Little Annie Rooney (1925)

Aquí la titulamos "La pequeña Annie Rooney" y "La pequeña Anita".

En la zona alta de la ciudad a una banda se la llama "sociedad", en la zona baja es simplemente "banda". Mickey Kelly es el líder de la banda "Kid Kellys", y su principal enemiga es la pequeña Annie Rooney y su grupo, con quienes se pelean a menudo. Por otra parte está su hermano mayor, Joe Kelly, y su banda "Big Kellys".

Una película más de Mary Pickford (Little Annie Rooney), llevo ya unos cuantos de sus títulos en el blog. Es también quien escribió la historia original, aunque con el sobrenombre Catherine Hennessey.

Interpreta a una jovencita, pero en realidad tenía 33 años cuando hizo esta película. Claro que es bastante bajita, pasa perfectamente por una adolescente y no queda tan raro cuando se la ve pegándose con unos críos.

Durante las peleas se tiran piedras, ladrillos, botas y cubos... poca broma. Y no tienen ningún tipo de consideración de razas, género o edad...

Resulta que Annie es hija de un policía bonachón, lo cual explica por qué Mickey la tiene tomada con ella. Y Tim es su hermano, es uno de la banda de Joe.

Salen griegos, hablando en griego. Más concretamente tenemos la frase "ΣΑΜΑΤΑ ΝΑ ΚΤΥΠΤΩΜΕΘΑ ΚΑΙ ΕΛΘΕ ΕΠΑΝΩ", seguido de la frase en inglés "or I'll knock you for a loop", cuya interpretación completa vendría a ser "¡Arma follón y ven aquí (arriba)... o te dejo fuera de combate!". Creo que sería mas bien una orden para que el crío deje de armar lío en la calle y vuelva a su casa, pero eso es lo que dice. Se supone que es griego "roto" de todas maneras.

Más tarde sale el texto "ΕΑΝ ΕΙΠΗΣ ΕΞ ΚΑΝΕΝΑ ΟΤΙ ΕΚΑΜΑ ΤΙ ΠΡΟΣ ΤΟΝ ΜΙΚΡΟΝ ΡΟΥΝΗ ΘΑ ΠΑΘΗΣ ΚΑΙ ΕΣΥ ΤΟ ΙΔΙΟΝ", Cuya traducción es "Si le dices a alguien lo que le hice al pequeño Rooney, tú también sufrirás lo mismo".

Tiene muchos momentos simpáticos, sin embargo la parte que más me ha gustado es la de Annie preparando la cena especial para su padre, cuando llega un policía y le dice que ha muerto. Es brutal.

En la parte final, tras donar sangre, Annie le pregunta al médico "When do I croak?". Es un coloquialismo que quiere decir "¿Cuando voy a morir?". Lo cierto es que lo entendí a la primera, pues el extertor de la muerte suena un poco como el croar de una rana.

A ver, sin saber la edad de la actriz en aquellos momentos quizás puedas creer que es más joven, pero definitivamente, incluso siendo bajita y con coletitas, tiene aspecto de ser bastante mayor que los niños con los que se junta.

Pero eso no quita de que sea una buena historia. Me ha gustado, en pocas palabras.

What Happened To Jones? (1925)

Pasemos a algo un poco más ligero.

Tras terminar los estudios, el padre de Lucille quiere que se case con el Sr.Fuller, pero ella elige a un hombre de fuera llamado Tom Jones. La noche antes de la boda invitan a Jones a una partida de cartas y la policía les ve desde la calle, pero por suerte él logra escapar junto con otro tipo. El problema es que acaban escondiéndose en un baño turco para mujeres. Consiguen escapar de nuevo pero vestidos de mujeres y hasta la mañana siguiente no logran regresar a casa. Pero entonces Jones se ve obligado a disfrazarse de obispo y a hacer el paripé. Mientras tanto la policía espera atraparle cuando vaya a casarse.

Es la adaptación de la obra de Broadway homónima, estrenada en 1897. Tuvo dos adaptaciones previas, "What Happened to Jones" (1915) y "What Happened to Jones" (1920). Esta es la versión más famosa.

Se ve que debía ser MUY ilegal jugar a cartas en aquel momento como para que cuatro policías intervengan y detengan a todos. Por otra parte están en su casa, no sé hasta qué punto es normal que la policía vaya mirando por las ventanas en plena noche.

Eventualmente se produce una situación que me ha recordado a los vídeos de Benny Hill. Ellos huyen vestidos de mujeres pero dos hombres les siguen y detrás van tres policías a los que se une un cuarto.

La situación se va complicando más y más pero consiguen salir airosos sin demasiados problemas. Bueno poco más o menos.

El principal problema es que la boda no se cancela porque después de escuchar todo tipo de barbaridades sobre Jones, Lucille decide casarse con Fuller.

En realidad reaccionan a cada situación en el momento, sin pensar demasiado en las consecuencias o cuál será su siguiente paso.

Pero bueno, es bastante ingenioso todo y la comedia está muy bien llevada. No es excesiva en ningún momento.

The Midnight Girl (1925)

Seguimos con más cine mudo.

Nicholas Harmon es un rico apasionado por la música. Nina es su cantante estrella pero está en plena decadencia, pero él sigue apoyándola. El problema es que Don, el hijo del rico, no le parece bien la relación que mantienen y decide abandonar a su padre y su dinero para dedicarse a dirigir un conjunto musical en un club donde conoce a Anna, de quien se enamora. El problema es que su padre también la ve y se muestra muy interesado en como canta.

Como suele ser habitual no recordaba la razón por la que elegí este título pero esta vez no he tardado demasiado en darme cuenta de que fue debido a que aparece Bela Lugosi (Nicholas Harmon). Para cuando hizo esta película ya tenía una carrera bastante extensa dentro del mundo del cine, aunque mayormente era europeo (en Hungría y Alemania).

Curiosamente es la única película estadounidense en la que le vemos dar un beso a una mujer de manera romántica. Cosa que tiene bastante sentido tras su papel en "Dracula" (1931) el cual le catapultó a hacer cine de terror.

La protagonista, sin embargo, es Lila Lee (Anna Meridoff), quien salió en títulos como "The Unholy Three" (1930) o "Blood and Sand" (1922).

Me hace gracia que las películas soviéticas se dediquen a reforzar la idea del triunfo de la clase trabajadora mientras que en las estadounidenses pintan a los rusos como que se ven obligados a huir de su país por las pésimas condiciones en las que se encuentra. Me pregunto hasta qué punto serían verdad ambas partes.

El otro día mencionaba la gran calidad de conservación de una película del mismo año que esta. Esta vez es justo lo contrario, en numerosas ocasiones cuesta ver las caras de los protagonistas, los textos no se ven tan afectados pero tampoco se ven nítidos. Claro que igual es la copia que poseo, pero he buscado otra y no ha habido manera.

De nuevo una película muda en la que las canciones son una parte muy importante de la historia. Esta vez lo arreglan poniendo un trozo de la partitura pero vamos, que tampoco ayuda demasiado si no sabes leerla.

Es una película peculiar, tenemos vemos a Bela Lugosi "sacando los dientes" en un momento dado. Es una escena en la que muestra su faceta más terrorífica, aunque no deja de ser una historia de romance algo complicada.

The Big Parade (1925)

Aquí la titulamos "La gran desfilada".

Estamos en Abril de 1917, "Slim" Jensen es tan sólo uno de tantos trabajadores estadounidenses que ayudaba a levantar una nación. Mientras tanto otro trabaja en un bar y Jim, el hijo de un rico, decide seguir sin hacer nada de provecho. De repente estalla la Primera Guerra Mundial y el país necesita jóvenes que se alisten. Allí es donde se conocerán los tres.

Dirigida por King Vidor. Es uno de los directores de la época muda cuya filmografía tenía más ganas de explorar. Diría que no he visto ninguna de sus películas hasta el momento aunque estuvo involucrado en la dirección de "The Wizard of Oz" (1939), concretamente en las escenas que transcurren en Kansas.

El ejército estadounidense colaboró en el rodaje, más concretamente la Segunda División de la Armada.

Es fascinante lo mucho que se parece a "Wings" (1927) en sus compases iniciales. El rico enamorado de una chica que le incita a ir a la guerra. El pobre que se ve casi obligado a hacerlo.

Por cierto, recomiendo mucho esta película por la increíble calidad con la que nos ha llegado, es realmente impresionante lo nítida que se ve. De hecho he podido apreciar los problemas que tenían las cámaras de aquel entonces con los enfoques en momentos puntuales.

Nos saltamos la parte de la instrucción para pasar directamente a la acción con la llegada de los soldados estadounidenses a un pequeño pueblo francés.

Me llama la atención la cantidad de canciones que cantan los soldados pues siendo una película muda pierden mucho. Todas tienen un toque gracioso en sus letras y, probablemente, se trata siempre de la misma melodía.

La escena en la que Jim le enseña a comer chicle a la chica francesa fue improvisada. Es bastante realista pues una chica de un pueblecito francés nunca habría visto un chicle antes y para el soldado americano sería de lo más normal. Además equilibra bastante bien la comedia y el romanticismo que poco a poco va creciendo entre ambos.

De hecho a pesar de que están en guerra no llegamos a ver acción bélica hasta pasada casi una hora y media de película. Aunque he de decir que es realmente espectacular ver la cantidad de soldados, camiones, aviones y demás que despliegan.

La escena en la que avanzan por el bosque con la bayoneta calada, pasando junto a un montón de cadáveres desperdigados y cuando alcanzan a los soldados enemigos estos se rinden me parece que está grabada de una manera muy sobria, De hecho casi parecen robots. Es como si dieran por sentado que son invencibles por el hecho de ser más (cosa que no tengo excesivamente clara si fue así).

En todo caso la cantidad de muertes que muestran es mayor de la que anticipaba por el tono suave que había tenido la película hasta ese momento. De hecho empezaba a pensar que aquello de romantizar la idea de la guerra se lo habían tomado de manera literal.

Tras la mejor escena de la parte de la guerra, la que transcurre en la noche, aparece un vehículo de la Cruz Roja cuya cruz está realmente pintada de color rojo. Es la única vez en la que sucede algo así.

El mensaje es claramente antibélico, aquello de "hacemos un desfile cuando nos vamos y otro al regresar, acatar órdenes no sirve para nada". De ahí el título de la película.

Me ha parecido excepcional. Plasma las crueldades de la guerra de una manera directa al igual que sus consecuencias y lo inútil que resulta. Un mensaje que he visto repetido en numerosas ocasiones desde diferentes puntos de vista y que siempre suena igual.

Maciste all'inferno (1925)

Otra película de este musculoso personaje.

Los enviados de Plutón, también conocidos como los genios del mal,  llegan a la tierra y se disfrazan como seres humanos para pasar desapercibidos. Maciste es el hombre más fuerte tanto física como espiritualmente. Uno de los genios se encuentra con él y se le encara haciendo gala de sus poderes, ante lo cual Maciste se da cuenta que ha de ser el demonio. El demonio entonces le ofrece cualquier cosa para que se una a él, porque sabe que es el único que puede vencerle.

Una más de las numerosas películas que se hicieron sobre Maciste tras "Maciste" (1915). Dudo que haya alguna continuidad entre ellas, de hecho me da la impresión de que serán historias sueltas en torno a una temática, siendo la que nos ocupa el infierno, obviamente.

Lo de los "enviados de Plutón" viene a raíz es conocido también como "el planeta de los demonios". Esto es debido a que a partir de las primeras imágenes se confeccionó una lista de nombres que se referían a demonios y dioses oscuros de la antigüedad. De hecho Plutón es el dios romano del inframundo.

Lo de los "genios del mal" se refiere en concreto a Lucifer y proviene de una estatua del ángel caído de 1848 cuyo nombre es "le génie du mal". De hecho recuerdo una anécdota curiosa de dicha estatua. En realidad encargaron el trabajo a Joseph Geefs y la nombró "L'ange du mal", pero la iglesia la rechazó porque la consideraba demasiado insinuante así que su hermano Guillaume hizo la otra... que era más insinuante aún.

La historia da un giro prontamente hacia un drama sobre una mujer que perdió a su hijo y el demonio se la quiere llevar al infierno. Mientras tanto Maciste trata de encontrar a un príncipe para que le pida disculpas a una mujer, diría que es la misma. La cosa es que tengo la impresión de que todo esto viene de una película anterior.

Una vez llega Maciste al infierno un montón de demonios le atacan (las hordas) y hacen gala de todo tipo de efectos especiales como por ejemplo a uno le cortan la cabeza y se la vuelve a colocar o a otro le clavan una especie de horca de dos puntas y echa fuego por la boca. Aparte de muchos maquillajes de diversa índole para que tengan apariencia demoníaca.

La regla es: "todo hombre que pase 3 días en el infierno quedará encerrado para siempre, salvo que sea besado por una demonia".

Citan a Dante. En realidad buena parte del diseño del infierno está claramente inspirado en "La divina comedia". Es más, estoy convencido de que buena parte de la inspiración visual proviene de "L'inferno" (1911).

En un momento dado Maciste se convierte en demonio lo cual le dota de todavía más fuerza. Es un espectáculo ver como se enfrenta a los demonios que le atacan en masa.

Definitivamente no es como me la esperaba, incluso incluye un pequeño giro en la parte final. Aunque, como mencioné al principio, es un personaje del que hicieron un montón de películas y cuesta mucho saber si están disponibles y aunque así fuese dudo mucho que las viera todas, ni siquiera me plantearía ver la mayoría de ellas. Pero alguna de vez en cuando me resulta estimulante.

Lightnin' (1925)

Volvemos a Hollywood.

Lightin' Bill Jones trabaja en el hotel Calivada con su esposa y Millie, su hija adoptiva. La señora Jones ha llegado a un acuerdo para venderlo y así poder retirarse. John Marvin es un abogado amigo del marido quien quiere asegurarse de que no firmen nada porque cree que es un timo. Para complicar un poco más las cosas Millie está enamorada de él.

Dirigida por John Ford. Como ya mencioné en otra entrada sus películas de la época muda están casi todas perdidas, así que esto es algo un poco especial. Por cierto tuvo un remake sonoro titulado "Lightnin'" (1930), no puedo decir que me sorprenda aunque fue dirigido por Henry King.

Lo primero que me llama la atención es que no dicen el nombre de la esposa, simplemente pone Mrs. Bill Jones. El marido la llama "madre".

El nombre del hotel es porque esta justo en la frontera de los estados de California y nevada.

He tenido que buscarlo porque no estaba del todo seguro. La ley seca de EEUU empezó en 1920 y duró hasta 1933. Siempre había creído que había empezado más tarde. No fue algo que surgiese de un día para otro, de hecho llevaba gestándose desde antes de la Primera Guerra Mundial.

Uno de los mejores es Chester, el perrito que le trae las botellas de alcohol cada vez que la esposa se las tira. Es la mar de gracioso.

Otro detalle gracioso es la parte en la que aparece el juez y vemos una fotografía con su nombre y luego a él posando de idéntica manera frente a ella. Me pregunto si fue la inspiración de "Airplane!" (1980).

La estafa consiste en que compran tierras a cambio de participaciones de bolsa de una compañía que en realidad no valen nada y luego venden dichas tierras a la ferroviaria que construirá el futuro tren, a sabiendas de antemano por donde quieren que pase. En realidad en aquella época debía ser realmente difícil tener toda esa información si vivías en un pueblecito perdido.

Lo que no acabo de comprender es por qué el abogado y Bill no le explican a la esposa qué están urdiendo los estafadores para que así no firme.

En 1916 EEUU era el país con más divorcios del mundo y en la década de los 20 hubo un aumento notable, con lo cual tiene mucho sentido que formen parte de la trama. Y de hecho Nevada era el estado donde era más accesible, sólo requería que el solicitante estuviera habitando allí durante 6 meses (en 1927 lo rebajaron a 3 y en 1931 a 6 semanas).

Eso explica lo útil que era el hotel para las mujeres que querían el divorcio. Su en California recibían el correo y demás, pero su residencia legal (en trámites, supongo) estaba en Nevada y no tenían más que cruzar un salón para pasar de un estado al otro.

Bill dice que fue detective, ladrón, cuidador de abejas y abogado cuando era más joven. Lo más probable es que todo sean mentiras y que lo único cierto es que es un alcohólico empedernido.

En todo caso es una película que juega con un tono dramático quizás un poco exagerado (lo digo más que nada porque hablándolo un poco se hubiera solucionado todo prontamente) pero también que posee numerosos momentos cómicos, Lo cual hace que sea lo suficientemente entretenida sin resultar pesada en ningún momento.

Ingmarsarvet (1925)

El título se traduce como "El legado de Ingmar".

La muerte de Eljas abre el camino para que Halfvor pueda casarse con Karin. Por otra parte Hellgum quiere reunir a 150 hombres y mujeres para ir hacia Jerusalén. Ingmar, el hijo de Karin y Eljas, no quiere abandonar Suecia.

Se trata de la adaptación de una novela de la autora sueca Selma Lagerlöf, famosa por ser la primera mujer en obtener el premio Nobel de literatura, fue en el año 1909.

Volvemos al cine sueco de la mano de Gustaf Molander. Es un autor que fue especialmente prolífico entre la década de los 20 y la de los 40. Personalmente apenas conozco su obra, de hecho diría que esta es la primera película que veo dirigida por él.

En realidad es una tercera parte. Las dos primeras se titulan "Ingmarssönerna" (1919) y "Karin Ingmarsdotter" (1920). Además tuvo una cuarta película de nombre "Till österland" (1926). Carezco de todas ellas, aunque quizás me anime a ver alguna más adelante. Ignoraba que no fuese la primera parte hasta que la he visto, no hay ningún indicativo de que se necesiten ver las otras películas, aunque quizás expliquen mejor el trasfondo de algunos de los personajes.

En el reparto destaca Conrad Veidt (Hellgum), un actor que estuvo involucrado en multitud de títulos en Europa en la época muda aunque curiosamente uno de sus títulos más famosos fue estadounidense, "The Man Who Laughs" (1928).

La primera curiosidad es que existen copias íntegras pero difieren en cuanto a duración. No acabo de entender muy bien la razón.

Me hace gracia como se asustan a los aldeanos quienes incluso llegan a ver imágenes fantasmagóricas y a la hora de la verdad no es más que una tormenta.

Veo que la estética fue una influencia importante de la película "The Ring" (2002). Aparece una mujer vestida y peinada igual que la madre de Samara. Eso y los tonos sepia hacen que se vea casi idéntica que la famosa cinta.

Resulta fascinante el papel de Conrad Veidt. De hecho encaja tan bien en la comunidad de suecos que resulta difícil creer que no forme parte de ella.

En realidad me he perdido en algunas partes porque la he visto en VO, aunque no he tenido demasiado problema a la hora de seguir el argumento en general. Lo único que no me cuadra es esa obsesión con irse a Jerusalén (desde Suecia, insisto), no sé hasta qué punto lo explican en la película pero me da la impresión de que la idea surge en las dos anteriores partes.

Como dato final, tuvo un remake titulado "Jerusalem" (1996). Aunque técnicamente adapta la misma novela así que en realidad debería llamarla re-adaptación.

Ben-Hur: A Tale of the Christ (1925)

Pasemos a uno de los clásicos más famosos.

La Roma pagana estaba en el cénit de su poder. Sus legiones de hierro hacían temblar al mundo y de todos los rincones surgía un grito entre lo cautivos, esperando ser liberados. El 24 de Diciembre José de Nazareth y su esposa María llegaban a Belén.

Probablemente sea el título más famoso de los que he seleccionado para esta tanda de películas de la época muda. Aún quedan bastantes, tranquilos.

Una de las primeras superproducciones de Hollywood en la que echaron la casa por la ventana. Para empezar aparecen un montón de caras famosas de aquella época en pequeños cameos, principalmente en la escena de la carrera de cuadrigas. Estamos hablando de gente como John Barrymore, Lionel Barrymore, Joan Crawford, Gary Cooper, Marion Davies, Myrna Loy, John Gilbert, Douglas Fairbanks, Clark Gable, Harold Lloyd, Carole Lombard, Janet Gaynor, Fay Wray, Mary Pickford, Colleen Moore, Lillian Gish, Dorothy Gish, Samuel Goldwyn y Rupert Julian.

Tiene el récord de la escena más editada de la historia del cine. No sé exactamente como interpretar eso, pero la idea es que 42 cámaras grabaron unos 61.000 metros de película y tras la edición se quedaron en 229 metros. Todo ello durante la famosa escena de las cuadrigas.

No se sabe a ciencia cierta pero se calcula que aparecen unas 125.000 personas. Y su presupuesto rondó los 4 millones de dólares, cosa que no recuperaron hasta pasados unos años. Buena parte de ese gasto fue la adquisición de los derechos de la novela, unos 600.000 dólares, lo cual la sitúan como la película de la época muda por las que más se pagó para adquirir dichos derechos.

Y esto último es especialmente relevante si tenemos en cuenta qué sucedió con "Ben Hur" (1907), la cual comenté hace unos meses.

Lo realmente curioso es que llegaron a rodar escenas en color, aunque debido a lo costoso que era sólo fueron sólo unos pocos minutos. Usaron Technicolor para ello.

La versión que poseo es la restaurada en el año 2006, que se supone que es la mejor. Lo menciono porque este año pasaba a ser de dominio público y es más que probable que salgan versiones de calidad muy inferior.

Lo primero llamativo es que la MGM ya usaba un león real en su logotipo. Y esto es un poco liante. Veamos, los primeros leones aparecieron en las producciones estrenadas entre 1924 y 1928 (fueron tres, dos de ellos sin nombre y uno llamado Slats) pero ninguno de ellos es el que sale en la versión que he visto. Este se llama Jackie y es famoso porque fue el primero que tuvo sonido (aquí no lo tiene ojo), pero no tiene sentido porque su primera aparición fue en 1928, que de hecho fue el año en que lo grabaron. Sólo puedo intuir que simplemente usaron una versión estrenada posteriormente para la restauración.

Las imágenes en color empiezan en el minuto 13, más o menos. Lo primero llamativo es que estén en el formato cuadrado típico de la época muda y que los carteles de los textos también tengan color. Es la parte del nacimiento de Jesús y los tres reyes magos.

A este respecto, en inglés son tres hombres sabios, Melchor el hindú, Gaspar el griego y Baltasar el egipcio.

El conflicto entre dos amigos debido a sus orígenes. Uno romano, el otro judío. Y ambos creen que el otro debería cambiarse de "bando", pero no quieren quebrar su amistad.

Recrean una flota romana de galeras con bastante realismo y a tamaño real. Y no están simplemente flotando, las vemos navegar. Encima se enfrentan a una flota de piratas, esa parte contiene algunas muertes bastante bestias.

A la hora, poco más o menos, vuelven a salir escenas en color. Son unas pocas y aunque tienen un cierto sentido en la trama no las veo el todo imprescindibles.

Tras la escena de los barcos me hice a la idea de que esta película lo tiraría todo por la ventana en la famosa parte de la carrera de cuadrigas y no andaba errado. El lugar donde tiene lugar es inmenso, con una estatua enorme en el centro, miles de extras y la carrera en sí está grabada desde un montón de ángulos y es todo muy realista. Parece casi imposible que esta película tenga casi 100 años.

De hecho, aunque los protagonistas se dicen un montón de cosas durante la carrera no ponen ni un solo cartel para que no perdiese intensidad. Y es MUY larga, ojo.

El mensaje religioso es bastante fuerte, especialmente el del pueblo judío y su "rey", quien les liberará de los romanos, una temática que se repetirá numerosas veces a lo largo de la película.

Hay una tercera parte con escenas en color llegando a las 2 horas de película. Es la parte de la biblia en la que van a lapidar a una mujer y cuando Jesús entra montado en el burrito. Y esta vez sí le veo más sentido pues es su primera aparición en la película siendo adulto.

Y hay dos más en la parte final de la película. Me pregunto qué tan caro costarían pues hubiera sido fascinante ver toda la película en color.

Si alguna vez se pudo usar la palabra superproducción esta sería una de las mejores ocasiones. Es un peliculón cuya concepción debió ser increíblemente costosa y no sólo me refiero al aspecto monetario.

La recomiendo no sólo por la comparación con la versión más famosa (la cual tengo pendiente de poner en el blog aún) sino porque es una de esas que te hace entender mejor lo que eran capaces de hacer en la época del cine mudo.

Шахматная горячка (1925)

El título se traduce como "La fiebre del ajedrez".

Estamos en un torneo de ajedrez. El público sigue atentamente cada jugada a la espera de ver quién se lleva la victoria. Un jugador compulsivo se prepara para el día de su boda pero Vera, su futura esposa, no soporta verle jugar y le amenaza con suicidarse tomando veneno.

Tiene una duración de 28 minutos.

Aparecen auténticos campeones de ajedrez de la época en imágenes sacadas durante el torneo internacional celebrado en Moscú en 1925. Aparte que el protagonista es el cubano José Raúl Capablanca (El campeón mundial), que fue campeón desde 1921 a 1927.

El protagonista lleva una corbata, una gorra, calcetines, un pañuelo y una bufanda decorados a cuadros.

Es bastante gracioso ver cómo cada persona a la que le cae uno de los libritos del protagonista o un minitablero para lo que esté haciendo y se pone a jugar al ajedrez.

El ajedrez ha formado parte de la trama principal de numerosas películas, muchas de ellas biográficas. Esta sería uno de los primeros ejemplos, de hecho tan sólo he hallado otro cortometraje titulado "A Chess Dispute" (1903) que fuese anterior. Y si nos vamos a la primera película la más antigua que he encontrado se titula "Le joueur d'échecs" (1927).

En todo caso la comedia funciona muy bien ya que exageran lo de la "fiebre del ajedrez" muy bien y tampoco se complican demasiado la vida para resolver el conflicto.

Стачка (1925)

El título se traduce como "Huelga".

Estamos en 1903. En una fábrica empieza a crecer la idea de hacer una huelga y nadie va a poder evitarla. El suicidio de un trabajador acusado de ladrón es el detonante.

La primera película dirigida por Sergei M. Eisenstein. Previamente tan sólo había realizado un cortometraje titulado "Дневник Глумова" (1923) (el diario de Glumov).

Uno de los errores que se le atribuye es que pese a que la acción transcurre a principios del siglo XX los automóviles que aparecen son de la década de los 1920, lo mismo sucede con algunos de los trajes que llevan las mujeres de alta sociedad.

Está dividida en varias partes tituladas: На заводе всё спокойно (En la fábrica todo está tranquilo), Повод к стачке (Motivo de huelga), Завод замер (La fábrica parada), Стачка затягивается (La huelga se alarga), Провокация на разгром (Provocación y debacle) y Ликвидация (Exterminio).

En el arranque de la película vemos dos cosas peculiares. La primera es la palabra "но" (pero) siendo animada y terminando por fundirse con la imagen de una rueda dando vueltas. La segunda es una escena puesta a la inversa para que de la sensación que un grupo de 4 hombres se juntan para hablar.

No sólo vemos lo que sucede en la fábrica sino cómo las "altas esferas" se disponen para vigilar a sus trabajadores con todo un entramado de espías con nombres peculiares como "el zorro", "el búho" o "el mono".

He leído que la idea del grupo frente al individuo es una característica del cine de Eisenstein pero en realidad lo he visto reflejado en diversos títulos de la época soviética. Y es que, de hecho, no hay un protagonista claro a no ser que consideremos a la propia huelga.

Las imágenes de la huelga son brutales. Aparecen cientos de personas en algunos planos, quizás más de mil. Están desorganizados e improvisan cada movimiento que hacen pero tienen claro su objetivo.

Lo cual contrasta con las imágenes de la fábrica abandonada a los pocos días.

Iba a decir que la escena de los administradores leyendo las demandas es exagerada pero pensándolo bien creo que se queda corta incluso. Aquello de no sólo ignorarlas sino limpiarse un zapato con ellas queda de lo más real.

Desde un principio el problema que le veo a la situación es que es insostenible por parte de las familias de los trabajadores. El dinero se acaba pronto y hay muchas bocas que alimentar. Y así lo refleja la película.

El final es una auténtica salvajada. Aunque ya lo había intuido al leer los títulos de las diferentes partes en las que se divide.

Es la historia de una derrota. Pero también la razón por la que hacía falta una revolución que llegó poco tiempo después.

Броненосец Потёмкин (1925)

Aquí la titulamos "El Acorazado Potemkin".

Los tripulantes del Acorazado Potemkin reusan comer la carne en mal estado que les sirven. Cuando el capitan amenaza con ahorcarles un pequeño grupo se rebela pero pronto terminan siendo acorralados y cuando van a ser fusilados el resto de la tripulacion toma las armas contra el capitan y los oficiales.

Seguimos con este recorrido por esta pequeña seleccion de títulos variados con una película que vi por primera vez poco antes de empezar este blog y que tenía muchas ganas de volver a ver. El 1905 que aparece en los carteles es porque la película fue creada para conmemorar el vigésimo aniversario de la Revolución bochevique.

Fue prohibida en varios paises porque se creia que difundiria el comunismo. En Francia la prohibicion duro hasta 1953, tras la muerte de Stalin. En el Reino Unido el motivo de la prohibicion es que temian una insurreccion de la clase trabajadora, termino en 1954 aunque recibio una calificacion X.

Fue filmado en un barco llamado "Двенадцать Апостолов" (Los Doce Apostoles) que fue varado adrede para marcar la posicion de un banco de arena. La popa se encontraba metida entre unas rocas, por ese motivo en ningun momento se ven imagenes panoramicas del barco. La que se ve durante unos pocos frames es de una maqueta.

El nombre del barco originalmente era "Князь Потёмкин-Таврический" (El principe Potemkin de Taurica) pero tras un alzamiento en 1905 el gobierno ruso lo cambio a "Пантелеймон" por San Pantaleon. Despues en Abril de 1917 paso a ser "Потёмкин-Таврический" (como el original sin el principe) y en Mayo 1917 lo cambiaron a "Борец за свободу" (luchador por la libertad).

La escena mas famosa de la pelicula es la de la masacre en las escaleras en Odesa. Es algo que no sucedio en la realidad. Se piensa que Sergei M. Eisenstein lo puso como un golpe dramatico para demonizar el regimen imperial. Hubo un hecho similar en el que se inspiro, en 1905 las tropas imperiales y cosacas dispararon a unos manifestantes en el exterior del Palacio de Invierno y cerca de 1000 fueron asesinados.

Esta dividida en cinco partes tituladas Люди и черви (Hombres y gusanos), Драма на Тендре (Drama en el Golfo Tendra), Мёртвый взывает (El muerto clama), Одесская лестница (La escalera de Odesa) y Встреча с эскадрой (Encuentro con la escuadra). Cada una de una gran intensidad narrativa y visual.

La historia de un pueblo que decide alzarse contra su opresor a pesar de tener todas las de perder y haciendo que cada batalla les situe un paso mas cerca de la libertad sin importar cual sea el resultado.

Es dificil dejarla pasar, aunque fue usada como propaganda comunista en su dia con textos tendenciosos realmente es una gran historia y la crudeza de algunas de sus imagenes es impresionante.

The Monster (1925)

Hora de un clasico del cine mudo.

John Bowman a desaparecido y una compañia de seguros ofrece una recompensa de 5000 dolares a quien informe de donde pueda estar. Ademas han enviado al detective Jennings a investigarlo. Todas las pistas parecen indicar que un antiguo psiquiatrico tiene que ver pero nadie quiere ir alli a investigar.

Basada en la obra de teatro homonima de Crane Willbur que fue estrenada en 1922 y tuvo 101 representaciones y que fue reestrenada en 1933. La pelicula se la considera un precedente de muchos subgeneros del cine de terror.

Dirigida por Roland West de quien ya comente "The Bat" (1926), aunque no recibio credito por ella. Fue un director con pocos titulos que abarcan desde mediados de los años 10 a principios de los 30.

Y ya se me terminaron los adjetivos para describir a Lon Chaney (senior), para mi es uno de los actores de cine mudo mas importantes (si no el que mas). Su presencia en una pelicula es siempre algo digno de analisis.

Esta pelicula es la primera que muestra a un doctor malvado con sirvientes o al menos asi es considerada por algunos. No estoy muy ducho en el tema pero me parece correcto hasta que encuentre una anterior.

Me encanta la idea del titulo de detective por correspondencia. Cuando lo logras te mandan unas esposas, una chapa, un diploma y una pistola. Todo muy logico.

He de decir que la version que poseo es de bastante baja calidad y muchos detalles no se aprecian, encima juegan mucho con las sombras y a ratos he tenido que hacer cabalas para saber que eran. Por otra parte la musica no acompaña la accion de forma directa, simplemente esta ahi para que suene algo.

Ademas usan muy poquitos textos originales (de hecho hay uno que ni se ve) y los han cambiado por unos realmente mal hechos. Aunque quiero pensar que su contenido es fiel a la version original. Lo cual me lleva a que algunas de las palabras estan mal escritas para enfatizar la manera en la que las pronuncian. Es un toque algo comico en realidad que queda bastante bien.

Porque la pelicula esta a medio camino entre una comedia, una pelicula de terror y una pelicula de intriga, usa elementos de todas ellas de forma bastante equitativa.

Cuando Lon Chaney desciende la escalera me ha recordado muchisimo a Bela Lugosi en "Dracula" (1931). Y las ventanas cerrandose con unas placas de metal me recordo a "House on haunted hill" (1959), de hecho hay bastantes paralelismos entre ambas.

Hacen uso de diferentes colores de imagen para mostrar si estan en interiores o exteriores y tambien si es de dia o de noche, de igual manera que sucede en otras peliculas de la epoca.

Es una pelicula que definiria como influencia pura, es el origen de conceptos que hemos visto hasta la saciedad en todo tipo de peliculas posteriores. Me gustaria volver a verla con calidad porque es una pena no poder apreciar detalles como por ejemplo el maquillaje de Lon Chaney.