Bus Stop (1956)

También conocida como "The Wrong Kind of Girl".

Un vaquero de rodeos llamado Bo viaja hacia Phoenix, Arizona, para participar en un rodeo. Está acompañado por su amigo Virge. Es un tipo que prácticamente no ha salido nunca de su rancho y cuando Virge le dice que en este viaje conocerá a alguna mujer, el inexperimentado Bo no lo tienen tan claro.

Se trata de una de las dos películas que hizo la productora "Marilyn Monroe Productions", la otra fue "The Prince and the Showgirl" (1957).

En el reparto tenemos a Marilyn Monroe (Chérie), fue la película que hizo tras "The Seven Year Itch" (1955). Don Murray (Beauregard "Bo" Decker), salió en "Conquest of the Planet of the Apes" (1972). Hope Lange (Elma Duckworth), salió en "Death Wish" (1974), "A Nightmare on Elm Street Part 2: Freddy's Revenge" (1985) y en "Blue Velvet" (1986).

Originalmente iban a estar protagonizada por Marilyn y Elvis. Personalmente opino que hubiera sido realmente interesante verles juntos. Ella quería a Rock Hudson, pero él no aceptó. También Montgomery Clift rechazó el personaje.

A Marilyn Monroe no le gustaba el color rubio del pelo de Hope Lange y tuvo que cambiárselo a uno más oscuro.

Marilyn Monroe basó su acento en el de Kim Stanley, quien interpretó su mismo personaje en la obra de Broadway. Además cantó mal adrede porque así lo requería el papel.

En la escena de la cama está completamente desnuda debajo de las sábanas. Según ella su personaje lo estaría.

Marilyn aparece por primera vez pasados 14 minutos.

No estoy tan metido en la cultura estadounidense como para pillar todas las referencias que hacen. Por ejemplo cuando Chérie dice que su destino es llegar a "Hollywood and Vine" se refiere a la intersección de Hollywood Boulevard y la calle Vine, en Los Angeles. Se hizo famosa en los años 20 porque concentraba muchos negocios relacionados con la radio y el cine. Cuando se estrenó esta película el conocido como "Hollywood walk of fame" estaba aún en desarrollo, hasta 1960 no fue inaugurado.

Chérie se define como una "chanteuse" (pronunciado "chantoose"), es la palabra francesa para cantante. Así que llamarla "singer" no es incorrecto.

Es una película extraña. Hay numerosas canciones pero están tan integradas en la acción que no son notables. Luego tenemos lo del secuestro/enamoramiento repentino en el que resulta difícil no empatizar con ambas partes, especialmente por la manera en la que termina. Y no me olvido del conductor del autobús capaz de pegarle una paliza sin problemas a un tipo que se dedica a hacer rodeos, ergo que está en forma.

No sabía muy qué esperarme y he de decir que lo que había leído de la Monroe sobre que buena parte de su personalidad queda reflejada en el personaje es verdad, al menos es la sensación que he tenido.

Dementia (1955)

También conocida como "Daughter of Horror".

El relato de un día en la vida de una mujer que está loca y cómo vive sus alucinaciones.

No confundir con "Dementia 13" (1963).

Es la película que se veía en el cine de "The Blob" (1958).

Todo empezó como un sueño que tuvo Adrienne Barrett (la pilluela), la secretaria de John Parker. Es ella quien protagoniza la película pero no era una actriz, fue Bruno Ve Sota quien la manipuló para hacerlo mediante triquiñuelas como hacerle cosquillas en los pies con una pluma o dispararle con una bala de fogueo de forma inesperada.

Según Ve Sota la película iba a ser un cortometraje de 10 minutos de duración, fue él quien creó una escena chocante tras otra y por ello se considera el guionista sin crédito. Además afirma haber dirigido al menos la mitad de la película y haber guiado a John Parker a dirigir el resto.

El videoclip de la canción "Separation Anxiety" de Faith No More toma las imágenes de esta película.

Aparte de la secretaria también aparecen la esposa de Bruno Ve Sota y Aaron Spelling, el famoso productor de televisión de series como "Melrose Place", "Beverly Hills, 90210" o "Charmed".

El arranque de la película fue una clara inspiración para Ed Wood y su "Plan 9 from Outer Space" (1959).

Durante los primeros minutos vemos a la protagonista teniendo una pesadilla en la que sea cae cuando está en la orilla del mar, se despierta, se acerca a un espejo, saca una navaja automática de un cajón y se marcha a la calle. No tendría nada de particular de no ser porque tanto la música como los ángulos de cámara y los gestos de la cara de la mujer tratan de hacernos entender que hay algo que no va bien.

El enano que vende periódicos tampoco es un actor. De hecho salió en varios títulos haciendo el mismo papel porque es su oficio real.

No hay diálogos, pero sí sonidos y música y alguna narración ocasional. Y las escenas parecen de lo más normales pero resultan inquietantes, aparte que a veces la protagonista tiene reacciones que no parecen encajar con la situación, como por ejemplo cuando se pone a reír al ver cómo un policía le da una paliza a un borracho que la acosaba.

Me encanta como llama a las personas normales "ghouls". Y también que el padre se le aparezca en todas partes.

En versión original, antes de que cambiaran el título, no había narración. Y creo que hubiera sido más interesante así, porque hubiera sido pura interpretación de las imágenes. Aunque no hay demasiadas dudas sobre lo que está sucediendo. De hecho se hubiera acercado al cine experimental.

Rawhide (1951)

Un western para variar.

La diligencia postal, también conocida como la de los borricos, atraviesa el país en 25 días, desde San Francisco a San Luis. Rawhide Pass es una de las paradas que hace. Una banda muy peligrosa anda suelta y por ello impiden que siga viajando en la diligencia una mujer y su bebé, porque es demasiado peligroso. Es un lugar tranquilo pero de repente llega un tipo que dice ser un sheriff, en realidad es uno de la banda.

Es el remake de "Show Them No Mercy" (1935). Por otra parte fue la inspiración de Tarantino para hacer "The Hateful Eight" (2015).

Aunque compartan título no tiene nada que ver con la serie emitida entre 1959 y 1965 donde salió Clint Eastwood. De hecho la película fue renombrada "Desperate Siege" cuando la emitieron por televisión.

Protagonizada por Tyrone Power (Tom Owens) de quien he visto "Witness for the Prosecution" (1957) y "The Black Swan" (1942). También hizo "The Mark of Zorro" (1940).

Si es que vaya grupito se han juntado. Un tipo que trata de violar a la chica en cuanto tiene ocasión, un descerebrado al que hay que explicarle todas las cosas y un líder psicópata y paranoico. Pero lo mejor de todo es como terminan.

He de decir que no he visto demasiadas películas en las que un forajido se ponga a pegar tiros a un bebé.

Es sólo un ejemplo de cómo esta película resulta diferente al resto de los western. Otro sería que la acción transcurre íntegramente en un lugar relativamente pequeño.

El final me resulta atípico, uno podría esperar un duelo a tiros entre el líder y el "bueno", pero no es así. Eso también me ha gustado.

De hecho ahora me he quedado con ganas de ver la original.

House by the River (1950)

Aquí la titulamos "La casa del río".

Emily Gaunt es una chica joven que muere por una caída mientras estaba tratando de huir de Steven, el hombre para el que trabajaba como criada. Su hermano John le ayuda a esconder el cadáver. Steven es un escritor y al cabo de un tiempo decide una historia basada en lo sucedido.

Basada en la novela homónima de A. P. Herbert publicada en 1921.

Sólo viendo el título ya sé que pertenece a la época en la que Fritz Lang estaba en Estados Unidos.

Originalmente el director quería que Emily fuese de raza negra, pero los productores se opusieron. Personalmente creo que la historia hubiera funcionado igual porque se trata de una chica joven y no hay ningún tipo de conflicto racial en toda la película.

Nunca explican por qué John está lisiado. Ni tampoco dicen el nombre del río, a pesar de ser una parte importante de la trama, aunque tampoco es imprescindible saberlo, pero ayudaría a situar la acción.

De todas las escenas la que más me ha llamado la atención es la de la vaca muerta flotando sobre el río y cómo reacciona el escritor a ello, porque para él se trata de algo de lo más habitual.

Es otra película noir, no lo hice adrede, voy siguiendo un orden de años y se han juntado casualmente dos títulos del mismo género.

En todo caso me encanta la manera en la que los personajes van cambiando a medida que progresa la historia.

Steven se vuelve más malo, incluso intenta echarle las culpas al hermano aprovechándose de la situación, pero también empieza a comportarse peor con su esposa.

Por otra parte John al principio es un hombre con una moral firme pero desde que ayuda a su hermano está muy tenso y eso hace que acabe gritando a su sirvienta, ese tipo de comportamientos son los que hará que los dedos acusadores le apunten sin dudarlo.

野良犬 (1949)

El título se traduce como "El perro rabioso".

Al detective Murakami de la policía le robaron su arma. Vio al ladrón y trató de atraparlo pero le dio esquinazo. En la comisaría se dedica a revisar fotografías para intentar localizar al carterista pero un policía experto le dice que quizás no fue él sino una mujer, así que se dedica a seguirla para hacerla confesar.

Ha pasado demasiado tiempo desde la última película que vi de Akira Kurosawa y eso no puede ser. Este es precisamente uno de los títulos más memorables del director, aunque sé más bien poco a priori.

El director se basó en una historia real de un detective al que le robaron su pistola y que tenía intención de escribir una novela sobre ello, pero nunca lo hizo.

Para protagonizarla eligió a Toshirô Mifune (Detective Murakami). Fue una de sus 16 colaboraciones juntos, siendo la tercera.

El hecho de que esté grabada en el Japón de la posguerra y que la historia esté situada en ese mismo periodo me dice mucho. Eso les ocasionó algún que otro problema, principalmente porque había zonas controladas por la yakuza. Kurosawa enviaba a Ishirô Honda para que grabase en los lugares más inaccesibles, de hecho él mismo es quien aparece cuando vemos de cintura para abajo al protagonista en dichas escenas.

Durante los créditos de inicio vemos a un perro jadeando. Eso que no tiene nada del otro mundo resultó un problema para la censura estadounidense pues consideraron que lo estaban maltratanto. Kurosawa dijo que fue la única vez en la que hubiera preferido que Japón no hubiera perdido la Segunda Guerra Mundial. Sutil.

La cultura estadounidense ya estaba metida en el ámbito japonés tras haber pasado tan sólo 4 años desde el fin de la guerra. El ejemplo más claro de esta película es el partido de béisbol, en un estadio con 50.000 espectadores.

Una cosa que no me queda clara es que cuando tratan de engatusar al tipo que se hace llamar Honda el aviso de megafonía dice "señor Honda, venga a la entrada...". No es un nombre raro, de hecho en un estadio con 50.000 personas es más que probable que hayan unos cuantos.

Otro detalle sutil es que entrevemos unos mangas eróticos en un cajón.

El tema principal de la historia es la culpa. El protagonista intenta incluso renunciar a su trabajo porque el tipo que tiene su pistola está cometiendo crímenes con ella y se ve incapaz de detenerle. Pero en realidad el que se supone que es el malo se mueve por la necesidad y al final cuando lo atrapan estalla en lágrimas, porque se siente culpable. El compañero del protagonista le dice algo que antes o después deberá aprender, debe impedir que le afecten esas cosas y centrarse en atrapar a los criminales.

Es la primera película del género noir que he visto de Kurosawa, ignoro si hizo muchás más. Espero seguir viendo más títulos de su filmografía próximamente para comprobarlo. En todo caso como ya he dicho en alguna ocasión no he visto demasiadas películas de este género y hasta el momento han sido todas bastante buenas o muy buenas directamente. Es quizás por el tono meláncolico que tienen, depresivo, triste y con un final en el que los protagonistas están jodidos, a pesar de lograr lo que quieren.

Oliver Twist (1948)

Pasemos a un clásico básico.

La madre de Oliver Twist murió durante el parto dejándole a merced de un par de seres crueles. Al cumplir 9 años le ponen a trabajar recogiendo estopa pero pronto se dan cuenta de que pueden sacar más beneficio haciéndole trabajar para otros. Así termina en casa de un enterrador que hace sus propios ataudes. Pero al final huye y se pone a vivir en las calles de Londres donde trabajará para Fagin quien le enseñará a robar.

Dirigida por David Lean. Conocido por títulos como "Lawrence of Arabia" (1962), "The Bridge on the River Kwai" (1957) o "Doctor Zhivago" (1965).

Del reparto destaca especialmente Alec Guinness (Fagin). Famoso por "Star Wars" (1977), "Murder by Death" (1976) y "The Ladykillers" (1955). Esta fue su segunda película tras "Great Expectations" (1946) aunque previamente salió como extra en "Evensong" (1934).

El personaje que interpreta Alec Guinness fue tachado de antisemita lo cual hizo que el estreno en EEUU se retrasase hasta 1951, que fuera prohibida en Egipto e Israel y que hubieran numerosas protestas de grupos de judíos.

Como curiosidad personal. De pequeño salí en la obra de teatro que adaptaba esta novela de Charles Dickens. Es uno de mis papeles más memorables, era el niño que hacía cola pidiendo comida número desconocido.

El arranque de la película carece de diálogos (la primera frase la dicen a los 6 minutos, poco más o menos). Es una escena con la que podrían aprender algunos cineastas modernos.

En el edificio donde empieza la historia hay mensajes escritos en las paredes con letras bastante grandes. Dicen cosas como "God is love", "God is life", "God is just", "God is truth", "God is good"... también hay pequeñas oraciones religiosas.

Su trabajo en la funeraria es de "mute", osea de mudo. En la época victoriana eran las personas a las que se les pagaba para atender los funerales como vigías.

La caracterización de Alec Guiness es magnífica. De hecho si no hubiera sabido que es él no le hubiera reconocido ni por error.

Mencionan el empleo de rotenona. Es un veneno para ratas, esencialmente, pero resulta sólo ligeramente tóxica en humanos.

Es una de esas historias que ha sido adaptada en numerosas ocasiones, sin embargo esta es la primera que veo y aún así tengo la impresión de que es la mejor. La voz y la cara de Sikes, su perro, la escena en la que Nancy espía a Fagin, las vistas de la ciudad, la parte final... no hay nada que no me haya gustado, pero esos detalles en particular me han parecido muy buenos.

Aún así no me importaría ver otra versión para comparar.

Pet Shark (2013-2022)

Para terminar el especial voy a hacer algo diferente.  Son una serie de vídeos cortos los cuales voy a poner en una misma entrada, por comodidad.

Todo empezó en elcanal de YouTube de Fabricio Rabachim quien en el 2013 empezó a subir animaciones muy bien hechas con un pequeño tiburón como protagonista. Terminaron por hacerse virales y eventualmente llegaron a mí. Años más tarde descubrí que eran unos cuantos vídeos y así es como llegamos a esta entrada.

Hasta el momento han salido 17 vídeos. Es probable que salgan más en el futuro.

Shark Wearing A Cat Costume Cleans The Room On A Robot Vacuum Cleaner (2013)

Un pequeño tiburón monta sobre un robot aspirador mientras lleva un disfraz de gato.

Dura 25 segundos.

En realidad los títulos son bastante descriptivos.

En esta primera aparición del tiburón vemos varias cosas interesantes. Por ejemplo que la piel brilla como si hubiera salido del agua, también que se mueve de una manera muy realista y que mira a cámara en un momento dado.

Surprised Baby Shark (2013)

Mientras está en el regazo le acaricián la barriguita al tiburón y se tira para atrás, varias veces.

Dura 16 segundos.

Esta es la primera vez que lo llaman "Baby Shark", lo cual es peculiar porque la famosa canción no saldría hasta el 2017..

Es el vídeo más conocido, con diferencia. De hecho es el que suele empezar los recopilatorios..

Dos detalles. El primero es que oímos pequeños rugiditos del tiburón. El segundo es que los dientes son como los de un bebé, aún no han terminado de salirle.

En esta ocasión no es tan brillante, da la impresión de que está un poco húmedo.

Shark playing dead Supercute (2013)

El tiburón está sobre una alfombra cuando le apuntan con un dedo y le disparan, entonces se da la vuelta y se hace el muerto. Seguidamente vuelve a la posición original.

Dura 31 segundos.

De nuevo vuelve a mirar a la cámara.

Este me hace mucha gracia porque se comporta como un perrito que realmente no tiene ganas de moverse, pero lo hace para satisfacer a su dueño.

Sharknado Baby 2 (2013)

El tiburón da vueltas sobre el robot aspirador metido en una especie de "tornado" de plástico.

Dura 15 segundos.

Este fue el corto que me llevó al canal de YouTube original cuando buscaba vídeos sobre "Sharknado" (2013). En realidad no sé por qué pone 2 en el título, supongo que hubo una verisón previa que luego borraría el autor.

Curso - Tubarão - Vídeo Resultado (2014)

El tiburón está en el suelo, bosteza y avita que le acaricien.

Dura 25 segundos.

El por qué del título en portugués es que el autor es brasileño.

Es un ejemplo que hizo el autor para un cursillo que dio sobre animación en 3d.

Cute Shark Mustache (2016)

El tiburón está sobre una cama cuando le ponen un pequeño bigote falso.

Dura 25 segundos.

De nuevo mira a la cámara, lo cual resulta gracioso cuando lleva el bigote.

Lo del bigote es algo que se puso de moda hace años, la gente se lo dibujaba en el dedo y se lo acercaba debajo de la nariz. Tenía su gracia.

Happy Shark (2016)

El dueño le canta una canción al tiburón para que sonría.

Dura 16 segundos.

Este es el primer cortometraje donde oímos la voz del dueño, osea del creador. Habla en portugués, no es difícil de entender, es la canción que dice "si estás contento sonríe".

El tiburón mira a cámara y sonríe, en realidad más que sonreír muestra sus dientes y sus ojos parecen que se queden en blanco, lo cual le da un aspecto temible.

Baby Shark dancing Baby Shark (2019)

El tiburón está sobre el sofá mirando el videoclip de la canción Baby Shark y se pone a bailar. Al final mueve la boca diciendo el título.

Dura 9 segundos.

La corta duración de los cortometrajes es debido a que es un proceso bastante costoso renderizar estas animaciones, especialmente porque lo hace un tipo desde su casa por pura afición. Lo cual no le quita ningún mérito, son realmente geniales.

En esta diría que ha mejorado notablemente la boca del tiburón y un poco su forma, de hecho parece un poco más grande. Vuelve a mirar a cámara al final.

Cute Shark in the bathroom (2019)

El tiburón está en el WC con papel cubriéndole parte de la cabeza. Al descubrir que lo están mirando se gira.

Dura 16 segundos.

Por una parte está el desastre que ha montado en el váter, es genial. Por otra el hecho de que parece que esté usando el retrete, pasando de todo.

The Baby Shark is coming back! (2021)

Tras un montón de mensajes pidiendo la vuelta del tiburón le vemos sobre un escritorio con un papel que pone "I'm back" y sonríe a cámara.

Dura 20 ssegundos.

Esta vez sí que sonríe.

El color es ligeramente diferente, más claro. De nuevo da la impresión de ser un poco más grande.

Baby Shark answering the call (2021)

El tiburón está sobre la cama y acude al dueño cuando le hace un gesto.

Dura 11 segundos.

Este no tiene sonido.

Lo peculiar de este cortometraje es la manera en la que se mueve, es la primera vez que le vemos arrastrándose usando sus aletas para avanzar.

Baby Shark cute playing the shell game (2021)

El tiburón está sobre el suelo y el dueño le hace elegir entre dos vasos con comida. Elige el que ha escondido una bola de comida y entonces descubre que en el otro había un montón más. Al final se abalanza sobre el montón.

Dura 28 segundos.

Tampoco tiene sonido.

Es una recreación de un vídeo con un perrito al que le hacen lo mismo.

Shark Milk for Baby Shark (2021)

Vemos un tetrabrick de leche de marca "Shark Milk", especial para tiburones de tierra. El dueño le pone un poco en su comedero y el tiburón la lame.

Dura 19 segundos.

La parte más interesante es ver como saca la lengua el tiburón, a modo de perro.

Me encanta el diseño del tetra brick, está lleno de detalles.

Baby Shark - Cup maze challenge (2021)

El tiburón está en un pasillo y se enfrenta a un laberinto hecho con tazas. Pero él lo ignora y lo atraviesa sin más.

Dura 12 segundos.

Otro sin sonido.

Esta vez no se arrastra como si caminase, se desliza sobre su tripa.

Baby shark grab a snack in slow motion (2021)

El tiburón está sobre el césped, cerca de un río, cuando el dueño le tira una galletita pero en vez de cogerla al vuelo le golpea en la cara pero es capaz de rectificar y de cogerla.

Dura 20 segundos.

Otro más sin sonido.

Y otro vídeo recreando el de un perro que también se hizo viral, aunque con un final ligeramente diferente.

Vemos de nuevo la lengua del tiburón, creo que le queda mucho mejor esta.

Relaxing Baby Shark (2022)

En un día soleado el tiburón está tumbado en su hamaca junto a un coco mientras toma el sol.

Dura 21 segundos.

Tampoco tiene sonido.

Está muy bien hecho, por supuesto, pero apenas se mueve.

Youtube Gift for Baby Shark (2022)

El tiburón está sobre un sofá cuando el dueño le trae una placa de YouTube de 1 millón de suscriptores, Y al final se pone sobre ella.

Dura 25 segundos.

Y otro más sin sonido.

Creo que es más que merecida. Espero que saque más vídeos de este pequeño tiburoncete en el futuro.

Y se acabó . Ale, a otra cosa.

Jurassic Shark III - The Revolution (2015)

El final de la trilogía.

Los Shark Hunters se han separado. Mientras tanto los empleados de InGen recuperan los restos de los tiburones que han destruido. La guerra entre ambos bandos está a punto de estallar.

Por lo que tengo entendido hay una versión preliminar del 2015 y una completa del 2018. Yo poseo la del 2018, son sólo 102 minutos de duración. La original eran 231, aunque fue estrenada en 5 partes de entre 30 y 50 minutos cada una. No tengo intención de verla.

De nuevo ha mejorado ligeramente la calidad de imagen, también los textos se pueden leer mucho mejor.

De nuevo la acción tiene lugar un año más tarde de cuando fue estrenada la película.

El primer cambio notable es que ya no usan armas de juguete, los sonidos de disparos están más bien encajados y ya no son tan niños los protagonistas. De hecho la primera escena de acción no involucra ningún tiburón, es un tiroteo entre los de InGen y un personaje nuevo, al que matan.

El sonido ha mejorado notablemente. Oímos tanto los diálogos como la música y además encaja mucho mejor con lo que está sucediendo.

Los tiburones están un pelín mejor hechos. Siguen siendo fundamentalmente iguales que los de la anterior, pero al menos los colores les pegan más. Según he leído salen tiburones toro, mako, tigre y limón, estos últimos son amarillos.

Es la más "adulta" de las tres, con muertes más gráficas.

También es cierto que hay como 100 tiroteos. Es una guerra abierta entre los de InGen y los cazatiburones. Pero apenas hay variedad. Sólo vemos a gente pegándose tiros en medio de un bosque y muriendo.

No quiero ni imaginarme como será la versión que dura casi cuatro horas. Esta trilogía ha sido realmente dura de ver, no se la recomiendo a nadie.

Y con esto pasamos a la última entrada del especial de tiburones de este año.

Jurassic Shark II: The Retribution (2013)

No tardaron demasiado en sacarla.

Dos años después de haber matado el tiburón de InGen Chase decide organizar a un grupo de cazadores llamados "Shark Hunters". Pero Simon quiere asesinarlos y por ello suelta a varios tiburones más para que acaben con ellos.

Dirigida, escrita y producida por Scott Pincus.

Esta vez fue publicada en dos partes, una de unas 2 horas y otra de media.

Según dice el creador hicieron los tiburones de manera que fueran realistas para su entorno. Al principio los vemos de pasada y parecen un poco mejor hechos que el de la primera película. Pero siguen siendo cartón y cinta americana mayormente, al menos esta vez les ha puesto ruedas.

La película salió en el 2013 pero la acción está situada en el 2014.

Ha mejorado un poco la calidad de la cámara, al menos ahora vemos un poco mejor las "instalaciones de InGen". Pero sólo un poco, el tema iluminación sigue siendo problemático.

Al igual que el sonido, las conversaciones cuesta seguirlas porque están grabadas con el micrófono de la cámara y han puesto música sobre ellas, con lo cual a ratos no se oye lo que dicen. Además hay una escena en la que se oye el viento y en otra el cortacésped del vecino, en ambas ocasiones podrían haberlas regrabado o doblado sin demasiados problemas.

Por cierto, vuelven a hacer uso de las mismas BSO que en la primera parte.

En el apartado positivo tenemos que las escenas de acción están un poco más trabajadas. En la primera escena vemos a dos de los chavales persiguiendo un tiburón con sus Nerf guns, algunas bastante mejorados y han agregado sonidos de disparos. También les vemos usar también arcos y flechas.

Esta vez las escenas son mayormente de los chavales yendo por el bosque en busca de los tiburones. Hay algunos enfrentamientos, incluso una parte de entrenamiento, pero poco más.

Tiene una escena extra en los créditos finales.

Mira, me parece muy bien que sean niños y que por ello no se pueda exigir demasiado en el tema actuaciones y demás pero eso no quita que se haga muy pesada. Dos horas y media son demasiadas. Es una historia que en media hora la podrían haber contado igual, y lo mismo digo de la primera película. Hubieran sido dos cortos asequibles y que hubiera incluso disfrutado.

Y aún queda la tercera... buf.

Jurassic Shark (2012)

No confundir con "Jurassic Shark" (2012).

Tras haber sido despedido de InGen un empleado llamado Simon decide soltar a un tiburón mecánico. Su primera víctima es un chaval que andaba por un bosque grabando un vídeo, pero consigue grabarlo antes de morir y gracias a ello días más tarde organizan un grupo para ir a cazarlo.

Originalmente fue publicado en 6 partes de unos 15 minutos cada una en el canal de YouTube LordStarscream100. Es el del director, cuyo nombre real es Scott Pincus. Además es quien interpreta a Simon, el único adulto.

Empieza diciendo que antes de "Jurassic Shark" el proyecto se titulaba "Island of Doom: Jurassic Park" y querían sacarlo en el 2013. Empezaron a grabarla en el 2011 pero terminaron cancelándola por falta de alguien que pudiera hacer las animaciones de los dinosaurios. Así es como nació este spin-off de la película de Spielberg.

La BSO va alternando el tema de "Jaws" (1975) y el de "Jurassic Park" (1993). Resulta bastante repetitiva.

Lo primero, la cámara que usa es de baja calidad pero al grabar en lugares sin apenas luz la cosa se pone aún peor. De hecho hay momentos en los primeros minutos en los que no se ve prácticamente nada.

El tiburón es... difícil de describir. Parece que hayan cogido el contenido de un basurero y lo hayan pegado con cinta americana.

Según describe Simon el tiburón puede volar y está recubierto de fieltro, no me ha quedado muy clara la razón de esto último.

Las actuaciones son como uno podría esperar aunque he de decir que no me parece justo criticarlas pues se trata de niños.

Por otra parte me gusta que haya un guión de verdad, a pesar de que los diálogos resulten poco convincentes. Eso cuando pueden escucharse, porque usan el micrófono de la cámara y a veces están demasiado alejados. La música tampoco ayuda en ese sentido, hay momentos en los que está demasiado fuerte.

Buena parte de las primeras escenas consisten en alguno de los niños yendo en bici de un lugar a otro. Cuando empieza la cacería lo que más se repite es que van andando por el bosque y esporádicamente se encuentran con el tiburón.

Me hace gracia que los niños lleven camisetas de tiburones.

Las muertes tardan un poco en llegar tras la primera. Pero eso es porque en sus primeros encuentros consiguen salir con vida.

Detallan fechas y lugares e incluso añaden textos explicativos. En mi opinión son demasiados datos los que dan, aunque está claro que añadieron los textos para ponerse al día fácilmente a medida que fue publicada.

Por cierto, les vemos "armados". Usan las típicas pistolas enormes de proyectiles de plástico conocidas como Nerf guns. Aunque hasta bastante avanzada la película no las usan.

En resumen, es una película que de haber tenido algo de presupuesto y unos actores reales habría sido un gran título nivel Asylum. De hecho eso hace que me pregunte si en realidad las películas de Asylum están escritas por niños, eso tendría mucho sentido.

Todavía quedan dos partes más, pasemos a la segunda.

Especial 5600:

Llegamos a otro número redondito en medio de un especial de tiburones, pero no pasa nada, está bien para despejarme un poco.

Este último mes ha habido un incremento notable en el número de entradas porque este año tenía mucho que ver en cuanto al tema tiburones, cerca de unos 50 títulos en total. El problema es que creo que el año que viene serán aún más porque me estoy esmerando demasiado en conseguir títulos en los que simplemente aparece un tiburón... pero es que no me queda otra. Aparte de las de animación, aunque he de decir que no hay demasiadas.

He intentado actualizar la lista de películas de tiburones pero es tan lioso que lo dejaré para más adelante. Faltan títulos que vi fuera de los especiales, por ejemplo, lo cual me dificulta mucho el cuadrarla, pero ya lo haré.

Por cierto, tengo una página en Facebook sobre el blog, no tiene demasiada actividad pero de vez en cuando pongo algo. Sé que no es la mejor red social, pero dado que las uso poco para escribir o poner cosas mías y que me da una pereza enorme cambiar... menos es nada.

La película elegida esta vez es muy famosa. Aunque cuando yo la vi no lo hice ni por el director ni por los actores que salen en ella, de hecho sólo había oído que le gustó mucho a alguien que conocía y aún así tarde años en verla, concretamente cuando me la compré en DVD.

Fight Club (1999)

Aquí la titulamos "El club de la lucha".

Nuestro protagonista es un hombre cansado de su vida repetitiva y monótona. Tiene problemas para dormir y apenas se relaciona con la gente de su entorno. Eso cambiará el día en que conoce a Tyler Durden. Él le dará un vuelco a su vida y juntos acabarán fundado lo que terminará por llamarse el club de la lucha.

Hay un millón de cosas que decir de esta película porque ha sido analizada hasta el límite, así que es más que probable que me deje cosas, pero haré lo que buenamente pueda y mi memoria me permita.

El reparto:

Dirigida por David Fincher. Conocido por "Se7en" (1995) y "Zodiac" (2007). No era la primera opción para dirigirla. Antes que él por orden fueron Peter Jackson, Bryan Singer y Danny Boyle.

Con:
- Brad Pitt (Tyler Durden): Acaba de estrenar "Bullet Train" (2022) la cual tiene buenas críticas. El director le tuvo que convencer para que aceptase el papel.
- Edward Norton (Narrador): Tras hacer "American History X" (1998) tuvo que perder peso. Durante el rodaje apenas dormía para parecer más demacrado.
- Helena Bonham Carter (Marla Singer): Es uno de los pocos papeles que ha interpretado que me gusta plenamente. La veremos en "Enola Holmes 2" (2022).
- Meat Loaf (Robert Paulsen): Su segundo papel más famoso tras el de "The Rocky Horror Picture Show" (1975).
- Jared Leto (Angel Face): Se desconoce el nombre real de su personaje. Este año hizo "Morbius" (2022), la cual tengo pendiente aún. Su papel más notable últimamente es el de Joker en el DCEU, se supone que aún le queda por hacer una película basada en el personaje.

La novela:

Basada en la novela homónima de Chuck Palahniuk. Empezaré diciendo que la lei tras ver la película y que fue toda una experiencia pues lo hice en inglés. Lo más llamativo es que es una gran adaptación, el propio autor ha dicho que la película mejora a la novela, y estoy bastante de acuerdo. Especialmente por un detalle, en la novela sabemos quien es Tyler Durden desde bien temprano, cosa que en la película resulta la que posiblemente es la mayor sorpresa.

Uno de los cambios es que Durden no da la receta real de cómo fabricar una bomba casera. Se la inventaron para que al público no se les ocurriera probarla.

La idea le vino al autor tras recibir una paliza en una acampada y al volver al trabajo ninguno de sus compañeros se preocupó en preguntarle qué le había pasado porque querían evitar ese tipo de interacción personal y así poder mantener las distancias en la oficina. Ese "bloqueo social" es lo que se convertiría en la base de la novela.

Luego las historias de los que ponen un frame pornográfico en películas para todos los públicos, acudir a grupos de terapia para los enfermos terminales, borrar cintas y demás están basadas en historias que le contaron sus amigos o que ellos mismos hicieron.

La película:

Originalmente David Fincher quería poner el frame del hombre desnudo nada más arrancar la película, cuando se ve el logo de la 20th Century Fox, pero no se lo permitieron. Luego quiso ponerlo en el de Regency Enterprises, de nuevo no le dejaron. Aparece al final de la película.

La secuencia de inicio es un viaje que parte del centro del miedo del cerebro del protagonista. Se supone que representa el proceso pensativo ante un impulso de miedo.

No sabemos el nombre del protagonista. Pero la opinión más extendida es que es Jack. Según el autor de la novela en realidad es Sebastian, lo cual reveló en la segunda parte de la misma.

El día en que fue estrenada Rosie O'Donnell apareció en televisión diciendo que la había visto unos días antes y que no había podido dormir desde entonces. Seguidamente procedió a destripar el final y pidió a la gente que la evitaran a toda costa. Norton, Pitt y Fincher reaccionaron diciendo que sus acciones fueron imperdonables.

Según el director en todas las escenas se ve un vaso de café de Starbucks. No siempre es obvio, de hecho recuerdo que había una página que las recopilaba.

Cuando empiezan los flashbacks vemos aparecer a Tyler Durden en numerosas ocasiones, a veces durante un solo frame. Por ejemplo cuando dice "Everything's a copy of a copy" o cuando el doctor dice "that's pain" o cuando el del grupo de terapia dice "and really open ourselves up".

Sin embargo su mejor aparición, en mi opinión, sucede cuando el narrador habla de las raciones individuales y está viendo un vídeo de bienvenida en un hotel y justo cuando dicen "Welcome!" vemos a un montón de camareros. El de la derecha en primera fila es Brad Pitt.

Las gafas que lleva Tyler son para bloquear el color azul, las usan los que padecen insomnio porque así evitan perder melatonina.

Una de mis escenas favoritas es la del accidente aéreo, de hecho estoy convencido de que fue una gran influencia en la de la serie "Lost".

Brad Pitt y Edward Norton aprendieron a hacer jabón realmente.

El narrador habla de diferentes objetos que ha comprado en el catálogo de Ikea, empieza poniendo como ejemplo una mesita de te con forma de Yingyang. En la escena del incendio entre las múltiples cosas que hay tiradas en la calle está dicha mesita.

Cuando Brad Pitt y Edward Norton golpean pelotas de golf mientras sus personajes están borrachos los actores lo estaban realmente.

Otra escena real es cuando Norton golpea en la oreja a Pitt, se suponía que tenía que fingir el golpe pero el director le instó a que le diera en la oreja para así lograr un efecto de sorpresa.

La escena que causó mayor controversia es cuando Tyler está practicando sexo con Marla y le interrumpe el protagonista, entonces le vemos que lleva un guante amarillo de plástico. A la productora le pareció demasiado fuerte y quisieron cortarla pero en los pases previos el público se lo tomó a coña y decidieron dejarla.

Sí cambiaron una línea, cuando Marla está hablando con el protagonista y le dice "I haven't fucked like that since grade school", originalmente decía "I want to have your abortion". A los productores no les gustó y obligaron al director a cambiarla, él aceptó pero se dieron cuenta de que la nueva era mucho peor y al pedirle que volviera a la original él les respondió que no podía porque ya habían llegado a un acuerdo.

Meat Loaf es el único que lleva una camiseta durante sus peleas. Esto es porque para aparentar estar gordo llevaba un traje y sólo podían disimularlo con una camiseta. Por cierto, el traje pesaba unos 45 kilos y estaba relleno de alpiste para dar una sensación más realista cuando lo abrazasen. En realidad hicieron dos trajes, uno que marcaba los pezones y otro que no, por si rechazaban el primero.

Una escena que casi cortan es cuando el director de la empresa dice algo así como que el que ha imprimido las reglas del club de la lucha podría presentarse un día en la oficina y empezar a pegar tiros a la gente. Antes de lo que sucedió en Columbine resultaba graciosa, después más bien controvertida. Aún así Fincher la mantuvo.

El diente roto de Brad Pitt es real, normalmente lleva una funda pero se la quitó para la película.

En la última escena uno de los edificios es el que se usó en "Die Hard" (1987).

Las reglas del club de la lucha son:
1) No hablarás del club de la lucha.
2) No hablarás del club de la lucha.
3) Si alguien grita "para", empieza a cojear o se rinde la pelea se detiene.
4) Sólo pelean 2 personas en cada combate.
5) Sólo habrá una pelea cada vez.
6) Ni camisetas ni zapatos.
7) Las peleas durarán lo que tengan que durar.
8) Si esta es tu primera noche en el club de la lucha, tienes que pelear.

La vida real:

Tras la película se crearon verdaderos clubs de la lucha, siendo uno de los más conocidos el "Gentlemen's Fight Club" de California.

En la versión que estrenaron en China a principios del 2022 el final es muy diferente. La película termina tras el disparo del protagonista y aparece un cartel que dice que la policía detuvo a los del Proyecto Mayhem y el protagonista (de nombre Tyler) terminó encerrado en una institución mental hasta el año 2012.

En Brasil causó gran polémica debido a un tiroteo en un cine donde fue proyectada en el que murieron 3 personas.

Como conclusión:

Tal y como la describió uno, o bien la amas o bien la odias. No es de esas películas que te dejan indiferente. Personalmente la encuentro fascinante, es una de esas que me gusta volver a ver pasado un tiempo pero no porque encuentre algo nuevo cada vez, de hecho la recuerdo prácticamente entera, sino porque me gusta ver la crudeza de las peleas y algunas escenas merece la pena volver a verlas.

Por cierto, no deja de ser la historia del Dr.Jekyll y Mr.Hyde.