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miércoles, 1 de abril de 2026

La strada (1954)

El título se traduce como "La calle".

Tras el fallecimiento de Rosa, Zampanò acude a por Gelsomina, a cambio de 10,000 liras. Él es un artista ambulante, la separa de su familia, con la promesa de que regresarán. Ella pronto se habitúa a esa nueva vida errante, participando con él en los numeritos.

Dirigida y co-escrita por Federico Fellini. Poco a poco me voy adentrando en su filmografía, ya vi "8½" (1963) y "Fellini - Satyricon" (1969).

Protagonizada por Anthony Quinn (Zampanò). Difícil destacar alguna película suya, apenas hay... creo que la última vez lo vi en "Lawrence of Arabia" (1962), también están "The Guns of Navarone" (1961) y "Viva Zapata!" (1952). Como dato peculiar, dirigió dos películas, "The Buccaneer" (1958) y para televisión hizo "Pastoral" (1947).

Anthony Quinn conoció a Giulietta Masina (Gelsomina) mientras hacía "Angels of Darkness" (1954). Ella insistió en presentarle a su marido, Federico Fellini. Él se dio cuenta de que sería perfecto para el papel de Zampanò, sin embargo por mucho que se lo pidió, Quinn no aceptó pues no conocía al director. Un día estaba cenando con Ingrid Bergman y Roberto Rossellini y vieron la película "I Vitelloni" (1953), la más reciente de Fellini, y Quinn se dio cuenta de que el director que tanto había estado insistiendo era un genio.

Originalmente Quinn quería llevarse un porcentaje de las ganancias, en vez de cobrar un salario. Su agente fue quien cambió el acuerdo, para que fuera un dinero fijo. Quinn perdió millones.

Fue la primera película en ganar el Oscar a mejor película extranjera, en 1957. 

No puedo decir que comprenda muy bien el arranque de la historia. Se le muere la esposa y "compra" otra, así sin más, que ni conoce. Entiendo que la madre lo vea bien, porque se lleva un dinero y él le ha prometido alimentarla.

El personaje de Gelsomina es mostrado como muy feliz, siempre sonriendo, aceptando sin más las cosas que le suceden. Casi parece que tenga un problema mental. Sin embargo, la idea es que es muy inocente.

Creo que el primer punto clave es cuando Zampanò decide irse con una pelirroja a la que acaba de conocer para pasar la noche con ella, dejando a Gelsomina abandonada en la calle. Y cuando por fin lo encuentra ella apenas reacciona.

La historia está situada en la época de la postguerra, lo vemos en detalles como la necesidad de los agricultores, con sus familias numerosas, la moto de la guerra reacondicionada para ser un carromato... Claro que era, poco más o menos, el momento en el que fue rodada.

La película está doblada completamente, más que nada porque Quinn no sabía hablar italiano.

Las cosas parecen encararse un poco mejor cuando se unen a un circo. Pero Zampanò encuentra a un "enemigo", el llamado "el loco", que no para de chincharle.

No me esperaba un final tan duro, la verdad. Aunque he de decir que durante toda la película no podía dejar de preguntarme por qué necesitaba a una mujer como ella a su lado, ni siquiera él mismo lo sabe.

No sabía qué habría detrás de este título famoso, ha resultado ser una película muy italiana, mediterránea incluso, cosas que sólo alguien de esta zona puede comprender.

Por lo que he leído, hubo una parte de la critica que criticó el tema religioso. Los comunistas no lo veían bien, pues esperaban que mostrase la pobreza como un símbolo de su revolución, sin apoyo de la iglesia. Por otra parte, la iglesia tampoco veía con buenos ojos que fueran una pareja que vivían en pecado, ya que nunca llegan a casarse.

En todo caso es una película especial, de eso no tengo dudas. Anthony Quinn está magnífico, Giuletta Masina también, aunque me ha costado un poco entender su personaje. Y Richard Basehart (el loco) ha resultado ser un revulsivo en la historia, antes de caer en la repetición. También es el desencadenante del final. Me han parecido muy graciosas sus intervenciones.

viernes, 1 de marzo de 2024

The Naked Jungle (1954)

Tras meditarlo he decidido hacer una selección de títulos que quiero volver ver. Estoy un poco cansado de las películas que no conozco y quiero tomarme una temporada viendo películas que conozco, al menos la mayoría de ellas. Hace ya meses que hice una selección pero se ha alargado tanto la lista que he tenido que hacer una subselección... en fin, os adelanto que hay muchos títulos de los años 90.

Así que ahí va el primero...

The Naked Jungle (1954)

Aquí la titulamos "Cuando Ruge La Marabunta".

Estamos en Sudamérica, en 1901. Joanna Leiningen viaja para conocer a su marido Christopher, quien la conoció por correo. Él lleva 15 años viviendo allí y posee una gran extensión de tierras donde cultiva cacao. Pero ella no es lo que él esperaba y la envía de vuelta. Sin embargo la posible llegada de la marabunta hace que se adelanten los planes.

No tengo intención de ponerme a ver películas clásicas, pero alguna tenía que haber en esta selección.

Basada en la historia corta "Leiningens Kampf mit den Ameisen" de Carl Stephenson, publicada en 1937.

Dirigida por Byron Haskin. El mismo que hizo "The War of the Worlds" (1953), "Conquest of Space" (1955) y "From the Earth to the Moon" (1958)

Protagonizada por Charlton Heston (Christopher Leiningen), poco antes había salido en "The Greatest Show on Earth" (1952) y no mucho después salió en "The Ten Commandments" (1956). Con Eleanor Parker (Joanna Leiningen), a quien vimos en "The Sound of Music" (1965).

Me encanta la inconcrecíón con la que describen el sitio donde tiene lugar la acción. De hecho el idioma que hablan parece inventado, no se parece en nada al español ni al portugués. Pero hablan del río Negro, el cual nace en Colombia, atraviesa Venezuela y termina en Brasil, desembocando en el Amazonas.

En mi opinión Christopher es demasiado estricto con una mujer que no conoce. Y su carácter es realmente difícil, es como si en realidad no quisiera estar casado. Además es claramente un explotador (aunque algo más humanitario que otros) y un caprichoso.

Él insiste en buscar un defecto en Joanna y finalmente se lo dice, es una viuda, con lo cual él la rechaza porque sólo le gustan las cosas "nuevas". Me parece realmente ridículo.

La parte del tipo subido en una torre mientras otro le dispara con una cerbatana me ha recordado a "Ace Ventura: When Nature Calls" (1995).

Aparece una "cabeza reducida".

Charlton Heston improvisó durante la escena de la discusión con Eleanor Parker. Cuando le tira el perfume no estaba en el guion, eso hizo que la acción se intensificara y ella reaccionase acordemente.

La película es recordada por las escenas con las hormigas, sin embargo no empiezan a hablar de ellas hasta pasados unos 50 minutos. Y la palabra que usan, en VO, es "marabunta". Es algo que ya pasó 27 años atrás y por ello se temen una reacción de pánico entre los locales.

Es una historia situada a principios del siglo XX, grabada a mediados de dicho siglo, con lo cual hay cosas que quizás podrían chocar al espectador actual. Una de tantas, que personalmente me ha hecho gracia, es cuando el protagonista llama "objeto" a la mujer y ella no se lo toma a mal, quizás porque en un momento dado se da cuenta de que él la ve como una decoración más de la casa.

Una de las escenas más chocantes en su día sucede cuando encuentran los restos de Gruber tras haber sido devorado por completo.

En realidad no vemos ni una hormiga hasta pasada una hora y casi 10 minutos.

En la escena en la que vuelan los puentes una persona murió al caerse de su caballo por el susto.

Algunas califican de ridícula la manera en la que muestran los ataques de las hormigas. Estoy bastante de acuerdo, pero es mejor que otras películas donde son mutantes y se conviertan en gigantes, supongo.

En realidad me parece bastante entretenida. Arranca como una historia romántica que no cuaja para pasar a una película de desastres.

domingo, 6 de agosto de 2023

Monster From The Ocean Floor (1954)

También conocida como "It Stalked the Ocean Floor".

Mientras nadaba en la playa Julie Blair se topa con Steve Dunning dentro de un pequeño submarino y decide llevarla al barco del Dr.Baldwin. La misteriosa desaparición de un buzo hace que ella se acuerde de una leyenda local sobre un extraño monstruo que atacó anteriormente.

Se trata de la primera película producida por Roger Corman (Tommy) quien hace también un cameo. En realidad sacó dos títulos más ese mismo año, "Highway Dragnet" (1954) como co-productor y "The Fast and The Furious" (1954).

Tras leer un artículo en "Los Angeles Times" sobre un submarino pilotado por un solo hombre a Corman se le ocurrió la idea para la película. Llamó a la empresa, de nombre Aerojet General, y les propuso que le permitieran usarlo para una película a cambio de publicidad gratuita, cosa que les pareció genial.

Su uso original era para los equipos de demolición de la marina. La idea de la empresa es que cuando el público lo viera en la película crecería el interés para un uso más recreativo.

El submarino en sí no tiene motor y la posición del ocupante es acostado, aparte no crea un vacío, va lleno de agua y por eso hay que llevar gafas de buceo y un tanque de oxígeno. La mejor escena donde lo vemos en acción sucede bien pronto cuando tratan de rescatar a un buzo que no ha regresado a la superficie.

Plantean la teoría de que la raza humana está creciendo demasiado rápido y que nuestros recursos (recuerdo que es una película de los años 50) no serán suficientes con lo cual necesitamos nuevos alimentos.

El monstruo hace su primera aparición pasados unos 35 minutos, es un pulpo gigante con un sólo ojo (se supone que es de color rojo brillante por como lo describen, pero al ser en blanco y negro no se llega a apreciar ese detalle).

El científico le daba consejos a la protagonista sobre qué hacer en caso de encontrar un tiburón y, en esencia, le dice que no se mueva si ve uno, que les atrae la sangre y que ni siquiera ha de tratar de volver a la superficie. Posteriormente mencionan a un tiburón de unos 18 metros de longitud. Pero vamos, hasta más tarde no aparece el primer tiburón y es de un tamaño mediano. Son imágenes reales y le vemos muy muy cerca de la chica quien trata de ahuyentarlo usando un cuchillo. Creo que es una gran escena porque aunque no sea un combate demasiado espectacular al menos es bastante real (pero tengo la impresión de que el cuchillo es falso).

Es curioso como 10 años después de la Segunda Guerra Mundial consiguen ligar los eventos a ella. En esencia plantean que el monstruo es resultado de la guerra (más concretamente de las pruebas nucleares en el atolón Bikini).

Julie dice un par de palabras en español y algunos de los locales se expresan mezclando palabras en español cuando hablan en inglés. Lo curioso del tema es que el que ha hecho los subtítulos no debe saber español porque no las traduce, literalmente pone "habla en idioma extranjero".

Sé que era costumbre en la época meter canciones en las películas cantadas por alguno de los protagonistas pero en esta ocasión se nota demasiado que tenían que ponerla, no acaba de encajar con el tono de la historia.

La manera condescendiente en la que trata a la chica el científico es para darle con la mano abierta. Pero vamos su relación nacida de la manera más espontánea posible me parece un chiste en sí misma. Hace poco vi algo similar en "Birdemic 3: Sea Eagle" (2022) y me pareció de lo más ridícula, no es que puedan compararse ambas películas pero esa parte es prácticamente idéntica.

No deja de hacerme gracia que los locales decidan que la mejor manera de actuar sea sacrificar a la chica estadounidense a la bestia. Como harían los mayas en su momento (incluso mencionan a Quetzalcóatl).

Me estaba fijando en la portada y si bien la protagonista sale buceando en un traje de baño en numerosas ocasiones definitivamente no es nada "sexy" y durante la película al pulpo gigante sólo lo vemos una vez (en una especie de superposición, por eso no se aprecian demasiado bien los detalles) y no lo volvemos a ver hasta el combate final (aunque de manera bastante borrosa, para simular que están bajo el agua). Vamos, que el póster es un tanto engañoso.

El final no tiene demasiado sentido (dejando a un lado lo mal montado que está). Unos científicos no dejarían una criatura "gigante" muerta en el fondo marino sin al menos tratar de estudiarla.

En todo caso, la parte del tiburón me ha gustado bastante, aunque sea breve. La historia en sí tiene momentos interesantes (lo del sacrificio no me lo esperaba) y el enfrentamiento final no es especialmente bueno pero al menos es un buen remate.

jueves, 17 de febrero de 2022

Manicomio (1954)

Una antología.

Está codirigida por Luis María Delgado y Fernando Fernán Gómez (Carlos), quien además la protagoniza.

Destacan las apariciones de Manuel Alexandre (Hombre que finge desmayarse), salió en "Plácido" (1961). Camilo José Cela (Sr. Haro, loco asno), salió en "La insólita y gloriosa hazaña del cipote de Archidona" (1979). Y Vicente Parra (Alejo), salió en "La semana del asesino" (1972) y en "La guerra de papá" (1977).

La versión que he visto es la restaurada en 4k y que está disponible en la Filmoteca Española.

Son cuatro historias:

"El sistema del Doctor Tarr y el Profesor Fether"

Escrita por Edgar Allan Poe.

Carlos Fuentes va a visitar a su novia Juana Velez, una psiquiatra que trabaja en un manicomio. Allí se familiariza con los ingresados y sus historias.

En realidad la primera historia es el hilo conductor de la película.

Carlos se dirige al espectador para explicarnos un poco de qué va todo esto. Me llama la atención la frase "mi familia quiere que me case con mi prima Mary Luz".

Camilo José Cela aparece justo cuando el protagonista se da cuenta de lo que está sucediendo.

"La mona de imitación"

Escrita por Ramón Gómez de la Serna.

Un hombre llega a su casa y descubre que su esposa Mercedes imita todo lo que hace y dice. Él cada vez se pone más nervioso y la ahoga delante de todos sus vecinos, hasta matarla. Para tratar de explicar qué sucedió se dedica a repetir todo lo que dicen los demás desde entonces y por ello terminó encerrado en el manicomio.

El diálogo es, como mínimo, peculiar. Aunque viene a ser un monólogo con eco.

"Una equivocación"

Escrita por Aleksandr Kuprin.

Amanda Blasco se acaba de casar con Miguel. Ahora van en tren en su viaje de bodas y aunque quieren celebrarlo en la primera parada una señora entra en su departamento. Entonces a Amanda se le ocurre empezar a hacer locuras para que la gente les deje a solas. Y funciona, desde entonces todos la toman por loca. En una parada el marido se baja a comprar tabaco y se queda tirado en la estación. Al despertar ella descubre a un señor que la vigila y terminan encerrándola.

Parte de la acción transcurre en silencio.

Me encanta el examen médico que le hacen para verificar si está loca.

En esencia la vuelven loca en el sanatorio.

"El médico loco"

Escrita por Leonid Andreyev.

Durante una fiesta de fin de curso. El profesor Sergio Posada presenta a su alumno Alejo a Eugenia. Y la cosa va tan bien que terminan casándose. En realidad eso le sorprende al profesor, quien no creía que ella pudiese enamorarse de un perdedor. Tras ver a un hombre fingiendo un ataque decide hacerse pasar por loco como un experimento, pero su verdadera intención es matar a Alejo y salirse con la suya. Pero tras asesinarlo se volvió loco de verdad.

Al principio aparece una tuna.

De nuevo hablan del enamoramiento con una prima.

Aquí es donde aparece Manuel Alexandre. Me ha costado mucho reconocerle, ha sido por su voz. También Vicente Parra.

Es una historia muy bien hilada, siempre en tono de comedia pero sin caer en la tontería. Personalmente me ha gustado como han integrado a los locos en la última escena como si fueran personas normales.

domingo, 6 de septiembre de 2020

Rear Window (1954)

Aquí la titulamos "La ventana indiscreta".

Jeff está postrado en su silla debido a que se rompió la pierna. Por ello se dedica a mirar a sus vecinos del edificio de enfrente durante todo el día. Una noche descubre que uno de ellos sale varias veces con una maleta de madrugada y cerró las persianas de su apartamento.

Una de las grandes películas de Alfred Hitchcock. Aparece haciendo uno de sus clásicos cameos a los 20 y pocos minutos de película, es el que está arreglando un reloj del compositor de música.

Basada en la historia corta "It Had to Be Murder" de Cornell Woolrich, publicada en 1942. Hitchcock agregó algunas cosas aunque la más interesante es que originalmente no descubríamos que el protagonista tiene una pierna rota hasta el final.

En el reparto tenemos a James Stewart (L.B. "Jeff" Jefferies), hizo también "Anatomy of a Murder" (1959) y "Vertigo" (1958). Grace Kelly (Lisa Carol Fremont), salió en "Dial M for Murder" (1954) y "To Catch a Thief" (1955). Raymond Burr (Lars Thorwald), conocido por las series "Ironside" y "Perry Mason" y por salir en "Godzilla: King of Monsters" (1956). Wendell Corey (Teniente detective Thomas J.Doyle), salió en "Women of the Prehistoric Planet" (1966).

El edificio donde transcurre la acción fue creado adrede en un plató. Estaba tan detallado que incluso tenían electricidad y agua corriente en las casas. De hecho una de las actrices vivió en él durante el mes que duró el rodaje. Para recrear la luz del sol usaron unos mil focos. Dichos focos provocaron mucho calor en las escenas que transcurrían "de día", especialmente en las casas que estaban en la parte superior.

La escena en la que una pareja lucha con un colchón de una manera muy cómica cuando llueve fue debido a una pequeña broma de Hitchcock quien les dio la orden de tirar de él en direcciones opuestas sin que lo supieran los actores.

Es la única película en la que Grace Kelly aparece fumando. Aunque nunca la vemos encender el cigarro ni fumar de él, sólo sostenerlo encendido y apagarlo.

En lo que podría considerarse un cameo tenemos a la actriz Kathryn Grant como una de las invitadas de la fiesta que da el compositor en su apartamento. Cuesta bastante de ver, es la que lleva un vestido de color plateado.

Debido a que casi todas las escenas están grabadas a cierta distancia no vemos con claridad la cara de Raymond Burr hasta la parte final.

Tuvo un remake hecho en Hong Kong cuyo título es "Hou chuang" (1955), aunque en realidad fue un homenaje al fallecimiento de un actor cómico. Posteriormente se hizo una versión para televisión titulada "Rear Window" (1998). Y luego tenemos "Disturbia" (2007) que también podría considerarse un remake.

Personalmente la considero una de las mejores de Hitchcock. Resulta todo un reto simplemente plantear cómo grabar una película desde la ventana de enfrente de un edificio y él consigue eso y mucho más pues sólo con narrativa visual conocemos lo suficiente de cada uno de los personajes, además de muchos de ellos ni siquiera llegamos a saber sus nombres, cosa que tampoco es necesaria.

viernes, 4 de septiembre de 2020

Animal Farm (1954)

Aquí la titulamos "Rebelión en la granja".

Mayor es el cerdo más viejo de la granja Manor, perteneciente al Sr.Jones. Una noche reúne a todos los animales para incitarles a tomar el mando y seguidamente se muere. Al día siguiente los animales consiguen echar al humano.

Basada en la novela homónima de George Orwell publicada en 1945.

La CIA fue quien adquirió los derechos de la novela para adaptarla y hacer de ella propaganda anti comunista. En realidad sólo cambia el final y parece ser que fue una decisión artística.

Cuando fue estrenada muchos padres se llevaron una sorpresa al ver lo oscura que es, se esperaban una película tipo las de Disney.

El estilo de animación me ha gustado, y eso que se trata de una de las primeras películas animadas del Reino Unido. Es bastante fluido y busca hacer paralelismos de los animales con los humanos y viceversa.

Las ovejas recitando las leyes. Los cerdos en el poder. Los perros usados como arma política. Las metáforas son muy obvias, pero muy bien encajadas.

De hecho es todo una sátira del régimen zarista:
- Mayor el cerdo, sería Lenin o Marx (depende como quieras interpretar sus palabras).
- El Sr.Jones es el zar Nicolás II o directamente toda la nobleza y burguesía, los que fueron derrocados en la revolución rusa.
- Napoleón el cerdo sería Stalin.
- Snowball el cerdo sería Trotski, de ahí su exilio por parte de Napoleón.
- Squealer el cerdo sería la propaganda soviética, en general.
- Boxer el caballo es el proletariado.
- Las ovejas y las gallinas son los campesinos.
- Moses el cuervo es la iglesia ortodoxa, tratando de colaborar tanto con los animales como con los humanos.
- Benjamin el burro es el intelectual.
- Los perros son la NKVD, la policía secreta de Stalin.
- El señor Frederik viene a ser Adolf Hitler, quien firma con Napoleon un pacto de no agresión.
- Mollie la yegua viene a representar los nobles zaristas, más interesados en sus privilegios que en trabajar.

El final es "feliz", en tanto en cuanto los malos reciben su castigo, en la novela original es más oscuro.

A pesar de que tiene más de 65 años es una película muy interesante para los más jóvenes porque refleja la barbarie que representa un estado totalitario y se podría usar como ejemplo con algunos de los mandatarios actuales, matizando algunas cosas.

martes, 28 de julio de 2020

宮本武蔵 (1954)

También conocida como "Samurai I: Musashi Miyamoto" y "Samurai" a secas.

Estamos en el año 1600. Takezo quiere unirse al ejército y convence a su amigo Matahachi. Tras una batalla intensa Matahachi termina herido y acaban viviendo con unas mujeres durante unos meses para recuperarse.

La primera de una trilogía que salió en tres años consecutivos. Basada en la novela "Musashi" de Eiji Yoshijawa que tuvo 7 partes, publicada a partir de 1935. Esta película es sólo la primera de ellas (cerca de un 10% de la historia total).

La novela también fue adaptada en el manga "Vagabond" y he de decir que esto me ha pillado por sorpresa porque me leí algunos de sus tomos hace años y me gustaron mucho.

La segunda película más cara de Japón tras "Shichinin no samurai" (1954).

Takezo es el nombre del protagonista. En la parte final decide cambiárselo por Mushashi Miyamoto, porque Miyamoto es el lugar de donde proviene y necesita pasar desapercibido.

La primera batalla que vemos es la de Sekigahara, sucedió a finales de 1600. En ella se enfrentaron el clan Tokugawa y el clan Toyotomi. En ella vemos el uso de armas de fuego, aunque no parece ser lo primordial.

Me parece fascinante la cantidad de semejanzas con "雨月物語" (1953). No sólo transcurren en la misma época, la obsesión de convertirse en samurai, la frase "quiero conseguir una cabeza de un capitán" (que sí consigue uno de la otra película), cuando entran en una casa de repente y exigen que les den comida (aunque la escena termina de una manera muy diferente).

En dos momentos diferentes vemos a los dos protagonistas ponerse a llorar. Matahachi lo hace tras enfrentarse a unos bandidos, Takezo tras regresar a su casa y ser perseguido tachado de asesino.

Es sólo un ejemplo de cómo a pesar de lo valeroso que puede ser el protagonista, a veces incluso temerario por la manera en la que se enfrenta a un montón de enemigos sin pensárselo (y nunca pierde) también tiene su lado sensible.

Se nota bastante que es el arranque de la historia. De hecho tengo la impresión de que es una trilogía que ha de valorarse como un todo. Queda mucho por explorar y los personajes terminan en una situación bastante dispersa. Aparte que es sólo el principio del viaje de entrenamiento de Mushashi.

domingo, 24 de noviembre de 2019

Sabrina (1954)

Originalmente se titulaba "Sabrina Fair", lo cambiaron para que no la vinculasen con la revista Vanity Fair. Se barajó como posibilidad "The Chauffeur's Daughter".

Sabrina es la hija del chófer de los Larrabee, una familia pudiente. Su padre la quiere mandar a una escuela de cocina en París aunque ella sólo puede pensar en David Larrabee. Tras dos años allí regresa y David de casualidad la recoge pero no la reconoce.

Una película que siempre he querido ver pues creo que vi su remake "Sabrina" (1995), digo creo porque me parece que la vi solo parcialmente. En cualquier caso existe otro remake titulado "Şoförün Kızı" (1965) de Turquía.

Dirigida por Billy Wilder quien también fue el guionista. No hace mucho comenté la también suya "Irma la Douce" (1963), dentro de poco tengo preparada otra suya.

Con Humphrey Bogart (Linus Larrabee), una de sus últimas películas ya que murió en 1957. Audrey Hepburn (Sabrina Fairchild), es uno de sus papeles más recordados, curiosamente veré otra de sus películas próximamente. Y William Holden (David Larrabee), salió en "Network" (1976) y en "Towering Inferno" (1974).

Humphrey fue el sustituto de última hora de Cary Grant quien se negó a que su personajes llevase un paraguas. Pero eso sólo hizo que complicar las cosas. Para empezar Bogart y Holden no se soportaban y encima Bogart quería que su esposa Lauren Bacall fuese la protagonista. También tuvo problemas con el director. Tras la grabación se disculpó por su comportamiento atribuyéndolo a problemas personales.

Los vestidos que lleva Audrey eran tan caros que la productora le dijo que se los pagase de su propio bolsillo.

Billy Wilder iba haciendo cambios en el guión a medida que avanzaba la producción. En un momento dado le pidió a la Hepburn que fingiese encontrarse mal para que pudiera terminar de escribir la escena que iban a rodar.

Aunque tiene algunos momentos dramáticos siempre les ponen algún contrapunto cómico para aligerarlos. El mejor ejemplo lo tenemos en la escena del suicidio de Sabrina en la que uno de los coches hace un ruido gracioso.

Es un típico triángulo amoroso que con el paso del tiempo hará que cambien a mejor los tres integrantes. Una película bastante positiva sobre desamores, compromisos y algún que otro desengaño.

viernes, 22 de noviembre de 2019

ゴジラ (1954)

La primera película del lagarto más famoso del mundo. Aquí la titulamos "Japón bajo el terror del monstruo".

Una serie de barcos japoneses son afectados por algún tipo de explosión subacuática cerca de la isla de Ôdo. Un superviviente logra llegar a la costa y narra que su barco fue atacado por un monstruo gigante. Los pescadores no logran traer nada así que tratan de hacer una ceremonia de exorcismo.

Me avergüenza un poco admitir lo mucho que tardé en poder ver esta película por primera vez. Aunque he de decir que en su momento me hice con una copia en VHS de uno de sus aniversarios (no sabría decir cuál ahora mismo porque no la tengo a mano) que me dejó más que satisfecho. Para entonces ya conocía bastante bien las películas de Godzilla, había visto unas cuantas de ellas e incluso ya había salido la horrible versión americana de finales de los 90.

Hace ya 65 años que fue estrenada y aún así no paran de salir más y más películas. De hecho en pocos años hemos tenido una versión estadounidense, una japonesa y una de animación. Godzilla sigue más vivo que nunca.

La productora Tôhô estuvo a punto de irse a la quiebra porque hizo simultáneamente ésta película y "Shichinin no samurai" (1954). Para que os hagáis una idea, ésta fue la película más cara de Japón hasta ese momento.

En EEUU no llegaron a estrenarla porque hicieron su propia versión titulada "Godzilla, King of the Monsters!" (1956), que en realidad viene a ser una edición de la original con escenas añadidas. En dichas escenas aparece principalmente el actor Raymond Burr.

Uno de los rumores que corren es que denunciaron a Ishirô Honda y Eiji Tsuburaya cuando se encontraban en lo alto de un rascacielos hablando sobre qué camino seguiría Godzilla para destruir Tokio.

Por cierto, el director Ishirô Honda hace un cameo como el tipo en la torre eléctrica que activa la palanca que electrocuta con 300.000 voltios al monstruo.

Akira Ifukube fue el creador del rugido de Godzilla. Para ello frotó un guante de cuero contra las cuerdas de un contrabajo que estaban cubiertas con resina de pino y al sonido resultante le pusieron reverberación. Para las pisadas usaron una cuerda anudada golpeando un timbal.

Eiji Tsuburaya fue el encargado de los efectos especiales. Según su opinión no había nadie en Japón capaz de crear un stop motion de la misma calidad que "King Kong" (1933) por ello optaron por usar un señor vestido de monstruo y miniaturas.

Haruo Nakajima era quien estaba dentro de dicho traje. En un momento dado tenía tanto calor que llegó a desmayarse. Apenas podía andar 9 metros con el traje puesto porque pesaba unos 90 kilos. Hay que tener en cuenta que el traje original era aún más pesado y apenas podía moverse. La razón de que hicieran dos es que nunca se había hecho algo así en Japón hasta ese momento.

El diseño del traje pasó por una fase en la que la cabeza del monstruo tenía forma de seta, como la que causa una explosión nuclear. Y la piel al principio tenía un aspecto verrugoso, luego se parecía más a la de un cocodrilo y finalmente le dieron la apariencia "rocosa", explicando que las explosiones nucleares le causaron quemaduras.

Además el traje tenía tres cables que salían por la parte posterior, dos para controlar los ojos y uno para la boca. El operador de dichos cables era Kaimai Eizo. En la siguiente película decidieron usar baterías pero eso hizo que el traje fuese aún más pesado.

El nombre japonés, Gojira, es una combinación de Gorira (gorila) y Kujira (ballena). Originalmente su diseño era una combinación de esos dos animales. Fue la película "The Beast from 20,000 Fathoms" (1953) lo que les inspiró para hacerlo como un dinosaurio. Uno de los nombres descartados fue Anguirus, aunque lo reusaron en "Gojira no gyakushû" (1955) como uno de los monstruos contra los que lucha Godzilla.

El diseño final del monstruo estuvo inspirado en la obra del pintor Zdenek Burian, más concretamente su pintura del iguanodón. Tanto la postura del cuerpo como la posición de las manos y la textura de la piel están sacadas de dicha pintura. También tiene el aspecto general de un tiranosaurio y las placas en la espalda de un estegosaurio. Aunque lo más peculiar es que tenga orejas de mamífero, en películas posteriores se las cambiaron.

Usaron storyboards por primera vez en Japón debido a lo compleja que era la producción. Tuvieron que contratar a artistas adicionales y dado que aún no había un diseño claro del monstruo cada uno hizo su propia versión.

El nombre occidental es la manera en la que ser leería el japonés, osea Go-dzi-la. Fue idea de la propia productora japonesa que fuese usado así y no de los distribuidores americanos como se suele creer.

La escena con la que arranca está inspirada en hechos reales. Un barco de pesca llamado "Lucky Dragon" se encontraba demasiado cerca del lugar donde hacían pruebas nucleares y terminaron bombardeados de radioactividad. Aunque su barco no se prendió fuego como en la película.

La primera aparición de Godzilla sucede a los 20 minutos, aunque sólo vemos la cabeza. Originalmente llevaba una vaca muerta sangrante en sus fauces, sin embargo les pareció demasiado gráfico y decidieron cambiarlo.

Según la película el nombre de Godzilla proviene del folklore de la isla de Ôdo. Su estatura es de 50 metros.

Uno de los errores típicos de apreciación, especialmente por parte de los estadounidenses, es que la película culpa en cierta manera a los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki como la creación del monstruo. No podían ser más erróneos, en la película hablan de unas pruebas de bombas nucleares y el gobierno se pone muy nervioso cuando hablan de ello e incluso trata de tapar el asunto, sin éxito. Ese error es debido precisamente a que existan la versión original japonesa y la edición que hicieron en EEUU un par de años más tarde.

Tratándose de la primera vez que vemos un enfrentamiento de los hombres con Godzilla entiendo que tienen que probar todas las vías posibles para acabar con él. Sin embargo no acabo de ver la lógica de su primera medida que consiste en lanzarle bombas cuando fueron la causa de que saliese a la superficie en un primer lugar.

A los 45 minutos vemos la escena de Godzilla saliendo del mar y adentrándose en la isla. Lo interesante de esa escena es que vemos el cuerpo completo por primera vez y las enormes patas aplastándolo todo.

La segunda medida en contra del monstruo es poner una valla de electrificada a lo largo de la costa. Evidentemente sólo consiguen cabrearle más.

Los vehículos militares y los soldados que van a la costa para enfrentarse al monstruo son reales. Estaban haciendo maniobras cuando el director los filmó.

He de decir que el único pero que le veo al traje son las escamas dorsales, se nota demasiado que son de goma. Al ser una película en blanco y negro no se llegan a apreciar las posibles imperfecciones que pueda tener.

De hecho para mí el peor efecto especial son las miniaturas, pero porque quisieron ir muy allá tratando de hacer que volcasen algunos vehículos por ejemplo.

Para el efecto en el que derrite unas torres eléctricas usando su aliento radioactivo las hicieron de cera y aplicaron sobre ellas aire caliente y las potentes luces del plató.

Aparte del monstruo y las miniaturas también superponen imágenes para poder añadir a gente real corriendo, por ejemplo, relativamente cerca del monstruo.

Me hace mucha gracia que cuando aparecen los cazas y se ponen a disparar misiles ninguno golpee en el monstruo. No creo que sea tan difícil acertar a un bicho de 50 metros de altura.

En realidad la película tiene algunas cositas puntuales en inglés como por ejemplo al principio aparecen los nombres del Mar de Japón y del Océano Pacífico en un mapa. O el arma definitiva que se llama, literalmente, "Oxygen destroyer".

Para las escenas subacuáticas combinaron imágenes reales de buceadores y del fondo marino con un truco de cámara simple en el que colocaban un acuario entre lo que querían mostrar y la cámara. Por ejemplo así es como grabaron a Godzilla y los primeros planos de Ogata y Serizawa.

Creo que lo mejor de la película es que a pesar de ser un monstruo que causa gran destrucción acabas sintiendo pena cuando muere.

Acabo de descubrir que existe una tercera versión, o más bien dicho otra edición de la original. Es conocida como "Cozzilla" aunque su título es "Godzilla" (1977) y he decidido verla también. De hecho lo que voy a hacer es ver las tres versiones seguidas, en lo que será algo sin precedentes en el blog. Para más datos, es italiana, usaron la versión del 56 para hacerla y está coloreada, a bote pronto tiene una pinta horrible.

jueves, 21 de noviembre de 2019

Dial M for Murder (1954)

Aquí la titulamos "Crimen Perfecto".

Un hombre planea minuciosamente el asesinato de su esposa usando a un antiguo compañero de estudios con quien no ha tenido ningún contacto en años, y él acepta.

Siempre me llamó la atención el título original, que se traduciría como "Marque M para asesinato" (adaptado sería más bien "Marque A para Asesinato"). Me gusta el que le pusimos aquí porque creo que la traducción incluso adaptándola sería quizás demasiado peculiar.

Basada en la obra de teatro homónima de 1952 creada por Frederick Knott quien además escribió el guion. De la obra de teatro repite John Williams (Inspector Hubbard) retomando su papel.

Por supuesto se trata de una películas más famosas de Alfred Hitchcock. Es la primera que hizo con Grace Kelly (Margot Wendice), tras mostrarle al director qué atuendo sería más adecuado para una mujer que estaba acostada y tiene que responder el teléfono Hitchcock decidió que a partir de entonces todas las decisiones sobre el vestuario de los personajes que interpretaría las tomaría ella misma.

El cameo de Hitchcock esta vez es una fotografía, concretamente la de la cena de la reunión de alumnos. Es la última película en la  que no aparece él mismo en persona.

El estudio obligó al director a que la grabase en 3D a pesar de que estaba en plena decadencia y a él no le pareciese bien. Es por ello que hay objetos tan cerca de la cámara.

La escena de las tijeras fue bastante complicada de rodar. Tuvieron que repetirla numerosas veces porque no quedaba de la manera que el director tenía en mente.

Aunque dura una hora y tres cuartos tiene un pequeño intermedio.

El problema de las películas rodadas en 3D de esta época es que en algunas escenas se ve desenfocada la imagen. Lo mismo sucede con las cosas que están un poco alejadas de la cámara.

El director procuró usar cuantas menos escenas de exteriores como fuese posible para crear un ambiente más claustrofóbico, y creo que lo consigue.

Una película de las mejores de Hitchcock, en mi opinión. En su sencillez radica su grandeza. Toda la historia está muy bien hilada e incluso los pequeños detalles que parecen superfluos tienen su peso.

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