Приключения Буратино (1959)

El título se traduce como "Las aventuras de Buratino".

El hombrecito de madera, al que Papá Carlo talló de unos troncos, resultó ser alegre, engreído, ruidoso e ingenuo. La zorra Alicia y el gato Basilio lo llevaron al País de los Tontos, pero la sabia tortuga Tortilla ayudó a Buratino a encontrar la Llave Dorada, porque era terriblemente encantador.

Está basada en la novela "Золотой ключик, или Приключения Буратино" de Alexei Tolstoy, publicada en 1936. Que a su vez es una versión de "Le avventure di Pinocchio. Storia di un burattino" de Carlo Collodi, publicada en 1883.

Tuvo dos versiones de acción real, una con el mismo título en 1976 y "Buratino" (2009).

Antes de empezar voy a comparar ambas novelas, algo que nunca he hecho antes pero creo que es importante para entender en qué se diferencian.

Tolstoi comenzó su versión como una traducción y reescritura de la original pero terminó creando una historia con un espíritu, un mensaje y una resolución completamente diferentes.

Planteamiento:

En la de 1883 el conflicto es interno y moral. Pinocchio es una marioneta desobediente que sucumbe constantemente a las tentaciones del mundo. Su gran meta existencial es convertirse en un "niño de verdad" de carne y hueso. Para lograrlo, debe aprender a ser obediente, estudiar, trabajar y adaptarse a las normas de la sociedad burguesa.

En la de 1936 el conflicto es externo y de aventuras. Buratino nunca se plantea ni desea dejar de ser una marioneta de madera; se siente orgulloso y cómodo con su naturaleza. El motor de la trama no es una transformación moral, sino la búsqueda de un misterio: encontrar a qué puerta da acceso el misterioso "llavín de oro".

El tono:

- La original posee pasajes oscuros, crudos y macabros. Pinocchio sufre castigos físicos reales: le queman los pies, es encadenado como un perro guardián, los asesinos (el Gato y la Zorra) lo cuelgan de un árbol para robarle y es tragado por un monstruo marino gigante. Hay un constante peso de la culpa y el pecado.

- La versión es una novela de aventuras de ritmo rápido, luminosa y con mucha sátira política y humor. Los peligros se resuelven mediante el ingenio, las burlas y la acción en equipo. En lugar de un monstruo marino, Buratino es arrojado a un estanque por unos perros policías y allí conoce a la tortuga Tortila, quien le regala de buen grado el llavín de oro.

Personajes: 

- El creador: Geppetto (en Pinocchio) es un carpintero bondadoso pero que sufre enormemente los constantes disgustos que le da su "hijo". Papá Carlo (en Buratino) es igualmente pobre pero actúa de forma muy protectora, y Buratino muestra un cariño mucho más inmediato e ingenioso hacia él.

- El Grillo: En la obra italiana, el Grillo Parlante es la voz severa de la conciencia; Pinocchio se cansa de sus reprimendas y lo mata arrojándole un martillo (aunque luego reaparece como fantasma). En la versión rusa, el Grillo Parlante da un consejo al inicio, Buratino lo ofende levemente, pero el insecto sobrevive y el tono de su sabiduría es menos punitivo.

- El Hada vs. Malvina: La Fata dai capelli turchini (el Hada Azul) es una figura maternal, casi mística y sagrada que premia o castiga a Pinocchio (haciendo crecer su naso con las mentiras, por ejemplo). En la versión rusa se convierte en Malvina, una marioneta con pelo azul que ha escapado del teatro. No tiene poderes mágicos, sino que es simplemente una niña muy redicha, aristocrática y obsesionada con las clases de buenos modales y la ortografía, a la cual Buratino encuentra insoportable y desafía con humor.

- El antagonista: Mangiafoco (en Pinocchio) parece terrible pero en el fondo tiene buen corazón, se conmueve y ayuda económicamente a Pinocchio. En cambio, Carabas Barabas (el equivalente en Buratino) es un villano cruel, codicioso y tiránico sin escrúpulos que maltrata constantemente a sus marionetas y las azota con un látigo.

Desenlace:

- La original termina de forma pedagógica y moralista. Pinocchio se vuelve un niño real gracias a su sacrificio personal y su buen comportamiento. La vieja marioneta de madera queda tirada en una silla como un cadáver inerte del pasado rebelde del que se avergüenza.

- La soviética termina de manera colectiva y revolucionaria. Buratino usa la llave dorada para abrir una puerta oculta tras el cuadro del hogar pintado en la humilde morada de Papá Carlo. Detrás de ella descubren un teatro de marionetas maravilloso y libre. Al final, Buratino y sus amigos actores escapan de la opresión de su antiguo dueño y fundan su propio teatro auto-gestionado donde son felices siendo marionetas.

Pasemos a la película en sí. Así de primeras puedo decir que no hace mucho vi la de "Guillermo del Toro's Pinocchio" (2022). Guardan similitudes argumentales.

El diseño de los escenarios y el tipo de animación es muy buena, a la altura de Disney.

Aunque hablan en ruso, el niño suelta palabras en italiano también.

Es un producto infantil, como tal no le pongo pegas. Pero bueno, que eso implica alguna que otra canción y voces un poco irritantes.

Por lo demás, diría que sigue bien la trama de la novela versión rusa.

人間の條件 第二部激怒篇 (1959)

Es también conocida como "The Human Condition: No Greater Love".

Kaji está en el ejército, allí trata de ser razonable con sus superiores, pero ellos le ven como un insubordinado. Él sigue soñando con marcharse junto a su esposa a otro lugar. Un día ella aparece en el campamento.

Esta segunda parte dura 3 horas.

La película empieza directamente en el campo de adiestramiento, donde los reclutas más torpes son vilipendiados sin límites. Lo cual tiene un cierto sentido, pero, obviamente, al protagonista no le parece bien.

Otro detalle es que están buscando una excusa para ir a por él, a quien tachan de "rojo". Pero cambian de opinión y pretenden hacerle subir en el escalafón para que "su manera de pensar cambie con las estrellas que vaya ganando".

Me pregunto si esta fue la película que inspiró a Kubrick en "Full Metal Jacket" (1987). Las similitudes son notables, desde luego.

Dicho lo cual, la frase "parecéis un grupo de mujeres apestosas", cuando les echan la bronca por el suicida, es realmente peculiar.

El intermedio sucede a la hora y 40 minutos esta vez, pero no ponen música ni créditos. Simplemente dice "Parte 4".

Las noticias sobre la capitulación de Alemania no parecen llegarles y aún así los que mandan no dan por perdida la guerra. Ni siquiera cuando pierden la isla de Okinawa y son masacrados en el Pacífico.

En pocas palabras el ejército está compuesto por abusones, lo cuales ejercen su poder cuando adquieren cierto rango sobre los reclutas inferiores. Y eso no sól ose limita a los militares, también a la enfermera jefe, por ejemplo.

Joder sí que les cuesta llegar al punto donde uno salta después de tantos maltratos. Y, obviamente, termina recibiendo un castigo por ello. Yo dudo que aguantase tanto, me ponía de los nervios ver como el protagonista deja que lo maltraten una y otra vez sin hacer nada.

En resumen, empieza en un campamento militar donde le adiestran, trata de escapar y termina en un hospital, le mandan a primera línea, donde le machacan los veteranos, y finalmente va a construir trincheras.

Y ahí es cuando los soviéticos empiezan a invadir Manchuria. Qué oportuno. Es entonces cuando todo se vuelve un poco más caótico, órdenes contradictorias, soldados que hacen lo que les viene en gana, peticiones imposibles.

No acabo de entender por qué no muestran la escena en la que el protagonista va a comprobar la posición del enemigo, y luego cuando regresa no le creen, aunque supongo que es porque no llegan a fiarse del todo de él.

En todo caso a las dos horas y 40 minutos empiezan las escenas de combate.

Dos detalles. Les vemos excavar una larga zanja que los tanques se la saltan como si nada. Y tienen un escuadrón de suicidas anti-tanques compuesto por unos cobardes (los veteranos de antes).

Es una masacre donde poco a poco van cayendo todos. Menos el protagonista y un par de inútiles, claro.

Durante esta parte el protagonista mata a varios enemigos, golpea a uno de los suyos y mata a otro, convirtiéndose en la bestia que pretendía evitar ser.

Y con esto pasamos a la tercera y última película, en la siguiente entrada.

人間の条件 第一部純愛篇 (1959)

También conocida como "The human condition: No Greater Love".

Estamos en Manchuria, durante la guerra. Kaji es un hombre japonés que decide no casarse con Michiko, la mujer que ama, porque podría ser llamado a filas. Pero al día siguiente recibe una oferta en un pueblecito que de aceptarla le haría un exento y allí se marcha junto con Michiko.

Sinceramente, no sabía absolutamente nada de esta trilogía antes de empezar a verla y no pude predecir dos películas de tintes bélicos seguidas cuando me puse a ver la lista actual.

Según tengo entendido la trilogía completa tiene una duración de 9 horas y media. Esta primera parte dura cerca de las 3 horas y media. Esta duración hace que sea una de las obras narrativas más largas estrenadas en cines. Para que os hagáis una idea, la más larga es la película muda china "Huo shao hong lian si" (1928) de 27 horas de duración (en 16 partes), esta sería la 11ª más larga.

Está basada en la novela de 6 volúmenes de Jumpei Gomikawa. La cual era considerada demasiado larga y cargada de detalles sobre los crímenes cometidos por los japoneses en la guerra, por eso ningún estudio quiso adaptarla tal cual. Sin embargo el director Masaki Kobayashi hizo presión amenazando con dejar su estudio si se negaban a financiarla. Obviamente la hicieron.

No pudieron grabar en las localizaciones reales, sin embargo el director trató de hacerlo cuando el cielo se aproximaba lo máximo posible a como estaba allí durante la guerra.

Para entender un poco mejor el contexto, en 1931 en Manchuria una vía de ferrocarril fue dinamitada y los japoneses acusaron a los chinos, cosa que les dio la excusa perfecta para ocuparla. Era un territorio rico en hierro, carbón y soja, así que era un lugar ideal. Aunque fue condenada internacionalmente ellos trataron de hacer del territorio un estado soberano y eventualmente escaló la situación hasta lo que desencadenaría la Segunda Guerra Mundial entre Japón, China y EEUU. La historia está situada en el año 1940, tras el estallido de la guerra.

Fue en este momento cuando se llevaron a cabo los famosos experimentos de la Unidad 731 y el tráfico de opio. Obviamente, una película japonesa de finales de los 50 no mostrará las barbaridades de dichos experimentos. Pero aún así vemos prisioneros chinos pasándolo mal.

En esencia, Kaji es un humanista que trata de evitar los maltratos en los campos de trabajo (compuestos por chinos) para así mejorar la productividad, pero los japoneses que los llevan no están muy de acuerdo con sus nuevos métodos.

La escena de los 600 prisioneros saliendo de los vagones del tren es una de las más duras, delgados, casi muertos, moviéndose como zombies hacia la comida que los enfermará.

Son una panda de imbéciles. Llevan 600 personas encerradas en un tren, 12 de ellos mueren sofocados por el calor, apenas se sostienen en pie y pretenden hacerles trabajar antes de darle de comer. Y cuando Kaji se queja le dicen que es un "antimilitar".

Matan a un perro para demostrar que las vallas están electrificadas. Esa no me la esperaba.

Una de las grandes escenas es la llegada de las 30 prostitutas la cual culmina en la primera fuga de 11 prisioneros.

Es una película realmente larga sin embargo no se me ha hecho pesada, quizás porque la historia te atrapa.

El intermedio sucede a la hora y 45 minutos. Tras ponerse la pantalla en negro, mientras suena una canción de fondo, vuelven a aparecer los créditos de inicio, en su totalidad, luego sale el logo de la productora. Son unos 4 minutos poco más o menos.

La segunda mitad empieza con la noticia de la segunda fuga, de 18 hombres esta vez.

Hay varias escenas con personajes borrachos, y cada una tiene un sentido ligeramente diferente. Por ejemplo el primero lleva bebiendo varios días porque está a punto de ir al frente. Otro aparece borracho en casa del protagonista porque estuvo reunido con su jefe, es una costumbre japonesa. También vemos a unos cuantos bailando y cantando, celebrando que les han dado una recompensa por el trabajo bien hecho.

La película termina con el militar al mando torturando al protagonista y finalmente siendo llamado a unirse al ejército. Y encima se les escapan 30 prisioneros más.

El drama se mantiene desde el primer momento, el protagonista va sufriendo revés tras revés y cuando finalmente se entera de la última fuga se lo toma como una victoria personal. A esos 30 no podrán asesinarles.

Imagino que la secuela será el servicio militar del protagonista alejado de su esposa... habrá que verlo, en la próxima entrada, como siempre.

海底から来た女 (1959)

También conocida como "Woman from the Sea".

Un pescador cree haber visto una mujer en el barco de su amigo, se lo cuenta pero no acaba de creerle. Al día siguiente aparecen restos medio devorados de peces en otros barcos de pescadores. Luego el amigo se encuentra con la chica, quien huye al oír acercarse a los pescadores.

En una de las primeras escenas vemos a un chico tocando el ukelele mientras silba. Resulta que yo tengo uno y sé tocarlo. Lo que suena no se corresponde con las imágenes, de hecho apenas mueve la mano en los trastes, lo cual no tiene demasiado sentido.

En esencia Katsuhiko, la chica, pesca peces con facilidad usando sólo sus manos, buceando en bikini en medio del océano. Y al tipo le parece de lo más normal.

Hacen mención de varios ataques de tiburones en el pasado, de cómo mataron uno. Incluso parece que la desaparición de un hombre esté relacionado también con un tiburón.

Por fin pasamos a las escenas subacuáticas, he de decir que están muy bien grabadas. Eventualmente aparece el tiburón, más o menos a la media hora de película. Por desgracia no se ve con demasiada claridad, aunque el protagonista parece estar muy cerca suyo e incluso vemos un brazo cercenado en el fondo marino. Menos es nada.

Según explica Hide, el anciano del pueblo, esa chica es la encarnación del espíritu de dos tiburones que mató su abuelo. Así que técnicamente es un tiburón y forma parte de la trama principal.

Es una manera un tanto retorcida de verlo, pero, como he dicho en otras entradas, se me empiezan a acabar los títulos.

Aún así la considero una película pobre en cuanto a temática tiburones. Y la historia en sí está bien, pero se me ha hecho un poco larga.

The Mummy (1959)

Probablemente sea el mejor póster de una película de la momia.

La desaparición de Ananka cuando se disponía a ir a Amtak es un misterio que lleva siglos sin ser resuelto y el padre de John Banning parece tener la primera pista de dónde podrían estar sus restos. Él se ve obligado a esperar fuera por tener la pierna rota. El padre da con la tumba pero al quedarse solo sufre un extraño ataque. El hijo entonces se lleva lo que puede y sella la tumba antes de volver a casa.

Dirigida por Terence Fisher. También hizo "The Curse of the Werewolf" (1961), "Dracula" (1958) y "The Curse of Frankenstein" (1957). Osea, trajo a la Hammer cuatro de los principales monstruos de la Universal.

Otra de las películas que unió a Peter Cushing (John Banning) y a Christopher Lee (The Mummy/Kharis). No estoy seguro del todo, pero creo que fueron un total de 23 veces las que aparecieron juntos, casi todo títulos británicos, incluso uno español, "Pánico en el Transiberiano" (1972).

Combina cosas de "The Mummy" (1932), "The Mummy's Hand" (1940), "The Mummy's Tomb" (1942) y "The Mummy's Ghost" (1944).

Christopher Lee se lesionó la espalda, se dislocó el hombro y se dañó las rodillas durante el rodaje, el caminar peculiar de la momia es en parte debido a esas lesiones.

Kharis es el nombre de la momia en las secuelas de la versión de 1932, tuvieron permiso de la Universal para usar el nombre, de hecho aparece el logo nada más empezar la película. Pero la historia viene a ser la misma que la película original.

Aunque el primer ataque de la momia sucede bien temprano en realidad no la vemos hasta pasados 26 minutos.

No acabo de ver la necesidad de repetir la escena de cuando entran en la tumba por primera vez cuando John le cuenta la historia al policía. Pero bueno, al menos la continúan para mostrar el primer ataque de la momia.

La policía no es del todo inútil esta vez, aunque en realidad me hace gracia que se preocupen por John cuando les ha dicho que sería la siguiente víctima, y sufrió un ataque que casi lo mata sin que ni un solo policía esté tan siquiera cerca de su casa, y que él puede ayudar con el egipcio de quien sospechan porque "sería demasiado peligroso".

Me acabo de fijar que usan un truco de cámara muy inteligentemente para que la momia parezca más alta de lo que es. Uno la describe como que era de 3 metros de altura, luego rectifica y dice que es de 2,2 metros, pero en una imagen da la impresión de estar más cerca de los 3 metros. El truco en sí es que un personaje está más alejado de la cámara y parece más bajito. Si no te fijas en sus pies cuesta un poco darse cuenta.

Me gusta el detalle de que el egipcio no sabe que John sigue vivo tras el tercer ataque la momia. Lo cual tiene mucho sentido dada la época en la que transcurre la historia (finales del siglo XIX), las noticias tardaban un tiempo en llegar a todo el mundo, incluso si es un asesinato en una casa relativamente cercana.

Plantea el argumento de que los arqueólogos que se llevan tesoros y demás de las tumbas egipcias son profanadores. Su respuesta es que así es como aprenden la historia de Egipto, sin embargo no responde al hecho de que ponen los objetos en sus museos para que la gente los admire, cosa que no es del todo necesaria para estudiar la historia del país.

Dicho de otra manera, estoy más inclinado a apoyar las ideas del egipcio, a quien retratan como un villano por querer vengarse de los que profanaron una tumba.

Por cierto, no tiene ningún miramiento a la hora de matar a dos tipos que vigilan pero al tercero, el inspector de policía, decide convenientemente dejarlo con vida.

Es una versión muy buena, se aleja lo suficiente de la de Karloff y le da ese toque único de películas de la Hammer.

Sube y baja (1959)

Seguimos con más comedias.

Una tienda deportiva conocida como el Palacio de los Deportes busca jóvenes deportistas para trabajar allí y así promocionar sus productos. Uno de los jefes se fija en Cantinflas mientras juega un partido de aficionados de fútbol americano y le ofrece trabajar en su tienda, cosa que él acepta. Pero allí irá cambiando de departamento en departamento porque no para de causar el caos.

Otra película de Cantinflas (El falso Jorge Maciel). Aún me quedan bastantes por ver, aunque al menos esto es casi relajante porque son comedias y en español, así que no tengo que estar pendiente de los subtítulos.

Destaca la aparición de las hermanas Benítez. Eran un grupo musical de 5 chicas cuyos nombres eran Beatriz, Beba, Petry, Carmen y Juanita. Posteriormente también se unió a ellas Haydée (sustituyendo a Beba) y terminaron siendo un trío compuesto por Petry, Juanita y Haydée. Es precisamente en esta película donde apareció por primera su canción "Corazón de melón", la que les supuso un gran éxito. No es la única canción que cantan en la película.

Nada más empezar vemos un partido de fútbol americano. He de decir que desconocía que jugaran a ello en México, aunque años más tarde también hubo equipos en España así que no es que me sorprenda.

Al principio una chica dice "El hombre que busco ha de tener las tres efes: feo, fuerte y formal". Lo cual es el título de un disco y también de una canción de Loquillo, aunque él lo sacó de la tumba de John Wayne (fallecido en 1979).

En el partido de fútbol americano Cantinflas lleva el número 7 y usa un orinal rosa como casco. Es genial.

La parte de los cambios de departamentos me recuerda a "El robobo de la jojoya" (1991).

Es fascinante que saliese un año antes que "The Bellboy" (1960) de Jerry Lewis, me pregunto si fue una influencia. El puesto final que alcanza en la tienda es ascensorista, de hecho es lo que le da título a la película.

La suite en la que se hospeda Cantinflas es la número 7. Definitivamente es un número recurrente en sus personajes.

Al igual que en "Ni sangre, Ni arena" (1941) Cantinflas se hace pasar por una persona famosa y una mujer le obliga, en pocas palabras, a hacer algo para lo que no está preparado. En este caso una carrera de lanchas a motor.

De nuevo una película que se desarrolla en multitud de escenarios. En esta ocasión eso hace que, por ejemplo, su compañero de fatigas se vea relegado a un segundo plano en ciertos momentos o ni siquiera aparezca en otros. Aparte que su resolución aunque parezca óptima para el personaje en realidad tiene sentido pues el director de la tienda le tiene especial apego desde el momento en que lo conoció.

Personalmente me ha gustado especialmente la parte de la carrera de lanchas y agradezco que no haya tenido tantos números musicales como otras, además esta vez están perfectamente integrados en la trama.

宇宙大戦争 (1959)

También conocida como "Battle in outer space". El título se traduce como "La gran guerra espacial".

Estamos en 1965. La estación espacial SJ1 detecta tres objetos que se mueven en su dirección y de repente es destruida. Posteriormente las naves proceden a atacar diversos lugares de la Tierra. Los mayores expertos del planeta se reúnen para tratar de explicar lo sucedido. Su primera medida es usar un rayo calorífico como medida defensiva, aunque sus intenciones son tratar de establecer la paz con los seres de otro planeta.

Se trata de la continuación de "Chikyû Bôeigun" (1957).

Dirigida por Ishirô Honda. El director de "Gojira" (1954) y de muchas de sus secuelas. También hizo "Matango" (1963), una película que ha cobrado bastante relevancia gracias a la serie "The Last of Us".

Me encanta el detalle de que sitúen la acción en el futurista 1965. Lo cual hace que, por ejemplo, tengan una pantalla de televisor en los coches.

El ordenador que usan es un Hitachi HIPAC 101, fabricado en 1959. Fue el primer ordenador japonés digital que usaba transistores en vez de tubos de vacío.

A la estación espacial la llaman satélite. Construyen unas naves llamadas SPIP, las cuales tienen la forma del cohete de Tintín. Lo cual tiene mucho sentido ya que aún faltaban unos años para que el hombre pisase la Luna.

Es una película anterior a la serie "Star Trek" y ya vemos que los alienígenas poseen la tecnología de la teletransportación. Tienen más similitudes, como que el mundo entero olvida sus diferencias para unirse contra la invasión extraterrestre o que los alienígenas sean capaces de hablar japonés.

A medida que se aproximan a la Luna aparecen unos meteoritos en su camino y por ello deciden usar sus rayos para destruirlos. Creo que hubiera sido mejor tratar de esquivarlos, estamos hablando de unos pocos que están bastante separados.

Tiene bastantes similitudes con "Armageddon" (1998). Mandan dos naves pilotadas en las que tienen unos vehículos para poder desplazarse por la superficie lunar. En un momento dado "saltan" con dichos vehículos en una escena que se parece muchísimo a la película de Bruce Willis. Uno de ellos se vuelve "loco" (en realidad lo poseen los alienígenas) e intenta sabotear la misión, pero lo atrapan e inmovilizan en una de las naves.

Una de las cosas que me resulta más llamativas es que entre la tripulación de las dos naves haya sólo una mujer. Aunque ya el simple hecho de poner a alguna es interesante. Estamos hablando de los años 50. Los soviéticos lo hicieron mucho mejor en "Planeta But" (1962).

Podrían haber terminado la historia al regresar los astronautas a la Tierra, pero aún queda una batalla por librar. De hecho he visto también la secuela titulada "Wakusei daisenso" (1977).

20 años antes de "Star Wars" (1977) ya hicieron un combate espacial de naves alienígenas contra terráqueas. Vale que no es tan espectacular y que sus técnicas son más rudimentarias, en esencia miniaturas, pero me parece que está bastante logrado. Y es un combate más realista en el sentido de que la Tierra sufre y mucho, aparte de perder a bastantes de sus pilotos.

Personalmente me ha gustado mucho, aunque he de decir que no sabía que era una secuela ni que tenía una continuación antes de verla. Lo cual en realidad no ha supuesto ningún problema porque plantean la historia como si fuera independiente, aunque sí es cierto que las naciones se unen bastante rápido al principio.

The Mouse That Roared (1959)

Aquí la titulamos "Un golpe de gracia".

Estamos en el ducado de Grand Fenwick, el país más pequeño del mundo además de ser el único europeo en el que hablan inglés. La Gran Duquesa Gloriana XII es su gobernadora. Su economía se basa en la exportación de un vino local pero cuando los EEUU crean una imitación deciden declararles la guerra. Pero es todo una estratagema, la idea es perder la guerra para beneficiarse de las ayudas posteriores.

Es uno de esos títulos que de por sí llaman la atención. Pero la cosa va a más en cuanto te das cuenta de que la protagoniza Peter Sellers (Gran Duquesa Gloriana XII / Primer Ministro Conde Rupert of Mountjoy / Tully Bascombe). Y he de decir que aunque he visto bastantes películas donde aparece, al menos las más conocidas, en realidad apenas he explorado su filmografía cuyas primeras apariciones datan de los años 50.

Esta vez explican por qué hay tres personajes interpretados por Sellers, el padre fundador del país fue también el padre literal de muchos de sus habitantes.

Me pregunto si es la primera película en la que muestran un Nueva York vacío, sin gente. Muchas de las imágenes son panorámicas y sólo se ven edificios, pero también muestran calles. Aunque he de decir que en una de ellas sí se ve gente, concretamente conductores dentro de sus coches pero al estar inmóviles cuesta darse cuenta... es porque es una fotografía. Me hace gracia que cuando los soldados "invaden" la ciudad combinan escenas reales y otras usando croma y una fotografía.

Aparecen titulares escritos en diferentes idiomas, entre ellos el ruso los cuales dicen "Феник захватил "Q" бомбу!", que se traduce como "Fenik ha capturado la bomba Q" (se podría considerar un error que usen una Q, pero es literalmente el nombre de la bomba), "Где Феник?" que es "¿Dónde está Fenik?", aunque con una "Г" mal escrita y "Мобилизаtsaя!!", que debería ser "Мобилизация!!". Aparte el nombre del periódico debería ser "Московская Правда" pero pone "Лравда". Tengo la impresión de que está hecho adrede.

Me recuerda un poco a "Flodder in Amerika!" (1992).

Es graciosa y entretenida, en pocas palabras. Resulta interesante como retratan a los soviéticos y la manera en la que muestran cómo era la Guerra Fría porque en los siguientes 20 años no cambiaron demasiado las cosas. También me ha gustado como consiguen dar con una solución a la guerra mediante el desarme de las grandes naciones mediante la intervención de las más pequeñas.

Les quatre cents coups (1959)

Aquí la titulamos "Los 400 golpes".

Antoine Doinel es un chaval a quien le tiene manía un profesor. El panorama en casa no es mucho mejor, su padre no para de bromear y su madre es muy estricta con él. Por ello al día siguiente decide no ir a clase y pasar el día con un amigo. De repente descubre a su madre besándose con un tipo en la calle. Seguidamente decide que tiene que ir a clase, pero eso empeora mucho las cosas porque pone como excusa que su madre ha muerto, lo cual hará que escape de casa cuando le pillen.

En realidad es una traducción literal de algo que proviene del dicho "faire les quatre cents coups", el cual se puede interpretar como "vivir una vida salvaje".

Dirigida por François Truffaut. Le vimos en "Close Encounters of the Third Kind" (1977). Creo que es la segunda película dirigida por él que veo tras "Fahrenheit 451" (1966). Como primera curiosidad hizo también un cortometraje titulado "Los 4 Golpes" (1962). Como segunda, hace un cameo como uno de los que se montan en la rueda giratoria con el protagonista.

Los actores que hicieron la audición para ser el protagonista y no lo consiguieron aparecen en las escenas de clase.

Grabar en las concurridas calles de París era un problema por el sonido, sin embargo el director dio con una solución bastante simple, dobló toda la película, incluidos los diálogos (los cuales los hicieron los mismos actores).

Según pone al principio está grabada en formato DyaliScope. Es un nombre peculiar y por ello me ha interesado saber más. En realidad es sólo un formato anamórfico con un nombre "bonito", de hecho es el que usaron en Francia. Por ejemplo, en España ha tenido un montón de nombres como Hispanoscope, Kinoscope, Autentiscope, Filmascope o Videoscope.

La solución de los padres a sus trastadas es llevarlo a comisaría para que se encarguen de él, osea encerrarlo en un centro juvenil. En esa parte es cuando nos enteramos de que en realidad no es su padre.

Lo que yo he visto en esta película es una dosis alta de realismo cuotidiano. Pero a la vez hay numerosos saltos temporales para que los momentos más relevantes hagan que avance la historia. Me recuerda en cierta manera al cine quinqui español, también a "Taxi Driver" (1976).

De hecho al terminar de verla no pude evitar preguntarme qué sucedió posteriormente con el protagonista. Y es que su vida parece ir descarrilando cada vez más, alejándose de su familia (quienes terminan por repudiarle), del colegio (donde no le pueden ni ver) y con un sólo amigo al que no dejan verle.

The Diary of Anne Frank (1959)

Aquí la titulamos "El diario de Ana Frank".

Al término de la guerra Otto Frank regresa a su casa en Amsterdam para descubrir que se lo han llevado todo, salvo el diario de su hija Anna. Él y su familia tuvieron que esconderse sobre una fábrica de especias donde no podían hacer ningún ruído cuando estaban los trabajadores. Allí pasan el día leyendo libros y la noche tratando de convivir con la otra familia que está con ellos.

Basada en la novela y también en la obra de teatro, la cual fue estrenada en 1955 y tuvo 717 pases.

Como dije en la anterior entrada, está dirigida por George Stevens. También son suyas "A Place in the Sun" (1951) y "The Greatest Story Ever Told" (1965).

Cuando iba al colegio nos obligaron a leer este libro. Es uno de tantos que no me marcó especialmente, aunque recuerdo su argumento en líneas generales. Lo peculiar del tema es que leí recientemente que había gente que refutaba su veracidad diciendo que en realidad fue escrito por otra persona, aunque fuera en parte. Claro que también ha habido quien ha probado que no es así. En un mundo donde todo se discute sobre prácticamente todo y que raras veces se llega a una conclusión prefiero pensar que la explicación más sencilla es la válida.

El propio Otto Frank (el único superviviente de la familia) participó en la grabación como consejero técnico. Por ejemplo ayudó en el reparto de las que interpretarían a sus hijas Anna y Margot. Sin embargo nunca fue a ver la obra de teatro ni la película al cine.

La 20th Century Fox estaba produciendo sus películas usando el CinemaScope principalmente para hacer que la gente notase el cambio de ver una película en la gran pantalla respecto a verla en su televisión en casa. Sin embargo el director quería dar la sensación de claustrofobia así que puso columnas en los laterales de la pantalla para que todo sucediera en la zona central. De esa manera consiguió contentar a la productora y a su visión.

Existen dos versiones. La original es de 170 minutos y luego hicieron algunos recortes dejándola en 156 minutos. Ambas versiones se pueden encontrar hoy en día.

El médico que se agrega al grupo es el más desastroso de todos. También es el que mete más malas ideas y quien pone nerviosos a todos de forma innecesaria.

Un detalle peculiar es que termina con el logo de la película, sin más. No hay créditos ni siquiera un "The End".

Son casi 3 horas de historia, pero no se hace pesada. Al menos no para mí, me ha parecido interesante ver la evolución de algunos de ellos, porque todo se centraliza en Anna.

Personalmente creo que es una adaptación muy buena por dos motivos. Primero porque fue hecha en una época donde todos eran muy comedidos en la gran pantalla, no habían excesos ni escenas metidas para escandalizar. De hecho lo más "fuerte" que se ve es un beso. Y segundo porque contaron con el padre como asesor, eso le da un toque realista extra.

SOS Pacific (1959)

Aquí la titulamos "S.O.S, Pacífico".

Un grupo de personas terminan viajando juntos en un hidroavión. Entre ellos tenemos a dos pilotos que se llevan a matar, una azafata uno al que llevan esposado junto a un policía, una mujer mayor que llegó con un joven en el mismo avión, una chica joven y un tipo tartamudo al que han forzado a coger el avión. Los problemas empiezan antes de despegar cuando la radio no acaba de funcionar demasiado bien. Luego una avería eléctrica les obliga a amerizar cerca de una isla.

Del reparto destaca especialmente el nombre de Richard Attenborough (Whitey Mullen). Conocido por "Jurassic Park" (1993) y "The Great Escape" (1963).

Se trata de una película en blanco y negro pero fue colorizada al poco de salir. La versión que he visto es la original. Recientemente hicieron otra versión coloreada usando técnicas más modernas, fue emitida por televisión en el año 2016.

Fue grabada en parte en Las Palmas de Gran Canaria. En realidad el director Guy Green llegó allí porque no pudo encontrar billetes a Mallorca, pero eso hizo que encontrase una playa con palmeras que se adecuaba a sus necesidades.

Y hablando del director, aceptó hacerla porque sería ganar dinerillo fácil.

La película arranca con una partida de póker, si no fuera porque el protagonista es un marinero no sería excesivamente diferente a la típica que sucede en un saloon de un western. Incluso termina con una breve pelea.

Me recuerda bastante a "Flight of the Phoenix" (1965), en la que también sale Richard Attenborough curiosamente.

La película tiene dos mitades, en la primera conocemos un poco mejor a cada uno de los personajes y las circunstancias que les llevaron a coger el avión. La segunda es a partir del accidente.

Los tiburones hacen aparición a la hora y 10 minutos, más o menos. Vemos 3 aletas asomando a lo lejos en el agua, cerca de donde está el protagonista nadando. Luego el piloto salta para distraerles, el ataque está muy logrado para la época, de hecho lo que vemos son tiburones reales.

Lo que sí es falsa es la escena en la cae uno desde lo alto de una torre, usaron claramente un muñeco.

Es una historia interesante que juega con algo que se hizo muy popular en los años 50, las pruebas atómicas en islas del Pacífico. En cuanto a los tiburones sólo salen en una escena pero me ha gustado mucho el ataque.

Gdy spadają anioły (1959)

También conocido como "When angels fall".

Una señora anciana trabaja en un lavabo. Sentada esperando recuerda sus tiempos de juventud, durante la guerra.

Tiene una duración de 21 minutos.

La idea está sacada de la novela "Klozet babcia" de Leszka Szymańskiego.

El primer dato es que se trata de la primera producción de Roman Polański en color. Y me llama mucho la atención pues lo usa de manera inversa a lo normal, el tiempo real es en blanco y negro y los flashbacks son en color.

Me encanta la escena con la que arranca, parece que estemos sobrevolando una ciudad pero en realidad es una maqueta bastante detallada. De hecho hasta que no vemos la parte de la campana apenas se nota. Me estaba preguntando cómo un cineasta que estaba aún empezando había logrado una toma así y me he fijado más de lo normal.

Me hacen mucha gracia las minitramas que van sucediendo, como la del tipo borracho o la que parece ser una mujer entrando al retrete mientras la sigue un hombre. Y como tienen un paralelismo con el pasado de la señora.

Al igual que en "Lampa" (1959) un contador de la luz juega un cierto papel en la historia. Curioso.

Jajaja, el director hace un cameo como "señora vieja", pero no es la protagonista sino una que sale en un flashbacks siguiendo a unos soldados que van hacia el frente.

A pesar de la corta duración nos muestra algunos de los horrores de la guerra muy bien.

Me ha gustado mucho, probablemente sea el que más hasta el momento.