The Blot (1921)

También conocida como "What happened next door".

El profesor Andrew Theodore Griggs no tiene apenas dinero a pesar de su dedicación. Mientras tanto tres hijos de ricos y poderosos a los que da clase evaden la justicia y carecen de motivación. Sin embargo la hija del profesor, Amelia, es deseada por Phil West, uno de ellos y por su parte Juanita Claredon está interesada en él. El padre preferiría que eligiese al Reverendo Gates, quien también la desea.

Dirigida por Lois Weber. De quien vi el cortometraje "Suspense" (1913).

Me hace gracia que definan a Olsen como un tipo que fabrica zapatos que destrozan los pies de las mujeres que los usan. En 100 años no ha cambiado nada.

Resulta difícil ser feliz cuando se es pobre, pero más aún cuando ves la abundancia y el lujo de tu vecino rico. Dicho lo cual, la esposa del profesor es una envidiosa y su vecina una presumida.

El triángulo amoroso es lo que mueve los primeros compases de la historia. Pero vamos, Amelia ve claro que Phil no va a la biblioteca donde trabaja por sus libros y Juanita les ve juntos, cosa que la vuelve muy celosa.

Me resulta particularmente interesante la parte en la que la madre prepara un té con pastas al tipo rico y cuando va a servirlo ´él se ha ido y está el reverendo con su hija. Entonces la madre se pone a llorar porque cree que ha "desperdiciado" su dinero.

La escena más graciosa es la de la madre robando un pollo de la vecina, especialmente la exagerada reacción de la hija al verla. Es tan ridículo todo. Y luego la vecina queriendo "chivarse" a su marido cuando descubre lo sucedido mientras el hijo le planta cara (porque también le gusta Amelia).

Bueno, eso aparte del odio irracional que le tiene al gato de los Griggs, que no le deja ni siquiera comer de su basura. Es una señora realmente odiosa.

Al fin y al cabo viene a ser otra película de los años 20 que refleja la lucha de clases entre el que tiene algo de dinero y el pobre, que a la hora de la verdad están separados por una delgada línea. Porque el que es verdaderamente rico no se molesta por si su vecino tiene más que él, de hecho aquí es precisamente el más generoso.

Una cosa que no cuadra es que son pobres pero se acaban de mudar a una casa la cual están a punto de perder por falta de pago. El marido y la hija trabajan y no tienen apenas gastos. No lo entiendo, ¿por qué irse a una casa tan cara si es obvio que no van a poder mantener el ritmo de pagos?.

Aunque el romance sea el hilo conductor de las diferentes subtramas (hasta un cierto punto) en realidad lo que trata de criticar el autor es lo mal pagados que estaban los profesores en aquel momento.

Labyrinth des Grauens (1921)

También conocida como "Wege des schreckens". En todo caso el título se traduce como "El laberinto del horror". Aunque aquí la titulamos "Horas de angustia".

James Stephenson es el director de la fábrica Stephenson. Su rival es la fábrica Racton, dirigida por Thomas Racton. Aunque curiosamente el hijo del primero y la hija del segundo van a casarse, lo cual beneficiaría especialmente a Racton.

Dirigida por Michael Curtiz. El mismo que hizo "Casablanca" (1942), "The Adventures of Robin Hood" (1938), la de Errol Flynn y "The Comancheros" (1961).

El planteamiento bien podría parecer estar basado en "Romeo y Julieta" pero nada más lejos. El futuro marido conoce a una chica que trabaja como criada en la fábrica Racton la cual acabará por complicar bastante las cosas sin quererlo.

Presentan a las dos mujeres de una manera muy diferente. La hija es una chica afortunada que vive rodeada de lujos. La segunda es bastante torpe y la tratan bastante mal, pese a ser una prima de los Racton.

Sigue bastante los estereotipos de la época como el hecho de que una mujer sin recursos sólo podía trabajar de criada o de secretaria.

La escena del tren en llamas es una de las más espectaculares que he visto. Es literalmente un tren de vapor echando humo por todas partes mientras avanza por una vía, con escenas de gente saltando.

En definitiva es una película con una trama bastante oscura y deprimente. No sabía muy bien qué esperarme pero por el arranque casi parecía algo un poco más ligero. Además tampoco tenía muy claro quien era el protagonista, pero está claro que es Maud, la prima.

Vier um die frau (1921)

Pasemos a una alemana.

Por un lado tenemos a Florence Yquem, la hija del dueño de una empresa que se dedica a los chanchullos en sus ratos libres. Por otro están los hermanos gemelos William y Werner Krafft, uno trabaja en un Hotel y el otro se dedica a robar lo que puede y a malvenderlo para poder vivir.

Volvemos al cine de Fritz Lang quien ejerció de director y coguionista.

La única copia que se conserva proviene de Brasil y no está en demasiado buen estado. La restauración fue llevada a cabo en 1987 en Berlín. Los textos son traducciones de los que estaban en portugués.

Me fascinan algunos detalles puntuales como en el arranque de la película la manera en la que se desplaza la cámara lentamente alrededor de una especie de mesa circular.

El camarero le ofrece dos platos a un cliente, el primer es el llamativo pues se trata de sopa de caparazón de tortuga. Eso unido a las pieles que llevan algunas mujeres (incluso un perro lleva un collar de piel) demuestra el poco cariño que le tenían a los animalicos por aquel entonces.

Lo cierto es que me ha costado pillar lo de los hermanos gemelos porque aunque están interpretados por el mismo actor tienen aspectos bastante diferentes.

Por cierto, la he visto en VO y aunque mi alemán está bastante oxidado he entendido el 90% de los textos, el resto lo he ido traduciendo, por ello me ha costado bastante verla más tiempo de lo normal. Pero ha merecido la pena.

Dicho lo cual, resulta interesante ver palabras como "Kraftdroschke", que es una manera antigua de referirse a los taxis.

Es un drama que gira en torno a la tal Florence quien duda de su amor por su esposo y el de un hombre que conoció. No tiene más. Dicho así parece poca cosa, pero se complica por el hecho de que dicho hombre tiene un gemelo y le confunden con él, obviamente.

Lo único que he echado en falta es una escena con los dos gemelos juntos, estaba intrigado en saber cómo lo harían pero nunca sucede.

The sheik (1921)

Aquí la titulamos "El caíd".

Diana Mayo es una joven huérfana inglesa que ha decidido adentrarse en el desierto acompañada sólo por árabes. Tras un encuentro poco casual se convierte en la obsesión del Sheik y por ello la captura en cuanto tiene oportunidad.

Uno de los títulos más conocidos de Rudolph Valentino (el Sheik – Ahmed Ben Hassan) quien retomaría el personaje en "The Son of the Sheik" (1926), la que sería su última película.

Fue parodiada en "She's a Sheik" (1927) por Bebe Daniels. Y ya es la segunda parodia de la que tengo constancia que fue protagonizada por ella. Por cierto, fue la protagonista de "The Wonderful Wizard of Oz" (1910).

Hace 100 años ya tenían en cuenta detalles como que el actor protagonista no es de origen árabe sino italiano y por ello los padres del personaje son un británico y una española.

En el arranque de la película vemos el mercado de esposas donde las mujeres son elegidas para casarse con los hombres más ricos.

Y posteriormente vemos que la protagonista es una mujer independiente que sólo quiere perseguir sus sueños sin estar "atada" a un matrimonio. Aunque la parte que más gracia me hace es cuando llama "bandido salvaje del desierto" al Sheik.

La película que me ha venido a la mente al verla es "365 dni" (2020) en la que un hombre rico secuestra a una mujer y le da un año para enamorarse de él. Creedme, no merece la pena verla, especialmente por su final inconcluso, pero viene a ser el mismo argumento.

También me ha recordado un poco a "The Jewel of the Nile" (1985), especialmente la parte final de la historia. Tengo clarísimo que fue una influencia.

En fin, una película que marcó la pauta del "amor porque uno lo quiere y el otro acaba sucumbiendo a él"  que tantas veces hemos visto posteriormente. Aunque aquí todo tiene una justificación plausible.

Life Story of John Lee, or The Man They Could Not Hang (1921)

Un título cortito.

De pequeño John Lee estaba enamorado de Kate, una compañera de clase, pero nunca se le dio muy bien lo de cortejarla. En la adolescencia ella sólo se fija en los marinos que llegaban cada día al puerto así que él decide alistarse.

Otra rareza pues pocas películas australianas de la época muda han llegado a nuestros días. Curiosamente es un remake de una película homónima de 1912, aunque esa está considerada perdida.

Basada en la obra de teatro que adaptó la vida real de John Babbacombe Lee.

La película contiene numerosas citas de Oscar Wilde que más o menos encajan con lo que narra. Por cierto, todo está en primera persona.

Se pasan más de media película para llegar al punto en el que sucedió el caso a partir del cual John fue acusado de homicidio. Pero en realidad fue todo circunstancial y basado en pruebas que le incriminaban por ser el único hombre en la casa, por ejemplo, o por tener un misterioso corte en el brazo.

Pero el título de la película, por el que se hizo famoso Lee, sucedió tras ser sentenciado a muerte y sobrevivir entres ocasiones su ejecución por ahorcamiento. Tras los cuales le cambiaron la sentencia a prisión de por vida.

En la película dicen que según la ley inglesa si el condenado sobrevive tres veces a ser ahorcado que su pena cambia. En realidad no he encontrado demasiado sobre el tema., así que lo daré por cierto sin más.

Evidentemente la película no llega más lejos pero Lee vivió hasta 1945 aunque no se sabe a ciencia cierta si murió durante la Segunda Guerra Mundial en Inglaterra o si terminó sus días como James Lee en EEUU.

Creo que lo más interesante de la historia es el juicio y cómo se tergiversaron los hechos para que Lee acabase condenado a muerte. El hecho de que sobreviviese a los ahorcamientos ya ha sido revelado en el título así que es poco sorprendente y tampoco es que los muestren con demasiado detalle.

The Four Horsemen of the Apocalypse (1921)

Aquí la titulamos "Los cuatro jinetes del apocalipsis".

Madariaga acaba de llegar a Argentina desde España donde partiendo de cero creó un pequeño imperio gracias a la adquisición de terrenos y a la cría de animales. Vivía con Luisa y Elena, sus dos hijas, quienes estaban casadas con Marcelo Desnoyers, un francés que era el favorito de Madariaga, y con Karl von Hartrott, un alemán que sólo hacía que sentir celos. Especialmente cuando Marcelo tiene un hijo llamado Julio al que su abuelo adora.

Basada en la novela de Vicente Blasco Ibáñez publicada en 1918. Tuvo otra adaptación cinematográfica, también estadounidense, en 1962.

Dirigida y producida por Rex Ingram. De quien he visto "The Magician" (1926) y tengo previsto ver en breves "Ben-Hur: A Tale of the Christ" (1926) por la que no recibió crédito como director.

Protagonizada por Rudolph Valentino (Julio Desnoyers), aquí le llamamos Rodolfo. Es conocido por "The Sheik" (1921), "Blood and Sand" (1922) y "The Eagle" (1925), aunque este fue su primer papel protagonista. Tuvo una carrera cinematográfica bastante corta debido a su fallecimiento en 1926.

Destaca también la aparición de Xavier Cugat como uno de los violinistas en la escena del tango.

Se calcula que es la película muda más taquillera de la historia con más de 9 millones de dólares ingresados. Su presupuesto fue de un millón.

La escena del tango no estaba incluida en la novela. La agregaron para que Valentino hiciese gala de sus dotes de bailarín.

El primer detalle interesante es que en los créditos de inicio los nombres de los personajes están bien escritos en castellano con sus acentos y eñes. No es muy habitual algo así en el cine estadounidense.

Resulta gracioso ver a los tres hijos del alemán jugando a ser militares haciendo el conocido como "paso de la oca". Aunque tiene mucho sentido pues su origen es prusiano, del siglo XVIII, y pronto fue adoptado por ejército alemán.

Si bien no podría considerarse una película musical, por aquello que es muda a pesar de que sí tiene una BSO (de hecho dos porque hicieron una especial para una reedición), no está de más destacarla como una película sobre bailes y coreografías. Y más concretamente sobre el tango.

Es el reflejo del padre que no quiso ir a la guerra a finales del siglo XIX en el hijo que le toca vivir la Primera Guerra Mundial y que se alista como voluntario.

Es una película con un mensaje antibélico importante, con unos textos bastante poéticos. A partir de la mitad y hasta el final los cuatro jinetes son nombrados en numerosas ocasiones e incluso hacen aparición.

Der Gang in die Nacht (1921)

El título se traduce como "El camino a la noche".

Helene está enamorada de un médico famoso llamado Eigil Börne, él decide pedirle matrimonio a pesar de que en realidad ama a una actriz y al final se niega a luchar contra sus sentimientos y se declara a la actriz. Tras ello decide retirarse a trabajar como médico rural en una casita en el campo.

Una película dirigida por Friedrich Wilhem Murnau. El mismo que hizo "Nosferatu, eine Symphonie des Grauens" (1922) y "Sunrise: A Song of Two Humans" (1927). Por cierto, acabo de percatarme de lo corta que es su filmografía, sólo dirigió una veintena de títulos. Aunque por desgracia esta es la película más temprana de la que se conservan copias, las seis anteriores están perdidas.

El guión corrió a cargo de Carl Mayer aunque se basó en una novela titulada "Der Sieger" escrita por la danesa Harriet Bloch.

Del reparto destaca el nombre de Conrad Veidt (el pintor ciego). Un actor que salió en multitud de títulos en la época muda, muchos de ellos relevantes como "Das Cabinet des Dr. Caligari" (1920), "Orlacs Hände" (1924) o "The Man Who Laughs" (1928).

Como suele suceder con las películas mudas durante años sólo quedaba una copia sin textos pero posteriormente encontraron otra en Moscú y junto con el guión original y artículos de revistas donde hablaban de la película consiguieron restaurarlos.

El problema que tuvieron a la hora de restaurarlos es que el director solía modificar el guión a medida que grababa y a veces cambiaba el orden de las cosas o el texto según le parecía.

Me hace gracia como la actriz de teatro finge una lesión durante una obra para conocer al médico. Teatrera como ella sola.

En realidad lo más gracioso es la manera tan exageradamente dramática en la que se comportan. Sus gestos a ratos resultan cómicos. Y me refiero especialmente a la teatrera y al doctor, son tal para cual en ese sentido.

En un giro dramático de los acontecimientos (nunca mejor dicho) el doctor regresa a la ciudad durante un día para visitar a Helene, porque se encuentra muy mal, y su esposa decide ponerle los cuernos con el pintor, because why not. Y más tarde el pintor decide matar a la esposa y así es todo más trágico.

Me ha parecido una película muy teatral, demasiado quizás. El drama es lo que prima y aunque su final es trágico en mi opinión resulta ser la parte menos sobreactuada. No me malinterpretéis, no la considero una mala película pero sólo la volvería a ver por Conrad Veidt.

Cud nad Wisłą (1921)

El título se traduce como "Milagro en el río Vístula".

Ha terminado la Primera Guerra Mundial y por fin toca celebrar la Navidad en familia. Luego cuando las cosas parecían volver a la normalidad los bolcheviques invadieron la nación polaca. Un grupo de actores se une a las tropas locales para tenderles una emboscada.

La película empieza con una introducción de los actores y los papeles que interpretan en la que les vemos posando para la cámara.

Jaja, durante la celebración vemos a uno disfrazado de erizo y otro de lobo (o quizás oso). Lo importante es que existe el erizo de Navidad. Yo con eso ya soy un poco más feliz.

Las batallas muestran la verdadera cara de algunos, como el que se pone un uniforme de un muerto para hacerse el herido y así que le rescaten los servicios médicos.

Está claro que el pueblo en general mostraba una repulsa hacia los bolcheviques pero también existían algunos polacos que les ayudaron en la invasión y eso es lo que trata de relejar la película.

Bueno y la barbarie de los invasores cuando encuentran una hospital y matan a todos los enfermos.

Obviamente es una película totalmente parcial, como fue la otra polaca que comenté hace poco de este mismo estilo. Pero tiene mucho sentido dado el momento en que fue grabada.

Schloß Vogelöd (1921)

El título se traduce como "El castillo Vogelöd".

Las lluvias de Octubre azotan el castillo Vogelöd. Es la época de caza y allí aguardan varios invitados cuando de repente llega el Conde Oetsch, de quien se sospecha que asesinó a su hermano. El problema es que la viuda está a punto de llegar también.

Dirigida por F.W.Murnau. Hace ya mucho desde la última película que vi suya. De hecho fue “Sunrise: A Song of Two Humans“ (1927). Aún hay algunos títulos más que me interesan de su filmografía, pero esos serán para más adelante.

Hay varias versiones, la más conocida dura 75 minutos. La que poseo yo, en cambio, dura 81. Se trata de la versión restaurada en el año 2002 (a partir de una copia del archivo de cine de Berlín y de otra de la cinemateca de Sao Paulo). En el 2013 fue la que usaron para digitalizarla en calidad 2k.

Está basada en la historia homónima de Rudolf Stratz publicada en el “Berliner Illustrierten Zeitung”. Como primera curiosidad el último capítulo fue publicado después del estreno de la película porque se dieron mucha prisa en rodarla.

Lo primero que me llama la atención es lo completos que están los créditos de inicio. Incluso aparece el reparto entero.

La historia está dividida en cinco actos. El primero sería la llegada de los dos personajes principales. El segundo cuando sale el sol y se relajan un poco las cosas, pero luego vuelve la lluvia. En el tercero vemos varios flashbacks cuando la Baronesa narra qué sucedió con su marido. El cuarto es la desaparición del padre. Y el quinto la revelación de qué sucedió en el pasado y el giro final.

Como suele ser habitual en el cine de Murnau (y en muchas películas mudas de la época) hace uso de diferentes tintes para las escenas según sean de día, de noche, exteriores o interiores. Además hay dos tonos diferentes de naranja (casi amarillo) según muestre un plano cercano o algo más alejado.

La mejor parte es la de la pesadilla. Un ser misterioso aparece frente a una ventana, la abre y su enorme mano se lleva a uno de los invitados cuando duerme.

Bueno, me ha dejado realmente impresionado. Ya no es sólo la historia (de la que no voy a revelar ningún detalle, por si queréis verla) es que visualmente tiene algunos momentos impresionantes. El expresionismo alemán está presente en sus elementos más comunes como son el uso de las luces y las sombras.

Por supuesto, la recomiendo. Aunque dudo mucho que haya una película mala de F.W.Murnau.

Körkarlen (1921)

Aquí la titulamos "La carreta fantasma".

Según cuenta la leyenda, la última persona en morir en Nochevieja se convierte en el conductor de un carro que se lleva a los muertos durante un año. El elegido esta vez es David Holm, un hombre que ha llevado una mala vida.

Basada en la novela homónima de Selma Lagerlöf publicada el mismo año.

La versión que he visto es la de 1999 cuando mejoraron la coloración para que fuese más fiel a la original. Usaron de base dos copias, una en blanco y negro con los títulos en inglés y otra coloreada con los títulos en sueco.

Este título lo mencioné en la entrada de "Smultronstället" (1957). Concretamente porque está dirigida, escrita y protagonizada por Victor Sjöström. También suyas son "He who gets slapped" (1924) y "Terje Vigen" (1917).

Y es que para Ingmar Bergman se trata de la película que veía cada verano y la consideraba "la película de todas las películas", además de ser una gran influencia en su obra. Charles Chaplin tenía una opinión similar.

Para preparar el papel Sjöström se disfrazó como un hombre pobre y pasó tiempo en los barrios bajos de Estocolmo.

La escena en la que David Holm trata de llegar a donde están su esposa e hijo es la que más tarde serviría de inspiración para la famosa "here's Johnny" de "The Shining" (1980). Curiosamente el director se basó en otra escena que sale en "Broken Blossoms or The Yellow Man and the Girl" (1919) de D.W. Griffith (me la apunto para verla más adelante).

Para hacer el efecto "fantasmal" el director echa mano de la doble exposición. De hecho fijándome detenidamente también lo usa para hacer algunas transiciones.

Me recuerda mucho a "Det sjunde inseglet" (1957), los temas que trata son similares y el viaje del protagonista y el hombre que lleva el carro es en cierta manera similar. También veo influencias en "The Meaning of Life" (1983).

Estaba dándole vueltas al origen de la representación de la muerte como un ser con una capucha y una guadaña y parece estar en el siglo XIV durante la época de la peste negra. Básicamente la capucha es porque los religiosos de la época eran los que oficiaban los funerales y la guadaña es porque la muerte "arranca" a los muertos de la tierra.

Me ha gustado mucho como en un momento dado un personaje narra una historia y dentro de ella otro narra otra, osea es un flashback dentro de otro flashback. Y aún así no se pierde nunca el hilo argumental.

También como la figura del carretero se queda quieto escuchando en buena parte de sus apariciones. Le da un toque siniestro y tétrico.

Der müde Tod (1921)

Aquí la titulamos "Las tres luces".

Un forastero llega a la ciudad y compra un terreno junto al cementerio a cambio de una sustanciosa cantidad. Desde entonces se muestra secretivo y levanta un enorme muro sin entradas alrededor de su finca, cosa que no agrada a los lugareños.

Fue la película que inspiró a Luís Buñuel para hacer cine. También se trata de la favorita de Alfred Hitchcock.

Fue restaurada en el año 2016 en Italia usando copias del Museo de Arte Moderno de Nueva York y de la Cinémathèque de Toulouse, Francia. Los carteles fueron restaurados a partir de la copia rusa y los que faltan provienen de los archivos de Praga y Bruselas. Casi ná.

Dirigida por Fritz Lang, se trata de una película de su etapa en Alemania. Es conocido por títulos como "Metropolis" (1927) y "M - Eine Stadt sucht einen Mörder" (1931).

Es llamativo el uso del término "Medikus" para referirse al médico en alemán. Es algo arcaico que ha caído en desuso, hoy en día la palabra es "Arzt". Otra palabra similar es "Bräutigam" para referirse al prometido, la moderna sería "Verlobte", aunque creo que aún se usan ambas la segunda es la más común.

La escena de los fantasmas aproximándose al muro es realmente espectacular.

En la entrada de "Nosferatu, eine Symphonie des Grauens" (1922) expliqué que los diferentes colores eran para mostrar si era de día o de noche, en interior o en exterior. Pero esta película no tiene escenas en blanco y negro, todas están coloreadas. Su uso es para dar a entender que es un cambio de escena simplemente.

En un momento dado una mujer ha de tratar de salvar a tres hombres, uno es capturado en un califato, otro es engañado durante el carnaval en Italia, el último es asesinado por ir en contra de los deseos del emperador de China.

Durante estas tres historias las tipografías de los carteles cambian, hasta ahora tenían un estilo germánico. En la primera parecen letras arábigas, en la segunda latinas y en la tercera caracteres chinos.

En la historia de China los protagonistas viajan en alfombra voladora. El despegue y el aterrizaje están bastante logrados pero para el vuelo usan una imagen superpuesta sobre unas montañas, el problema es que es demasiado grande y queda mal.

Una de las mejores interpretaciones de la muerte, además es un personaje muy sufrido. Me ha recordado un poco al de "Det sjunde inseglet" (1957), de hecho me pregunto si fue la inspiración de Ingmar Bergman.

Una de las mejores películas mudas que he visto. Me ha gustado especialmente que las sub-historias estén grabadas en localizaciones muy diversas, o como mínimo están muy bien recreadas.

L'Uomo Meccanico (1921)

Hace tiempo que no veo una película muda.

Un científico ha creado un aparato con forma humana aunque de un tamaño gigante. Es capaz de moverse, correr, pelear y destruir con una potencia formidable. Una banda de bandidos liderada por una mujer malvada se hace con los planos tras matar al científico y crea otro, pero el hijo del científico se enfrentará a ella usando su propio hombre mecánico.

Su duración es de 80 minutos sin embargo sólo han sobrevivido 25 de ellos. De hecho fueron descubiertos en Brasil de pura casualidad y, por suerte, contienen algunas de sus mejores escenas.

La película empieza tras la captura de la banda y la mujer tratando de huir de prisión provocando un incendio.

La calidad de imagen no es la mejor y va alternando imágenes en diferentes colores (amarillo, rojo y azul). Aunque no sé hasta qué punto está hecho adrede pues algunos cambios suceden dentro de una misma escena.

No puedo evitar preguntarme cómo harían para aparentar que el perro está muerto. Quizás le dieron un sedante. Lo cierto es que sí parece estar muerto.

A pesar de su corta duración no carece de escenas de acción de diversa índole. Vemos, por ejemplo, a un hombre que cae de su caballo y queda colgando de una rama en un pequeño barranco.

Incluye algunos efectos especiales notables. De hecho diría que el mejor es la parte del hombre mecánico persiguiendo un coche. Es un claro montaje pero aún así está bastante logrado.

Y no contentos con mostrar un hombre mecánico el enfrentamiento final es entre dos. Además vemos a la mujer malvada mirando una pantalla (bastante grande) donde tiene lugar la lucha.

No es la primera película sobre un hombre mecánico (el término robot aún no sería aplicable) aunque vemos el uso de controles remotos y a la vez está dotado de cierta autonomía. Aparte fue una influencia de títulos posteriores como "The Terminator" (1984), por decir uno.

The Three Musketeers (1921)

Pasemos a un par de peliculas mudas, que ya hace mucho desde la ultima.

El Cardenal Richelieu quiere anteponerse entre la relacion de la reina Anna y el conde de Buckingham porque quiere que se case con el rey Luis XIII. Mientras tanto el joven D'Artagnan abandona su hogar para ir a Paris y unirse a los mosqueteros. Alli conocera a Athos. Porthos y Aramis a los que se unira tras una pelea con los guardias del cardenal.

Aunque parezca increible es la 6ª pelicula cronologicamente hablando que adaptaba la historia mas prestigiosa de Alejandro Dumas, aunque es la mas famosa de la epoca muda. La primera fue la francesa "The Three Musketeers" (1903) de la que no se conserva nada asi que complicado seria hablar de ella.

A estas alturas de la historia del cine ya habian avances importantes en cuanto a la forma de enfocar las cosas y esta historia se beneficia mucho de ellos. La camara sigue la accion, combina planos medios/primeros planos con planos enteros y esta muy cerca de parecer una pelicula sonora.

Luego estan los vestuarios y los escenarios en los que transcurre la accion. Ambas cosas provienen de lo que seria la epoca teatral, que aun estaba reciente, y por ello buscaron un palacio acorde para las escenas del castillo y una parte de la ciudad que recordase el estilo antiguo de Paris, al igual que escenas de campo abierto. Son cosas que no han cambiado con el paso de los años, si comparamos esta pelicula con alguna mas moderna sobre mosqueteros veriamos que el vestuario es muy semejante y las zonas por las que se mueven sino identicas serian muy parecidas.

Por ello esta pelicula tiene tanto merito, aunque yo soy de la opinion que su secuela ("The Iron Mask" (1929))  esta mucho mas conseguida, tanto a nivel caracterizacion como al tratamiento que se les da a los personajes, mucho mas cercano a los perfiles la novela. Pero de ella hablare mas tarde.