Blue Water, White Death (1971)

El primer documental de este especial.

Este es el documental más mencionado a la hora de hablar de tiburones, por varios motivos. Para empezar precede a "Jaws" (1975), que viene a ser la película más importante del tema. Fue el primero en mostrar tiburones reales, entre ellos al blanco.

En realidad no les fue nada fácil filmarlo. Las jaulas usadas fueron diseñadas adrede. Y cuando fueron en su búsqueda no dieron con ninguno, tardaron medio año en poder ir a las costas australianas, donde se decía que habían en abundancia.

Viajaron cerca de 20.000 km para rodar el documental.

Empieza narrando varios ataques mortales de tiburones blancos a humanos. También muestran un par que pescaron.

Nuestro viaje empieza en Sudáfrica. De todos los que van en la expedición, solo un buceador ha visto un tiburón blanco.

Cuando encuentran una ballena deciden dispararla con arpones, provocando una enorme mancha de sangre en el agua. Y pronto aparecen 4 tiburones.

Más o menos a los 15 minutos hacen la primera inmersión, junto a los escualos. Sin embargo no hay ningún blanco.

Así que llevan la carne de ballena en tren para venderla.

Regresan a por más ballenas, pero se tiran 2 semanas hasta dar con una. Tras cazarla se ponen a esperar al tiburón blanco, pero nada. Por la noche los tiburones se vuelven algo más activos.

Una cosa que no me acaba de gustar es que agregan soniditos a los tiburones, para darles un poco más de tenebrosidad.

Aparece un tiburón blanco por la noche, pero tienen un problema con las luces, así que no logran grabarlo.

Hay que decir que las escenas subacuáticas con tiburones son abundantes y variadas. Vemos a los buzos junto a ellos, saliendo de las jaulas, y primeros planos impresionantes.

Claro que para mantenerlos a ralla les dan golpes.

Como no encuentran ningún blanco se dedican a grabar otros peces mientras van recorriendo la costa de Sudáfrica.

Uno de ellos nos muestra cómo le dejó el brazo una mordedura de tiburón, de la que pudo liberarse. Es muy bestia.

Finalmente logran dar con el blanco y es tan brutal como uno puede imaginar. Le ponen carnaza y lo filman desde el barco y desde dos jaulas.

Curiosamente, en esa parte no ponen soniditos.

En un momento dado enganchan un trozo de carne a un cuerda y a una de las jaulas, el tiburón empieza a dar grandes sacudidas y el buzo se ve obligado a cortarla. Impresionante de veras.

En los créditos finales el tiburón aparece nombrado.

Porque tiene un cierto tono gracioso, aunque son unos profesionales.

En fin, gran documental. No le tiene nada que envidiar a los más modernos.

La noche de Walpurgis (1971)

También conocida como "The Werewolf Versus The Vampire Woman".

Elvira viaja por la campiña francesa con su amiga Genevieve, buscando la tumba perdida de la condesa Wandessa, una asesina medieval y posible vampira. Encuentran un lugar prometedor en el castillo de Waldemar Daninsky, quien las invita a quedarse todo el tiempo que quieran. Mientras Waldemar le muestra a Elvira la tumba que supuestamente alberga a la condesa, ella accidentalmente revive a la vampira, más hambrienta que nunca.

Dirigida por León Klimovsky.

Sí, por fin volvemos al cine de Paul Naschy (Waldemar Daninsky). Pero no, no voy a hacer un recorrido por sus películas. Ahora tocan títulos aleatorios durante unas semanas, que me agota centrarme en un tema.

Son un total de 13 títulos en los que aparece Waldemar Daninsky, por orden:

- "La marca del hombre lobo" (1968), de Enrique López Eguiluz.

- "Las noches del hombre lobo" (1968), de René Govar.

- "Los monstruos del terror" (1970), de Tulio Demicheli.

- "La noche de Walpurgis" (1971), de León Klimovsky.

- "La furia del hombre lobo" (1972), de José María Zabalza.

- "Dr. Jekyll y el Hombre Lobo" (1972), de León Klimovsky.

- "El retorno de Walpurgis" (1973), de Carlos Aured.

- "La maldición de la bestia" (1975), de Miguel Iglesias.

- "El retorno del hombre lobo" (1981), de Paul Naschy.

- "La bestia y la espada mágica" (1983), de Paul Naschy.

- "El aullido del Diablo" (1988), de Paul Naschy.

- "Licántropo: el asesino de la luna llena" (1996), de Francisco Rodríguez Gordillo.

- "Tomb of the Werewolf" (2004), de Fred Olen Ray.

Tenemos tres títulos más, en lo que podríamos considerar cameos del personaje:

- "Buenas noches señor monstruo" (1982), de Antonio Mercero.

- "Aquí huele a muerto... (¡pues yo no he sido!)" (1990), de Álvaro Sáenz de Heredia.

- "Um Lobisomem na Amazônia" (2005), de Iván Cardoso.

En apenas 5 minutos reviven al hombre lobo y se carga a tres personas, incluida una chica en el bosque. Va fuerte la cosa.

Me encanta como las chicas duermen perfectamente peinadas y maquilladas. Y que una de ellas decida tomar pastillas para dormir.

Tiene un cierto aroma a las películas de la Hammer, pero es muy española. De hecho me recuerda mucho al cine de Armando de Ossorio.

Menuda combinación. Un hombre lobo, una "hermana" loca, una vampiresa... y dos chicas "inocentes". Aunque el mejor de todos es el policía, a quien vemos brevemente al principio y regresa en la parte final. Es el supuesto "héroe".

Vemos el procedimiento completo para evitar que alguien a quien ha mordido un vampiro se convierta en uno. Primero, una estaca en el pecho, luego cortar la cabeza, finalmente enterrar los restos.

Estas películas me fascinan por lo poco conocidas que eran en su momento, a mí me costó mucho descubrir la existencia de Waldemar y más aún poder ver sus películas. Pero bueno, merece la pena buscarlas.

Giù la testa (1971)

También conocida como "Duck, you sucker!" y "A fistful of dynamite".

Un hombre mexicano sube a una diligencia lujosa. Allí le insultan, creyendo que no entiende inglés. De repente son asaltados por un grupo de ladrones, que resultan ser sus cómplices. Tras dejarlos desnudos, se llevan la diligencia y de repente empiezan a suceder una serie de explosiones. Aparece un tipo montado en un moto quien trata de ignorarles, pero el hombre mexicano le dispara a la rueda, obligándole a detenerse.

Dirigida por Sergio Leone, ahora sí. También co-escribió la historia y el guion. Con esto completo todas la películas que dirigió, aunque también participó en muchos títulos como asistente de dirección o de la segunda unidad. Quizás me plantee revisar esa parte de su filmografía en el futuro.

El título viene del propio director durante los rodajes, solía gritar esa frase cuando alguien estaba a punto de golpearse con una de las cámaras, lo pusieron de manera temporal y se quedó.

Con Rod Steiger (Juan Miranda) y James Coburn (John H. Mallory) como los nombres más destacables de un reparto compuesto principalmente por italianos.

Leone prometió el papel protagonista a Eli Wallach, quien estaba metido en otro proyecto. Pero lo abandonó y cuando se presentó para aceptar su oferta ya habían contratado a Steiger. Eli no recibió compensación económica pero impuso una demanda.

Para más inri, Leone y Steiger tuvieron múltiples roces y había mucha tensión entre ellos. Aunque al final del rodaje quedaron a buenas.

Voy a ver la versión más completa, la que dura 157 minutos. Leone confirmó que cortó unos 40 más, principalmente de la primera mitad de la película. Existe también una versión en la que cortaron cerca de 20 minutos.

Otra película donde sienten la necesidad de mostrar primeros planos de bocas comiendo. Y no es una escena corta precisamente.

El tipo es un experto en explosivos del I.R.A., lo cual me parece poco preciso temporalmente hablando. En esencia, no podría coexistir con un revolucionario mexicano. La idea era mostrar el choque de esos dos hombres unidos a su propia revolución, tan diferentes.

Quizás exageran demasiado el panorama en Mesa Verde. Nada más llegar matan a un tipo de forma totalmente inesperada. Y lo siguiente que vemos es como ejecutan a otros tres. No qué hicieron, pero tiene que ver con oponerse al gobernador local.

El "atraco" al banco tiene su gracia, lo admito. Me ha gustado mucho la sorpresa que esperaba al protagonista. En esa escena mueren algunos de sus hijos y no parece importarle lo más mínimo.

En cuanto he visto el puente he pensado en cuánto tardarían el volarlo por los aires. Lo que no acabo de comprender es por qué disparan a los soldados antes, si hubiera explotado cuando pasaban por encima el daño habría sido mayor y más rápido, luego podrían rematarlos con facilidad.

Una cosa que no acabamos de ver es como los revolucionarios se arman con todo lo que llevan los militares al derrotarles.

Es una película de masacres. Van escalando a medida que pasan los minutos. Hay una que es una auténtica brutalidad, cientos de personas ejecutadas en fosas comunes. Al más puro estilo Segunda Guerra Mundial. Y yo me pregunto ¿es realmente necesario? Lo que me indican esas matanzas es que no eran capaces de frenar una revolución y que se dedicaban a matar gente normal, de manera aleatoria, con esperanzas de terminarla.

Y, curiosamente, el único que logra salvarse es el protagonista, gracias a su nuevo amigo.

Por un momento pensé que sería como "Butch Cassidy and the Sundance Kid" (1969), de hecho tengo la ligera impresión de que tratan de homenajearla o referenciarla sutilmente.

No sé, quizás debería verla un par de veces más, pero así a bote pronto no la considero a la altura de su trilogía del dólar. Aún así creo que es un acierto el cambio de actor, Steiger le da un carácter único al personaje, si hubiera sido Eli Wallach no podríamos haber evitado compararlo con sus anteriores papeles.

On the Buses (1971)

Otra trilogía, más ligera.

Jack y Stan son dos conductores de autobús, quienes trabajan bajo la estricta mirada del inspector Blakey. Están teniendo un serio problema de falta de personal así que Blakey decide contratar mujeres como conductoras.

Es el spin-off cinematográfico de la serie británica homónima que empezó a emitirse en 1969, con un total de 74 episodios en 7 temporadas. Lo realmente peculiar es que las tres películas se estrenaron cuando la serie seguía emitiéndose.

Lo cual hace que los 6 actores protagonistas sean los mismos que los de la serie. También reaparecen otros 10 actores, pero interpretando otros personajes.

Pertenece a la Hammer, siendo su título más exitoso financieramente hablando. De las 90,000 libras que costó terminó ganando cerca de 2,5 millones.

Posteriormente también se hizo el documental "On the Buses at the Movies" (2021). Y creo que no hay nada más sobre el tema.

Tiene bastante contenido picante. Los dos protagonistas no hacen más que pensar en mujeres, no las conductoras pues las comparan con un equipo olímpico soviético (me meo). Stan no duda en llevarse los ligues a su propia casa, a pesar de que vive con su madre, su hermana y el gorrón de su cuñado.

Es interesante, pese a que son claramente una serie de sketches no se sienten como tal. Están tan bien entrelazados que parece una historia continua. Lo realmente peculiar es que hay muchos saltos temporales de días o semanas incluso.

El chiste recurrente es que Stan se liga a un montón de chicas pero siempre que está a punto de acostarse con ellas pasa algo que se lo impide.

Sí, es sexista, en extremo, pero también es una comedia ligera sin caer en lo burdo ni en llevar nada al límite. Y creo que a veces es necesario algo así. Una comedia británica, ligeramente picantona, con un toque retro innegable.

En ese sentido me ha hecho cierta gracia la escena del marido fumando un puro junto a su bebé recién nacido.

Venga, pasemos a la primera secuela.

Boys in the Sand (1971)

Venga, la última.

Estamos en el resort gay de Fire Island, donde los hombres hacen realidad su fantasías sexuales con otros hombres.

Es la segunda película porno gay de Casey Donovan. Curiosamente es también la más famosa, de hecho es considerada un "clásico" dentro del género. El actor murió de SIDA en 1987, salió en una veintena películas porno gay, incluyendo la secuela de esta.

Es una parodia porno de la obra de teatro y posterior película "The Boys in the Band" (1970), fue la que marcó el camino para lo que sería una explosión de parodias posteriormente.

Para ponernos un poco más en contexto, la Fire Island es una isla barrera frente a Long Island, Nueva York. Incluye un par de pueblos de gays y lesbianas, considerados de las primeros establecidos en el país a mediados de la década de 1920. Es una zona sin coches, donde la gente va a pie a todas partes, se llega a ella por ferry o barco, y está llena de playas. Es conocida por sus fiestas y por ser un destino turístico de los neoyorkinos en verano.

Está dividida en tres partes: Bayside, Poolside, Inside.

Según el director Wakefield Poole su intención era hacer una película pornográfica que no fuera fea y mala como "Highway Hustler" (1971), una que los gays pudieran apreciarla por lo hermosa que es, más allá del sexo.

Definitivamente, sólo con los primeros minutos se ve que trataron de darle un aspecto cinematográfico, recreándose no sólo en los cuerpos desnudos de los personajes si no también en el entorno.

De hecho pasan varios minutos hasta que dos personajes interactúan. Y es justo el principio de la primera escena. En esencia Calvin llega a la playa y ve Peter tumbado en una toalla, al acercarse a él se levanta y empieza comer el pollón. Luego le sigue al bosque, lejos de miradas indiscretas y le pone una cinta de cuero sujetando su polla y testículos.

Esta vez sí está bien empalmado, de hecho lleva un anillo en la base para que se le mantenga bien dura, algo poco habitual en aquel momento.

El director apenas intervino en las escenas de sexo, dejó que los actores improvisasen mientras los grababa con una steadycam. De hecho contó que en la primera escena alguien estaba espiándoles entre los arbustos, pero no intervino ni les molestó así que siguieron grabando sin más.

La escena termina con Cal desapareciendo y Peter se marcha andando por donde vino. Son unos 21 minutos en total.

La segunda empieza con Casey con un periódico (de nombre "Gay") bajo el brazo. Llega a casa con su perro, se desnuda y se echa en una tumbona junto a la piscina, luego entra en su casa y escribe una carta, la cual deposita en un buzón cercano.

Pasan los días, el tipo toma el sol en su piscina, corre en la playa con su perro y se pasea. Un día lanza una pastilla efervescente a la piscina y de ella surge Danny, un tipo en pelotas que empieza a practicarle el sexo.

Definitivamente es una escena que empieza de una manera lánguida, lenta, el hecho de que el tipo esté empalmado cuando sale desnudo es lo único mínimamente interesante. Estaríamos hablando de unos 10 minutos donde no sucede nada sustancial.

De nuevo el director les dijo que experimentasen, sin darles un orden en las cosas que debían hacer. Lo cual hace que queda un poco amateur, la verdad, especialmente porque aunque tiene varias cámaras para captar los ángulos no se ve tan bien como la primera escena donde habían incluso primeros planos.

Su duración viene a ser de unos 15 minutos. Termina con ellos secándose y entrando en la casa para vestirse, luego se van paseando.

Llegamos a la tercera y última escena. Casey está acostado desnudo en su cama, se levanta mientras un electricista está revisando el cableado externo. Él va desnudo por casa hasta que le ve y entra en su casa. Se llama Tommy Moore.

Otra escena con un desarrollo bastante lento. Hasta que empieza la parte sexual pasan unos 10 minutos de nuevo. En realidad es toda una fantasía de Casey, quien se imagina practicando el sexo con el electricista, pero en realidad está usando un consolador negro.

Esta tiene una duración de unos 20 minutos.

Un detalle importante es que no hay roles definidos, no hay uno que domina y otro que se somete, los participantes intercambian sus posiciones. Es algo frecuente en el cine pornográfico, especialmente en el que involucra personas del mismo sexo.

Personalmente me gusta más "Casey" (1971), había una historia, un tanto estrambótica eso sí, y un desarrollo del personaje principal. Aquí son escenas en las que ni hablan, el sexo sucede sin más, y aunque es obvia la influencia en el cine porno posterior no acabo de ver qué puede tener de interesante más allá del sexo en sí.

Tras verla me quedé con la intriga de saber cómo era la película (o la obra de teatro) que parodian. Pero no tanto como para buscarla...

En todo caso, esta película tuvo bastante éxito al ser estrenada y eso hace que me pregunte si la gente que empezó a ir a los cines x en la década de los 70, como si fuera lo más normal, también irían a ver películas gay.

Casey (1971)

Una pionera.

Casey recibe la visita de Wanda, su hada madrina, y se ponen a hablar. Él le pide más polla y "ella" se lo concede, en forma de un chico con botas. Y luego un repartidor y un artista.

Esta es una de las primeras películas porno de temática abiertamente gay, distribuida para el público en general.

Protagonizada por Casey Donovan (Casey) en lo que sería su primera película porno gay. Previamente había salido en "Some of My Best Friends Are..." (1971), "Ginger" (1971) y "Eleana" (1970), las cuales no son porno, aunque tienen calificación R.

La película arranca con Casey haciéndose una paja, pero tapándose con una sábana. Luego se la quita y mientras mira la tele sigue a lo suyo. Sin embargo, no vemos como se corre porque vuelve a taparse.

El tipo toma todo tipo de pastillas. Salvo las de la vitamina C no tengo ni idea de qué son.

El hada madrina es Casey vestido de mujer y maquillado, pero muy mal.

En la primera escena sexual Casey enciendo un porro y lo comparte con el tipo, de quien no llegamos a ver la cara. Casey se lanza a chuparle la polla hasta que se corre. El semen en esa parte es falso, no sé por qué.

Me recordó mucho al cine de Russ Meyer.

El protagonista llama a la tienda frente a su casa para que le traigan un pedido y ahí empieza la segunda escena con el chico de los recados. Resulta que le excitan las patatas, se come una cruda y empieza la escena en sí. Lo primero que hacen es besarse mientras se van desnudando. Una vez en pelotas pasan a hacer un 69, se besan más, se tocan el uno al otro y se aplican aceite en el cuerpo. Poco después se corren y esta vez sí se ve el semen de manera clara.

De esta segunda escena puedo decir que pese a que tiene más de 50 años no es excesivamente diferente a la película de 1987 que acabo de ver. Vale que la calidad de imagen se nota, pero la manera de enfocarla y lo que muestran viene a ser lo mismo. En cuanto a la duración no la estoy controlando demasiado, pero diría que ronda los 10~15 minutos, la primera fue muy corta.

Tal y como termina la escena regresa el tipo de las botas. Se baja los pantalones y el protagonista empieza a chupársela, en lo que es el arranque de la tercera escena. El tipo después le quita los pantalones a Casey y le penetra.

Otra escena corta. Una vez más, no vemos la cara del tipo. En realidad no vemos la penetración, podrían estar simulándola perfectamente, de hecho el tipo no parece estar empalmado cuando terminan.

Regresa el hada madrina. Esta vez le pide que quiere ser normal y que los hombres no le deseen sin más.

Un detalle importante es que la voz en off del protagonista se oye con un eco muy feo. Es algo que he visto en más títulos de esta época, especialmente los de bajo presupuesto, y no ayuda nada a la hora de entender lo que dice. En este caso concreto no es tan exagerado como para eso, pero no deja de ser llamativo.

La cuarta escena es en medio de un bosque con Steven, un tipo que conoció en un parque. Tras una persecución un tanto ridícula terminan besándose. Pasan a desnudarse y hacen un 69.

El tipo resulta no hablar porque ha hecho un voto de silencio hasta que finalice la guerra de Vietnam. Esta escena es un poco más larga debido a que hasta llegar a la parte del sexo hay un intervalo importante de tiempo.

El "romance" entre los dos sigue en casa del protagonista. Al día siguiente Steven se despierta primero y le prepara el desayuno llevando sólo un delantal. Tras ello se desnuda y trata de despertarle besando su cuerpo desnudo.

Es el principio de la quinta escena. Ellos dos, desnudos, en la cama. Tocándose primero, besándose, Steven le come un poco la polla, Casey toma la iniciativa... y de nuevo hacen uso de lo que parece semen falso.

Pasan los días, las semanas, los meses... Casey empieza a echar de menos la promiscuidad de su vida anterior. Así que invita al repartidor y empieza la sexta escena. Él, Steven y el repartidor desnudos en el salón montan su fiesta particular. Otra escena con semen falso.

Aparece el tipo al que no le habíamos visto la cara y es un negro con el pelo afro. Se desnuda y se lleva a Stephen y al otro, dejando al protagonista solo.

Finalmente reaparece el hada madrina echándole en cara que fue culpa suya que se fueran. Tras enviarla a la muerda se queda en pelotas sobre la cama y vuelve a pajearse.

Es un final un tanto raro, la verdad. No he acabado de entender qué estaba sucediendo.

Una diferencia importante con el cine porno posterior es que son muy naturales. El mejor ejemplo de ello es que las vergas no están erectas sin más, de hecho, como dije, hay ratos donde ni siquiera llegamos a ver que se pongan duras. Y cuando lo están no es algo permanente, les cuesta mantenerla.

En fin, pasemos al segundo ejemplo de esta época para rematar el tema, porque no creo que me apetezca revisitarlo en el futuro.

Zaat (1971)

También conocida como "Attack of the swamp creatures".

Un científico combina el adn de diferentes especies acuáticas y se inyecta la fórmula, convirtiéndose en un monstruo capaz de sobrevivir en tierra y bajo el agua.

Este título me trajo un poco de cabeza porque pensaba que era de la India, pero no, es estadounidense.

Para el monstruo buscaron a alguien que midiera 2 metros de altura, que supiera nadar y bucear, no era tan importante si era actor.

Las escenas nocturnas fueron iluminadas usando los faros de los coches. Se ven reflejados en algunas ventanas.

Una escena cortada fue la del monstruo lanzando una silla en una tienda y rompiendo una ventana. No podían permitirse pagar una ventana.

Originalmente el monstruo chupaba la sangre de sus victimas, por eso su boca parece la de una sanguijuela.

La escena de la serpiente es real, no estaba en el guion. El animal atacó al actor, la cogió, la lanzó en el aire y regresó a por él. La diferencia es que el actor no murió en la vida real.

En el arranque vemos a un tiburón real nadando. Es una escena bastante corta, no como para incluirla en uno de mis especiales.

Así de primeras, no parece un trabajo profesional, no digo que no lo sea, pero se acerca demasiado a un estilo amateur de hacer películas.

Las escenas subacuáticas del monstruo no son mucho mejores. Y su escena de ataque, la primera, está a la altura de una película de tiburones de las más cutres.

Su intención es vengarse de unos tipos, pero tras hacerlo decide capturar a una rubia en bikini. Porque sí.

Buf, esta es de las que son duras de ver. En fin, que no la recomiendo.

Las ibéricas F.C. (1971)

Ahora sí, una española.

Las Ibéricas FC son un equipo femenino que acaba de nacer. Tienen entrenador y masajista y pronto empiezan a jugar partidos y a ganarlos, convirtiéndose en noticia tanto de prensa escrita como de radio. Pero no todos están felices con todo ello.

Dirigida por Pedro Masó, quien también la co-escribió.

En el reparto hay muchas caras conocidas como Fernando Fernán Gómez (Federico), Manolo Gómez Bur (Bernardino), Antonio Ferrandis (Don Gregorio), José Sacristán (Bonilla, el masajista), Rafael Alonso (Don Juan, director del Banco), Simón Andreu (Luís), Máximo Valverde (Moncho), Rafaela Aparicio (Rosalía). Luis Sánchez Polack (Emiliano) y José Luis Coll (Antolín).

Las principales de las Ibéricas FC son Rosanna Yanni (Chelo), Ingrid Garbo (Luisa), Claudia Gravy (Menchu), Puri Villa (Julia) y Tina Sáinz (Loli).

El fútbol femenino en España empezó a gestarse en 1914 con la creación del equipo Spanish Girl Club, aunque hasta los 70 no hubo un punto de inflexión, es cuando se crearon varios equipos como Olímpico Villaverde (de Madrid), Espanyol de Barcelona, Karbo Deportivo (de La Coruña), Marcol de Valencia, Fuengirola, Isla Cristina (andaluces) o Peña Barcelonista Femenina (asociado con el FC Barcelona). Supongo que de ahí nació la idea de esta película. Eso sí, hasta los 80 no fueron reconocidos oficialmente y hasta 1988 no se inauguró la Primera División Femenina de España (o Liga F).

En el cine vemos los pósters de "North by Northwest" (1959), "Patton" (1970) y "Lawman" (1971).

Veamos, lo primero llamativo es la chica que dice que su pareja le pega y a ella le gusta y cuando una le responde que jamás dejaría que un hombre le pusiera la mano encima, incluso añade que no le gustan los hombres, ella le dice que eso cambiará cuando uno le dé una buena paliza.

La segunda escena peculiar es la del estudiante de medicina que ha aprendido que la práctica del fútbol es negativa para el cuerpo de la mujer, influyendo incluso en sus embarazos. Entonces el tipo se ha imaginado a su pareja pariendo un balón con cara.

Cada una de las futbolistas (principales) tiene su propia trama que involucra a un hombre (o varios), bien sea su novio, su esposo o alguien que quiere sacarles partido.

Los más graciosos son los que se dedican a hacer agujeros por las paredes del vestuario para intentar verlas desnudas, pero sin éxito.

De todas las subtramas la de la jugadora que se cree hombre y dos tipos tratan de convencerla para que hormone y la fiche el Elche es la más absurda.

Es una película que quizás desde un punto de vista actual tenga muchos problemas, pero a mí me llama mucho la atención que, como muchas otras españolas, refleje un hecho histórico (a su manera) que aún tardaría unos cuantos lustros en pasar a ser una realidad.

El armario del tiempo (1971)

Menudo cambio.

Tras el fallecimiento de Francisco Ibáñez me entraron ganas de ver películas de Mortadelo y Filemón, pero tampoco quería abusar así que elegí un título al azar.

Se trata de una recopilación de varios cortometrajes de "Mortadelo y Filemón, agencia de información", aunque siguen una misma trama.

El armario del tiempo (1970)

Tras destruir su piso Filemón y Mortadelo se van a vivir a un lugar nuevo y de repente aparece el primo de Filemón, de nombre Chiflágoras, y lo primero que hace es destruir su televisor porque les quiere mostrar su nuevo invento, un armario para viajar en el tiempo.

El primer disfraz de Mortadelo es de negro y dice "Si, bwana". Muy adecuado. Más tarde aparece uno de una tribu apunto de comerse a un explorador.

El primo Chiflágoras está basado en el profesor Bacterio. Y la trama se parece mucho a la del cómic "La máquina del cambiazo".

Aparece también una vecina muy cotilla capaz de ver absolutamente todo lo que sucede en el piso de Mortadelo y Filemón. Tiene un gato que habla.

En los viajes más que ir a tiempos diferentes se desplazan a lugares más o menos del momento como el desierto o una plaza de toros. Aunque al final aparece un diplodocus.

Dura apenas 9 minutos y todo está muy condensado, ocurren muchas cosas. Sin embargo tal y como se crea un problema es resuelto inmediatamente.

Waterloo (1970)

La vecina de Mortadelo y Filemón acude a la comisaría para denunciarles. Mientras tanto siguen haciendo viajes con el armario y traen a Napoleón Bonaparte quien no quiere regresar a su época. Al final envían a la vecina con el gato.

El aspecto del señor comisario parece estar basado en el Súperintendente Vicente.

Chiflágoras es el culpable de que Mortadelo se quedase calvo, por un crecepelo de su invención. Algo que está sacado de los cómics, pero de nuevo fue cosa del profesor Bacterio.

En la batalla de Waterloo hay indios norteamericanos, con sus lanzas y todo.

El Yeti (1970)

Tras rescatar a doña Úrsula y devolver a Napoleón a su época las cosas vuelven a la normalidad, aunque ella les pone una denuncia a la cual tiene que acudir Filemón. Mientras tanto Mortadelo por accidente rompe la pantalla del armario de un tiro y se queda arreglándola con el primo Chiflágoras. Tras ello deciden darle una sorpresa a Filemón trayendo a miss mundo pero se equivocan y traen al yeti.

En este corto Mortadelo se disfraza de mortadela. Me meo.

El yeti destruye el armario al llegar.

El primo Chiflágoras se pone a hablar con el director de la película en un momento dado. Esto sobrepasa lo de romper la cuarta pared. En todo caso hace que intercambie su posición con la de Mortadelo para así librarse de ser atacado por el yeti.

La historia termina en Groenlandia, donde Filemón y su primo buscan a Mortadelo.

Misión increíble (1970)

Filemón y su primo continúan la búsqueda de Mortadelo en Groenlandia, finalmente le capturan y lo castigan adecuadamente. De repente reciben un loro que les da una misión secreta en la que han de destruir un almacén de aspirinas en Pepeslavia. Deciden usar el armario para viajar allí, pero Mortadelo cae sobre el polvorín del cuartel general y casi desata la guerra.

Las aspirinas son radioactivas, por eso han de destruirlas. Claro.

El idioma que hablan en Pepeslavia es inventado aunque tiene claras influencias eslávicas. En un momento dado vemos un cartel que pone "Cuartelof generalinsky de esperimentof supersecretofs".

Consiguen ser rescatados por el armario, pero no cumplen la misión. De hecho destruyen toda la ciudad salvo el lugar donde almacenaban las aspirinas. Cómo no.

Los impostores (1970)

Estamos a 34 de Julio, Filemón y Mortadelo llevan ya muchos días sin aparecer por casa cuando de repente dos tipos disfrazados como ellos fuerzan la entrada. Su intención es robar el armario.

En la puerta del piso hay un cartel que pone "Filemón y Mortadelo - Detectives". No les habría costado nada poner el título de la serie de cómics.

La señora Úrsula coge un taxi para ir a la calle del Percebe, que es donde está el famoso edificio de otro de los cómics de Ibáñez.

Los ladrones son el Lince, el Ganzúas.

Recrean la famosa escena del espejo de "Duck Soup" (1933).

Filemón termina ingresado en una clínica mental para tontos de remate dibujando Mortadelos en las paredes. Y el armario sigue intacto porque el que destruyeron era uno falso.

El Conde Mácula (1971)

Filemón está completamente vendado tras la explosión final y su primo ha conseguido alquilar otra casa al ayuntamiento. Mientras tanto Mortadelo da con la localización del Conde Mácula en el año 1798. El primo les enviará a su castillo para que consigan el diario del Conde.

La casa nueva es literalmente vivir debajo de un puente.

Es el cortometraje con una parte en la que se recrean muchísimo, concretamente la de la introducción del castillo del Conde.

El conde tiene como ayudante un mono cojo y tuerto. Y él lleva zancos y es un borrachuzo de cuidado.

Al final consiguen curar al conde haciéndole beber agua y vuelve a ser el Gervasio, un señor con boina.

Maxiaventura en el mar (1971)

Los tres protagonistas se van a Acualandia para salvar a los sabios amigos de Chiflágoras, haciendo que va a enseñar a Mórtilus el armario, para desplazarse hasta allí van en el nuevo invento de Chiflágoras, el sub-anchovies, capaz de volar e ir bajo el agua. Apresan al malvado Mórtilus pero al querer enviarle a la prisión se equivocan en numerosas ocasiones lo que provoca que se apague la luz y Mortadelo pulse el botón de destrucción, acabando todos en el espacio persiguiendo a Mortadelo.

El primo empieza diciendo "Danke schön, Thank you, grazie mille". Para decir a los espectadores que el director le ha dicho que la acción del corto tendrá cabo en Acualandia.

Doña Úrsula hace una última aparición durante la secuencia de intercambios de personajes.

Estos cortos tienen mucho de los cómics, prácticamente son una adaptación calcada en muchos sentidos, y sentaron las bases de la animación de los personajes para posteriores versiones.

Son muy destructivos y caóticos. En prácticamente todos los cortos hay algo que termina completamente destruido.

Si bien cada cortometraje podría verse de forma individual y por separado la manera en la que están estructurados a modo de mini serie hace que sea mejor verlos del tirón como si fueran una película. De hecho yo lo hubiera editado un poco para que fuese algo continuo.

Me han hecho gracia algunas partes, no deja de ser uno de mis cómics favoritos de toda la vida. Si bien podría estar mejor creo que para el momento tiene una calidad más que decente y lo mejor es que es atemporal (algunas cositas puntuales podrían chirriar a las audiencias modernas, pero como "todo molesta" la verdad es que me da igual).

Die Sex-Abenteuer der drei Musketiere (1971)

También conocida como "The Sex Adventures Of The Three Musketeers".

El joven D'Artagnan sufre una erección, por suerte pasaba una señora por allí y le enseña a usar su polla, tras ello se va follando por las mañanas a una rubia y por las noches a una morena. Mientras tanto los tres mosqueteros intercambian historias de contenido sexual. Pero la obsesión de D'Artagnan es unirse a ellos, así que abandona sus tierras en busca de aventuras.

Curiosamente es la segunda versión caliente de la novela de Dumas en el blog, la primera fue "The Three Musketeers" (1992).

Aunque lo primero a destacar es que es soft-core. Aunque salen abundantes mujeres desnudas, algunos hombres y hay un montón de escenas de sexo sin llegar a lo explícito.

El tono es cómico pero sin caer en la tontería. De hecho no está demasiado alejada de una película normal de los mosqueteros.

Tiene el fallo que se nota que los mosqueteros no están montados en caballos cuando los enfocan de cerca y que cuando lo hacen de lejos no parecen los mismos actores.

Sigue un poco la historia original, pero se centra especialmente en las relaciones entre los mosqueteros o D'Artagnan y las mujeres, más que en los problemas de palacio.

Pero bueno, es un poco lo que uno podría esperarse. Me sigue sorprendiendo la calidad de los trajes y, especialmente, lo bien que han elegido las localizaciones.

En líneas generales se puede ver, aunque creo que hubiera ganado si hubiera sido explícita.

Viva la muerte (1971)

Hora de algo de drama.

Ha terminado la Guerra Civil y los nacionales ejecutan a quienes se les oponen. Entre ellos está el padre de un niño llamado Fando quien se queda sólo con su madre. Pero ella es muy pía y le educa según los mandatos más estrictos de la religión católica. Un día llega un paquete a nombre de Fando, se trata de un enorme avión de madera con un mensaje que dice que se acuerde de su padre y la mención de una prisión, su madre trata de escondérselo sin éxito. Poco después descubre una carta de la madre en la que parece que denunció a su padre.

Está basado en la novela "Baal Babylone" de Fernando Arrabal, publicada en 1959.

Se trata del debut en la dirección de Fernando Arrabal, claro que sólo ha hecho 7 películas, dos de ellas para televisión. Dentro de poco veré otra de ellas.

Se hizo famoso en España por el vídeo en el que hablaba del milenarismo estando visiblemente bebido.

Del reparto destaca la actriz catalana Núria Espert (La madre) de quien no he visto ninguna de sus películas hasta el momento.

Por cierto, es la primera película de Túnez en el blog.

Me pregunto si el personaje de Fando es el mismo de "Fando y Lis" (1968), puesto que también está basada en la una novela de Arrabal.

Vemos el uso de un cilicio. En esencia es una cadena con pinchos puesta en la pierna que se clava a medida que se aprieta más y más. Se usa a modo de castigo cuando alguien tiene pensamientos carnales. No recuerdo si se vio en la adaptación cinematográfica pero en el libro "El código Da Vinci" Silas usa uno constantemente.

De hecho es una escena un tanto perturbadora, el niño se ha excitado pensando en su madre y es ella quien le castiga, pero no parece causarle dolor sino placer al hacerlo.

Para mostrarnos las "ensoñaciones" del niño (que bien podrían ser cosas reales) la imagen tiene una serie de filtros.

La parte que más realista me ha resultado es cuando el niño decide golpear a su mejor amiga, Thérèse, imitando lo que le hace a su madre en casa (fustigarla a petición de ella, para hacerla sufrir). Y, de igual modo, como los niños juegan a que un verdugo les propine castigos dolorosos, imitando lo que hacen los adultos.

Hay bastantes escenas fuera de tono, frases obscenas y una tensión sexual entre el hijo y la madre que son carne del puro complejo de Edipo.

Ah y otro detalle que vemos en numerosas ocasiones es como matan insectos y pequeños animales e incluso se los comen. También aparecen corneros sacrificados y la matanza de una vaca (de un tamaño bastante impresionante).

También aparecen varias ejecuciones usando diferentes métodos como un fusilamiento o el aplastamiento de una cabeza por parte de unos caballos.

Incluso contiene escatología y vómitos. No sabría cómo explicarlo, simplemente sucede.

La BSO es fascinante. Por ejemplo durante la escena del sacrificio de la vaca una banda toca la canción tradicional rusa "Катюша". La canción que más se repite es "Ekkoleg" de Grethe Agatz. También hay una saeta. Pero la que más me intriga y no logro encontrar es una que parece de música electrónica, sólo llegamos a oírla brevemente pero me ha parecido de lo más interesante.

No deja de ser un reflejo desde un punto de vista antifascista de ciertos hechos que sucedieron en España durante la época de Franco. De hecho hubo protestas e incluso llegaron a quemar un cine donde la proyectaban.

La película en sí es un poco incómoda de ver, aunque esa es la intención del autor. Por ello no sé si recomendarla. Desde luego veo una cierta influencia de Jodorowski, quien era un amigo de Arrabal.