie" (este no va por años, son producciones de dicho país), Blaxplotation (de los 70 principalmente), Charro (de México), Dacoit o "Curry" (de la India), Eléctrico (solo hay dos títulos, su rasgo distintivo es que aparecen bandas de rock), Florida (cuya acción transcurre durante la segunda guerra de los Seminolas), Griego o "Fasolada", "Wuxia" o de artes marciales (aquí entraría la serie "Kung Fu"), del Norte (la acción sucede en Alaska o en el oeste de Canadá), Rojo (de la Unión Soviética), Ramen (japonés), Spaghetti (italiano)… y también las hay de terror, ciencia ficción, espacial, pornográfico, épico, europeo, documental, comedia, fantasía… que creo que hablan por sí mismos. Es una explotación en toda regla.

Evidentemente eso ha hecho que hayan aparecido todo tipo de títulos, de diversas calidades e idiomas, y muchos de ellos los considero como básicos en el mundo del cine. Pero bueno, pasemos al que nos ocupa.

Su duración es de apenas una hora y aún así tenemos bastantes situaciones condensadas. Destaca especialmente la parte en la que montan a un caballo sin domesticar.

Dan Dawson se autodefine como un "rambling buckaroo", la segunda palabra proviene de la española vaca y se traduce como vaquero. En esta situación "rambling" sería algo así como deambulante.

Su historia es un poco la del caballero andante que salva a una doncella y el rey, padre de ella, en agradecimiento le invita a formar parte de su corte.

Vale, admito que la parte racista me ha pillado por sorpresa. Resulta que el primer reverendo que va a oficiar la boda es un negro y tanto la novia como el resto de invitados se lo toman como una ofensa. Aunque el novio no tenía ni idea ya que le encargó el trabajo de buscarlo a otro.

Me sorprenden algunos de los planos grabados desde una altura considerable para poder mostrar con más detalle las escenas de acción a caballo.

Resulta casi cómico verles resolver sus diferencias a puñetazos. Aunque imagino que hacer una escena de duelo a tiros aún no estaba de moda.

Al final ha sido un título que me ha sorprendido por lo retrógrado que llega a ser, aunque en cierta manera es un poco lo que busco en estas películas antiguas. Ver hasta qué punto han cambiado las cosas, para bien y para mal.

Kid Speed (1924)

También conocida como "The Four Wheel Terror".

Dos hombres están enamorados de una mujer llamada Lou y para solucionarlo deciden hacer una carrera. Uno es Dan McGraw, un tipo que se altera fácilmente, y al otro le apodan "The Speed Kid", quien es un desastre andante.

Su duración es de 17 minutos.

Dirigida, co-escrita y protagonizada por Larry Semon (The Speed Kid) y Oliver Hardy (Dangerous Dan McGraw). Ambos coincidieron también en "The Wizard of Oz" (1925).

Pensaba que había hablado de Lawrence "Larry" Semon en dicha entrada pero dado que es una de las primeras del blog no me sorprende la falta de información. En todo caso en su día fue uno de los cómicos más reconocidos y trabajó tanto con Oliver Hardy como con Stan Laurel antes de que formasen pareja artística. Su carrera se vio truncada bastante pronto por su fallecimiento en 1928 cuando tenía 39 años. Dirigió y protagonizó más de 100 títulos, mayormente cortometrajes.

A pesar de su corta duración tiene unas cuantas escenas de acción bastante peligrosas como cuando enganchan la cama de uno a la parte trasera de un coche y termina cayendo por un terraplén. O cuando otro es arrastrado una larga distancia sentado sobre el asfalto.

Además salen bastantes personajes y las situaciones cómicas se suceden a un ritmo vertiginoso. No te dejan paladearlas ni un segundo.

De hecho la carrera en sí son los últimos cinco minutos. Esa parte está acelerada y casi parece que sean dibujos animados a ratos. De hecho hay una escena que no sé muy bien como la hicieron, pasa un coche por un puente, el puente explota y seguidamente vemos a un coche saltarlo como si fuera un conejo. Es fascinante.

Estoy bastante impresionado por la cantidad de destrucción que causa el protagonista. Y eso me apena, pues es algo que está a la altura de otros cómicos famosos de la época y aún así prácticamente es un actor desconocido.

HE who gets slapped (1924)

Aquí la titulamos "El que recibe el bofetón".

Paul Beaumont es un científico que ha logrado corroborar todas sus teorías cuando un Barón amigo suyo decide apropiárselas convirtiéndole en el foco de las risas de sus colegas. Por ello desde entonces decide convertirse en un payaso que hace reír a la gente cuando es abofeteado.

Está basada en la obra de teatro de Leonid Andréiev escrita en 1915. La primera adaptación cinematográfica fue producida en Rusia y su título fue "Тот, кто получает пощёчины" (1916), el mismo que el de la obra original. Esta sería la segunda adaptación y posteriormente tenemos la versión argentina "El que recibe las bofetadas" (1947).

Dirigida por Victor Sjöström. El mismo que hizo "Körkarlen" (1921) y protagonizó "Smulltronstället" (1957). Y en realidad me sorprende pues es una producción estadounidense. Resulta que justo en 1924 se trasladó allí y eventualmente fue uno de los afectados por el cambio al cine sonoro con lo que regresó a su Suecia natal.

En el reparto tenemos a Norma Shearer (Consuelo) quien pocos años más tarde ganaría el Oscar a la mejor actriz durante la que sería la tercera ceremonia por la película "The Divorcee" (1930). Aunque lo realmente peculiar es que ese mismo año introdujeron la categoría de mejor grabación de sonido y lo ganó Douglas Shearer, el hermano de Norma, siendo la primera vez que dos hermanos se llevasen un premio el mismo año.

El protagonista, sin embargo, es el polifacético Lon Chaney (Paul Beaumont), y no es un adjetivo que use a la ligera precisamente. Por cierto, el "HE" del título es el nombre que recibe el payaso, no es un pronombre.

Ahora sí, podemos afirmar que es el primer largometraje de la MGM y además empieza con el mismo logotipo que vimos en "Greed" (1924), aunque ya hacía unos años que lo usaban en cortometrajes. Lo realmente peculiar es que el león (dibujado) aparecía ya en dicho logo y en esta película un león juega un papel relevante.

Hasta hace poco había una teoría bastante peculiar surgida a partir de una fotografía en la que se ven a Lon Chaney, Ford Sterling (Tricaud) y un tercer hombre, los tres disfrazados de payasos. Según dicha teoría el tercero es Bela Lugosi ya que fue encontrada en un libro de recortes que le pertenecía. Hasta el año 2017 era algo poco probable y, de hecho, yo sigo pensando que el de la foto no es él. Sin embargo tras un análisis concienzudo de la película dieron con el payaso que interpreta Bela. Por cierto, antes de dicho hallazgo una de las explicaciones era que la fotografía podría ser una imagen de cuando se preparó su papel para el cortometraje "Punchinello" (1926).

La versión original de la película corría a 18 imágenes por segundo lo cual le daba una duración total de 95 minutos. Las versiones actuales van a 24 imágenes por segundo que reducen la duración a 71 minutos. O dicho de otra manera, la diferencia de tiempo no es porque falten escenas.

El arranque de la película es bastante típico. Un hombre logra hacer un avance muy importante en su carrera (en este caso un científico) y su mejor amigo y su esposa le traicionan y se lo roban.

Me fascina lo mucho que me cuesta reconocer a Lon Chaney en esta película a pesar de haber visto bastantes de sus películas.

Otra película muda donde la aristocracia es tratada como la peor escoria posible. Y teniendo en cuenta que está basada en una obra rusa le veo mucho más sentido.

HE está acompañado por otros cincuenta payasos (aunque en el panfleto pone que son 16), uno de ellos es Bela Lugosi. Es realmente complicado explicar cuál es pero voy a intentarlo, tras sentarse en suelo se ve una imagen donde los enfocan un poco más de cerca, es el que está en el centro de la segunda fila de las cuatro que se ven.

El león que usan es real, cómo no, me ha gustado mucho cómo consiguen que se mueva saltando hacia los lugares donde se esconden los hombres a los que está a punto de matar.

Personalmente no tenía mucha idea de qué podía ser esta historia y aunque el cartel denota tragedia en realidad uno nunca sabe qué esperarse. Y me ha encantado, en pocas palabras.

Greed (1924)

El título se traduce como "Avaricia".

Estamos en una mina de oro del condado de Placer, California, en 1908. Los trabajadores se afanan por sacar el oro. Entre ellos está McTeague pero su madre logra convencerle para que se vaya como aprendiz con el Dr.Potter, un dentista.

Una de las primeras películas en usar la técnica de la cámara escondida para grabar las reacciones de un grupo de gente normal que va por la calle. De hecho acabó acudiendo la policía y un periodista reportó el "asesinato".

Según algunas fuentes se trata de la primera película de la MGM. En realidad no es así, un mes antes estrenaron "He who gets slapped" (1924), que por cierto será una de mis próximas entradas. He de decir que me ha costado un poco verificarlo, de hecho algunos ignoran por completo la era muda. En todo caso en el logo inicial sólo pone "A Metro Goldwyn Picture" aunque luego pone que el señor Mayer es quien la produce y poco después el nombre completo de la compañía.

Fue un rodaje que duró dos años y es considerada la primera película donde todo fue rodado en las localizaciones que se ven. La productora hubiera preferido el uso de platós más cercanos a California pero el director se negó.

Originalmente duraba nueve horas y media. La productora obligó al director a recortarla hasta las 2 horas y quemaron las escenas que cortaron. Sin embargo en 1999 consiguieron hacer un montaje más completo usando fotografías del rodaje, tiene una duración de 4 horas. La versión que poseo es esta última.

Se ve que hay un debate sobre el año en que transcurre la acción. En la versión que he visto establecen claramente que es 1908 al principio.

Hay diversos elementos coloreados de amarillo como las pepitas de oro y las llamas de las velas dentro de la mina o el diente enorme que lleva el dentista en su carromato.

La película cae continuamente en escenas perdidas. En ellas sólo vemos varias fotografías pero al menos van acompañadas de los textos correspondientes, lo cual hace que podamos seguir bastante bien qué sucede. Además están montadas de forma inteligente y usan zooms o muestran sólo parte de ellas para hacerlas un tanto animadas.

De hecho es la segunda película que veo de la época muda que al estar perdida sólo podemos ver algunas fotografías, aunque al menos esta vez es sólo parte de ella. La otra fue "London After Midnight" (1927) de Lon Chaney.

Intento formarme una idea de cómo es la versión editada sin dichas escenas y creo que aunque algunas son un poco intranscendentes sí que hay varias que agregan información relevante sobre los personajes principales e incluso cambian un poco el argumento.

El abuelo alemán que enseña a sus nietos a desfilar como militares me recuerda a un personaje de "The Four Horsemen of the Apocalypse" (1921).

Me ha costado un poco ver la importancia del dentista hasta que hablan de las muelas de oro. De hecho eso hace que todo esté mucho más conectado. 

La consulta del dentista no es excesivamente diferente a las de hoy en día. Salvo por el hecho de que no hay una pared que separe la zona donde realiza su trabajo de donde se sienta la gente a esperar, algo similar a una peluquería, y que el "dentista" es un tipo que hasta hace dos días trabajaba en una mina. Pero vamos, se ve que se le da muy bien lo de arrancar muelas.

El protagonista roza el grado de acosador cuando declara su amor al primo de la chica que le gusta, de nombre Trina, y posteriormente cuando está a solas con ella le pide matrimonio (incluso la besa) a pesar de que ella no quiere, presumiblemente porque no le gusta (aunque más tarde dice que es porque no lo tiene claro, pero no da esa sensación).

Me hace gracia la manera en la que hablan los padres de Trina con un fuerte acento alemán. Es algo que plasman perfectamente en los textos.

Un detalle que se agrega con las escenas que fueron eliminadas es el de los vecinos cotillas.

El tema de la codicia en realidad no lo vemos plasmado hasta pasada un tercio de película, mas o menos. Se podría hacer una lectura "codiciosa" en varios contextos que aparecen antes pero no lo son explícitamente, de hecho yo los interpreto más bien como un acto de latrocinio llevado a cabo por la necesidad. Pero vamos, los mineros podrían ser "codiciosos", al igual que los que juegan a la lotería, pero es un poco rebuscado.

Por cierto, en inglés la palabra "greed" se traduce como codicia pero también como avaricia. Son dos conceptos con un matiz diferencial, un avaricioso vela más por sus intereses propios y un codicioso además desea el de los demás. O así lo veo yo.

Al durar cerca de cuatro horas ponen un intermedio a la hora y 50 minutos.

La parte avariciosa de la historia se ve plasmada especialmente tras la boda. Trina procura no gastar ni un sólo céntimo, de hecho hace que su marido pague por todo, y encima le miente sobre el dinero que ha ido guardando. Él cree que tiene unos 100 dólares, ella le dice que tiene unos 30 y en realidad la cifra está por encima de los 160.

Cerca de las 3 horas de películas ponen imágenes de una escena eliminada que están completamente coloreadas. Es bastante llamativo porque hasta el momento sólo habíamos visto el color dorado de algunas cosas puntuales. Viene a ser el final feliz de una de las múltiples subtramas.

En la última hora de película suceden varias escenas cortadas que explican cosas que a mi parecer son fundamentales en la historia, lo cual hace que me pregunte si la película cortada tiene el más mínimo sentido.

Me preguntaba en qué momento adoptaron en EEUU la costumbre de decorar los árboles en Navidad. El origen está en el siglo XVI en Alemania pero hasta mediados del siglo XIX lo veían como una costumbre pagana. Y hasta la década de 1890 no empezaron a usarlos de forma generalizada.

Me preguntaba cómo mantendrían la continuidad con la escena en la que a Trina le amputan dos dedos de la mano. Resulta que sólo le cortaron la mitad de cada uno de ellos y sí la mantienen pero cuesta bastante de ver.

Si quitas las escenas en las que Trina gana 5000 dólares en la lotería no tiene ningún sentido la parte en la que él va a ella para que le de el dinero pues ya lo había robado todo lo que tenía guardado. En esencia vuelve a ella de manera muy insistente para quitarle el poco dinero que ha ganado trabajando, o esa es la impresión que me da.

Entiendo que el tipo huya a vivir a otro sitio tras robar el dinero pero no que vuelva a trabajar en la mina. En la versión editada sí tiene sentido porque es poco dinero, pero en la completa no, lo lógico hubiera sido montar algún tipo de negocio en algún sitio alejado de la ciudad.

En la parte final el burrito que va con el protagonista se come una cosa a la que denominan "locoweed". Se trata de un tipo de planta que provoca una enfermedad llamada locoísmo y por ello ha de sacrificar al animal. 

Es una historia bastante densa y llena de matices y de hecho me hago una idea de las posibles escenas que no han podido ser recuperadas. Aún así la versión que he visto me ha parecido suficientemente satisfactoria. Dicho lo cual, no sé si recomendarla. Sus 4 horas la hacen más bien poco apetecible y personalmente el hecho de tener tantas escenas que son meras fotografías ha hecho que me costase bastante avanzar.

Die Stadt ohne Juden (1924)

El título se traduce como "La ciudad sin judíos".

Estamos en la República de Utopia donde la gente culpa a los judíos de la crisis imperante. Su moneda cada día está más devaluada y la gente de la calle pasa hambre mientras los especuladores montan fiestas.

Basada en la novela de Hugo Bettauer publicada en 1922. Como primer dato fue asesinado por Otto Rothstock, un miembro del partido Nacional Socialista, el cual terminó en prisión durante 18 meses y al salir se había convertido en un hombre muy rico (porque le consideraban un héroe) y continuó con su carrera dentro del partido.

La co-autora del guión se llamaba Ida Jenbach y 16 años más tarde fue enviada a un campo de concentración del que nunca regresó.

La película fue estrenada en Viena donde fue saboteada por miembros del partido Nacional Socialista quienes lanzaron bombas fétidas. Además en la ciudad de Linz fue prohibida.

Es una película que fue considerada perdida hasta 1991 cuando encontraron una copia parcial en Holanda y en el año 2015 encontraron las partes que faltaban en un mercadillo de París. En 2019 fue lanzada la versión restaurada, que es la que he visto.

Evidentemente está todo basado en especulaciones nacidas a partir del clima antisemita que iba en aumento en Austria y Alemania en aquellos momentos. Pero no podía ser más acertada en cuanto a lo que iba a suceder.

Sin embargo hay que hacer notar que en ningún momento aparece nada ni siquiera parecido al partido Nacional Socialista. Todo surge a partir de un sentimiento común entre la población quienes centran todas sus frustraciones en los judíos.

Aunque no todos los habitantes piensan así y eso sólo hace que crear más disputas.

Presentan a los judíos como un grupo de gente que se dedica a rezar todo el día. Y, de hecho, los culpables de todo (los especuladores) no parecen para nada formar parte de ellos.

Me recuerda a "Der Golem, wie er in die Welt kam" (1920). En ella retrataban cómo los judíos fueron expulsados de diferentes lugares ya en la edad medieval.

Hablan también de la raza aria.

Reciben el apoyo monetario de un estadounidense. No sé si es malintencionado o simplemente casual. Lo cierto es que cuando las cosas se ponen aún peor es el primero en dejar de dar dinero.

La ciudad a la que se marchan los judíos se llama Zion.

La enmarcan dentro del expresionismo alemán por una escena en la que uno empieza a ver estrellas de David por todas partes y por el diseño del escenario. Aparte de eso hay una pequeña escena previa en la que el mismo personaje va borracho y la imagen se agita ligeramente.

En realidad la historia se desarrolla exactamente como tenía en mente al ver el título por primera vez. Los judíos son expulsados y las cosas empeoran (la razón es que controlan los bancos internacionales y eso hace que la economía de la ciudad se hunda más aún, pero eso no explica por qué no les ayudaron cuando las cosas estaban mal en un primer momento) y poco a poco va creciendo un sentimiento (casi una necesidad) de que regresen los judíos. De hecho se podría leer como que el hecho de expulsarles y volver a recibirles es lo que impulsó su economía precaria.

En todo caso la película en sí fue como una advertencia que no recibió demasiado apoyo en su día, fuera de Alemania y Austria pasó desapercibida y es por eso que fue considerada perdida durante tanto tiempo.

Me parece una película importante por el contexto histórico en el que fue desarrollada y por lo que sucedió años después. Sin embargo veo algunas lagunas en el argumento.

Аэлита (1924)

También conocida como "Aelita: Queen of Mars" y "Revolt of the Robots". Este segundo título no tiene ningún sentido.

Un extraño mensaje es recibido a la vez por todas las estaciones de radio del mundo, dice "Anta… Odeli… Uta". Algunos deciden ignorarlo pero un ingeniero ruso llamado Los trata de averiguar qué puede ser pero no consigue encontrar respuesta alguna.

Basada en la novela de Aleksei Tolstoi del mismo nombre publicada en 1923.

Tenía la impresión de que era una película alemana. Pero bueno, casi me alegro de que no sea así porque no he visto ninguna película soviética de la época muda que fuese de ciencia ficción.

Tuvo tanto éxito que muchas niñas fueron bautizadas como Aelita en la Unión Soviética.

Por algún motivo la versión que he visto empieza con una pequeña crítica que dice algo así como que a medida que avanza la historia se aleja un poco  de la novela original pero que los actores que salen son bastante buenos. No acabo de entender la razón de poner algo así al principio, aparte que prefiero formarme mis propias opiniones cuando veo una película y luego leo lo que piensan los demás.

Los escenarios de Marte parecen sacados de una película alemana expresionista. De hecho los trajes que llevan las marcianas podrían provenir perfectamente de "Metropolis" (1927), es más algunas de las escenas son una clara influencia de la película de Fritz Lang.

En un momento dado los marcianos observan la vida en la Tierra y muestran imágenes de Times Square, unos hombres montados a camello por el desierto, el Federal Hall de Nueva York, unos navíos de guerra y una pareja besándose en un puente de Moscú. Me ha recordado en cierta manera a "Le Cinquième Élément" (1997) y a "A message from Mars" (1913).

Las partes de los marcianos se supone que son sueños de Los. Pero la historia está compuesta de diversos actos y a partir del segundo esos sueños son demasiado reales, de hecho el mismo Los viaja a Marte.

En Marte Aelita es la reina pero no es quien manda. Ese lugar lo ocupa un ser tiránico quien, entre otras lindezas, se dedica a congelar a los trabajadores cuando ya no les necesita.

La historia se desarrolla paralelamente en la Tierra y en Marte. Pero en la Tierra la cosa es un poco complicada, la esposa de Los hace muy buenas migas con su nuevo inquilino, que además es un timador y por ello le investiga la policía, eso hace que deje un poco de lado a su marido y él termina por abandonarla.

La escena del despegue de la nave, su viaje y su interior tienen mucho de Julio Verne y su novela "De la Tierra a la Luna" que fue adaptada en "From the Earth to the Moon" (1958).

La tripulación de la nave de Los es él mismo, un señor vestido de mujer y un policía que quería arrestarle creyendo que era otro. Con ellos van también dos ratitas blancas en una jaula. Todo muy profesional.

Lo más interesante es lo poco convencional que es. Hay asesinatos, peleas, algo de romance, drama y mucha ciencia ficción.

Cuando llegan a Marte la sociedad con la que se encuentran dista mucho de ser pacifista, aún así hay escenas que me han recordado mucho a "Himmelskibet" (1918).

La mayor diferencia con todos los títulos que he mencionado es que la historia termina con una revolución obrera en Marte para derrocar a los tiranos. De hecho incluso sale, literalmente, una hoz y un martillo. Es fascinante.

Aunque la historia aún tiene algunos giros extra en los últimos minutos. El mejor de todos es cuando por fin averiguamos el significado del misterioso mensaje radiofónico.

Es una película que me parece genial y que no me importaría volver a ver pasado un tiempo. Desde luego el cine soviético nunca deja de sorprenderme.

Необычайные приключения мистера Веста в стране Большевиков (1924)

Este título tan cortito se traduce como "Las extraordinarias aventuras del señor West en el país de los bolcheviques".

El señor J.West acaba de llegar a Rusia acompañado de un cowboy llamado Jeddy. Pero al poco de llegar allí un jovenzuelo le roba un portafolio. Y poco después Jeddy monta un lío enorme por el que termina persiguiéndole la policía con lo cual el señor West se queda solo.

Resulta realmente peculiar encontrarme con una película soviética de la época muda que sea una comedia. De hecho estoy casi seguro de que es la primera que veo.

Lo primero que me ha venido a la mente al ver el título tan largo es la película "Как Витька Чеснок вёз Леху Штыря в дом инвалидов" (2017).

La película empieza con un texto que pone que fue producida por Goskino en 1924. Se trata de un comité estatal cinematográfico de la Unión Soviética que estuvo en activo desde 1919 hasta 1924. Luego fue cambiando de nombre, primero fue Sovkino, luego Soyuzkino en 1930, GUKF (Dirección principal de la industria cinematográfica y fotográfica dependiente del Consejo de Comisarios del Pueblo de la URSS) en 1933, Comité Central de Asuntos del cine en 1939 y Ministerio del Cine en 1946 que duró hasta 1953 porque pasó a formar parte del Ministerio de Cultura.

Los textos se dividen entre los que están escritos de una manera bastante sobria (blanco sobre negro) y los que se mezclan con las imágenes usando una fuente realmente grande.

Al principio el protagonista recibe una carta escrita en inglés (aunque inmediatamente la cambian a una versión escrita en ruso). Me pregunto hasta qué punto las relaciones entre EEUU y la Unión Soviética eran buenas en aquellos momentos. Y es que según los describen en dicha carta los bolcheviques eran gente salvaje.

Hay que tener en cuenta que es el punto de vista soviético sobre el punto de vista que tenían los estadounidenses de ellos.

El tal Sr.West va con una ridícula banderita de EEUU por doquier. Su compañero es un pistolero salido del salvaje oeste, pero bastante descerebrado. En realidad es muy gracioso como se comporta (pegando tiros al aire cada dos por tres y haciendo lo que le viene en gana) porque no han cambiado tanto las cosas en 100 años.

El coche en el que monta al llegar a la Unión Soviética es un Daimler 57 HP. Es una limusina británica con un motor de 9,4 litros que sólo se vendía a gente seleccionada.

Tiene algunos planos magníficos como los del trineo tirado por un caballo grabado desde diferentes ángulos. Y es que los primeros 20 minutos son trepidantes a partir del momento en que se ponen en marcha con el coche. Vemos al cowboy realizando todo tipo de proezas.

Enfocan mucho las caras en primeros planos, para poder ver mejor sus gestos y expresiones que son casi muecas.

A ratos me ha recordado el cine de Harold Lloyd. Aunque a veces meten peleas repentinas de las que no acabo de entender el sentido, pero en general es una historia bastante lineal y fácil de seguir.

Me ha parecido bastante entretenida y claramente enfocada a tratar de explicar a los habitantes de ambos países que las cosas no son como parecen o se imaginan.

Das Wachsfigurenkabinett (1924)

Aquí la titulamos "El hombre de las figuras de cera".

Estamos en una feria, un escritor acude allí respondiendo a un anuncio. Su trabajo consistirá en escribir historias de las figuras de cera de una de las atracciones.

De nuevo destaca la participación de Conrad Veidt (Iván el Terrible). Junto a él tenemos a Emil Jannings (Harun-al-Raschid) y Werner Krauss (Jack el saltarín).

Originalmente iban a ser cuatro episodios. El cuarto iba girar en torno a la figura de Rinaldo Rimaldi pero se quedaron sin presupuesto.

Fue restaurado en el año 2019 usando las versiones en inglés, francés y checo. Fue digitalizado en 4k y posteriormente pasado a 2k.

La primera historia trata sobre cómo Harun-al-Raschid perdió su brazo. Era el califa de Bagdad. Ordenó a su visir que ejecutase a un panadero porque le molestó el humo de su horno pero cuando conoció a la esposa del panadero decidió perdonarle la vida.

Creo que lo que más me fascina de esta parte son los escenarios que parecen sacados de un cuadro de Dalí.

El elemento fantástico de la historia es que el califa posee un anillo que concede deseos.

La segunda historia trata sobre Iván el Terrible. Disfruta ejecutando a sus enemigos usando veneno y para hacerlo más cruel les pone un reloj de arena a su lado en donde ven caer los granitos poco a poco en sus últimos momentos de vida. En dicho reloj pone el nombre de quien será el siguiente y elige al tipo que le prepara los venenos, pero él se le adelanta y escribe Iván.

Una curiosidad es que el nombre en ruso de Iván el Terrible es Иван Грозный, lo cual se puede traducir de diversas maneras como temible o severo y su significado está más cerca de la palabra majestad.

La tercera y última historia es sobre Jack el saltarín. Es un personaje surgido del folklore inglés a mediados del siglo XIX. Le describen como un ser con una cara diabólica, garras metálicas y ojos de color rojo. Y lleva puesta una capa y un casco. Se especula que quizás sea una de las inspiraciones del personaje de Batman.

Su historia es la menos elaborada de las tres, se nota que se quedaron sin dinero, lo cual es una lástima.

Pero bueno, al menos las dos primeras están bien desarrolladas y cargadas de acción y algo de romance.