The Man They Could Not Hang (1939)

Pasamos a una serie de títulos que quería tener en el blog. Muchos los he visto ya, el resto los considero muy interesantes. Porque realmente necesito ver algo decente durante unas semanas.

El científico loco Dr. Henryk Savaard está obsesionado con resucitar a los muertos. La policía es alertada de sus actividades y Savaard es arrestado, declarado culpable y condenado a la horca. Jura vengarse del juez, el jurado y el fiscal. Tras la ejecución, su asistente reclama el cadáver y utiliza la técnica de Savaard para revivir al doctor. Ahora, el científico loco puede vengarse de quienes considera sus enemigos.

Y arrancamos fuerte, con una película de Boris Karloff (Dr. Henryk Savaard). Acabo de descubrir que al año siguiente hizo "Before I Hang" (1940), pero, a pesar de la similitud en el título no tienen nada que ver. En ambas Karloff hace de un científico, están producidas por la Columbia... y ahí terminan las similitudes.

La trama me recuerda ligeramente a otra película de Karloff, "The Walking Dead" (1936).

Claro, es un tanto complicado explicar a un doctor que alguien es capaz de devolver la vida a un muerto. Especialmente con la policía presente. Por no decir imposible.

Curioso lo mucho que se parece el científico al Dr.Frankenstein, su argumentación en el juicio viene a ser la misma que decía él.

Me encanta como amenaza a todos y cada uno de los culpables de que lo ejecuten. Esa parte es genial.

Acabo de recordar que hay otra película donde el cuerpo de un "asesino" que fue ejecutado es devuelto a la vida, además es de Wes Craven. hablo de "Shocker" (1989). Y en ambas el asesino regresa para cargarse a quienes causaron su muerte.

He buscado un poco más, tenemos más títulos similares, como "Man Made Monster" (1941), "The House on Skull Mountain" (1974), "Prison" (1987) y "The Horror Show" (1989). Todas guardan alguna similitud con esta, en mayor o menor medida.

Nos privan de las imágenes de la ejecución, ni siquiera podemos escuchar las últimas palabras del científico, pero escuchamos una narración por la radio de todo ello. Menos es nada.

En realidad, el verdadero problema que le veo a no mostrar esa escena es que no sabemos si murió por asfixia o porque se rompió su nuca al caer. Creo que es algo fundamental a la hora de poder o no resucitarlo. Pero tras resucitarlo nos lo cuentan, se rompió el cuello y su ayudante pudo repararlo... qué detalles tiene esta película.

En poco tiempo se carga a 6 de los jurados, todos ahorcados. Y en un toque de genialidad junta a los 8 responsables que quedan vivos en un mismo lugar y la trama pasa a ser un "10 negritos" con 8 personas y un asesino. Aunque, ahora que lo pienso, una vez se une la hija del científico son 10.

Esta película hubiera sido ideal para tener un remake con Vincent Price como el científico. Supongo que "The Abominable Dr. Phibes" (1971) es la que más se acerca.

No me lo esperaba esto, el científico lo tiene todo planeado al milímetro. Ya tiene su cabeza de turco, el mismo ayudante que le devolvió la vida, a quien asesinó cuando trató de detener sus planes.

Vaya, no termina con la masacre que tanto esperaba. Lástima. Supongo que era demasiado para los años 30.

En fin, gran película, cómo no. Sería extremadamente raro que una de Karloff de esta época no fuera buena.

At the Circus (1939)

Aquí la titulamos "Una tarde en el circo".

Estamos en el circo Wilson Wonders. Jeff Wilson, el nuevo dueño, está pasando por dificultades económicas así que Tony, uno de sus empleados, decide ponerse en contacto con un abogado llamado J.Cheever Loophole.

Volvieron a la MGM con esta película, tras haberles abandonado tres años antes.

Cómo no, repiten Groucho Marx (Abogado J.Cheever Loophole), Chico Marx (Antonio) y Harpo Marx (Punch). También regresa Margaret Dumont (Sra. Suzanna Dukesbury).

Forzaron a Buster Keaton a trabajar con los hermanos, y no funcionó demasiado bien su relación. Sus gags no encajaban con el estilo de humor de los Marx.

El actor dentro del disfraz de gorila no tuvo una idea mejor que hacerle agujeros de ventilación un picahielos. Los productores tuvieron que conseguir otro traje. Esa es la razón por la que se ve diferente en según que tomas, más grande o más pequeño.

Contrataron a 130 artistas del circo Hagenbeck-Wallace, el cual había cerrado un año antes.

Vuelven los numeritos musicales, cómo no.

De los hermanos el primero en aparecer es Harpo, pasados unos 4 minutos. Se me hace incluso raro que tarde tanto. Y Groucho aparece en el minuto 12.

Efectivamente, tal y como dicen ne la película, un "hot toddy" es una bebida compuesta por whiskey y miel. Pero en aquellos momentos también era el apodo de Thelma Todd, una actriz que salió en "Horse Feathers" (1932), de ahí la reacción de Chico.

Me pregunto si el gag de Groucho cayendo en el charco de agua fue lo que inspiró la famosa escena de "Groundhog day" (1993).

Chico vuelve a tocar el piano en una escena, cuando van en tren. Groucho canta una canción con Chico al piano (apenas se escucha, pero se le ve de fondo). Posteriormente Harpo toca un pequeño trombón a unos leones para calmarlos, luego le cantan una canción y termina tocando el harpa.

La superstición de la cerilla y los puros es que si usas una para encender 3 cigarros una de las personas que los fumen morirá próximamente.

Uno de los problemas que le veo es la repetición excesiva de los gags, como el del charco en el tren o el del cigarro cuando intentan interrogar al enano.

Oh, era cierto, es una de las raras veces en la que oímos la voz de Harpo al estornudar.

Una cosa que eché en falta, sin darme cuenta, es Groucho rompiendo la cuarta pared, cosa que hace cuando interroga a la chica que camina por el techo. Y luego un poco más tarde, explicando al espectador un poco lo que está pasando.

Hablando de actores que tardan mucho en salir, a Margaret Dumont la vemos más o menos al principio en una foto pero no sale hasta pasada casi una hora. Lo cual me sorprende mucho.

Definitivamente es la película con la que hacen más locuras con Margaret Dumont, de lejos, la parte final es una detrás de otra.

Algunos la critican diciendo que fue la película que marcó el principio del fin para los Marx. Yo creo que, salvando las distancias, está en un buen nivel respecto a su etapa anterior con la MGM, de hecho creo que consiguieron revitalizarse tras su nefasta película con la RKO.

Sea Scouts (1939)

Especial Tiburones 2023:

Que sí, que no me he olvidado de que estamos a finales de Julio y toca ya el especial de tiburones. Quería avanzar al máximo las películas recientes antes de ponerme con ello y dado que aún me quedan unas pocas y que tengo la impresión de que se agregarán algunas más estas próximas semanas prefiero retomarlo cuando termine.

Porque se vienen MUCHOS títulos esta vez. Es una auténtica locura que me obligará a ponerme un poco las pilas estos días si quiero rematarlo a un buen ritmo. La buena noticia es que hay bastantes cortometrajes tanto de animación como de acción real.

También hay películas en otros idiomas que no sean el inglés. Así a bote pronto recuerdo un título en portugués, otro en alemán y otro en ruso... pero puede que hayan más.

Este año las películas se remontan a la década de los años 1920, lo cual es todo un logro dado la cantidad de títulos que he visto ya. Pero bueno, como dije en anteriores especiales, esto es porque he decidido incluir películas donde los tiburones hacen apariciones casuales y no tienen demasiado peso en la trama. Algo de lo que es probable que me arrepienta.

Oh, este año también hay un par de títulos porno. Probablemente serán lo peor pero me hace gracia cuando encuentro alguno.

En fin, que me enrollo y no paro, como viene siendo habitual empezaremos con los títulos de animación. 

Sea Scouts (1939)

Aquí lo titulamos "Exploradores marinos".

Donald y sus tres sobrinos salen a navegar con una pequeña embarcación. Pronto empiezan los problemas cuando no consiguen elevar el ancla porque está enganchada en una roca. Más tarde Donald se encuentra con un tiburón que tratará de comérselo.

Su duración es de 8 minutos.

Los sobrinos de Donald originalmente se llaman Huey, Dewey y Louie. En la versión latinoamericana son Hugo, Paco y Luis y en España Juanito, Jaimito y Jorgito. Hace pocos años establecieron sus nombres originales completos: Huey es Huebert Duck, Dewey es Dewford Duck y Louie es Llewellyn Duck.

La historia origen es peculiar, son hijos de la hermana gemela de Donald, de nombre Dumbella "Della" Duck, quien se los dejó un día para que los cuidara. Posteriormente ellos fueron saliendo más con su tío cuando el marido de Della (cuyo nombre nunca ha sido revelado, pero su apellido es Duck) terminó en el hospital tras sentarse en una silla con un petardo debajo colocado por sus hijos. Y después Donald los adoptó.

Sus colores distintivos son rojo, azul y verde pero también han llevado amarillo, naranja, violeta y negro según el artista que los colorease. A partir de los 80 se estableció que Huey (Hugo/Juanito) va de rojo, Dewey (Paco/Jaimito) va de azul y Louie (Luis/Jorgito) va de verde.

El corto animado que nos ocupa es el quinto en el que aparecieron, siendo el primero "Donald's Nephews" (1938). Aparte han salido en las series "Duck Tales" de finales de los 80, su reboot del 2017 y "Quack Pack" de 1996.

En el apartado negativo tenemos que el tiburón ruge. Mucho además. Aparte que el color verde oscuro queda un tanto raro.

En el positivo tenemos que prácticamente la mitad del cortometraje trata sobre él, incluido el enfrentamiento final.

Venga, pasemos a lo siguiente.

The Dark Eyes of London (1939)

Aquí la titulamos "Los ojos misteriosos de Londres". También conocida como "The Human Monster".

5 personas han aparecido ahogadas en 8 meses y Scotland Yard no encuentra ningún tipo de explicación. El inspector Holt y su compañero, un policía de Chicago, siguen las pistas del último cadáver y todo parece indicar que un tal Doctor Orloff está implicado.

Adaptación de la novela homónima de Edgar Wallace publicada en 1924.

Fue una de las últimas películas dirigidas por Walter Summers.

Protagonizada por Bela Lugosi (Dr. Feodor Orloff/Profesor Dearborn), quien acababa de hacer "Son of Frankenstein" (1939) y "The Gorilla" (1939). El segundo personaje que interpreta fue doblado, lo cual me parece todo un acierto porque aunque su caracterización no es nada del otro mundo al tener otra voz tiene sentido que no descubran quién es en realidad.

La primera película calificada "H" de "Horror" en el Reino Unido. La calificación nació en 1933 e indicaba que era una película demasiado terrorífica para los menores de 16 años. La razón de su existencia son los monstruos de la Universal de los años 30, lo cual me parece hilarante.

Años más tarde hicieron una versión alemana titulada "Die toten Augen von London" (1961). Aparte Jesús Franco hizo toda una saga sobre el personaje compuesta por "Gritos en la noche" (1962), "El secreto del Dr. Orloff" (1964), "Miss Muerte" (1966), "Los ojos siniestros del doctor Orloff" (1973) y "El siniestro doctor Orloff" (1984). También se podrían incluir en dicha saga "El enigma del ataúd" (1967) de Santos Alcocer y "La vie amoureuse de l'homme invisible" (1970) de Pierre Chevalier.

El maquillaje de uno de los ciegos es realmente exagerado, es quizás mi único pero de esta película. Lugosi hace un papel magnífico, esencialmente porque le pega mucho hacer de caballero inglés y el doble papel es sólo un ejemplo más de lo mucho que disfrutaba haciendo películas en su momento.

Recordaba vagamente las características del personaje y en su primera aparición le vemos hacer uso de su poder de persuasión, o de hipnotismo. Es algo sutil pero durante toda la película hace gala de ello.

Me encanta, podría encajar perfectamente en la serie de películas de monstruos de la Universal, de hecho por el título y quien la protagoniza creí que así era pero se trata de una producción británica. Y como tal juegan bastante bien con el factor "personaje americano lleno de tópicos", el cual aporta el toque cómico.

Stagecoach (1939)

Aquí la titulamos "La diligencia".

Estamos en Junio de 1880. La diligencia para en el pueblo de Tonto antes de proseguir su viaje. Pero en cuanto llegan a su siguiente destino descubren que el destacamento de militares lo ha abandonado, sin embargo deciden proseguir adelante a pesar de la amenaza de un posible ataque de Geronimo.

Y otra más de John Ford/John Wayne (Ringo Kid). En serio, es puramente casual que aparezcan varios títulos de esta pareja, de hecho ésta en particular ni siquiera sabía que salía el actor. También es verdad que hicieron un montón de películas juntos.

Aunque fue la 80ª película de John Wayne hasta ese momento no había logrado demasiado, de hecho fue ésta la que le propulsó al éxito.

Del resto del reparto destaca también John Carradine (Hatfield), conocido por "The Grapes of Wrath" (1940). Y Tim Holt (Teniente Blanchard), salió en "The Treasure of the Sierra Madre" (1948). Aunque la mejor pagada fue Claire Trevor (Dallas), salió también en "Key Largo" (1948).

Es la primera película western de John Ford de la época sonora. Su anterior fue "3 Bad Men" (1926). La razón del hiato fue que era muy complicado grabar el sonido ambiente en espacios abiertos.

Durante años los negativos originales se consideraron perdidos. Resulta que John Wayne tenía una copia intacta y en 1970 permitió que la usaran para hacer una copia, en 1996 hicieron una restauración completa.

Estuvieron a punto de no rodar la escena en la que la diligencia con los pasajeros dentro tenía que pasar a flote un río porque no se les ocurría cómo hacerla. Yakima Canutt (el doble de acción de John Wayne) fue quien tuvo la idea de usar troncos huecos para mantenerla a flote, además usaron un cable bajo el agua para manejarla mejor.

Se nota que Ford es un director que proviene de la vieja escuela. No sólo se fija en lo que dicen los actores, también en sus gesticulaciones y expresiones faciales. El primer mejor ejemplo de ello son los planos fijos del director del banco.

Incluye algunos momentos cómicos. Por ejemplo cada vez que el cochero grita "Bessie, Brownie, Blackie girl!" (creo que van cambiando los caballos a medida que avanza la película, pero el no para de gritar nombres).

Me fascina lo bien integradas que están las escenas grabadas en plató.

John Wayne hace aparición pasados unos 18 minutos. Me hace gracia lo de que le apoden "kid", si bien tiene un aspecto bastante más joven de lo que estoy habituado está lejos de ser un "niño".

En un momento dado hacen una parada en un lugar lleno de mexicanos quienes tal y como ven la diligencia empiezan a hablar entre ellos. Aunque está claramente dicho por auténticos mexicanos lo que dicen no tiene excesivo sentido, por ejemplo uno suelta "parece que llevan mucha gente", desde su posición lo único que pueden ver son los caballos y los dos que la llevan, ni de coña a los pasajeros.

Una vez dentro John Wayne dice "Donde está cocina", me ha hecho gracia. Lo cierto es que en otras películas le he visto hablar algunas frases en español y no lo hacía excesivamente mal, se hacía entender vaya.

La historia de cada personaje es peculiar y algunas son realmente diferentes a los tópicos de los western. Claro que también tenemos al típico borrachín, el "bueno" que se enamora de "la chica" y unos soldados que sólo saben que cumplir órdenes...

Me ha encantado de principio a fin, definitivamente comprendo por qué es una película tan mencionada. Impresionante de veras.

Gone with the Wind (1939)

Aquí la titulamos "Lo que el viento se llevó".

Scarlett O'Hara se casa despechada con uno de sus pretendientes pero pronto recibe la noticia de que su marido ha muerto en la Guerra Civil de EEUU. Luego se marcha a Atlanta para ayudar a su mejor amiga aunque en realidad ella desea al marido. Allí juntas se harán cargo de los heridos de guerra mientras esperan su regreso.

Lo primero decir que tiene cerca de cuatro horas de duración y aún así la he visto muchas veces. No sé qué razón me impulsa a hacerlo pero incluso desde que era joven no me importaba sentarme a verla del tirón.

Está basada en la novela homónima de Margaret Mitchell publicada en 1936. Se trata de la única obra que escribió.

Es la primera película en color en ganar un Oscar a la mejor película y tiene el récord de ser la más larga con dicha estatuilla. También la primera en la que una mujer de raza negra es nominada y lo gana.

Pero hay más, si ajustásemos la inflación sería la película más taquillera de toda la historia con 4,4 billones de dólares.

A pesar de su larga duración nunca ha sufrido cortes. Si hay discrepancias en la duración de algunas versiones es porque incluyen la música de apertura, intermedio, entreacto y del final.

Es un reparto bastante extenso. Destacan Vivien Leigh (Katie Scarlett O'Hara), su corta filmografía está cargada de títulos de peso como el que nos ocupa. Ann Rutherford (Carreen O'Hara), espero ver próximamente su aparición en "The Secret Life of Walter Mitty" (1947). Olivia de Havilland (Melanie Hamilton), salió en "The Adventures of Robin Hood" (1938). Clark Gable (Rhett Butler), tengo previsto ver "The Misfits" (1961), su última película. Y Hattie McDaniel (Mammy), salió también en "They Died with Their Boots On" (1941).

De todo el reparto hoy en día sólo queda viva Olivia de Havilland, aparte con sus 102 años también es la actriz más longeva.

El productor David O. Selznick decidió despedir al director George Cukor con la excusa de que al ser un homosexual no podría dirigir adecuadamente las escenas de amor entre Rhett y Scarlett y por ello le reemplazó por un director más macho, Victor Fleming. Sin embargo Cukor siguió trabajando con Vivien Leigh y Olivia de Havilland (en privado durante los fines de semana para darles consejos de interpretación.

Uno de los temas más controvertidos es el matrimonio entre Ashley Wilkes (Leslie Howard) y su prima Melanie Hamilton.

Otro tema complicado es la manera en que fue valorada por la comunidad de raza negra. Para algunos es demasiado racista, otros creen que el papel de Hattie McDaniel representa a una mujer fuerte. Luego hay una tercera opción según la cual aunque los personajes negros son retratados negativamente al menos son una representación y una manera de hacerse ver en el cine.

Una de las escenas más famosas de la película es cuando Mammy ayuda a Scarlett a ponerse un corsé. Se lo aprieta hasta llegar a 45cm, lo cual es realmente poco. De hecho muchas actrices intentaron repetirlo en películas posteriores infructuosamente, el ejemplo más conocido es el de Nicole Kidman en "Moulin Rouge!" (2001) quien sufrió fracturas en varias costillas.

Cuando Scarlett va a Atlanta al baile para recoger dinero hay un momento en que un señor da un anuncio, parando todos de bailar para escucharle. En esa escena se ve un plano que consiste (claramente) en una imagen proyectada y dos personajes frente a ella. Me imagino que lo tenían planeado de otra manera y tuvieron que montarlo como buenamente pudieron.

Está llena de momentos cómicos, incluso el drama está mitigado porque el personaje de Scarlett es demasiado joven y hace algunas chiquilladas.

Cuando mencioné el racismo no recordaba una escena en la que un criado negro va con un hacha persiguiendo a un pollo para poder cocinarlo en la cena de Navidad. Me ha recordado al corto de animación "Sunday Go to Meetin' Time" (1936) que en su momento llegó a formar parte de "The Censored Eleven".

Creo que contiene demasiados textos para introducir diferentes momentos notables. Casi hubiera preferido una voz en off.

Aunque no hay acción bélica per se sí se ven algunos bombardeos y soldados marchando hacia el frente. Al igual que muchos heridos y muertos.

Otra escena que sucede frente a una imagen proyectada es la de Rhett llevando a Scarlett en su carromato en medio del bombardeo.

Hicieron uso de pinturas matte, normalmente hay que fijarse un poco para verlas pero en este caso era una de las primeras superproducciones en color y aún cometían errores. Por ejemplo se nota mucho cuando Scarlett va en busca del doctor. y pasa frente a un edificio en ruinas.

En esa misma escena para recrear los miles de soldados confederados heridos o moribundos usaron 800 extras y 800 muñecos. Aparte del coste menor también lo hicieron porque no habían más extras disponibles en aquel momento. Hay que fijarse bastante para verlos, pero en la parte inferior del plano a medida que se abre s ven claramente algunos (son de un color marrón claro y están muy quietecitos).

Para la escena del incendio usaron las 7 cámaras de color que habían disponibles en Hollywood en aquel momento. Fue tan grande que algunos vecinos creyeron que se estaba quemando el estudio donde fue grabada. Usaron dobles para los planos en los que están alejados de la cámara y (relativamente) cerca del fuego.

Vivien Leigh odiaba tener que besar a Clark Gable porque decía que le apestaba el aliento. Hubo un rumor que era debido a su dentadura postiza y lo mucho que fumaba aunque yo me quedo con el que contó un técnico que decía que Gable comía ajo antes de dichas escenas.

Les costó encontrar un caballo con aspecto de hambriento y cuando ya lo tenían al ir a grabar se dieron cuenta de que ya no lo parecía así que tuvieron que maquillarlo para que se le marcasen las costillas.

La primera mitad es la mejor, en mi opinión. Contiene la dosis justa de comedia, drama y romanticismo.

En la segunda mitad sale otra de las escenas más recordadas, la de Scarlett haciéndose un vestido nuevo usando unas cortinas para poder ir a la ciudad a conseguir dinero.

El Ku Klux Klan aparece en la novela. Son una especie de vigilantes que quieren vengar que un negro asaltase a Scarlett. En la película no aparecen pero se da a entender que Ashley, Rhett y los que van con ellos se disfrazan como miembros del Klan.

Me llama la atención como las otras mujeres le echan la culpa a Scarlett porque sus maridos decidan ir a por los tipos que la asaltaron. Bueno, técnicamente van a "limpiar" una zona donde se juntan granujas y gente de mal vivir, pero es la misma idea.

Tras varias décadas se escribió una secuela de la novela titulada "Scarlett" que también tuvo una adaptación aunque fue para televisión como miniserie de cuatro capítulos titulada "Scarlett" también y que fue emitida en 1994.

Personalmente creo que es una película de las básicas. Sigue sin hacérseme larga ni pesada y es que con la cantidad de cosas que suceden y los muchos personajes sólo apetece saber más y más a medida que avanza la historia. Aunque ahora mismo no dispongo de su secuela y la recuerdo como que era menos interesante (la vi cuando salió).

The Little Princess (1939)

Me fascina descubrir peliculas famosas XD. En España fue conocida como "La Princesita".

La pequeña Sara Crowe se ha de quedar en un internado para chicas en Londres mientras su padre parte a una guerra en Sudafrica. Todo marcha bien y la tratan perfectamente hasta que un dia, durante su fiesta de cumpleaños, llega la noticia de que su padre ha muerto en el frente y que ha perdido toda su fortuna. Desde ese momento la niña tendra que trabajar en tareas del hogar para compensar el dinero que debe.

Basada en novela "A Little Princess, Being the Whole Story of Sara Crewe Here Told For the First Time" (1905), que en realidad fue una adaptacion de una novela de 1888 titulada "Sara Crewe; or, What Happened at Miss Minchin's" de Frances Hodgson Burnett. Basicamente fue ampliada con varias escenas de la version teatral.

La historia en realidad no es ajena a mi, si lo es esta adaptacion. La version que conocia es "A Little Princess" (1995), protagonizada por Liesel Matthews, una actriz realmente extraña ya que solo hizo tres peliculas, dos de las cuales son conocidas. La otra a la que me refiero fue haciendo de hija del presidente de Estados Unidos en "Air Force One" (1997). Quizas algun dia comente esa version en profundidad.

Y no es la primera version, para ello habria que remontarnos a "The Little Princess" (1917), protagonizada por Mary Pickford y tras ella se hicieron varias adaptaciones mas, incluidas algunas miniseries para television.

La que nos ocupa esta protagonizada por Shirley Temple, quien ese mismo año fue rechazada para hacer de Dorothy en la que seria la version mas famosa de "The Wizard Of Oz" (1939). La verdad es que desconocia la amplitud de la carrera de Shirley y me ha sorprendido ver que empezo en 1932 y para cuando hizo esta pelicula ya llevaba mas de 20 titulos sin contar los cortos, menuda manera de explotarla. Curiosamente esta fue su primera pelicula en color.

Es mas o menos igual a la version que conocia solo que menos esoterica, salvo por el criado indio del vecino con el que habla en hindu un par de ocasiones no hay mas referencias a su estancia en dicho pais, cosa que en la de 1995 era practicamente la mitad de la pelicula. Tambien cambia bastante el final e incluye algunas canciones y bailes, tipico de las peliculas de Shirley.

Es bastante dramatica y el final resulta un tanto estresante (rozando lo comico). Si estais interesados en verla es de dominio publico.

Son of Frankenstein (1939)

El argumento continua el de "The bride of Frankenstein" (1935).

El Baron Wolf von Frankenstein, su esposa y su hijo se trasladan a vivir a la casa que su padre les dejo en herencia, donde dio vida al monstruo. Los habitantes del pueblo no se alegran precisamente por esa noticia y le dan una fria bienvenida. El Baron se encuentra con Ygor y este le conduce hasta donde tiene escondido al monstruo, despues le convence para que lo cure. La gente del pueblo se teme lo peor al ver tanto movimiento en el castillo y deciden hacer algo antes de que sea demasiado tarde.

Basil Rathbone como el Baron Wolf von Frankenstein, la razon por la que solo hizo una pelicula de Frankenstein es que se hizo muy famoso interpretando a Sherlock Holmes en los 40 y tuvo que centrarse en dichas peliculas. Una lastima ya que es el unico Frankenstein medianamente simpatico.

Bela Lugosi como Ygor, se encargo de cuidar del Monstruo durante años, se salvo milagrosamente tras ser ahorcado, desde entonces posee un bulto extraño en el cuello. Boris Karloff como el monstruo de Frankenstein por ultima vez. Debido a su mente anormal el monstruo ha perdido el habla de nuevo. Esta es la unica pelicula en la que coincidieron ambos actores.

En esta pelicula hace aparicion el inspector de policia con el brazo amputado al que se parodia en "Young Frankenstein" (1974), de hecho toda la pelicula parece ser la base argumental de la misma.

The Wizard Of Oz (1933-1939)

Segunda entrada sobre las películas del mundo de Oz, la verdad es que cada día estoy descubriendo más cosas a medida que avanzo en la lista de títulos. Una curiosidad es la cantidad de libros que existen sobre el mundo Oz (me pareció contar unos 50).

Por cierto, existe una película llamada "The Magic Cloak" (1914) que transcurre en unos mundos cercanos a Oz, está basada en el libro "Queen Zixi of Ix". Y también hay un corto titulado "Land of Oz" (1932) que es una secuela de alguna de las primeras películas pero no consigo dar con él.

The wizard of oz (1933)

Se trata de un corto de animación de 8 minutos de duración. con varios detalles interesantes. Las escenas de Kansas son en blanco y negro y las de Oz en color, siendo la primera película en la que hacen algo así. No sale el león. Tiene música original aunque ni un solo diálogo. Y, por supuesto, la animación es la típica de los años 30.

The Wizard of Oz (1939)

Esta es la version más famosa y puedo comprenderlo perfectamente pues es la primera en color, es un musical, usa el blanco y negro (bueno el sepia) cuando están en Kansas y el color en Oz. Y estamos hablando de mucho color ya que todo está bañado de colores brillantes como si fuera un arco iris.

Por otra parte tenemos el sonido, que encima al ser un musical es como un protagonista más, y destaca especialmente la voz de Judy Garland (Dorothy). Son muchos detalles que hacen que la película gane fuerza en comparación con las versiones de los años 10 y 20 y explica que se tardasen tantos años en hacer un remake o secuela de la misma, era difícil igualar o superarla.

Durante los créditos de inicio se oye una mezcla de todas las canciones que nos acompañaran durante todo el metraje, es algo que me llama la atención pues hasta que no la ves por segunda vez no te das cuenta (e incluso sin querer las tarareas mientras empieza).

Lo primero que destaca de la parte en Kansas son lo conocidas que resultan las caras de los ayudantes de tío Enrique (no pude evitarlo, mira que traducir el nombre de tío Henry XD) y más aun cuando oímos sus comentarios, al igual pasa con la casera (la bruja malvada) y el profesor Maravilla (el mago de Oz).

Curiosamente la canción "Over the rainbow" se salvó de milagro de ser cortada del metraje original, a algunos directivos de la MGM les pareció que sobraba porque hacia la secuencia de Kansas muy larga y porque degradaba la calidad de Judy Garland como cantante el cantar en una granja (en serio).

De las escenas siguientes destacan sus efectos especiales, el huracán ganando más y más fuerza, la casa volando y esa ventana que muestra las cosas que ha levantado el aire me recuerda en parte las primeras películas, casi se podría hablar de homenaje. Y por fin llega el color, es interesante ver como en un mismo plano se combina el tono sepia de Kansas con el color de Oz.

La aparición del hada buena me recuerda que es uno de los pocos cambios respecto al libro donde hay dos hadas buenas (en la película solo hay una y tiene nombre). Los zapatos de color rubí son otro de los cambios, en el libro son de color plateado.

Mirando el aspecto del mundo de Oz da la sensación de que está a medio camino entre lo real y el dibujo animado. La aparición de los pequeños (o Munchkins en inglés) me recuerda una anécdota que dice que se dedicaban a montar orgías entre toma y toma. Otra curiosidad es que habían mas de 100 "pequeños" en la escena, tuvieron que recorrerse el país entero para dar con tantos.

La actriz que interpreta a la bruja del oeste sufrió quemaduras en una de sus apariciones del fuego con azufre. Curiosamente la primera candidata al papel lo rechazó al ver que no era una bruja glamurosa (como la de Blancanieves), en cambio la actriz que al final la interpreta salió beneficiada pues años después repetiría un papel parecido en "The Blue Bird" (1940), hacia de trabajadora social que quiere arrebatar a Judy Garland de sus padres.

Siempre me encantó la frase del espantapájaros: "No sé (por qué puedo hablar) pero muchas personas sin cerebro hablan". Una de las escenas cortadas precisamente le tiene a él como protagonista, en ella se puede llegar a intuir que Dorothy y el granjero que más tarde es el espantapájaros tienen una relación, la idea fue desechada por parte de la productora pero si os fijáis al despedirse antes de abandonar Oz Dorothy dice "a tí te echaré de menos más que a ninguno".

El actor que iba a interpretar originalmente al hombre de hojalata era alérgico a la pintura del maquillaje (de hecho terminó siendo hospitalizado), lo más curioso sin embargo es que originalmente le cogieron para hacer de espantapájaros pero le cambiaron y al final se quedó sin salir en la película. El actor que interpreta al hombre de hojalata no sabía nada de lo que le había pasado a su predecesor.

Otra curiosidad es que existe una leyenda urbana que dice que uno de los Munchkin se suicidó durante el rodaje ahorcándose en el bosque del hombre de hojalata y que se le podía ver balanceándose cuando se van cantando lo de "we're off to see the wizard...", la realidad es que es un pájaro.

Es la primera película en la que el disfraz del león cobarde no implica una mascara enorme de león, de hecho el maquillaje me parece genial mezclando la melena y barba humanas con el pelaje de león. No llego a comprender como pueden dejar a este personaje de lado en algunas versiones, gracias a él Toto gana un cierto protagonismo al ser el único que le planta cara y así descubren que en realidad es un cobarde.

Tras la escena del león hacen aparición los monos voladores junto a la bruja, posiblemente sean el símbolo mas usado a la hora de hacer un homenaje al Mago de Oz (salen en Los Simpsons, Jumanji y algunas series de televisión mas).

Lo más curioso es que en la película son mudos mientras que en libro hablan, ya que en realidad no son solo "monos alados" sino también están dotados de cierta inteligencia aunque pueden ser sometidos con una corona dorada (otro de los detalles del libro que no sale en la película).

Una vez en la ciudad esmeralda siempre me hizo gracia el caballo que va cambiando de color en cada cambio de plano. Otra curiosidad es que el actor que hace de portero es el mismo que hace de mago de Oz, de hecho es el actor que más personajes interpreta en la película ya que también hace del taxista que les conduce por la ciudad esmeralda y de guardia de la puerta donde está el mago.

La primera aparición del mago me recuerda un montón a uno de los personajes mas míticos de la serie original de Star Trek, justamente el que cierra los créditos, un alienígena con una cabeza bastante grande de color verde.

El ataque de los monos voladores en el libro acaba con el espantapájaros y el hombre de hojalata totalmente destrozados, imagino que en la película era complicado lo de desmontar al hombre de hojalata y al fin y al cabo es una escena corta.

Sobre Dorothy, originalmente el papel fue ofrecido a Shirley Temple pero tras una audición con el director se decidió que aunque fuera la actriz infantil más famosa del momento buscaban otro estilo de cantar.

Un detalle interesante es que Dorothy se supone que tiene 12 años en la película pero Judy Garland ya estaba... desarrollada y aunque la altura no fue un gran inconveniente los prominentes pechos sí, para disimulárselos tuvieron que usar vendas.

En la escena en que es capturada por la bruja le dice que le queda poco tiempo, podría ser una referencia a que es un sueño realmente y que si ella no sale de el morirá en la vida real. Me acabo de fijar que los guardias de la bruja llevan el mismo maquillaje facial que ella, cara verde con la nariz puntiaguda.

Y para terminar volvemos al color sepia. Curiosamente esa parte fue rodada en blanco y negro y coloreado a sepia después.

Como ya comenté en la entrada de Pink Floyd si se combina el vídeo de esta esta película con el audio de su disco "Dark side of the moon" resulta que la música acompaña muy bien muchas de las secuencias. Según dijeron los propios Pink Floyd no fue intencionado aunque no deja de ser curioso.

En fin, en la próxima entrada hablaré de las versiones más modernas, es curioso pero la siguiente esta fechada en 1971, todo un salto temporal.

Sherlock Homes 40's (2)

Sigamos con unos cuantos títulos más. Esto parece una serie de televisión que una colección de películas sobre un mismo personaje en realidad, aunque destaca que tiene mucha calidad.

Hubo un detalle que me llamó la atención en las 3 películas de la anterior entrada que vi primero y es el ambiente "moderno", casi se podría decir que transcurren en los años 40. Lo más curioso es que las dos primeras películas están enfrascadas en el siglo XIX (como en las novelas). Según leí esto era debido a que los productores querían enfrentar a Holmes a los Nazis para ganar popularidad entre la gente de aquel entonces (recordemos que estaban en la 2ª guerra mundial cuando fueron estrenadas).

Otra nota destacable es que las dos primeras películas pertenecen a la 20th century Fox y a partir de la tercera a Universal Pictures. Me imagino que la Fox no quiso salirse de las novelas originales (que al fin y al cabo dan mucho de sí) y renunciaron a filmar más películas.

A partir de ahora voy a seguir el orden cronológico en que fueron estrenadas.

The Hound of the Baskervilles (1939)

Adaptación del relato con el mismo título.

El argumento trata sobre Henry de Baskerville quien acaba de heredar unas propiedades en Inglaterra y decide venir de Canadá para verlas, al llegar recibe una nota avisándole que no vaya a la mansión e intentan asesinarlo. Sherlock Holmes se interesa en el caso desde un principio y se convierte en su guardián cuando llega a Londres. A partir de entonces la historia se convierte en una trama de intriga que involucra a un perro legendario con Watson como protagonista involuntario.

Lo que más me llama la atención es lo bien que sigue el argumento del libro, aunque en mi opinión el Doctor Mortimer sobreactúa un poco. El final varia un poco pero imagino que es por no alargarla innecesariamente.

The Adventures of Sherlock Holmes (1939)

De nuevo una película que plasma un enfrentamiento entre Holmes y Moriarty, de hecho el titulo en español es "Sherlock Holmes contra Moriarty". Sin embargo en esta ocasión el actor que lo interpreta es bastante más mayor que el de "The Woman in Green" (1945).

La historia trata sobre un doble caso, por una parte Holmes se tiene que encargar de una amenaza a un joven y su hermana mediante una carta enigmática y por otra la custodia de una gema de gran valor.

Lo mejor es el enfrentamiento final entre Holmes y Moriarty.

Sherlock Holmes and the Voice of Terror (1942)

La tercera pelicula empieza con una presentación del personaje debido, supongo, al cambio de compañía.

En esta ocasión la amenaza proviene de la Alemania nazi bajo el nombre de "The voice of terror", un programa de radio que narra una serie de ataques que están sufriendo los aliados- En Inglaterra ya no saben que hacer así que recurren a Sherlock Holmes para que les ayude a frenar dichos ataques. En un momento determinado se llama al "pueblo" a "luchar" contra los nazis, pidiendo toda la ayuda que puedan prestar.

Lo primero que me ha sorprendido es la aparición de... ¡Moriarty! jaja, no el personaje sino el mismo actor que lo interpretaría años después en "The Woman in Green" (1945), aquí interpreta a un miembro del consejo interior de defensa de Inglaterra.

Sherlock Holmes and the Secret Weapon (1943)

Esta es una historia nueva que no ha sido sacada de ninguna de las novelas de Arthur Conan Doyle aunque si que hace referencia al relato "The adventure of the dancing men".

Empieza en Suiza donde Holmes salva al Doctor Tobel de los nazis llevándoselo a Londres y tras mostrar su nuevo visor para bombarderos desaparece dejando un mensaje en código.

Una de las cosas mas relevantes es ver Londres llena de ruinas por los bombardeos nazis. Ah y tenemos la primera aparición de Lestrade y la reaparición de Moriarty (interpretado por un actor diferente).

Me matan las incoherencias, en esta película dicen que William Shakespeare es un autor alemán, aunque da la impresión de haber sido una ironía, pero los nazis parecen convencidos de que sea verdad.

Me he percatado de un detalle curioso, a partir de la tercera película Holmes cambia de peinado llevando uno un poco más desarreglado, se puede apreciar también en las carátulas.