Flying Padre (1951)

Esta será la primera entrada de este recorrido cuya temática son los cortometrajes. Como ya hice hace tiempo he recopilado tantos como he podido y los voy a ver del tirón. La diferencia es que estos son cortometrajes que he encontrado después del último recorrido, y son un montón. Más de 100. No los he contado.

Mi intención inicial era ver los primeros trabajos de directores famosos, pero, para variar, he acabado dando con una colección de cortometrajes de terror y tenía unos pocos guardados de la última vez, así que se han juntado más títulos de lo normal. Como hace mucho desde la última vez he decidido no posponerlo más y ponerme con ello, aunque me lleve varios meses (espero que no).

Estamos en Nuevo México. El padre Fred Stadtmuller pilota un avión para moverse por las zonas más remotas. Su destino actual es un pueblo donde tiene que oficiar un funeral. El mismo día regresa a su iglesia en Mosquero para seguir con sus labores de párroco. Allí lleva ya 8 años.

Su duración es de 9 minutos.

Se trata del primer trabajo de Stanley Kubrick, quien aparte de dirigirlo también lo escribió. Debido a que quiero tocar el máximo número posible de directores sólo voy a ver este de momento, quizás más adelante me ponga con los otros dos cortos que hizo al principio de su carrera. Al día siguiente una niña acude a su puerta para pedirle ayuda porque otro niño llamado Pedro es un abusón. Aparte sus aficiones son criar canarios y la caza.

En el reparto tenemos a Fred Stadtmueller, Bob Hite (narrador) y a Pedro, todos haciendo de sí mismos.

Es una producción de la RKO.

Es llamativo pues tiene poco de Kubrick en realidad, viene a ser un documental puro y duro. Pero vamos, como se suele decir, con algo tenía que empezar.

Me recuerda un poco a los cortometrajes que se hicieron a finales del siglo XIX mostrando los primeros despegues y vuelos de aviones. También sus accidentes. En parte porque sólo oímos la BSO y la voz del narrador, a pesar de que vemos a la gente que aparece hablando.

Es fascinante la cantidad de planos. Hay mucho detalle y cuidado a la hora de mostrar todo. Especialmente cuando el padre vuela a recoger un bebé enfermo y a su madre que están a unos 50 km.

En resumen, un cortometraje documental que nos muestra una historia interesante.

Eyes Wide Shut (1999)

Esta la titulamos igual.

Bill y Alice son un matrimonio convencional. Tras regresar de una fiesta de navidad ella le cuenta sus fantasías sexuales (en esencia es acostarse con otros hombres). Eso crea en él la necesidad de ponerle los cuernos, aunque lo de ella ha sido sólo en mente. Pero le interrumpen cuando está con una prostituta y tras reunirse con un antiguo compañero de facultad va a una fiesta muy privada.

Adapta la novela "Traumnovelle" de Arthur Schnitzler publicada en 1926. Tuvo otras adaptaciones antes que esta, la primera fue una película para televisión titulada "Traumnovelle" (1969) y luego tenemos las italianas "Il cavaliere, la morte e il diavolo" (1983) y "Ad un passo dall'aurora" (1989). Curiosamente este año han hecho otra más, la alemana "Traumnovelle" (2024).

La última película de Stanley Kubrick. Murió 4 días después de haber presentado el corte final a la Warner. Todos dijeron que fue una muerte inesperada, no mostró signos de encontrarse mal durante el largo rodaje. Hizo un cameo, aparece sentado en el café Sonata frente a la mesa de Bill.

Con Tom Cruise (Dr. William Harford), previamente había hecho "Jerry Maguire" (1996) y luego hizo "Magnolia" (1999). Nicole Kidman (Alice Harford), seguidamente hizo "The Others" (2001) y "Moulin Rouge!" (2001). Sydney Pollack (Victor Ziegler), sí el director de "Tootsie" (1982). Thomas Gibson (Carl), conocido por las series "Dharma & Greg" y "Criminal Minds". Rade Serbedzija (Milich), conocido por "The Saint" (1997) y "Snatch" (2000). Y Leelee Sobieski (hija de Milich), conocida por "Jungle 2 Jungle" (1997) y "Deep Impact" (1998).

También tenemos el cameo de Cate Blanchett como la voz de la mujer misteriosa, algo que se supo en el año 2019.

La versión europea es la más íntegra. En EEUU censuraron las orgías agregando digitalmente gente en medio para tapar las partes más explícitas.

Tiene el récord Guinness por el rodaje continuo más largo, con un total de 400 días (de finales de 1996 a principios de 1998).

Se la considera como película inacabada, sin embargo sólo faltaban unos pequeños toques al final como es la música. Claro que se tiraron 1 año de post producción.

La escena de la sala de billar tuvo unas 200 tomas, se tiraron 3 semanas repitiéndola. La del saludo en la fiesta fue rodada en unas 2 horas con unas 16 tomas. Una escena de Tom Cruise atravesando una puerta fue repetida 95 veces. Me pregunto si se podrían ver algunas de dichas tomas, por mera curiosidad, a ver qué tan diferente eran.

Las teorías conspiranoicas tratan de encontrar paralelismos entre la película y el caso de Jeffrey Epstein. Probablemente alimentadas por un comentario que hizo Kubrick en los 80 sobre que una de sus películas haría temblar a Hollywood.

Tiene una duración de 2 horas y 40 minutos. Es una de las películas de Kubrick que menos veces he visto, ya en su momento me costó bastante animarme a hacerlo.

Lo primero que vemos nada más empezar es el culo de Nicole Kidman. Ella no estaba del todo segura de querer mostrar su cuerpo y le dijo a Kubrick que primero quería revisar cómo se veía antes de aceptar hacerlo. Al final le pareció bien porque nadie se reía de ella ni nada. Es el primero de muchos de sus desnudos en la película. Y normalmente no diría esto, pero creo que son demasiados, no sé exactamente qué pretendía el director con esto pero es que la vemos hasta meando.

Pasada una hora exacta de película Bill lee la contraseña "Fidelio".

Me acabo de dar cuenta que la música extraña que suena cuando llega a la mansión, cuyo título es "Masked Ball" y es de Jocelyn Pook, es la que usa Ghost al principio de sus conciertos.

De todo lo que sucede lo de que la prostituta coja el SIDA no sé si forma parte del plan de "limpieza" de la sociedad secreta.

Lo más peculiar es que pese a los diferentes intentos por follarse a una mujer del protagonista nunca lo consigue, siempre hay algo que le interrumpe o alguna buena razón para no hacerlo. Con lo cual técnicamente hablando no le puso los cuernos a su esposa, y ella a él tampoco pues todo lo que le cuenta son fantasías. Digamos que la situación entre ambos se complica de forma innecesaria porque sí.

Me recuerda ligeramente a "After Hours" (1985), sólo que en esa consiguen llegar a cotas de locura bastante superiores y dura la mitad.

La última palabra que se dice en la última película de Kubrick es "fuck". No podría ser de otra manera.

En fin, es una película que podría haberse extralimitado en muchos sentidos, no hay demasiadas muertes, no vemos ningún acto sexual depravado (sólo gente follando delante de otra gente), ni siquiera les vemos tomar drogas, aunque una sufra dos sobredosis (la segunda mortal).

A mí se me hace pesada de ver, porque no tiene demasiada miga. No sé qué busca el director, pero no acabo de ver nada que me llame la atención. La escena más peculiar quizás sea la de los dos japoneses y la chica de 16 años, pero no es suficiente porque al verlos con las pelucas resulta totalmente ridícula la situación.

No me parece lo mejor de Kubrick. Curiosamente existen dos versiones sobre su opinión de esta película, en una dijo que es su mayor obra maestra, en otra que es la mayor mierda que ha filmado. Y supongo que los críticos se dividirán siguiendo esos dos extremos, porque siempre es así con los grandes directores.

The Shining (1980)

Aquí la titulamos "El resplandor". Se hicieron 300 versiones del póster hasta elegir este.

Jack Torrance, su esposa Wendy y su hijo Danny van a pasar el invierno cuidando un enorme hotel llamado Overlook en medio de las montañas, aislados del mundo exterior. Y todo parece ir estupendamente una vez se establecen hasta que de repente empiezan a ver fantasmas y Jack se vuelve loco.

Resulta curioso que haya hablado de la película en el blog en varias entradas y nunca le haya dedicado una a ella. Es una de tantas que creía que ya estaba y al buscarla descubrí que no. Las de esta selección suelen seguir ese patrón.

Entre las entradas que digo está la de la secuela "Doctor Sleep" (2019) y el documental "Room 237" (2012), en el cual analizaban muchos de los detalles de la película.

No tengo ni la más remota idea de cuántas veces he visto esta película, muchas seguro, pero si queréis tener una experiencia diferente intentad buscar en cada plano algo de color rojo. Es para volverse loco, sale casi siempre y en los lugares más insospechados.

Basada en la novela de Stephen King, la cual fue un éxito en su momento. El director expresó que no le acababa de gustar esta adaptación. He de decir que es una mis películas favoritas y que la otra adaptación que hicieron en 1997 (una miniserie para televisión), más fiel a la novela, no me llama demasiado la atención.

El título se le ocurrió a partir de la canción "Instant Karma" de The Plastic Ono Band (la de Yoko Ono y John Lennon), en la que dicen "We all shine on".

Dirigida por Stanley Kubrick. Fue su primera película de terror.

En el reparto tenemos a Jack Nicholson (Jack Torrance), su segunda película de terror tras "The Terror" (1963). Shelley Duvall (Winifred "Wendy" Torrance), protagonizó "Frog" (1987) y salió en "Popeye" (1980). Danny Lloyd (Danny), fue su debut en el cine aunque sólo hizo otra película para televisión y regresó en "Doctor Sleep" (2019), ya que dedicó su vida a la enseñanza. Y Scatman Crothers (Dick Hallorann), salió en "One Flew Over the Cuckoo's Nest" (1975) y en "Twilight Zone: The Movie" (1983).

Danny originalmente iba a ser interpretado por Cary Guffey, el niño de "Close Encounters of the Third Kind" (1977), pero sus padres se negaron por la temática de la película.

El guion tuvo tantos cambios a medida que se rodaba que Jack Nicholson dejó de leerlo esperando para aprenderse las páginas nuevas cada día.

Jack Nicholson fue quien sugirió a Scatman Crothers. El pobre Crothers sufrió mucho por las repeticiones de las escenas, una de tantas llegó a más de 100 veces.

Shelley Duvall tuvo varios ataques de ansiedad y colapso mental durante el rodaje. Según explicó, Kubrick abusaba mentalmente de ella para que su personaje estuviera en un constante estado de pánico.

Stanley Kubrick quiso rodar la película en orden, eso obligó al estudio a usar todos los platós de Elstree Studios para tener todas las partes del hotel listas para ser usadas en cualquier momento. Eso retrasó los rodajes de "Reds" (1981) y "Raiders of the Lost Ark" (1981).

Es una película que posteriormente ha sido referenciada hasta el aburrimiento en todo tipo de títulos. Por ello no voy a listarlos.

Stanley Kubrick es famoso por hacer repetir tomas. A lo largo de la entrada iré poniendo escenas donde fueron notarias dichas repeticiones.

Fue una de las primeras películas en usar steadicam. Las imágenes con las que arranca fueron rodadas desde un helicóptero usando una.

El arranque de la película es prácticamente idéntico al de "The Car" (1977), incluso usan la misma música y un color de texto de los créditos iniciales similar.

Y hablando de coches, el que conduce Jack es un Volkswagen Sedan "Beetle" de 1973 de color amarillo.

En la primera imagen donde vemos el hotel vemos que no tiene ningún laberinto, ni jardín. Alguien se ha molestado en contar los coches aparcados, son 42.

La corbata que lleva Jack durante la entrevista con Stuart Ullman tiene el dibujo del laberinto. Se podría interpretar que el laberinto vino con él, pero no, es un fallo lo de la imagen aérea.

Ullman llama a un tal Bill Watson al principio de la entrevista para que se una a ellos. Es quien lleva el hotel durante todo el año, osea el tipo al que sustituirá Jack, cosa que no mencionan.

Wendy está leyendo "The Catcher In The Rye" de J.D. Salinger durante la escena del desayuno, cuando Jack está en la entrevista.

No explican nada del amigo imaginario de Danny, de nombre Tony. En el libro es su yo futuro (el segundo nombre de Danny es Anthony) que le habla. Es una especie de conciencia benevolente, sexto sentido y amigo. También es visible en un momento dado. En la película Tony es malvado, como si Danny tuviera algún tipo de problema mental, e incluso llega a poseerle para hacerle escribir "REDRUM" con pintalabios.

Durante la entrevista Ullman dice que las hijas de Delbert Grady no son gemelas, que de hecho tienen 8 y 10 años.

Y siguiendo con el tema del 42, Danny lleva una camiseta con dicho número en la manga cuando habla con Tony frente al espejo.

La escena de la sangre que sale al abrirse las puertas tuvieron que repetirlas tres veces, lo cual parece poco pero es que cada vez necesitaban 9 días para prepararla. Al final se tardó un año en conseguir la toma buena, la principal queja de Kubrick era que el líquido que usaban no parecía sangre.

Era una escena que querían quitar de los trailers pero el director les convenció para que la dejaran aludiendo que era agua con óxido (en realidad también llevaba tinte rojo).

Creo que nadie ha mencionado los osos que salen en la película. Cuando Danny es visitado por la doctora está acostado sobre una almohada que tiene la cara de uno.

La Expedición Donner de la que habla Jack, tras ser mencionada por Wendy, mientras van todos juntos en el coche hacia el hotel, ocurrió en la Sierra Nevada (California) en el invierno de 1846. Se quedaron aislados y de los 87 miembros solamente 48 sobrevivieron y llegaron a California, muchos de ellos tras haberse comido a los muertos para lograr su supervivencia (tal y como relata Jack). Su historia fue adaptada en la película "The Donner Party" (2009) y en la película para televisión "Dead of Winter: The Donner Party" (2015).

Durante todo el inicio vemos ligeras pistas de que Jack no es un hombre del todo cuerdo. Cuando le hablan de que Delbert Grady mató a su familia con un hacha apenas reacciona, la historia de cómo le dislocó el brazo a su hijo es contada por Wendy como si fuera una excusa de él y luego cuando habla de canibalismo con el crío (de 5 años) lo ve como la cosa más normal del mundo.

Al llegar al hotel vemos a Jack sentado leyendo una revista y comiendo algo. Lo peculiar de esa parte es la revista, se trata de una Playgirl (la de enero de 1978), que contiene contenido erótico, algo que sería muy raro de encontrar en la recepción de un hotel incluso en los años 70.

Es sutil pero cuando Danny habla con Hallorann sobre "el resplandor" se nota que hicieron muchas tomas porque la cara del niño cambia bastante, en algunos planos tiene ojeras o manchas del helado de chocolate junto a las comisuras de los labios y en otras no tiene nada. En realidad si te fijas mucho mucho durante la película se nota cada vez que hay cambios de plano porque algo está ligeramente diferente.

Hay bastantes cambios respecto a la novela, uno de los más notables es que el número la habitación "maldita" era 217 y en la película es 237.

Danny montando su triciclo por el pasillo es una referencia a "The Omen" (1976). Para lograr grabar con la steadicam puesta tan cerca del suelo usaron una silla de ruedas.

Cuando Wendy despierta a Jack una vez establecidos en el hotel vemos que él lleva una camiseta que pone Stovington. En la película no lo mencionan pero es el colegio en el que daba clases.

En la escena en la que Jack juega con la pelota el guion sólo ponía que no estaba escribiendo. Vemos por primera vez la máquina de escribir, de color blanco.

Una de las mejores escenas sucede cuando Jack está mirando la maqueta del laberinto y entonces pasan a un plano muy alto donde vemos a Wendy y Danny en el centro, dando la impresión de que les está observando.

La primera vez que vemos a Jack escribiendo con la máquina vemos que ha cambiado al color gris oscuro.

Es otra película donde vemos la famosa "mirada de Kubrick", la hace Jack cuando Wendy y Danny están en la calle jugando con la nieve.

Tras perder la comunicación vía teléfono Wendy y Danny miran "Summer of '42" (1971) en la tele. Otra referencia al 42.

Otro cambio notable respecto a la novela es que la caldera sólo aparece una vez en la película, cuando Wendy está inspeccionándola mientras Danny encuentra la habitación 237 abierta. En el libro es un elemento clave.

Lloyd, el camarero, iba a ser interpretado originalmente por Harry Dean Stanton, pero no pudo porque estaba rodando "Alien" (1979). El actor que lo interpreta es Joe Turkel (Lloyd), quien poco tiempo más tarde haría de Eldon Tyrell en "Blade Runner" (1982), en la cual usaron algunas tomas desechadas de esta película.

Cuando Jack está contándole a Lloyd lo que pasó con Danny dice que sucedió hace 3 años, sin embargo al principio Wendy le cuenta a la doctora que lleva 5 meses sobrio, porque dejó la bebida justo ese día (aunque serían 6, porque llevan uno viviendo el hotel). Más que un error esta vez se puede leer como que la mente de Jack empieza a divagar.

Hallorann está mirando la tele cuando recibe el mensaje telepático de ayuda de Danny. Habían rodado una escena bastante más espectacular en la que iba conduciendo su coche cuando de repente se le descontrola causando un accidente, pero decidieron cambiarla. No sé muy bien la razón pero al actor no le hizo ninguna gracia.

En esa misma escena vemos que encima de su televisor tiene un cuadro de una mujer negra con los pechos desnudos y otro similar encima de la cama. Es para decirle al espectador que no se trata de un hombre espiritual sino de lo más corriente. Siendo más detallistas al lado del mueble vemos unos cuantos vinilos siendo el primero el del álbum "Commoners Crown" de Steeleye Span en el cual hay una canción titulada "Long Lamkin" (basada en la canción tradicional "Lamkin") cuya letra narra la historia de una mujer y su hijo siendo asesinados por un hombre (depende de la versión puede ser también un demonio o un villano sin motivo alguno). Como dato extra Peter Sellers toca el ukelele y pone su voz en algunas de las canciones.

Me acabo de dar cuenta de que la alfombra de la habitación 237 tiene los colores en negativo de la del pasillo.

Las mujeres que salen en la bañera fueron interpretadas por Lia Beldam (la joven) y Billie Gibson (la mayor), para ambas era su primer papel y no hicieron nada más posteriormente. La primera no tuvo ningún problema en salir desnuda ni de estarlo frente al equipo (porque, cómo no, tuvieron que repetir la toma muchas veces).

El camarero que tira las copas "accidentalmente" sobre Jack es Delbert Grady, el tipo del que le hablaron durante la entrevista que mató a su mujer y dos hijas con un hacha.

Siguiendo con los detalles minúsculos el cortometraje animado que mira Danny (bueno, Tony) del Correcaminos es "Stop! Look! And Hasten!" (1954). En dicho episodio el Coyote persigue al Correcaminos a través de un laberinto de vías de tren. Como lo que sucede al final de la película.

La secretaria de Stanley Kubrick, Margaret Adams, se pasó semanas (quizás meses) escribiendo a máquina las páginas donde pone "All work and no play makes Jack a dull boy". Vemos un montón de esas páginas y hay diversos errores (hechos adrede) en todas ellas. Uno de los más peculiares es el que pone "adult boy" (en la penúltima página que se ve), que viene a indicar los problemas de madurez de Jack.

La escena de Wendy subiendo la escalera de espaldas con el bate en la mano también fue repetida varias veces. Sin embargo hay una discrepancia en el número, unos dicen que fue 127 veces y otros unas 40. Se nota que fue repetida porque oímos como Jack empieza a perder la voz.

Cada vez que se le aparecen fantasmas a Jack tiene un espejo cerca, excepto cuando está encerrado en el almacén. Claro que ahí no ve al fantasma, sólo le oye.

Alguien se ha molestado en contar las veces que dice Tony "Redrum" y son 43. Quiero pensar que se han equivocado contando y son 42.

La famosa escena de Jack rompiendo con un hacha la puerta está inspirada en "Broken Blossoms or The Yellow Man and the Girl" (1919). Y el "Here's Johnny!" proviene de "Körkarlen" (1921) y del programa "The Tonight Show Starring Johnny Carson". En el guion original decía "That's all, folks!".

Originalmente querían usar una puerta falsa para facilitarle la tarea de romperla a Nicholson, pero él trabajó como bombero voluntario y resultaba poco creíble así que le pusieron una de verdad. En total destrozaron 60 puertas y tardaron 3 días en grabarla.

Nunca me había fijado en que Wendy está dentro de la bañera. Ni tampoco que cuando oyen el motor del vehículo en el que viene Hallorann vemos a Jack frente a la puerta que acaba de romper y hay 2 agujeros en vez de uno.

Por cierto, Wendy tiene un problema grave con las puertas. Cuando se pone nerviosa es incapaz de abrirlas.

Tiene que ser una jodienda pegarse un viaje de varias horas a toda prisa para ir a ayudar a alguien y que nada más llegar te claven un hacha en el pecho. A mí me molestaría enormemente.

La escena de Wendy subiendo las escaleras con un cuchillo en la mano se repitió 35 veces. Cuando alcanza la parte superior ella ve a un hombre disfrazado de oso practicando sexo con Horace Derwent, el anterior dueño del hotel.

Usaron 900 toneladas de sal mezclada con espuma de poliestireno para crear la nieve de la parte final. Posteriormente la nieve falsa fue usada para recrear el planeta Hoth en "Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back" (1980).

En la novela los animales hechos con setos cobran vida. Eso no podían conseguirlo con los efectos de aquella época y por ello Kubrick optó por hacer un laberinto de seto. Para la escena de Jack persiguiendo a Danny por el laberinto se tiraron un mes de rodaje y los del equipo se solían perder en él así que tuvieron que usar walkie-talkies para pedir ayuda en caso necesario.

Los esqueletos que ve Wendy en la entrada del hotel son de personajes que hemos visto durante la escena del baile. Destaca el de Grady haciendo de camarero con las mismas copas que derramó sobre Jack.

La foto de 1921 que aparece al final es real, simplemente le pegaron la cabeza de Jack Nicholson. Kubrick quería usar extras para crearla pero se dio cuenta que no había nada mejor que una foto real.

La explicación de los fenómenos paranormales que suceden es que el hotel fue construido sobre un cementerio indio. Osea, la misma que usaron en "Poltergeist" (1982). En realidad hay más referencias a los indios, por ejemplo que Danny usa una de sus estrategias más conocidas para huir de Jack en el laberinto.

Como no podía ser de otra manera la entrada ha quedado eterna, pero es una película que lo merece. Y ojo, que hay muchas más cosas y detalles, sólo me he centrado en los que recuerdo o he leído sobre ellos. En todo caso es una de mis películas favoritas de todos los tiempos, no me importa revisitarla de vez en cuando. Ah, y una cosa importante antes de terminar, soy un firme defensor de las versiones originales en parte porque el doblaje de esta película en España fue horrible.

Barry Lyndon (1975)

Y otro título relevante más.

Barry Lyndon ha crecido en la casa de su tío y allí se enamoró de su prima Nora y por ello decide batirse en duelo con el primer pretendiente que tiene, un capitán. Tras ello huye a Dublín para que no le apresen. Sin embargo tras perder todas sus posesiones en un atraco se ve obligado a ingresar en el ejército. Allí se encuentra con un tipo que conocía al que le disparó y le cuenta que no sólo no murió sino que se casó con su prima.

Es la única película de Stanley Kubrick (de sus más conocidas) que nunca he llegado a ver, así que habrá que solucionarlo. Tras ella me quedarán sólo sus tres primeros trabajos, titulados "The Killing" (1956), "Killer's Kiss" (1955) y "Fear and Desire" (1953), pero eso será para más adelante.

Muchos planos tratan de emular pinturas del siglo XVIII, especialmente de Thomas Gainsborough.

Usaron una cámara que tiene el récord de mayor apertura para poder rodar las escenas iluminadas con velas (las cuales eran especiales, se consumían muy rápido pero hacían más luz de lo normal). De hecho hay un mito sobre esta película según el cual no usaron luz artificial en ninguna escena, pero es falso.

Hay más leyendas, como por ejemplo la de que sólo usaron ropa echa en la época en la que transcurre la historia. Lo cierto es que sí compraron algunas ropas antiguas pero también fabricaron otras para que se pareciesen más a las que se ven en los cuadros que mencioné antes.

O que aunque originalmente tenía en mente rodar una película sobre Napoleón, el hecho de que "Waterloo" (1970) fuese un fracaso no le condicionó para abandonar dicha idea. La verdad es que me hubiera gustado ver una versión de la vida de Napoleón plasmada por Kubrick para poder compararla con la de Abel Gance.

Lo que sí es cierto es que Kubrick hizo repitir a los actores algunas escenas decenas de veces, como era su costumbre, para encontrar diferentes matices.

Está dividida en dos partes más un epílogo, debido a su larga duración.

La película arranca con una escena de un duelo a muerte con pistolas y por algún motivo nunca los había asociado a los del salvaje oeste.

Lo siguiente que vemos es al protagonista mostrándonos el dicho popular "cuanto más primo más me arrimo".

En la escena de la pelea vemos como el protagonista finta y se mueve muy bien. El actor no tuvo que entrenar pues había practicado boxeo previamente.

El primero entrentamiento armado resulta un tanto estúpido. Los soldados ingleses marchan hacia sus rivales quienes no cesan de dispararles.

Tiene un intermedio a la hora y 40 minutos, poco más o menos. Tras ello pasamos a la segunda parte.

Un detalle peculiar es que no nos cuentan toda la historia porque hay partes en las que no se saben a ciencia cierta qué sucedió. Me hace gracia en cierta manera, debido a ello no sabemos cómo terminó el protagonista aunque nos dan una vaga idea.

Es una película que si conoces un poco más sobre los detalles de su grabación creo que la disfrutas más. He visto varios detalles que han sido repetidos en títulos posteriores y por ello no me ha sorprendido en exceso lo que es la trama en sí, pero visualmente hablando se nota que han cuidado mucho los detalles, en varios momentos parece que estemos viendo cuadros que han cobrado vida, es fascinante.

Además Kubrick echa mano en varias ocasiones de un recurso que hace que parezca un cuadro, el de empezar encuadrando un detalle y poco a poco ir alejando la cámara mientras los personajes apenas se mueven.

Definitivamente me tengo que animar a ver el resto de sus títulos, por mera curiosidad.

Full Metal Jacket (1987)

Aquí la titulamos "La chaqueta metálica".

El Sargento de Artillería Hartman acaba de recibir a su nuevo grupo de reclutas, listos para ser entrenados antes de enviarlos a la Guerra de Vietnam. Tras varias semanas de entrenamiento todos pasan, incluido uno al que apodan Gomer Pyle. Pero el último día se vuelve loco y mata al sargento de instrucción para suicidarse seguidamente. De ahí pasamos a la Guerra del Vietnam donde Joker es un periodista militar a quien manda al frente.

El título que pusimos aquí es una traducción que no es del todo correcta. El término "Full metal jacket" no se refiere a una "chaqueta de metal" sino a las balas "encamisadas", en las que el interior es de un material blando (casi siempre plomo) y el exterior es de metal duro (cuproníquel es el más usado). Se llevan usando desde la década de los 1880.

Está basado en el libro "The Short Timers" de Gustav Hasford publicado en 1979.

Dirigida por Stanley Kubrick. Hace mucho que no comento una película suya. Diría que menos las tres primeras que hizo las he visto todas. Habrá que poner remedio a ello, pero más adelante.

En el reparto tenemos a Matthew Modine (Soldado Joker - J.T. Davis), le vimos en "Cutthroat Island" (1995). R. Lee Ermey (Sargento de Artillería Hartman), le vimos en "Mississippi Burning" (1988). Vincent D'Onofrio (Soldado Gomer Pyle - Leonard Lawrence), es Kingpin en el MCU. Adam Baldwin (Animal Mother), salió en "Serenity" (2005). Y Ed O'Ross (Teniente Touchdown), conocido por "Red Heat" (1988).

A Kubrick le impresionó mucho R. Lee Ermey, hasta el punto que decidió usar sus improvisaciones y casi todas sus escenas eran grabadas con un par de tomas. Menos una que tomó 37, cómo no, la de la revisión de las tropas cuando se ponen de pie encima de las cajas frente a las camas.

Aunque para mí el mejor es Vincent D'Onofrio y eso que ni siquiera sale en toda la película, por motivos obvios. Aún tiene el récord de actor que más peso ganó para su papel con casi 32kg.

Una de las escenas cortadas era de un grupo de soldados jugando a fútbol. Se ve que era demasiado mostrar que la pelota en realidad era una cabeza humana.

Otra escena cortada es del soldado Joker follando con una prostituta vietnamita. A Kubrick le pareció que rompía con la ambientación que había creado.

Las caras de mala leche de algunos a los que les cortan el pelo en la escena con la que arranca la película son debidas a que Kubrick decidió dejar esta escena para el final. Durante la grabación tuvieron que afeitarse la cabeza a diario y por fin les había crecido algo el pelo.

Creo que es la primera vez que la veo en VO y me llama mucho la atención algunas de las cosas que dicen.

En la primera toma de contacto con el sargento nombra a "niggers, kikes, wops or greasers". Se traduciría como "negros, judíos, italianos o moteros", este último concepto es el que no me acaba de encajar, aunque tenga mucho sentido en el momento en el que transcurre la acción.

La frase "There are only steers and queers in Texas", se traduce literalmente como bueyes (un toro castrado) y maricas. Luego la expresión "peter puffer" viene a querer decir "el que fuma penes". Después tenemos la de "only faggots and sailors are called Lawrence. From now on you're Gomer Pyle.", Gomer Pyle viene de una serie de los años 60 titulada "Gomer Pyle, U.S.M.C." protagonizada por un soldado muy torpe. Por último lo de "you had best square your ass away and start shitting me Tiffany cufflinks" quiere decir que espera que a partir de entonces se comporte como un buen soldado y que "cague gemelos de Tiffany", osea de alta calidad, vamos que espera que sea el soldado perfecto.

Hay gente que no acaba de pillar el humor de esta primera mitad. El discurso peyorativo y derogatorio está enfocado precisamente para lograr dicho fin. La exageración llevada al límite por parte del sargento con sus bellas metáforas no buscan insultar al espectador, más bien lo contrario.

La oración de los rifles es realmente interesante ya que pone de manifiesto lo que dijo el sargento al principio, que le da igual qué raza seas o a qué religión pertenezcas, desde ahora tu "novia" es tu rifle (y por eso han de ponerle un nombre de chica).

Para despertarles grita "reveille", en español sería el toque de diana. La palabra correcta sería "réveiller" y quiere decir levantarse. Proviene de una canción francesa cuya letra no sólo indica lo de levantarse sino recordar a aquellos que sirvieron previamente.

Lo de "Semper fi, do or die, gung ho" combina tres conceptos. Del latín "Semper fidelis", siempre fiel (a la marina, a dios, a la familia, al país y a la infantería, tal cual). "Do or die" proviene de un poema de Robert Bruce titulado "March to Bannockburn”, que trata sobre la primera guerra de la independencia de Escocia. Por último "gung ho" viene del chino "工合" que se traduce como trabajar juntos o en armonía, aunque el significado que le dan es ser muy entusiasta o energético.

Es obvio que Leonard tiene algún tipo de trastorno desde el principio. El primer momento en el que se nota es cuando está sonriendo mientras el sargento le grita o cómo poco a poco va descendiendo en una espiral de locura. Tras el castigo nocturno de sus compañeros habla solo y tiene la mirada perdida. El soldado Joker es quien se da cuenta, más que nada porque es el que está más pendiente de él.

Dice que es un "Section 8", que viene a ser una categoría dentro del ejército estadounidense donde están los que tienen problemas mentales y por lo tanto no pueden servir. También incluye travestis, gays, lesbianas, bisexuales y transgénero. Proviene de la Segunda Guerra Mundial. El problema es que los que terminan ahí luego tienen problemas a la hora de encontrar trabajo en la vida civil y no pueden obtener los beneficios de los veteranos. Hoy en día no se aplica, aunque dejaron de hacerlo en el 2005.

En la última noche Joker dice que está de "Fire watch". Está claro que se refiere a vigilancia nocturna, el término se aplica a los que vigilan en el campo de batalla y, normalmente, están en un lugar con su arma preparados para disparar si es necesario.

Cuesta mucho de ver pero en el suicidio de Leonard la sangre en la pared proviene de la parte izquierda de la pantalla. Está muy logrado.

La segunda mitad de la historia arranca con la canción "These boots are made for walkin'" de Nancy Sinatra.

La puta vietnamita dice "me so horny", "me love you long time" y "me sucky-sucky", son frases que han pasado a la cultura general.

En la siguiente escena vemos una serie de tanques M41 y un helicóptero S55. Los tanques son reales, un coronel belga que era muy fan de Kubrick se los prestó. El helicóptero tuvo que ser pintado del verde característico que usaron en Vietnam, es de alquiler.

En la sala de prensa hay un cartel que pone "First to go last to know - We will defend to the death your right to be misinformed". Me recuerda a "Good Morning, Vietnam" (1987), es fascinante lo mucho que tiene en común con la segunda mitad de esta película.

La frase "I want to see fur and early morning dew" quiere decir que quiere ver pelo (supongo que del coño) y lo que sería el equivalente a levantarse palote pero para mujeres, que no creo que tenga una traducción directa, quizás levantarse mojada.

Pocas imágenes son más irónicas que Joker con el mensaje "Born to kill" en el casco y la chapita del símbolo de la paz en el pecho.

Cuando llega Joker al frente una de las primeras cosas que ve es una fosa común. Está rodeada de militares estadounidenses pero destaca una mujer con una cámara. Se trata de Vivian Kubrick, la hija del director, quien además compuso la BSO.

Los muertos están cubiertos con cal, en inglés es "lime" que también quiere decir lima (la fruta).

Si me van a volar la cabeza por una palabra será "poontang". Significa coño.

Lo que más me gusta de la segunda mitad es el baile de rangos, cómo va pasando el liderazgo de uno a otro a medida que van muriendo.

La parte del francotirador es brutal, aunque sin fijarme demasiado se nota que no es un profesional porque para matar al primero le cuesta varios tiros.

En esa misma escena vemos que la guerra continúa, no sólo se centra en el lugar donde están. Se oyen disparos y explosiones de fondo a no demasiada distancia.

La sniper no está rezando, dice "mucho dolor" en vietnamita.

Ambas mitades de la película terminan con una referencia a Mickey Mouse. La primera la hace el sargento, la segunda la cantan los soldados mientras avanzan por las ruinas.

En la BSO tenemos temas como "Wooly Bully" de Sam the Sham and The Pharaohs, "Chapel Of Love" de The Dixie Cups, "Surfin' Bird" de The Trashmen y "Paint It, Black" de The Rolling Stones.

Es una de las mejores películas sobre la Guerra de Vietnam. Retrata de manera realista cómo morían los soldados inútilmente por avanzar unos pocos metros, cosa que al final no les sirvió de nada. Además muchos de ellos dicen que la guerra es para lo que han nacido, eso explica las enormes dificultades que tuvieron muchos al regresar a su país, convirtiéndose en unos inadaptados sociales. Pero incluso eso está explicado en la película, en la parte del entrenamiento donde son, esencialmente, adoctrinados para matar o morir.

Paths of Glory (1957)

Aquí la titulamos "Senderos de Gloria".

Estamos en 1916, en Francia. El ejército francés quiere tomar una colina lo antes posible. Se trata de una misión realmente peligrosa en la que pueden perder la mitad de sus hombres.

El presupuesto fue inferior a 1 millón de dólares de los cuales 300.000 fue el salario de Kirk Douglas (Coronel Dax). Aún así no resultó un éxito en taquilla.

Stanley Kubrick se planteó poner un final feliz para así tener una mejor acogida pero tras darle vueltas decidió dejar el original de la novela. Para lograr engañar a los ejecutivos de la productora mandaron el guión con los cambios hechos sin explicar qué habían hecho porque intuían que no se lo leerían, cosa que así fue y le dieron luz verde sin más.

Siguiendo la costumbre de escenas repetidas hasta la saciedad, Kubrick hizo 68 tomas de la última cena de los hombres condenados. En casi todas ellas hubo que preparar un pato asado porque Timothy Carey (soldado Maurice Ferol) los despedazaba de una manera diferente cada vez.

Según Winston Churchill la manera en la que muestran la guerra de trincheras era muy precisa. Las trincheras en sí eran medio metro más grandes que las reales para poder usar las cámaras portátiles.

Fue prohibida en España por su mensaje antibelicista en la época de Franco y hasta 1986 no fue estrenada. También fue prohibida en Francia hasta 1975 por la manera en la que retrata al ejército francés, en suiza por ser "propaganda subversiva contra Francia", y en Bélgica pusieron un aviso diciendo que la historia representaba un caso aislado y no reflejaba la "galantería de los soldados franceses".

A medida que avanza la historia entiendo mejor el problema que tuvieron los franceses pues no sólo se ven algunos cobardes, que matan a los suyos (por accidente), temerosos...

Acabo de percatarme de que el que manda es exactamente igual que el de "Uomini contro" (1970). Está decidido a matar a sus hombres porque no siguen sus estúpidas órdenes. De hecho creo que la italiana es una parodia de ésta.

La parte más ridícula de la historia es la del consejo de guerra. Las preguntas del fiscal son estúpidas y está claro que todo es un paripé sin sentido. Y cuando van a fusilar a uno que ha sufrido una conmoción cerebral es para mearse.

He leído bastante sobre la Segunda Guerra Mundial y recuerdo un par de libros en particular que hablaban de cómo ejecutaban los nazis a los suyos. Esta película es básicamente igual. El encargado de dicha tarea era alguien que bien podría estar al otro lado del fusil y todo ello carecía de sentido.

De todas maneras me parece muy exagerada la reacción de los franceses, al fin y al cabo la situación que viven los soldados y su manera de reaccionar me parece de lo más natural.

Una película interesante, era una de las pocas que no había visto de Kubrick.

Spartacus (1960)

Aquí la titulamos "Espartaco".

Espartaco ha sido un esclavo romano toda su vida. Tras trabajar en una cantera termina siendo comprado por Batiatus quien le entrena como gladiador. Pero tras la primera pelea a muerte se rebela y se unen a él todos los esclavos.

Hace años vi las series y me quedé con ganas de volver a rescatar la película clásica pero al final se me pasó.

Dirigida por Stanley Kubrick. Es la quinta de las 13 películas que conforman su filmografía, es interesante que fue una de las que no participó en la concepción del guión ni tampoco hizo la labor de productor.

En el reparto destacan los nombres de Kirk Douglas (Spartacus), Laurence Olivier (Crassus), Charles Laughton (Gracchus), Peter Ustinov (Batiatus), Herbert Lom (Tigranes Levantus) y Tony Curtis (Antoninus).

Hay un montón de versiones con diferentes duraciones (destacan las restauradas de 1991 y 2015). La original dura 184 minutos, creo que es la más común.

Fue rodada en Alcalá de Henares.

La película tarda 8 minutos en comenzar. Esto es debido a que tiene un preludio musical y luego empiezan los créditos de inicio. En ellos me ha llamado la atención especialmente que Kirk Douglas sea un productor ejecutivo.

La opulencia de quienes ostentan el poder está plasmada en escenas como la de la mujer que quiere ver a unos hombres peleando a muerte sólo por su diversión, al precio que sea.

A medida que avanza la historia no tengo muy claro qué posición del senado romano es la buena y cuál la mala. Es una lucha de poderes en la que lo único que miran es salvar su propio culo hundiendo al de sus rivales.

La escena del enfrentamiento entre el ejército de Roma y el de los esclavos me ha recordado mucho a "Braveheart" (1995). Salvando la diferencia espacio/temporal viene a ser un combate muy parecido, aparte que la manera en que lo enfocan al principio mientras van disponiéndose los romanos es similar. A ese respecto es realmente fascinante ver la sincronización de tantos soldados.

En mi opinión los esclavos hubieran tenido más oportunidades enfrentándose a los dos grupos de soldados que les iban rodeando en el sur que yendo hacia Roma.

La parte de las crucifixiones no la recordaba, al menos no de la película (sí de la serie). De hecho no me importaría volver a verla para poder compararlas debidamente, pero es algo que no va a ocurrir.

Sus tres horas largas de duración no ayudan demasiado a la hora de verla del tirón, aunque no se hace pesada porque van pasando por diferentes situaciones. De hecho lo realmente curioso es que al terminar me he quedado con ganas de más porque aunque es el final de la historia de Espartaco hay personajes de los que me hubiera gustado conocer su destino.

Muchas de las cosas que parecen anacronismos no lo son. Por ejemplo llamar Italia al país, hay teorías que sostienen que ya tenía dicho nombre en la época romana. O las enormes cantidades de sextercios que mencionan a lo largo de la película parecen estar basadas en precios reales.

Es una historia trágica y como tal tiene momentos de alegría y de tristeza. Pero sobre todo es épica, centrándose en los hechos relevantes sin caer en banalidades ni escenas de relleno (como canciones o bailes). Y creo que esa es su grandeza.

2001: A Space Odyssey (1968)

Aquí la titulamos "2001: Una odisea del espacio". Los títulos previos fueron: "Across the Sea of Stars", "Universe", "Tunnel to the Stars", "Earth Escape", "Jupiter Window", "Farewell to Earth " y "Planetfall".

La aparición de un monolito negro en la superficie de la Luna tiene muy intrigados a científicos de todo el mundo. Pero la cosa se pone aún peor cuando uno similar es captado en la órbita de Marte. Por ello deciden enviar una nave para investigarlo.

Antes que nada, normalmente reservaría un título así para algún especial centenario pero se me han acumulado demasiadas películas y estoy viéndolas de forma indiscriminada y sin filtros. La variedad será lo que primará durante los próximos meses (calculo mínimo 3 para terminar esta tanda).

Aparte es una película bastante importante para mí por lo mucho que me costó terminar de verla (fuera bromas, me dormía cada vez que lo intentaba) y cuando por fin lo conseguí su final me dejó rotísimo. Pero entonces decidí que quería entenderlo y me leí el libro en el que se basó Stanley Kubrick y me gustó tanto que incluso continué con algunas de las secuelas que sacó Arthur C.Clarke.

Al leer la novela es cuando me percaté que Kubrick hizo una adaptación magnífica, cuyo final representa de una manera interesante la historia. Pero no por ello es errónea, simplemente faltan datos para poder comprenderla plenamente.

Y esa es exactamente la intención de la película tal y como comentó Clarke. La idea es dejar al espectador lleno de preguntas sin respuesta, porque para eso está la novela. Así que no os sintáis mal si algo se os escapa.

Lo primero y más importante es lo que representa esta película en el momento en que se hizo. Fue la primera producción sobre el espacio con una calidad espectacular hecha antes de que el hombre llegase a la Luna. Es parte de la razón por la que surgieron teorías conspiratorias que defienden que en realidad nunca llegaron y que fue todo grabado en un plató de cine.

Tratar de explicar todo lo concerniente a ésta película es una tarea titánica por ello no sería de extrañar que me deje cosas en el tintero. Procuraré guiarme por lo que recuerdo principalmente.

El estreno no fue un éxito precisamente y, de hecho, estuvieron a punto de quitarla de los cines. Pero de repente surgió una moda entre los jóvenes de ir a ver la secuencia final puestos de tripis y al final se convirtió en una película rentable.

Kubrick calculó que para pintar las pinturas matte usadas durante las secuencias espaciales se necesitarían 13 años. Usó a 12 pintores y las tuvo listas en 1.

Clarke y Kubrick miraron una cantidad enorme de películas de ciencia ficción para prepararse. El director explicó que el cine de George Pal fue una gran influencia, especialmente se refiere a "Conquest of Space" (1955).

Algunos afirman que copió secuencias del documental ruso "Дорога к звездам" (1957). Sin embargo Kubrick defendió que era la primera vez que se usaban técnicas como hacer "volar" al actor colgado de cables o grabar verticalmente con el actor lleno de cables, aunque hizo notar que Klushantsev le precedió.

La primera cosa notable es que no aparece Leo the Lion dando su rugido característico. Es una de las tres películas de la MGM en las que usaron un logo amarillo con el fondo azul. Las otras dos fueron "Grand Prix" (1966) y "The Subject was Roses" (1968).

El primer segmento se titula "The Dawn of Man".

Los austrolopitecos son hombres y mujeres disfrazados (salvo un par de bebés de chimpancé). Eso que parece obvio en su día hizo que perdiera un Oscar al mejor maquillaje frente a "Planet of the Apes" (1968) (que aunque fuese honorífico no está a la altura). La razón es que creyeron que usaron simios reales.

El monolito originalmente iba a ser un tetraedro pero daba problemas con las luces. Pasó a ser un cubo transparente pero los reflejos de las luces del estudio complicaban mucho las cosas. Luego un monolito rectangular pero no acababa de gustar y al final pasaron al bloque negro.

Además iba a tener una especie de pantalla que mostrase a los hombres primitivos cómo usar objetos rudimentarios como herramientas y armas. Clarke lo encontró demasiado ingenuo.

Kubrick es famoso por la repetición de una misma toma hasta que saliese como él consideraba perfecta. Un buen ejemplo es la escena en la que el hombre primitivo rompe unos huesos, incluida una calavera, en la que casi se quedaron sin calaveras de animales.

El hueso al principio se convierte en un artefacto nuclear, no en una nave (como se cree comúnmente). Dicho de otra manera, la primera arma primitiva se convierte en el arma definitiva.

El segundo segmento se titula "TMA-1". Es el único en el que no aparece el título en pantalla. T.M.A. son las siglas de Tycho Magnetic Anomaly (Anomalía Magnética de Tycho, un cráter lunar).

Me acabo de percatar que la estación espacial en construcción con las "guías" por donde irán las piezas que faltan recuerda un poco a la segunda Estrella de la Muerte en construcción.

El efecto del bolígrafo flotando en la lanzadera fue un quebradero de cabeza para el director. Al final lo logró usando cinta adhesiva de doble cara (algo recién inventado en aquel momento) y pegándolo a un trozo de cristal suspendido frente a la cámara.

No queda explícito pero las suelas de las botas que lleva la azafata son de velcro, de ahí ese primer plano.

La escena del hangar en la base espacial recuerda a "Star Wars" (1977) cuando el Halcón entra en la Estrella de la Muerte.

La primera línea de diálogo tiene lugar a los 25 minutos. Los últimos 23 minutos tampoco tienen ninguna. En total sumando todos los pequeños trozos a lo largo de la película son 88 minutos sin diálogos. Se dice pronto.

Vivian Kubrick, la hija del director, hace un cameo como la hija del Dr.Floyd.

Los rusos que están sentados al principio tienen una bolsa de la "Аэрофлот", que viene a ser la línea aérea nacional de Rusia (aún sigue siéndolo).

El diálogo que mantienen antes de la llegada del Dr.Floyd es el siguiente:
- Dr. Stretyneva: Ну куда он сейчас уедем?.
(Bueno, ¿a dónde irá él ahora?.).
- Dr. Smyslov: Эээ, приблизительно в два часа.
(Eeeh, aproximadamente a las 2 en punto.).
- Dr. Kalinin: Может быть, пойдем в обсерваторию?.
(Quizás, ¿deberíamos ir al observatorio?.).
- Elena: Как только он придет.
(Tan pronto como llegue él).

Cuesta un poco entenderlo, pero cuando dice a las 2 en punto se refiere a una dirección no a una hora, pero vamos es tal cual lo que dicen, no es que esté mal interpretado/traducido. Aparte la primera línea contiene un error, la última palabra termina en "м" cuando debería ser una "т".

Y las frases que intercambia cuando se marcha:
- Dr. Smyslov: Наверное, им очень трудно.
(Probablemente es muy difícil para ellos.).
- Dr. Stretyneva: По видимости.
(Aparentemente.).
- Dr. Kalinin: Да, очень трудно.
(Sí, muy difícil.).

La nave con la que llegan a la luna es de la compañía aérea estadounidense Pan Am.

La parte de la nave que gira (que "centrifuga") fue un set construido adrede. En esa parte se aprecia mejor lo del velcro de las suelas de las azafatas.

Personalmente lo que más me llama la atención de esa parte es que siendo un vuelo regular vaya sólo un pasajero. De hecho todo el proceso de transporte me parece poco eficiente.

El esfuerzo de Clarke y Kubrick por hacerlo todo lo más realista posible es excepcional. Por ejemplo los vehículos usados en la superficie lunar fueron los mismos que serían usados en el primer aterrizaje en la vida real. O la manera en la que hablan los astronautas, eso hizo que un crítico les echara pestes porque sonaban "demasiado militares", sin embargo cuando oyó a Neil Armstrong y compañía se comió sus palabras.

El tercer segmento se titula "Jupiter Mission".

La "Discovery One" siendo mostrada lentamente mientras avanza es un recurso que reutilizaría George Lucas en el principio de "Star Wars" (1977).

H.A.L. 9000 iba a ser un robot que se desplazaba pero Clarke vio que eso haría que en pocos años sería una idea que quedaría anticuada con el paso de los años. Así nació el omnipresente ojo rojo.

Originalmente H.A.L. iba a llamarse Athena e iba a tener una voz femenina. Por cierto, la explicación de que su nombre proviene de IBM cogiendo la letra anterior de cada sigla es falsa, en realidad proviene de Heuristic Algorithmic Computer.

La respiración que se oye durante la parte en la que uno sale de la nave para reparar una avería es la de Stanley Kubrick. Esa escena me recuerda mucho a "Gravity" (2013).

Cuando se comunican con el control de misión usan la palabra "niner" en vez de "nine" porque, por ejemplo, podría ser confundida con la palabra alemana "nein". Es algo estándar.

Y el cuarto segmento se titular "Jupiter and Beyond the Infinite".

Durante los créditos finales la famosa composición "Así habló Zarathusta" no tiene director. Esto es porque cuando Kubrick decidió usar la versión de Herbert von Karajan con la Wiener Philharmoniker pero la compañía British Decca no quiso que se asociase con la película porque sería como abaratarla. Tras el éxito de la película intentaron rectificarlo pero les salió rana porque el disco que sacaron con el título "as heard in '2001'" tenía un defecto. Aunque lo realmente curioso es que la MGM lanzó otro disco en que se incluía dicha composición pero dirigida por Karl Böhm con la Berliner Philkarmoniker y von Karajan pilló un cabreo de cuidado con los de la Decca.

Como última curiosidad, Douglas Rain (la voz a HAL 9000) acaba de fallecer a la edad de 90 años.

Es una película que muchos la consideran obra maestra y en mi opinión está más cerca de eso que de otra cosa. Consiguieron plasmar los movimientos de los astronautas en el espacio con gran certeza y la calidad de los efectos especiales está por encima de cualquier producción de la época, de hecho hoy en día dependerían demasiado de los cromas y los CGI para intentar acercarse a un nivel similar (y se notaría).

A pesar de lo mucho que me costó verla en su día con el paso de los años procuro volver a visitarla porque es una gran historia que, a pesar de que hayan cosas que queden sin explicar sin leer la novela, sigue fascinándome.