Go West (1940)

Aquí la titulamos "Los hermanos Marx van al oeste".

Estamos en el año 1870. S. Quentin Quale se dirige hacia el Oeste, al igual que los hermanos Panello. Pero al llegar a allí una compañía ferroviaria les roba la escritura de una propiedad.

Tenemos a Groucho Marx (S. Quentin Quale), Chico Marx (Joe Panello) y Harpo Marx ('Rusty' Panello). Pero no a Margaret Dumont.

El nombre del personaje que interpreta Groucho es S. Quentin Quale, es claramente una referencia a "San Quentin quail", que quiere decir "jail bait", lo cual significaba una chica demasiado joven que tentaba a los hombres adultos y si les pillaban ellos podían terminar en prisión.

Probablemente sea el título más raro de los Marx, pues está situado en otra época y se aleja un poco de lo que nos habían ofrecido hasta ahora. Osea espacios cerrados, casi claustrofóbicos, incluso la pelicula del circo tiene muchas escenas interiores.

Grabaron la canción "Go west young men", cantada por Groucho, pero la cortaron. Fue usada posteriormente en la película "Copacabana" (1947).

Según dice el texto con el que arranca la película, el título proviene de la frase "go west, young man, go west", dicha por Horace Greeley en 1851.

Una de las raras veces en las que Chico y Harpo interpretan a dos hermanos, al menos de manera clara.

En los primeros 20 minutos veo que ha vuelto la esencia de la comedia de los hermanos, el humor absurdo y las situaciones ridículas. No entiendo muy bien por qué dicen que esta película pertenece a sus bajas horas, de momento no me lo parece.

Tiene momentos musicales, cómo no. Además Chico toca el piano, la novedad es que en un momento dado usa una manzana para tocar varias notas a la vez. Durante una canción que empieza a cantar uno de los actores Groucho toca la guitarra y canta, también canta Chico. Más adelante Harpo "crea" un harpa y toca la que es posiblemente la canción más raras de todas sus películas.

Groucho dice que es 1870 y que Don Ameche no ha inventado aún el teléfono. Es una referencia a "The Story of Alexander Graham Bell" (1939) protagonizada por el actor Don Ameche.

En el poblado indio hay un tótem con la cara de Groucho. En esa parte Groucho rompe la cuarta pared.

La parte del tren me ha recordado bastante a "The General" (1926). Cuando le echan keroseno por la chimenea y acelera de golpe parece que fue la inspiración de "Back to the Future Part III" (1990).

El final es un poco abrupto, teniendo en consideración la cantidad de situaciones por las que pasan hasta llegar a él.

Pero bueno, la considero una película decente de los Marx en líneas generales.

Fantasia (1940)

Un clásico Disney.

Quizás os preguntéis por qué iba yo a querer ver una película de Disney a estas alturas. Sinceramente no es lo que más me apetece pero es que encontré una versión realmente buena y no quise dejar pasar la oportunidad.

La razón de todo esto es porque fue censurada y muy modificada con el paso de los años. La historia de la censura se remonta a 1969 cuando eliminaron a un personaje y nunca lo volvieron a restaurar porque lo consideraban ofensivo. En el año 1999 sacaron la versión en DVD bajo el título "Fantasia 2000" (1999) en la que ponía que era "uncut", lo cierto es que tenía todas las escenas pero en las partes donde aparece el personaje desplazan la imagen para que no se pueda ver. Por otra parte el Laserdisc conserva el audio original (con un sistema llamado Fantasound que sólo se empleó en esta película), la versión de DVD es bastante inferior en ese sentido. Otro cambio es el de las infames restauraciones de Disney que cambian los colores y demás, el Laserdisc es anterior a la "restauración".

En fin, las especificaciones técnicas son realmente increíbles de leer, pero no me apetece nada ponerlas. Digamos que en resumen el resultado es lo más fiel posible a la película original. Salió en Febrero del 2021.

Hablemos de la película en sí. Es la única que hizo Walt Disney que supera las dos horas de duración. Dio libertad a los animadores para usar los colores que quisieran, lo cual era muy raro.

Fue su tercer largometraje tras "Snow White and the Seven Dwarfs" (1937) y "Pinocchio" (1940) y la primera en la que había acción real, no sólo animación.

Pero fue un fracaso en taquilla cuando la estrenaron. Es más, fue en el relanzamiento de 1969 cuando se convirtió en un éxito debido a la moda por lo psicodélico.

Se trata de la primera aparición de Mickey Mouse en una película de Disney. Fue creado en 1928 pero sólo había salido en pequeños cortos animados hasta ese momento.

Se considera la primera película en la que no hay créditos al inicio.

Deems Taylor es el narrador, quien nos introduce cada sección. En las versiones posteriores re-grabaron su voz por el deterioro que había sufrido el audio de la película.

Son un total de 8 canciones, la mayoría interpretadas por la orquesta de Filadelfia dirigida por Leopold Stokowski, y 7 segmentos de animación cuyos títulos en VO son:

Toccata and Fugue in D Minor de Johann Sebastian Bach

Dirigido por Samuel Armstrong.

En la primera mitad vemos sólo a la orquesta, aunque sólo sea la silueta de los músicos y sus sombras usando diferentes luces de colores, la segunda mitad es la parte animada y está claro que fue lo que sirvió de inspiración para muchos vídeos musicales, aún así no recuerdo ninguno tan complejo. Son figuras animadas que representan lo que suena, adoptando diferentes formas, en ocasiones similares a partes del instrumento que se oye principalmente.

The Nutcracker Suite de Pyotr Ilyich Tchaikovsky

Dirigido por Samuel Armstrong. 

Está compuesta casi completamente por animación (aparece el director brevemente al principio y al final), protagonizada primeramente por una especie de hadas y luego por todo tipo de animales y plantas que siguen el compás de la música.

The Sorcerer's Apprentice de Paul Dukas

Dirigido por James Algar.

Está basada en el poema "Der Zauberlehrling" de Goethe escrito en 1797.

El dibujo del hechicero está basado en el propio Walt, incluso lo llamaron Yen Sid que es Disney al revés.

El de Mickey está ligeramente modificado para la película, los cambios se mantuvieron en las animaciones que se hicieron posteriormente.

Lo interesante de esta parte es que es el sombrero el que concede los poderes mágicos, pero su uso hace que la persona termine agotada y necesite dormir. También vemos a Mickey teniendo una experiencia extra-corpórea, o un viaje astral. Y cuando reaparece el hechicero vemos que divide las aguas a modo de Moisés.

Walt Disney es quien puso la voz a Mickey en la parte final.

Rite of Spring de Igor Stravinsky

Dirigido por John Hubley, Paul Satterfield y Bill Roberts.

Vemos que los dinosaurios fueron extinguidos por una sequía, lo cual tiene sentido pues hasta los años 80 no se desarrolló la teoría del meteorito.

En esta parte parece que la música haya sido compuesta para la animación y no al revés.

Tras la sequía hay un terremoto y se inunda de agua todo el paisaje, parece una referencia a Noe.

Intermedio

La orquesta afina los instrumentos y empieza a sonar una breve sesión de jazz liderada por un clarinetista.

De nuevo hacen uso de las sombras y las luces de colores.

Antes de pasar a la siguiente parte el presentador nos introduce la banda sonora en forma de línea que atraviesa la pantalla verticalmente y que varía de forma según el sonido que suena. Esta pequeña parte fue dirigida por Ben Sharpsteen.

The Pastoral Symphony de Ludwig van Beethoven

Dirigido por Hamilton Luske, Ford Beebe Jr. y Jim Handley.

Empieza con una serie de unicornios que parecen sacados de "My little pony". Luego sale un grupo de faunos tocando sus flautas. Luego vemos unos pegasos volando, dos adultos y un grupo de pequeños que también parecen ponis.

Tras ello pasamos a las centauro hembras, las cuales son ayudadas por una especie de angelitos desnudos.

El personaje censurado se llama Sunflower. Se trata de una pequeña centauro cuyo aspecto mezcla el de una chica negra y un burro. Se dedica a hacer de sirviente de las centauros hembras. El hecho de haber sido eliminada del film es lo que le dio mucha más relevancia.

Entonces descubrimos que las hembras se estaban preparando para conocer a los machos. Y aquí es donde vemos la diversidad de colores que presentan.

Finalmente aparece Baco montando un burrito unicornio junto a dos centauras cebras. Es el dios romano de la música, del éxtasis y del vino. Por eso se le suele representar bebiendo. Pero también lo era de la agricultura y de la fertilidad. En todo caso encaja perfectamente en la animación.

Creo que es mi parte favorita de toda la película.

Dance of the Hours de Amilcare Ponchielli

Fue dirigida por Norman Ferguson y Thornton Hee, en total usaron a 11 animadores.

Los animales tienen nombres. La avestruz es Madame Upanova (representa el amanecer), Hyacinth es el hipopótamos (representa el mediodía), Elephanchine es el elefante (representa el atardecer) y Ben Ali Gator es el cocodrilo (representa la noche).

La parte de los hipopótamos me ha recordado a "Madagascar: Escape 2 Africa" (2008).

Night on Bald Mountain de Modest Mussorgsky y Ave Maria de Franz Schubert

Dirigida por Wilfred Jackson.

Originalmente el diseño del demonio Chernabog iba a estar basado en Bela Lugosi, incluso lo llevaron para que posase pero al animador Vladimir "Bill" Tytla no le gustó el resultado, entonces hizo que Jackson posase sin camisa.

La primera mitad me ha recordado mucho a "Häxan" (1922).

La parte del "Ave Maria" tuvo todo tipo de complicaciones. Para empezar usaron paneles de cristal pintado para hacer el efecto de moverse por la escena (fue grabada en una sola toma). Dicho cristal medía unos 60 metros y tuvieron que rehacerlo 3 veces. En la primera usaron una lente de cámara errónea, aparte que se veía a los trabajadores moviéndose. La segunda vez hubo un terremoto que arruinó la toma. Tras la tercera vez enviaron los negativos al laboratorio para procesarlos a toda prisa. Consiguieron incluirla en la versión final 4 horas antes de su estreno.

Esta última parte es la única en la que alguien canta, más concretamente se trata de Julietta Novis.

Durante los créditos finales vemos irse a los miembros de la orquesta. Esta parte no tiene música.

Es una experiencia única y creo que es una de las películas de Disney más aconsejables para los niños porque es una gran manera de escuchar algunas obras clásicas sin que resulte aburrido. Pero también es perfectamente disfrutable por los adultos.

Llegamos al tan esperado especial sobre tiburones anual y esta vez voy a empezar por una serie de cortometrajes de animación, creo que no es la primera vez que hago esto. Luego irán un montón de películas (creedme, esta vez me lo he currado mucho, tanto que no sé si seré capaz de recordar los detalles de todo) y terminaré con una trilogía y una serie de videos cortos que me parecen simpáticos. Esto va para largo.

En fin, empecemos con...

Females Is Fickle (1940)

Un cortometraje de Popeye el marino.

Olivia lleva su pez dorado inteligente al barco de Popeye pero por accidente cae al mar y le convence para que vaya a por él. El pez no tiene intención de ser capturado así que le lleva a través de una serie de criaturas marinas. Tras recibir una paliza Popeye se toma un bote de espinacas y se libra de ellas. Finalmente captura el pez pero al regresar Olivia ve que no está feliz en la pecera y decide soltarle.

Su duración es de 6 minutos.

Hace tiempo comenté la película "Popeye" (1980) y se me olvidó mencionar que el nombre del personaje viene de "pop eye", osea "ojo saltón" y, aunque parece algo obvio, yo no me percaté hasta hace relativamente poco. También es cierto que cuesta pensar en inglés cuando eres español.

Se trata de uno de los cortometrajes que al llegar a Asia en los años 80 fue redibujado y coloreado.

El primer detalle interesante es que el título es erróneo, la traducción literal sería "las féminas es volubles". Esto es porque así es como hablaba Popeye en los dibujos animados originales.

A pesar de su corta duración reúsan algunas de las partes varias veces.

Popeye se enfrenta, por orden, a una almeja gigante, una medusa, un tiburón y una ballena (que podría ser una Orca porque tiene dientes).

Tras derrotar a la medusa aparecen unos botes de gelatinas de diferentes sabores. Porque en inglés medusa y gelatina se dice Jelly.

Del tiburón hace unos trajes de marca "Sharkskin" los cuales eran populares en la época. No estaban hechos con piel de tiburón, pero su tela tenía una textura similar.

De la ballena hace petróleo marca Sea Shell Oil Co., una referencia a la empresa Shell Oil.

Está graciosete, a la altura del resto de cortometrajes del personaje. Me ha gustado que pese a que sólo salen dos personajes clásicos consiguen crear una serie de enemigos a Popeye.

One Million B.C. (1940)

Aquí la titulamos “Hace un millón de años”.

Un grupo de personas se refugia en una cueva durante una tormenta y se encuentran a un señor que lleva estudiándola desde hace un tiempo porque allí vivieron hombres prehistóricos. Y les narra la historia de dos tribus, los de las rocas y los de las conchas.

Originalmente fue dirigida por D.W.Griffith pero cuando llevaban rodada la mitad de la película tuvo problemas con Hal Roach y pidió que borrasen su nombre de los créditos. Al final aparecen como directores Hal Roach y su hijo Hal Roach, Jr..

Del reparto destacan los nombres de Lon Chaney, Jr. (Akhoba), conocido por “The Wolf Man” (1941), salió en “High Noon” (1952). Victor Mature (1940), el protagonista de “Samson and Delilah” (1949). Carole Landis (Loana), saló en “I Wake Up Screaming” (1941). Rosemary Theby (persona de las conchas), salió en “A Connecticut Yankee in King Arthur’s Court” (1921), fue su última película porque poco después se retiró.

Los efectos especiales fueron tan buenos que reusaron algunas escenas en títulos posteriores hasta bien entrados los años 60.

En Gran Bretaña sufrió una severa censura debido a las leyes en contra del maltrato animal. De hecho dejaron de emitirla por televisión por esa misma razón.

Creo que lo mencioné en una entrada de una película similar. Al hablar en “idioma prehistórico” los actores pueden decir cualquier cosa y no pasaría nada.  En este caso no sé hasta qué punto trataron de ser coherentes desarrollando un pseudo-idioma, como hicieron en otras películas.

Me gusta mucho como dejan abandonados a sus muertos/malheridos, independientemente de quién sea.

Los animales prehistóricos son una combinación de varios elementos. Por ejemplo animales grandes disfrazados, como elefantes y vacas “con pelo”, un cerdo como un triceratops o un cocodrilo con espinas. También muñecos, personas disfrazadas y animales pequeños enfocados para que parezcan gigantes, como un dragón de komodo (bueno, pequeño es una forma de hablar), una serpiente o un pangolín (con cuernos tipo rinoceronte).

El cocodrilo aparece luchando con un varano acuático. Y a la serpiente se la come una mangosta.

Es una película que marcó un estilo y que tuvo un remake que es básicamente igual pero en color y con Raquel Welch. La principal diferencia con otras películas de esta misma temática es que aquí tenemos una introducción que nos explica un poco la situación.

The House of the Seven Gables (1940)

Aquí la titulamos "Siete Torres".

Estamos en Nueva Inglaterra en 1828 en una casa que se cree que está maldita. Un hermano traiciona a otro para quedársela e impedir que la venda pero no sabe que el testamento de su padre la lega a su prima, quien está enamorada del traicionado.

Basada en la novela con el mismo título de Nathaniel Hawthorne publicada en 1851.

Del reparto destacan Vincent Price (Clifford Pyncheon), en una de sus primeras películas. Y Alan Napier (Fuller), conocido por la serie de los 60 de "Batman".

Vincent Price fue contratado en el último momento porque el actor que tenía que interpretar su papel se puso enfermo. Además retomó el personaje en "Twice-Told Tales" (1963), basada también en una novela de Nathaniel Hawthorne.

Creo que lo he dicho ya más de una vez pero no recuerdo una sola película de Price que no me guste y esta no es una excepción. Además dota a su personaje de su toque mezcla de locura y genialidad y le pega.

La historia es dramática con algo de romance. No es mi género predilecto pero dado que no se vuelve aburrida no me ha parecido mal. Es interesante que incluso lo peculiar que es el texto introductorio tenga su razón de ser.

Personalmente me ha encantado. No sabría si meterla en la categoría de casas encantadas, aunque algo de paranormal sí parece tener.

The Mummy's Hand (1940)

Aquí la titulamos "La mano de la momia".

Estamos en Mayo de 1940, en El Cairo, Egipto. Un egiptólogo americano da con una vasija que parece indicar el lugar de la colina de los 7 chacales. A pesar de que el encargado del museo le indica que es falsa decide buscar financiación para una expedición a la zona.

La enorme cantidad de películas sobre monstruos de la Universal hizo que se hicieran todo tipo de secuelas, no sabría decir si de todos ellos pero sí de los más importantes. Me gusta ir recorriendo los títulos que no he visto porque a pesar de ser una clara explotación son muy variados en cuanto a estilos.

En todo caso sería el remake de la película de Karloff y tuvo tres secuelas tituladas "The Mummy's Tomb" (1942), "The Mummy's Ghost" (1944) y "The Mummy's Curse" (1944).

Re-usaron algunas escenas de "The Mummy" (1932), porque obviamente también era de la Universal y no iban a rodar dos veces algo que ya tenían.

Para hacer a la momia aún más terrorífica le pintaron los ojos y el interior de la boca de color negro en post producción, frame a frame, en los planos cercanos. Además el actor se tenía que someter a largas sesiones de maquillaje para lograr el efecto de las arrugas, en las tomas lejanas llevaba simplemente una máscara de goma.

Los sacerdotes de Karnak son los únicos que conocen el paradero de la tumba de Kharis. Las hojas de Tana hacen que siga con vida, 3 de ellas cada noche le mantienen en estado latente, con 9 puede vengarse de aquellos que profanen la tumba de la princesa Ananka, más harían que se desatara un monstruo incontrolable.

Me ha costado un poco pillarlo. la idea es que los sacerdotes de Karnak están a favor de Kharis y esperan que algún día regrese, de ahí que lo entierren con las hojas de tana (lo único que puede devolverle la vida) y que cambien su ataúd de lugar.

Me recuerda demasiado a "The Mummy" (1999), si bien tomaron los nombres de la película de Karloff hay demasiadas escenas similares con ésta.

Aparece un mago, bueno un ilusionista, quien hace gala de un buen número de trucos en pocos minutos. Lo realmente curioso es que hoy en día los magos profesionales los hacen exactamente igual.

A ratos parece una parodia. Por ejemplo cuando la hija del mago se presenta en la habitación del arqueólogo y se pone a disparar contra una puerta. Lo que no cuadra es que lleva un revólver de 6 balas, dispara 10 veces y hace un total de 12 agujeros con forma de corazón.

Cuando el protagonista se enfrenta a la momia se pone frente a él y  le pega 3 o 4 tiros, que obviamente no le hacen nada, así que decide... pegarle 3 o 4 tiros más. Adivina qué sucede a continuación.

Es un remake bastante flojo en mi opinión. El terror brilla por su casi total ausencia porque la momia tiene pocos momentos y la historia está demasiado masticadita. Además lo de añadir un personaje graciosete ayuda a la hora de verla pero aún así la hora y poco que dura no resulta fácil de digerir.

The Invisible Woman (1940)

Aquí fue titulada "La mujer invisible".

El profesor Gibbs fabrica una máquina que vuelve invisible y pone un anuncio buscando un conejillo de indias para probarla. Una modelo llamada Kitty Carroll se presenta porque cree que la invisibilidad será la solución a algunos de sus problemas.

Seguimos con más títulos de monstruos de la Universal (para variar no es algo que haya hecho adrede, han salido ordenados así de pura casualidad). Lo primero que me llama la atención es que no fuese planteada como una película de terror sino como una comedia.

Se trata de la primera vez en la serie de películas de monstruos de la Universal en la que la persona que se vuelve invisible aparece durante un periodo tiempo considerable de forma visible. Con lo cual es la primera vez que vemos el proceso de volverse invisible.

Del reparto destaca Shemp Howard (Frankie), conocido por ser uno de los "Three Stooges" de los cuales tengo pendiente hacer una selección de sus casi 200 títulos. También Margaret Hamilton (Mrs.Jackson) conocida por ser la bruja malvada de "The Wizard of Oz" (1939). La vimos también en "13 Ghosts" (1960)

John Barrymore (Profesor Gibbs) tenía un problema grave de alcoholismo y era incapaz de memorizar sus líneas, para ello le ponían los textos en sitios no visibles para la cámara y los iba leyendo. En algunos momentos se nota.

Es pura comedia. El mayordomo es puro slapstick, el profesor es un despistado, el tipo rico está en la ruina y es un mujeriego. Con personajes así es difícil que no lo sea.

Usan los adjetivos "gay" y "queer" en su sentido tradicional. Además hay uno al que apodan Dick. Siendo una comedia de los años 40 es todo muy inocente, pero me hace gracia.

Dicho lo cual, me lo he pasado muy bien viéndola. Una película sin pretensiones con el único objetivo de que te lo pases bien y conmigo ha cumplido.

The Thief of Bagdad (1940)

Aquí la titulamos "El ladrón de Bagdad".

Ahmad era un rey que poseía 365 esposas pero no estaba enamorado, tenía 50 palacios pero no un hogar. Y aunque se consideraba bueno su segundo al mando, Jaffar, era cruel y castigaba a quienes incluso osaban pensar. Ahmad tenía por ello mala fama y cuando trató de aprender qué sucedía entre sus súbditos fue aprisionado por Jaffar. Y en prisión conoció a su mejor amigo, un pequeño ladronzuelo llamado Abu.

Es la versión más famosa pero también existen "The Thief of Baghdad" (1924), "Die Diebin von Bagdad" (1952), "Baghdad Thirudan" (1960), "Baghdad" (1960), "Il ladro di Bagdad" (1961), "Bagdat hirsizi" (1968), "The Thief of Baghdad" (1978)... y puede que algunas más.

Es una típica historia de traición con un rey bondadoso pero ciego y uno exageradamente malvado.

Abu menciona a Simbad, el marino. Su intención es irse con él de aventuras pero termina ayudando a Ahmad. También es quien abre la lámpara que contiene al genio. Y quien se convierte en príncipe y encuentra la alfombra voladora.

Contiene bastantes canciones aunque se hacen pesadas a ratos.

La parte en la que Jaffar lanza los vientos contra la barca de Ahmad me ha recordado un poco a "The Mummy" (1999).

Los efectos especiales son bastantes sencillos, aunque para la época están muy bien. Por ejemplo para que Shiva tenga 6 brazos simplemente se ponen dos personas detrás. El efecto gigantismo del genio combina las imágenes superpuestas y un par de cosas gigantes (un pie y la oreja y parte de su pelo).

Al Sultán le van los juguetes, tiene una amplia colección. Está tan obsesionado con ellos que ni siquiera presta atención a su hija (a quien insulta, además). Pero lo realmente interesante es cuando Jaffar le enseña una estatua llamada "la mujer de plata" que es una representación de Shiva y le dice que le puede abrazar, a lo que el Sultán dice "entonces ya no necesito a mis esposas". Osea, literalmente es una muñeca sexual. Qué poco sutiles.

Los guardianes de la estatua con el "ojo que todo lo ve" van pintados de verde y las caras parecen inspiradas en el teatro Kabuki. La araña gigante me recuerda a la del tercer libro de "El señor de los anillos" y su pelea en la tela de araña recuerda a "The Fly" (1960).

Es una clara influencia/inspiración de muchos títulos posteriores. Personalmente lo que menos me ha gustado es la BSO aunque no sea muy diferente de la de otras películas de los años 40 al final resulta demasiado ruidosa.

The Grapes of Wrath (1940)

Aquí la titulamos "Las uvas de la ira".

Tom Joad acaba de pasar 4 años en prisión por asesinato. Al regresar a su casa en Oklahoma descubre que sus padres no están allí. El banco se ha quedado con sus propiedades y se han ido a vivir a casa de unos parientes. Tras dar con ellos le cuentan que se marchan a vivir a California y se va con ellos.

Basada en la novela escrita por John Steinbeck publicada en 1939. La primera mitad es una adaptación bastante fiel, la segunda no tanto. Cambia especialmente su final en el que la preñada tiene el hijo y alimenta a un hombre hambriento con la leche de sus pechos.

El productor Darryl F.Zanuck quiso hacer una pequeña investigación sobre si los hechos narrados en la novela eran una exageración o no. Tras mandar a varios hombres de manera encubierta a los campos de migrantes llegó a la conclusión que quizás se quedó corto.

Dirigida por John Ford. Es una de las películas que realizó antes de centrarse en los western. Teniendo en cuenta que su carrera empezó en los años 10 ya tenía una amplia selección de títulos cuando hizo esta película.

Del reparto destacan los nombres de Henry Fonda (Tom Joad), es uno de sus papeles más famosos y con razón, otro sería el de "12 Angry Men" (1957). Y John Carradine (Jim Casy), en su caso sí se trata de su mejor papel, salió también en "Stagecoach" (1939) y en "The Ten Commandments" (1956).

Me fascina lo mucho que se parece el principio a "The Beverly Hillbillies" (1993), que volví a ver hace poco. Bueno, no es que hayan ganado un burrada de dinero, pero han ahorrado lo suficiente como para abandonar sus tierras e irse a vivir a otro lugar en un coche destartalado. Y en vez de la abuela es el abuelo el que no quiere irse y han de emborracharlo.

De camino a California van encontrándose con la tragedia. Primero muere el abuelo de un ataque al corazón y cuando están cerca de llegar acampan con otros como ellos y uno les cuenta que California no es la panacea que ellos creen, que no hay trabajo y que se morirán de hambre.

En varias de las fronteras de estados son detenidos por unos guardias que les preguntan si llevan plantas o frutas. Acabo de comprobar que a día de hoy sigue siendo ilegal llevar plantas de un estado a otro (hay toda una serie de regulaciones sobre el tema). La razón parece ser que es porque quieren evitar que se extiendan enfermedades o plagas de insectos.

Una vez llegan a la California la abuela también ha muerto, no les queda apenas dinero y les obligan a irse a vivir a un campamento alejado de la ciudad. Allí se encuentran con un montón de familias en exactamente la misma situación que ellos. Sólo que más hambrientos y pobres, si cabe.

No lo he mencionado pero la historia empieza con una sequía, seguida de la usurpación de las tierras de la familia por parte de un banco. Y deciden irse a California porque han leído un papel donde pone que hay 800 puestos de trabajo esperándoles y una paga sustanciosa. Pero lo que no pone es que hay 10.000 de esos papeles y que llevan ya un tiempo en circulación.

Es una situación desesperada y el engaño en el que terminan cayendo sólo la hace peor. Me recuerda en cierta manera a "The River" (1984) en la que un granjero se ve forzado a vender sus tierras para poder pagar sus deudas y así poder irse a vivir a otra parte, pero sin ningún futuro claro. A pesar de los 40 años que las separan son historias que siguieron repitiéndose.

Tres cuartas partes de la película es el viaje, aunque técnicamente se detienen un par de veces hasta ese momento no empiezan a trabajar.

Uno de los peores períodos en la historia de EEUU retratado de una manera tan fiel a la realidad que algunos de los que lo vivieron narran historias similares a las plasmadas.

Me ha gustado mucho, la crudeza de las situaciones por las que pasan pone en entredicho lo del famoso "sueño americano". Ya no sólo los campos de explotación sino cosas tan simples el no poder alojarse en una ciudad o que directamente les obliguen a dar la vuelta cuando van por una carretera. Pero no todo es negativo, incluso en los peores momentos se encuentran con gente buena como los de la gasolinera que les venden pan más barato.

Der ewige Jude (1940)

Aquí la titulamos "El judío eterno".

Se trata de uno de los tres máximos exponentes de propangada antisemita concebidos por la alemania nazi. Los otros dos títulos son "Die Rothschilds" (1940) y "Jud Süß" (1940), no dispongo de ellos ahora mismo aunque no descarto buscarlos para más adelante.

Presentada por el D.F.G., que viene a ser la fundación alemana de investigación. Hoy en día sigue existiendo, se dedica a dar apoyo a las investigaciones científicas y humanísticas.

Aunque en realidad es una idea concebida y llevada a cabo por Joseph Goebbels, quien decidió crearla como respuesta a una película británica titulada "The Wandering Jew" (1934) en la que retrataban a los judíos como víctimas de una persecución a lo largo de la historia.

De una hora de duración fue planteada como un documental.

Empieza narrando que en Polonia habitan unos 4 millones de judíos y que tras la ocupación alemana fueron restringidos en guetos donde volvieron a emprender rápidamente sus negocios.

Lo que yo veo es que la película "The Pianist" (2002) se basó en estas imágenes para recrear la parte del gueto judío. Tanto las vestimentas como la manera en la que la gente va por las calles está claramente sacado de aquí.

Continúa explicando que las casas de los judíos están sucias y las han dejado echar a perder aunque no por falta de dinero ya que tras décadas de trabajo han logrado amasar una cantidad decente, pero prefieren seguir viviendo en las mismas casas ruinosas.

Es uno de los planteamientos más ridículos que he oído. Dejando a un lado que están viviendo encerrados en un gueto, las casas no están ruinosas porque no las cuidan sino por la guerra.

Luego muestra como se pasan todo el día en la calle sin hacer nada de provecho y que no hacen esfuerzo físico si no son obligados.

Nos ha jodido el listo, tampoco tienen trabajos que hacer. Sobrevivir ya es más que suficiente.

Dice que incluso los niños que aparentemente están pidiendo limosna en realidad están imitando a los adultos haciendo negocio en las calles. Y es que incluso su religión les alenta a ser usureros y a timar a aquellos que no son judíos.

Mientras tanto la gente aria es mostrada trabajando duramente en el campo o en las fábricas.

Luego explica como pasan de vender objetos de poco valor a llegar incluso a ser dueños de un banco para poder comprarse una casa lujosa.

Y he aquí la primera incoherencia ya que poco antes decía que no cambiaban de casa para ahorrar.

Seguidamente muestran imágenes del muro de las lamentaciones en Jerusalén. Y luego explican los orígenes históricos de los judíos, como fueron expulsados de Egipto y posteriormente gracias a Alejandromagno y los romanos se fueron estableciendo en Europa y el Norte de África. En los siglos XIII y XIV España y Francia los echaron y tuvieron que irse hacia el Este, primero a Alemania y seguidamente a Polonia y Rusia. En el siglo XIX se diseminaron por el resto del mundo, cosa que comparan con la manera en la que las ratas fueron poblando el mundo.

A continuación da una serie de datos estadísticos sobre el crimen en el mundo y como los judíos, que son el 1% de la población mundial, son los causantes del 47% de los robos, el 34% de la venta de drogas, el 47% de los juegos de apuestas amañados y forman parte del 82% de las organizaciones del crimen a nivel internacional y del 98% de la prostitución.

Porque es tan difícil inventarse estadísticas "mundiales"...

La parte que sigue muestra la paranoia extrema de los nazis. Explican como los judíos se afeitaban la barba y vestían como la gente occidental para pasar desapercibidos con una nueva identidad y así infiltrarse incluso en las más altas capas de la sociedad.

Tras mostrar una parte de una película sobre la familia Rothschild pasa a enumerar nombres de judíos con cargos influyentes en EEUU, Francia e Inglaterra. Y continúa con más y más nombres de alemanes judíos, es bastante cansino. Luego va enumerando gente del mundo del espectáculo.

Entre esos últimos aparece el de Charles Chaplin que no es judío. Y también una escena sacada de "M - Eine Stadt sucht einen Mörder" (1931) en la que sale Peter Lorre.

Tras ello se pone a hablar de sus ritos religiosos y, sinceramente, he perdido todo el interés.

Y termina mostrando como sacrifican animales tras una advertencia de que las imágenes pueden ser demasiado chocantes. Esencialmente se ven unas vacas a las que las dejan desangrándose hasta morir. Luego salen varios periódicos judíos de Alemania defendiendo dichas prácticas.

En fin, una curiosidad más de la época nazi. No hay nada nuevo para mí ya que es, esencialmente, las mismas ideas de odio hacia los judíos y ensalzamiento de la raza aria, pura y toda la pesca.

Dr. Cyclops (1940)

También conocida como "El ogro de la selva".

El Dr.Thorkel trabaja en una mina de Perú donde ha descubierto una fuente de radio. Allí invita a varios colegas para ayudarle en una parte del proceso sin darles detalles. Eventualmente descubren su secreto y pretenden arrebatárselo pero él es muy inteligente y los engaña reduciéndoles a 1/5 de su tamaño.

Se la podría considerar la primera película de ciencia ficción en color. Fue rodada en 1939 usando Technicolor. Técnicamente hablando la primera sería "Le voyage dans la lune" (1902) de Georges Méliès cuyos fotogramas fueron pintados a mano. También debería tenerse en cuenta "The Mysterious Island" (1929) en la que usaron la técnica de dos colores de Technicolor aunque incluye partes en blanco y negro pintadas de verde.

Dirigida por Ernest B.Schoedsack, el mismo que fue responsable de la trilogía clásica de King Kong la cual abordaré en un futuro no muy lejano (¡prometido! las tengo encima de la mesa mirándome).

Me parece una clara influencia de "The Incredible Shrinking Man" (1957). Sólo que aquí es un experimento controlado y el tamaño se mantiene. Aparte de que reducen a un caballo y a varias personas.

Los efectos especiales son magníficos. Parece mentira que sea una pelicula del año 1940. La recreación de los objetos gigantes y la interacción con los diminutos es casi perfecta.

Detalles como la mano del profesor cogiendo a uno, la cantidad de animales que salen en la jungla en la escena de la lluvia, el cocodrilo y como se libran de él.

Definitivamente un título a tener en cuenta dentro de la ciencia ficción. Aparte que lo de miniaturizar a personas es un tema que en tiempos más modernos se asocia a la comedia y aquí está mucho más cerca del drama y del terror.

The Invisible Man Returns (1940)

En España la titularon "El Hombre Invisible Vuelve".

Diez años despues del incidente con el hombre invisible, Geoffrey Radcliffe es encarcelado y sentenciado a la horca por un asesinato. Pero el es inocente y con la ayuda de un cientifico amigo suyo que ha recreado la formula original escapa volviendose invisible. Ahora tienen miedo de que se vuelva loco como paso en la vez anterior antes de poder dar con su antidoto. Y mientras tanto el ha dado con el verdadero asesino que le metio en todo ese lio.

El primer detalle curioso esta en los creditos de inicio, se hace llamar la secuela de "The invisible Man" de H.G.Wells, osea del libro de 1897 y no de la pelicula de 1933. Aunque en realidad sigue la historia de la pelicula.

La pelicula dista bastante de la primera, para empezar el toque comico del primer hombre invisible, inducido por su locura, aqui lo dejan de lado por una faceta mas bien seria y con ansias de venganza. El mismo es consciente de que se puede volver loco y por ello le pide a su amada que llegado el caso le espose, pero sus ansias de poder aumentan de forma irrefrenable y darle esquinazo a la policia de forma continua solo hace que alimentar su locura.

Salvo la excepcion de un policia y del tio que le esconde en su cabaña los secundarios esta vez son mas bien serios. Incluso el tipo que va borracho resulta poco gracioso. Y tampoco se ceban demasiado en explotar la faceta comica de esos personajes, salen, hacen su gracia y desaparecen. Es un cambio bastante notable respecto a la otra pelicula donde incluso la histeria colectiva resultada graciosa.

Una de las primeras peliculas de Vincent Price, la primera del genero del terror.  Aunque como sucedio con la primera parte solo su voz es quien esta presente durante practicamente toda la pelicula. Eso si, aun no poseia su bigote caracteristico.

En cuanto a los efectos especiales se usaron los mismos que en la primera solo que esta vez bastantes mas veces y el de la conversion de invisible a visible esta vez es muy detallado, vemos las venas como se van formando, luego los musculos y finalmente la piel.

Tiene un final bastante justo con los personajes, se merecen algo asi. La siguiente entrada tratara sobre otro de los grandes, el hombre lobo.