Futureworld (1978)

Aquí la titulamos "Mundo Futuro".

Delos es el nombre del nuevo parque de atracciones de lujo con robots. Una reportera quiere la exclusiva de la noticia pero el periodista que reveló todo lo sucedido en Westworld también quiere ir allí porque justo antes de morir un hombre le puso al tanto de que algo raro pasaba allí.

Se trata de la secuela de “Westworld” (1973) y a su vez tuvo una continuación en la serie “Beyond Westworld” de 1980.

Protagonizada por Peter Fonda (Chuck Browning), conocido por “Easy Rider” (1969). Con la breve aparición de Yul Brynner (El pistolero), quien retoma su papel, fue la última película que hizo antes de su muerte en 1985, ese mismo año salió en “Con la rabbia agli occhi” (1976).

Se trata de la primera película en usar CGI en 3D. La mano que aparece pertenece a Ed Catmull, el presidente de Pixar, quien la había escaneado para un cortometraje

La escena del avión que pasa volando mientras atardece está sacada de “The Gambler” (1974).

La película arranca dándonos un resumen de lo sucedido en la primera parte. Pero lo hace de una manera muy inteligente poniéndolo como una presentación del nuevo centro que será mucho más avanzado.

En el avión de ida el General Karnovski dice en ruso “Нет, я сейчас устал“ y el otro le responde “Конечно”, que se traduce como “No, ahora estoy cansado” y “Por supuesto”. Están hablando de la entrevista que quiere hacerle el protagonista, aunque lo traducen como que “está de vacaciones”, que no deja de ser verdad pero es interpretativo.

Las cuatro zonas del complejo son Futureworld (una nave espacial que orbita Marte), Romanworld (incluye Pompeya), Medievalworld (ahí vemos duelos espadas) y Spaworld (para la gente mayor). Westworld sigue existiendo pero está abandonado y están trabajando en uno nuevo basado en la época medieval japonesa.

Hay una razón por la cual los cirujanos van de color verde o azul. Originalmente iban de blanco pero se dieron cuenta de que eso provocaba dolores de cabeza (es un poco más complicado de explicar, pero es eso en esencia) así que lo cambiaron a colores más relajantes. Y eligieron el verde y el rojo por el hecho de que son los colores opuestos al rojo en el espectro visual lo cual facilita su visión a la hora de operar. Con lo cual no tiene ningún sentido que en esta película vayan de rojo.

Un detalle en el que me he fijado es la manera en la que usan los términos absolutos. Por ejemplo al principio al llegar al lugar dicen algo así como “aquí nada puede salir mal y si sale mal es que está programado así” o más adelante cuando le preguntan al que está a cargo de todo si no le preocupa que los robots puedan funcionar incorrectamente y responde que no, ni lo más mínimo.

He de decir que anticipé bastante pronto qué estaba sucediendo en realidad. No es que sea un argumento muy trillado. Y hay partes que podrían estar mejor desarrolladas, como cuando intentan detener a la pareja protagonista.

Pero vamos, como continuación no está tan mal. Lo más interesante a priori sería el CGI pero es algo muy breve y que como curiosidad está bien pero poco más.

The Day of the Locust (1975)

Aquí la titulamos "Como plaga de langosta".

En los años 30 un director artístico se enamora de una joven que quiere ser actriz, pero ella prefiere vivir su vida y cuidar de su padre alcohólico.

Protagonizada por William Atherton (Tod), conocido por “GhostBusters” (1984), “Real Genius” (1985) y “Die Hard” (1988). Con Karen Black (Faye Greener), salió también en “House of the 1000 Corpses” (2003). Donald Shuterland (Homer Simpson), acababa de hacer “S*P*Y*S” (1974). Burgess Meredith (Harry), conocido por “Rocky” (1976). Y John Hillerman (Ned Grote), conocido por “Magnum, P.I.”.

La película arranca al compás de la canción “Jeepers Creepers”, de 1938. Fue compuesta para una película, curiosamente, titulada “Going Places” (1938) interpretada por Louis Armstrong.

Frases impensables en una película actual: “Who am I?, a nigger?”. Ni siquiera si están situadas en el pasado.

La palabra “facile” en inglés significa tanto fácil como simple. No sabía eso.

Ya es casualidad que Shuterland se llame Homer Simpson. Su personaje es realmente peculiar, es un hombre temeroso de dios que sería incapaz de aprovecharse de una mujer. Además tarda bastante en aparecer pero desde ese momento va ganando más y más protagonismo.

Tocan dos temas un tanto chocantes. Por una parte las peleas de gallos, a muerte obviamente. Y por otra un accidente que ocurre durante el rodaje de una película bélica en el que muchos actores y parte del equipo técnico resultan heridos, aunque por suerte no muere nadie. Lo realmente chocante es la frialdad en la que se lo toman los del estudio quienes se alegran de que estén asegurados.

Aunque la escena más brutal sucede en la parte final cuando una multitud lincha a uno por matar a una niña y acaba derivando en una escena totalmente surrealista. No me esperaba algo así para nada.

Qué película tan rara. No sabría compararla con otra ahora mismo.

Madhouse (1974)

Aquí la titulamos “Mansión sangrienta”.

Paul Toombes anuncia su matrimonio con una actriz llamada Ellen cuando descubre que hizo algunas películas porno y esa misma noche es asesinada por una misteriosa figura. Desde ese momento él empieza a dudar de sí mismo y termina en un sanatorio.

Es uno de los personajes más icónicos de Vincent Price (Paul Toombes). Además en esta ocasión junto a él tenemos a Peter Cushing (Herbert Flay).

Y aunque ya habían fallecido en aquel momento también aparecen Boris Karloff en una escena sacada de “The Raven” (1963) y Basil Rathbone en una escena de “Tales of Terror” (1962). En ambas salía también Vincent Price.

El título tiene poco que ver con la trama, salvo por el hecho que el protagonista es ingresado en una casa de locos, pero es algo muy corto.

Los sospechosos principales son el tipo que produce cine porno, su ex y su amigo Herbert. Eso dando por sentado que no es él mismo, claro. A medida que avanza la historia descubrimos a Faye, la esposa de Herbert, quien se ha vuelto loca. Espero que no sea ninguno de ellos en realidad.

Peter Cushing se disfraza de Drácula como un pequeño guiño a su papel en las películas de la Hammer en las que siempre hace de Van Helsing, el principal enemigo del vampiro.

En la casa del productor porno tiene unas cuantas máquinas recreativas y algunos aparatos de gimnasia. El que más me llama la atención es el de la cinta que se ponía alrededor de la cintura y empezaba a vibrar. De hecho creía que era algo más antiguo.

La veo como un pequeño homenaje a Karloff y Rathbone pero que no deja de ser una película de Vincent Price, con todo lo que ello conlleva. En pocas palabras, me ha gustado.

Steel Arena (1973)

Aquí la titulamos "Carrera Suicida".

Dusty Russell es un hombre que llega a un pequeño pueblo y trata de ganar algún dinero fácil ayudando a traficar alcohol. Pero se da cuenta de que sería más fácil y legal correr en los derbis de destrucción de vehículos, así que prueba suerte allí.

Dirigida por Mark L.Lester, fue su primera película como director, previamente había dirigido un documental. Suyas son “Firestarter” (1984), “Commando” (1985) y “Class of 1984” (1982).

El principio de la película me ha recordado mucho a “White Lightning” (1973).

En inglés son conocidos como “demolition derby” y tratan sobre unos cuantos vehículos que chocan entre sí hasta que sólo queda uno en marcha. He estado buscando y no tengo muy claro cuál fue la primera película en la que salía uno aunque sucedió en los años 60 con títulos como “The Killers” (1964) o “Hot Rod Hullabaloo” (1966).

El segundo derby empieza con un “momento de silencio” por un señor que ha fallecido. En España lo denominamos “minuto de silencio” (no tiene por qué durar tanto, es sólo un nombre) y su origen está en el año 1919 en Londres. Un soldado australiano propuso un minuto de silencio para conmemorar el aniversario del tratado de armisticio de la Primera Guerra Mundial, lo cual fue considerado un homenaje a los caídos. El rey Jorge V apoyó la idea y, supongo que eso fue lo que la popularizó.

Creo que lo más interesante de la película es que las acrobacias y demás maniobras peligrosas son reales, según miro el reparto tengo la impresión de que usaron a varios pilotos reales para realizarlas. Claro que, ¿quién mejor que ellos?.

Y esa es precisamente la mejor razón para verla. La historia en sí carece de sorpresas, no me ha parecido demasiado interesante en parte debido a que he visto demasiadas películas de este estilo. Pero vamos, para la época a la que pertenece me parece bien.

Serpico (1973)

Hora de una película más normal, para variar.

Estamos en 1960. Frank Serpico es un agente de policía que desde que empezó a trabajar tuvo que lidiar con la corrupción el cuerpo ya que él cree en la justicia de verdad. Así que empezará a recoger pruebas en contra de sus compañeros para tratar de limpiar el cuerpo.

Se trata de uno de esos títulos que llevo posponiendo sin motivo alguno desde hace mucho tiempo.

Sydney Lumet es el director. No le pareció demasiado bien que le impusieran una fecha límite, eso hizo que la edición se hiciera a medida que se rodaban las escenas.

El reparto que eligió estaba formado principalmente por gente desconocida. Lo cual incluye a Al Pacino (Serpico) quien aunque acababa de hacer “The Godfather” (1972) aún estaba empezando.

Fue filmada en orden inverso. Al empezar el rodaje Al Pacino tenía barba y pelo largo y poco a poco se lo fueron recortando. Me parece un trabajo encomiable.

El actor estuvo en contacto con el verdadero Frank Serpico antes de empezar el rodaje. De hecho él quiso estar presente durante el mismo pero no le dejaron porque causaría una distracción.

Mencionan la BCI, son las siglas de Bureau of Criminal Investigation. Osea el departamento de crímenes de la policía.

A lo largo de la película vemos que Serpico tiene un par de relaciones con mujeres que no llegan a nada. Sn la vida real se llegó a casar varias veces.

Es idea suya lo de que un policía (de los que van sin uniforme) debería tener un aspecto desaliñado para poder pasar más desapercibido entre la población. Claro que el primer problema al que se enfrenta es que unos policías empiezan a dispararle cuando intenta arrestar a un tipo, es gracioso.

Veo una clara influencia en “American Gangster” (2007). De hecho no he dejado de pensar en ella desde el principio de la película.

En el discurso final Serpico pide que se cree un departamento dentro de la policía para poder investigar la corrupción y demás conductas delictivas por parte de los miembros del cuerpo. Aunque no haya una conexión directa es lo que años más tarde serían los asuntos internos.

Aunque termina diciendo que Serpico dejó el departamento de policía y se fue a vivir a Suiza años más tarde regresó a EEUU, más concretamente en una pequeña granja en Nueva York.

Me ha parecido una gran película por dos motivos, primero lo que representa pues está basada en la realidad y segundo por la cantidad de películas posteriores que siguieron su estela. He mencionado una de ellas pero vamos, prácticamente es un subgénero.

Lisa e il diavolo (1973)

Aquí la titulamos "El diablo se lleva a los muertos".

Estamos en Toledo. Lisa Reiner es una turista y cuando su coche se queda tirado cerca de una mansión de una condesa decide pasar la noche allí junto con una pareja que la acompañan. Allí Maximilian, el hijo de la condesa, seduce a la esposa mientras Lisa lo pasa fatal aterrorizada.

Dirigida por Mario Bava. Tuvo bastante mala suerte con esta película pues no fue estrenada en su versión completa hasta dos años más tarde de su muerte.

Además era bastante supersticioso, por ejemplo creía que el color morado era una mala señal y cuando Alida Valli (Condesa) apareció con un vestido de dicho color lo dijo. Posteriormente tuvieron bastantes complicaciones en el rodaje como que el marido de Elke Sommer (Lisa Reiner / Elena) se puso enfermo y tuvieron que llevarle a un hospital que estaba a unos 320 km y casi muere.

Resulta interesante que aparezca en la BSO el conocido como “Concierto de Aranjuez” de Joaquín Rodrigo. Da gusto ver que cogieron algo bueno de la parte española de la producción. El director la usaba con los actores para que ambientarles.

Esto fue debido a que originalmente no grabaron los diálogos. Con lo cual todas las versiones han sido dobladas.

Dos años más tarde añadieron escenas de flashback para hacer más hincapié en la temática de la posesión. La idea era aprovechar el tirón de “The Exorcist” (1973) y al resultado lo titularon “The House of Exorcism” (1975). No tengo intención de verla, con la original me conformo.

La idea de que Leandro llevase siempre un Chupa Chups en la boca se le ocurrió a Telly Savalas quien había dejado de fumar poco antes de empezar el rodaje y era su alternativa. Posteriormente los convirtió en una de las características del protagonista de la serie “Kojak”.

Del reparto destaca también Espartaco Santoni (Carlo), en una de sus últimas películas. De hecho la última en la que salió fue “Torrente, el brazo tonto de la ley” (1998) más de 20 años después de que dejara de actuar.

En un momento dado atropellan a uno y el coche pasa repetidas veces por encima de su cadáver. Resulta una escena cómica porque en algunos planos usan un muñeco.

Es una película que da la sensación de ser más española que italiana, en mi opinión. La mano de Bava está presente y se nota, pero lo digo por la ambientación.

Rambo, But Gay (2013)

Esto no os lo esperabais.

Rambo regresa en busca del último compañero de su escuadrón de guerra cuando descubre que murió. Desolado camina hacia un pequeño pueblo llamado Jerkwater. El Sheriff Teasle decide arrestarle y llevarle a comisaría pero cuando lo están lavando huye a una montaña cercana donde le acorralarán.

Sinceramente, hay veces que me sorprendo a mí mismo encontrando títulos cuando ni siquiera los busco. Todo empezó porque buscaba información sobre una frase famosa de Rupaul Drag Race y he terminado en la entrada de la Wikipedia de Willam Belli (Agente Mitch), una drag queen famosa por ser la primera expulsada del programa en la 4ª edición (los motivos son bastante turbios).

Y así es como, mirando su filmografía, he dado con este título tan peculiar que es literalmente lo que parece. Osea, una versión "gay" de "First Blood" (1982), aunque yo la definiría más bien como el musical.

Porque viene a ser precisamente eso, nada más llegar Rambo al pueblo sus habitantes se ponen a cantar y a bailar alabando al Sheriff, luego cuando lo bañan cantan otra canción y en la escena cumbre, la del enfrentamiento final, hay otra más.

Pero no sólo eso, consiguen darnos una perspectiva de lo que está sucediendo en las letras de una manera muy original y resumida.

Tiene una duración de 8 minutos.

El director es Michael Serrato (Sheriff Teasle), quien también fue el guionista.

En el reparto tenemos también a Mario Diaz (Rambo) y a Julie Goldman (Coronel Trautman), quien aparece brevemente en la parte final solamente. Destaca también la aparición de Damiana Garcia, otra drag queen, haciendo de ella misma como presentadora de televisión.

He tratado de encontrar otros vídeos similares porque al final aparece el director diciendo que le gustaría hacer más (y de eso hace 8 años) pero no he encontrado ninguno. Tampoco me he matado buscando, igual sí que hay.

En todo caso es una manera muy divertida de rehacer una película famosa. La tenéis en YouTube si os hace ilusión verla.

Santa and the Ice Cream Bunny (1972)

Dicen que es una de las peores películas de la historia. Comprobémoslo.

Los elfos esperan a Santa Claus mientras trabajan en el taller. Él se encuentra en Florida con su trineo sin sus renos porque no soportaban el calor y se fueron, ahora no puede volver al Polo Norte. Por suerte unos niños que viven en las cercanías acuden a su llamada de auxilio.

En realidad mi idea inicial este año pasado era recopilar unas cuantas películas de temática navideña y verlas a finales de Diciembre, pero luego me di cuenta de que iba a ser una experiencia muy dolorosa ya que raras veces me gustan y las hay que son realmente malas. Así que este título lo dejé para más adelante.

Hay dos versiones, en una muestran el cuento de “Thumbelina” (Pulgarcita) y en otra el de “Jack and the Beanstalk” (Jack y las habichuelas mágicas). Yo he visto la segunda y es buena parte de la película ya que es la historia completa, casi podrían haberla titulado así.

Salen algunas canciones que no pasaron a la historia por lo bien cantadas que están.

Me parece un poco injusto criticar las actuaciones de los niños, al fin y al cabo no eran actores. Por otra parte el tipo que hace de Santa se pasa toda la película sentado en el trineo quejándose del calor que hace y esperando a que alguien le ayude.

Sin embargo cuando una niña trae un gorila para ayudar a Santa no puedo evitar preguntarme en qué estarían pensando. El resto de animales que le traen tienen algo más de sentido, por ejemplo un cerdo, un burro, un caballo… ¿pero un gorila?.

El conejo del título hace aparición a la hora, más o menos. Su llegada es lentísima porque viene en un vehículo antiguo de bomberos de color rojo y va cargado hasta los topes de niños. Resulta un poco perturbador, especialmente porque a medida que avanza suena una sirena gastada.

La historia en sí se podría resumir en apenas 5 minutos, siendo generoso, y dura 70 minutos debido a que meten el cuento. En fin, se ha ganado a pulso entrar en los tops de peores películas, sin duda.

La tarantola dal ventre nero (1971)

Aquí la titulamos "La tarántula del vientre negro".

Un asesino de mujeres anda suelto y trae de cabeza a la policía. El Inspector Tellini es quien lleva el caso y se dedica a indagar cada una de las pocas pistas que deja el asesino.

Otra película del estilo giallo con un animal en el título tras el éxito de “L’uccello dalle piume di cristallo” (1970) de Dario Argento.

Un reparto encabezado por Giancarlo Giannini (Inspector Tellini), conocido por “Hannibal” (2001) y “Man on Fire” (2004). Con Barbara Bach (Jenny), conocida por “The Spy Who Loved Me” (1977) y “L’Umanoide” (1979), fue su segunda película.

La BSO corrió a cargo de Ennio Morricone.

Para la escena en la que un hombre cae desde lo alto de un edificio usaron un maniquí, sin embargo fue inintencionado que golpease una ventana al caer.

No tienen ningún problema a la hora de mostrar desnudos femeninos. De hecho una de las mujeres asesinadas hizo una sesión de fotos desnuda y la policía las revisa varias veces (con resultados productivos).

Soy muy fan de “la catapulta”, un investigador privado que menciona su apodo siempre que puede.

El título es porque el asesino usa una técnica similar a la de una tarántula a la hora de matar. Primero inmoviliza a la víctima inyectando una droga en la nuca y luego les clava un cuchillo en la tripa.

Es una metodología que me recuerda bastante a Jack el Destripador.

Aparece una piscina (bastante grande) cubierta con un plástico transparente. No sé muy bien el sentido, pero parece un invernadero.

Quizás justifican demasiado la motivación del asesino, aquello de que sufre enfermedades mentales, la mujer le ha engañado y demás.

Pero no por ello deja de ser una película interesante. Las partes que más me han gustado son la de la persecución y la pelea final.

A Town Called Bastard (1971)

También conocida como "A Town Called Hell".

Una mujer llega con un ataúd para recoger a su marido en un pueblo controlado por Don Carlos. Allí él mismo ejecuta a los dos responsables pero una señora le dice que fue un tal Águila antes de que la maten también.

El primero de los dos westerns británicos para Telly Savalas (Don Carlos), siendo el segundo “Pancho Villa” (1972). Con el mismo equipo hizo también “Pánico en el Transiberiano” (1972).

Junto a él tenemos a Robert Shaw (El cura), conocido por “Jaws” (1975). Fernando Rey (viejo ciego), acababa de salir en “Tristana” (1970). Martin Landau (el coronel), conocido por “Ed Wood” (1994). Y Michael Craig (Paco), salió también en “Mysterious Island” (1961).

Es fascinante lo mucho que impone Robert Shaw en sus apariciones. Y eso que es un cura y por eso no le acaba de gustar que maten a la gente y demás.

A ratos me recuerda un poco a “El Topo” (1970).

Cuando eligen a 5 lugareños para ejecutarlos hasta que alguien diga quién es Águila me ha recordado mucho a las películas de nazis.

Lo cual me lleva a que muere mucha gente. Pero mucha. Algunos porque sí y otros porque no quieren hablar, aunque en realidad tampoco tienen mucho que decir.

Lo mejor es que al final la gran pregunta, ¿quién es Águila?, queda respondida.

La música me ha encantado, la canción sobre Águila es la mejor de todas.

A diferencia de la que comenté el otro día esto es un western que aunque también juegue con algunos elementos clásicos al estar centrada en la revolución mexicana es mucho más bestia. No me atrevería a decir que innove, pero desde luego no se parece a otros títulos que haya visto.

One More Time (1970)

Hora de una comedia, para variar.

Charles Salt y Christopher Pepper son los dueños de un club. Pero la policía decide cerrarlo y el juez les obliga a pagar una multa en menos de una semana. Por ello deciden pedirle ayuda a Lord Sydney, el hermano gemelo de Christopher, pero es asesinado y su hermano decide tomar su lugar.

Dirigida por Jerry Lewis. Es la única película de las que dirigió en la que no participa como actor aunque puso su voz al director de la banda de música durante el baile.

Es la secuela de “Salt and Pepper” (1968).

Protagonizada por Sammy Davis Jr. (Charles Salt), salió también en “The Cannonball Run” (1981). Y Peter Lawford (Christopher Pepper/Lord Sydney Pepper), salió en “The Longest Day” (1962). John Wood (Figg), conocido por “WarGames” (1983).

Peter Cushing (Dr.Frankenstein) y Christopher Lee (Dracula) no recibieron crédito por su participación así que podrían considerarse cameos.

Rompen la cuarta pared en varias ocasiones, aunque sólo se quedan mirando a cámara. Salvo en la escena final donde Sammy incluso dice su nombre verdadero.

Tiene algunas escenas cómicas en las que llevan el humor un poco al extremo, casi como una parodia. Aunque pensándolo bien no es muy diferente a lo que pasa con las películas protagonizadas por Jerry Lewis.

Por otra parte Sammy Davis Jr. nos deleita con un par de canciones. La primera es un tanto inesperada, de repente empieza a sonar música y se pone a cantar mientras anda melancólico por la mansión. La segunda es en el baile.

El Dr.Frankenstein, su monstruo, su ayudante jorobado, Dracula y una mujer atada hacen aparición a la hora y 11 minutos. Es una escena muy corta así que si queréis ver esta película por su aparición os adelanto que no merece la pena.

Desde luego es una de las cosas más raras que he visto y eso que se trata de una comedia ligera, con un toque de intriga. Dicho lo cual, no me parece una gran película pero aburrida no se hace, para nada.

Arrivano Django e Sartana... è la fine (1970)

Aquí la titulamos "Django y Sartana".

La banda de Burt Kelly decide secuestrar a una chica llamada Jessica para pedir un rescate. Sartana regresa al rancho donde vivía la chica cuando lo ve desolado y decide ir a su rescate. Django se entera de que han aumentado al recompensa por cazarlo y también acude. Pero Burt ha mandado a sus hombres para detenerles.

Tras “Django” (1966) empezaron a surgir una serie de títulos relacionados con el personaje. Algunos incluían su nombre en el título, otros no, lo cual dificulta un poco a la hora de confeccionar una lista de sus películas. En todo caso no tengo intención de verlas todas, aunque de vez en cuando me gusta revisar los westerns clásicos.

En el reparto tenemos a Franco Borelli (Django), fue la única vez que interpretó al personaje en su corta carrera. En cambio Jack Betts (Sartana) sí fue más prolífico y llegó a salir en títulos como “Spider-Man” (2002), “Falling Down” (1993) o “8MM” (1999), como curiosidad hizo de Django en la película anterior a esta titulada “Quel maledetto giorno d'inverno... Django e Sartana all'ultimo sangue” (1970).

Django hace su primera aparición más o menos a los 25 minutos. Y qué manera de presentar al personaje, se sienta en una mesa de un bar a jugar a cartas con unos tramposos y acaba liquidándolos.

No le veo nada particularmente diferente o novedoso respecto a lo que es el género western. Los bandidos asesinan vilmente y se acuestan con las chicas, los buenos son capturados pero se liberan y los tiroteos no ofrecen nada nuevo. Sin embargo el hecho de ver a dos protagonistas clásicos trabajando juntos, más o menos, sí resulta interesante.

Es un western genérico del montón, en pocas palabras. No es mala, simplemente más de lo mismo.