ガメラ対大魔獣ジャイガ (1970)

También conocida como "Gamera vs. Jiger".

El padre de Hiroshi ha creado un aparato para sumergirse que será usado en una expo por los niños. Durante el traslado de una estatua aparece Gamera, tratando de impedirlo. Pero aterriza y tras extraerla la coge, los hombres le disparan y la suelta. Luego huye al estallar un volcán cercano. Sin saberlo, han liberado a Jiger.

La sexta película de Gamera. En el arranque vemos escenas sacadas de las películas anteriores. Es la única que no acabó en el programa MST3K, lo cual dice mucho.

De fondo, durante los créditos iniciales, se oye la canción de Gamera. He de decir que es muy infantil, pero me ha hecho gracia, además es pegadiza.

Parece un anuncio de la expo 70 en Japón. Vemos los pabellones, algunas de las cosas expuestas, hablan de ella con detalle... Tuvo lugar en Osaka. La acción está situada antes de dicha expo. Dejaron una cápsula del tiempo que será abierta al cabo de 5000 años.

Mencionan al continente Mu. Y aparece una estatua de un demonio que un extranjero llama Jiger La cual me recuerda un poco a Pazuzu de "The Exorcist" (1973). Lo cual es realmente peculiar porque esta es anterior.

Por supuesto, los niños defienden a Gamera mientras que los adultos quieren dispararle.

Jigen emerge de debajo de la tierra, va a cuatro patas y se parece un poco a un dinosaurio. Es más grande que Gamera. Es capaz de atraer cosas a voluntad y de propulsarse, llegando a volar. Dispara unas flechas y genera una especie de escudo que destruye todo lo que cubre.

Me gusta que el primer enfrentamiento suceda bien pronto, apenas pasados 20 minutos.

Me acabo de percatar que el tamaño de Gamera varía, en el enfrentamiento vemos que no es tan pequeña en comparación. Esto es porque el muñeco y el hombre con el traje no están hechos a escala.

En la VO aparecen un hombre y sus dos hijos, claramente occidentales (supongo que de EEUU), pero hablan todos en japonés.

Todos los que trabajaron cerca de la estatua se ponen enfermos porque oyen un "pitido infernal". Jiger aparece cerca de la costa destruyendo varios barcos a su paso, con extrema facilidad. Luego procede a destruir la ciudad.

Es una de esas raras veces en las que muestran esqueletos en una película de Kaiju.

Jiger da mucha guerra a Gamera, tiene muchos ataques que la incapacitan, hasta el punto de tener de congelar partes de su cuerpo para recuperarse. Me encanta como el lore de los monstruos va creciendo con cada película.

Como toda buena película de Gamera, los niños son los que toman el protagonismo en un momento dado, para inri de los adultos, quienes ni siquiera consideran sus opiniones pese a estar acertadas. Incluso acaban descubriendo la manera de acabar con Jiger.

Además es realmente importante su apoyo durante el combate final, gritando todo tipo de consigas de apoyo a Gamera. Desde cientos de metros de distancia. Detrás de un cristal. Claro.

Pero bueno, está bien, me ha parecido muy interesante, especialmente la parte en la que entran dentro de Gamera.

The Private Life of Sherlock Holmes (1970)

Esta no la he visto.

En un banco de Londres se encuentra una caja metálica con el nombre del doctor John H. Watson. No debe ser abierta hasta que hayan pasado 50 años desde su fallecimiento. En ella están contenidos algunos de los detalles menos conocidos de su relación con Sherlock Holmes.

Dirigida por Billy Wilder. Fue la película más cara que llegó a rodar. Se sentía especialmente orgulloso de la versión completa, no tanto de la que fue estrenada.

Protagonizada por Robert Stephens (Sherlock Holmes), su única vez interpretando al personaje aunque salió en la serie "The Rivals of Sherlock Holmes". Con Christopher Lee (Mycroft Holmes), uno de los pocos actores que interpretó a ambos hermanos.

Originalmente estaba planeada como si fueran una serie de episodios haciendo que la duración superase las 3 horas, el estudio pasó por un mal momento y creyeron que era mejor reducirla a una duración más cómoda para el espectador dejándola en la versión que nos ha llegado. No se han podido restaurar las escenas cortadas.

Construyeron un monstruo del Lago Ness a tamaño real sin embargo se hundió en el lago y tuvieron que usar una miniatura. En el año 2016 fue localizado en el fondo del lago.

Entre las cosas contenidas en la caja hay diversos objetos de Holmes y de algunos de sus 60 casos.

El actor elegido para Watson no me acaba de convencer.

La actriz que hace de Petrova es claramente rusa, pero el que hace de Nikolai, el tipo que la traduce, no me lo parece.

Para librarse de tener que dejar embarazada a la bailarina Holmes insinúa que es gay. En las escenas cortadas exploraban más el tema y no como una excusa.

Son dos casos "desconocidos", aunque están más o menos conectados. Primero tenemos a una bailaria rusa que quiere retirarse y tener un hijo y le pide a Sherlock ser el padre. El segundo es sobre un taxista que trae a una mujer amnésica y empapada a la casa de Sherlock y tiene que averiguar quién es. Terminan en Escocia y ven el monstruo del Lago Ness.

En las escenas cortadas habían más casos. Creo que hubiera convertido la película en una miniserie.

Es una gran película. Explora un poco la parte sentimental del personaje, la cual "oficialmente" sólo se centraba en Irene Adler, de quien hablan pero no mencionan. Y, por supuesto, de los secretos gubernamentales, de ahí la aparición de Mycroft, aunque eso lo hemos visto explorar en diferentes ocasiones.

The Boatniks (1970)

Otra comedia.

El alférez Thomas Garland llega tarde en su primer día de trabajo como guardia costero. Pronto se enamora de Kate Fairchild, una chica joven que lleva una tienda de alquiler de barcos, y eventualmente congeniarán a pesar de la mala suerte que tiene siempre él. En medio de todo el lío hay 3 ladrones de banco que se dirigen hacia México y tratan de pasar desapercibidos.

En el reparto tenemos a Robert Morse (Ensign Garland), conocido por "Mad Men". Al Lewis (Bert), conocido por la serie "The Munsters". Phil Silvers (Harry Simmons), salió en "It's a Mad Mad Mad Mad World" (1963). Y Stefanie Powers (Kate Fairchild), coprotagonista de la serie "Hart to Hart".

El título es una parodia de "The Beatniks" (1958). "Beatnik" es un término que nació en los años 50 y se refería a los pertenecientes a la generación "Beat". "Boatnik" vendrían a ser "descerebrados con barcos".

Una película de la Disney de cuando se dedicaban a hacer comedias para todos los públicos que podías disfrutar en familia. No como ahora que sólo tratan de contentar a sectores muy concretos de la población y están perdiendo dinero a mansalva.

Buena parte de la película consiste en una serie de gags donde los guardacostas tratan de ayudar a los diferentes barcos que se meten en problemas.

No acabo de comprender por qué se ponen a pitar varios barcos cuando los guardacostas regresan con su barca siendo tirados por otra barca.

Las broncas que le pegan a Garland no tienen demasiado sentido. La primera es porque durante un rescate un barco pasa demasiado cerca y le deja encallado en unas rocas. La segunda porque durante una niebla espesa y, tras hacer hacer numerosas señales acústicas, otro barco no le responde y termina chocando y hundiéndolo.

Aparecen un montón de barcos, cómo no, pero el más peculiar es el del tipo que le ha quitado el motor para montar una bodega y que está rodeado de jovencitas en bikini, al más puro estilo mansión Playboy.

En inglés los baños reciben diferentes nombres y uno de tantos es "the head", y es curioso porque ese en concreto es un término marítimo. En los barcos antiguos los baños estaban siempre situados en la "cabeza" del barco, osea la proa. Otro nombre es "the John", el cual viene del inventor del primer váter con cadena, John Harington. Otro nombre es "the loo", que proviene de la expresión francesa "guardez l'eau" (cuidado con el agua), normalmente se usa en Australia y se refiere a un baño interior, si es exterior lo llaman "Dunny" (simplemente proviene de un dialecto).

El tiburón aparece a los 50 minutos, justo cuando uno está metido en un traje de buzo explorando el fondo marino en busca de una cesta de pícnic. Primero vemos una aleta sobre la superficie y luego pasa cerca del buzo, es entonces cuando vemos que es uno pequeño y poco amenazante. Luego lo matan de un tiro, pero eso no lo vemos.

Es fascinante que la persecución final dure tanto tiempo. Dicho lo cual, cuando los ladrones entran en el submarino Harry dice una frase en alemán y luego "me cuesta hablar mucho hablar en inglés en un U-boat", que es la manera inglesa de decir U-boot (Unterseeboot).

La escena del tiburón es interesante pero no dura demasiado y tampoco pasa gran cosa, aunque al menos tenemos a uno real pasando cerca del actor, que ya es.

Por lo demás se trata de una comedia ligera cargada de momentos absurdos y muchos accidentes. Tiene también un ligero toque romántico. En general es entretenida, para pasar un rato sin pensar demasiado.

Patton (1970)

Hora de un clasicazo del género bélico.

Tras sufrir una derrota en Túnez contra el ejército alemán los estadounidenses deciden recurrir a su mejor experto en tanques, George S. Patton, para preparar a sus hombres. Su rival será Rommel, quien apenas le conoce.

Quizás llegue a sorprender pero es una de esas películas que nunca he tenido la oportunidad de ver. Y no será por lo bien que he oído hablar de ella, simplemente no se ha dado la ocasión. Por eso le tengo muchas ganas, aunque apenas sé nada de ella a priori en realidad.

Dirigida por Franklin J. Schaffner aunque se basó en un guión que co-escribió Francis Ford Coppola (el cual quiso dirigirla en 1966 pero la Fox se negó, objetando especialmente en el discurso inicial). En todo caso es el mismo que hizo "Planet of the Apes" (1968), "Papillon" (1973) y "The Boys from Brazil" (1978).

La expresión "Ten-hut!" con la que se inicia la película (no hay ni siquiera logos de inicio ni nada) es bien conocida. Su origen es bastante simple, es una abreviación de la palabra "attention", la cual se pronuncia también como "ten-shun" en el ámbito militar. Aunque algunos militares defienden que nunca han usado dicha forma en la vida real y que es algo que se originó en las películas de Hollywood (por alguna razón estoy más inclinado a creer esta versión).

Las pistolas nacaradas que lleva el protagonista en el discurso inicial son los revólveres reales que usó George S. Patton. En realidad a George C. Scott no le gustaba la idea de estar frente a una bandera enorme de los EEUU durante el discurso, el director le engañó haciéndole creer que la escena sería la que cerraría la película, no la que la abriría.

El discurso está compuesto por muchas frases que dijo realmente Patton, pero en diferentes momentos de su vida. Fueron suavizadas porque decía muchos tacos.

Originalmente tenían pensado ponerlo tras el intermedio (sucede a la hora y media de película), de ahí que el grado de Patton no se corresponda con el que se autoimpone al principio. Y por cierto, las medallas y distinciones que lleva son las mismas que obtuvo el militar, aunque sólo se las puso todas para una fotografía en su casa (es la que usaron para darle más realismo). En todo caso no deja de ser uno de los comienzos más icónicos de la historia del cine.

Algunas de los vídeos reales de las tropas francesas marchando por París tras recuperarla fueron grabadas por Russ Meyer. En 1944 era un cámara estadounidense del ejército y sirvió en la 3er ejército de Patton.

Cuando el General Lucien K. Truscott le recuerda a Patton que había sido un deportista se refiere a que fue a las olimpiadas de 1912 en Estocolmo participando en el pentatlón moderno, quedando en 5º puesto. Curiosamente le bajaron mucho los puntos en la prueba de tiro porque el arma que usaron no era una de las que estaba acostumbrado a usar. Sus conocimientos en esgrima hicieron que eventualmente desarrollase el último sable que se usó como arma en el ejercito estadounidense.

Buena parte del presupuesto se gastó en el alquiler de los soldados y equipamiento militar, que curiosamente eran españoles. La razón es que grabar en España era ideal por la variedad de escenarios que ofrecía y porque los militares aún usaban tanques y equipación de la Segunda Guerra Mundial.

Las letras WTF en la matrícula del Jeep que lleva Patton quieren decir "Western Task Force".

En realidad hay varias escenas que resultan casi cómicas, quizás por la manera tan exagerada en la que retratan al protagonista, todo un héroe de guerra que no le teme a nada.

No creí que el tema sería tan interesante antes de leer sobre ello. Resulta que a Patton no le parecía bien que EEUU se involucrase en la guerra contra los nazis (porque deberían haber ido contra la Unión Soviética), ni estaba a favor de que los nazis fueran juzgados. Es más, él sentía una antipatía hacia los judíos (cosa que la película prefiere ignorar).

De hecho hay algunos errores como que Patton nunca se encaró a Rommel en batalla o que se deja algunas de las derrotas más tristes que tuvo.

Cuesta un poco entrever el mensaje antibélico que se supone que tiene esta película. De hecho comprendo muy bien como es malinterpretada por algunos porque parece que enfatiza la figura de un general muy estricto que incluso llega a usar un castigo físico con un soldado (una bofetada, ojo).

Tuvo una secuela estrenada directamente en televisión titulada "The Last Days of Patton" (1986).

Gimme Shelter (1970)

Esto será interesante, intuyo.

Dirigido por Albert Maysles, David Maysles y Charlotte Zwerin.

Según Albert Maysles uno de los cámaras era el propio George Lucas aunque por un accidente todo lo que grabó se perdió. Sin embargo Joel Selvin hizo una investigación a fondo y descubrió que uno de los planos generales fue grabado por Lucas.

Se trata de un concierto de The Rolling Stones, en esencia. El grupo formado por Mick Jagger, Keith Richards, Mick Taylor, Charlie Watts y Bill Wyman.

La primera escena es la de cuando hicieron la foto que se convertiría en la portada del disco directo "Get Yer Ya-Ya's Out". Es peculiar porque usaron a un burrito.

Seguidamente arrancan el concierto en el Madison Square Garden de Nueva York con "Jumpin' Jack Flash". Mick Jagger va vestido de negro con un pañuelo a modo de capa, un sombrero con los colores de la bandera de EEUU y un símbolo de omega en el pecho.

Tras ello aparecen los créditos de inicio donde han escrito mal el apellido de Keith Richards, pone "Richard".

Seguidamente pasamos al estudio de montaje. Ahí están escuchando una grabación donde se habla del apuñalamiento mortal en el concierto de Altamont.

Es la razón por la que este documental se hizo famoso. En esencia Meredith Hunter fue asesinado y gracias a las imágenes que grabaron las cámaras del documental pudieron identificar al autor. Fue Alan Passaro, un motorista perteneciente a la banda de los Hell's Angels, la policía le detuvo y lo acusaron de asesinato. Sin embargo en las imágenes también se ve a Hunter sacar una pistola justo antes de que lo matasen y Passaro se libró por actuar en defensa propia.

En realidad murieron 3 personas más durante el festival, dos de ellas por un atropello y la tercera asfixiada.

La famosa canción "American Pie" de Don McLean está inspirada en el asesinato de Hunter.

Fue idea de la banda lo de usar a los Hell's Angels como seguridad. Sin embargo en el Reino unido la gente no era tan violenta. El problema que hubo es que los que fueron a este festival eran novatos, prácticamente ninguno de ellos era un líder.

Según el testimonio de uno de los motoristas a ellos les dijeron que sólo tenían que evitar que la gente subiera al escenario y a cambio podrían beber toda la cerveza que quisieran.

Tras ello pasamos a "(I Can't Get No) Satisfaction".

Tras ella vemos una rueda de prensa donde dicen que harán un concierto gratuito en San Francisco en Diciembre. Seguidamente vemos como el alcalde de la ciudad les pone todo tipo de pegas.

Vemos como entran en un estudio de grabación e interpretan "You Gotta Move", luego suena "Wild Horses".

Luego van a un hotel y escuchan la de "Brown Sugar".

Cogen un helicóptero por la noche y pasamos a otro concierto donde tocan "Love in Vain".

Tras la cancelación de San Francisco les ofrecen actuar en Altamont, que es un pueblo cercano y consiguen gestionarlo para que funcione.

Luego vemos a Ike y Tina Turner en el Madison Square Garden interpretando "I've Been Loving You Too Long".

Seguidamente los Rolling tocan en directo "Honky Tonk Women". Y vemos a varias personas saltar al escenario, pero son controladas rápidamente por los de seguridad.

Siguen los preparativos para el concierto de Altamont con ciertos problemas de logística. Lo cual tiene sentido porque esperan que lleguen más de 80.000 vehículos.

Volvemos al concierto de los Rolling con "Street Fighting Man".

Al día siguiente llegan a Altamont y al poco de bajar del helicóptero le meten una leche a Jagger. Seguidamente vemos a la marabunta situándose y es una autentica locura llena de gente drogada e incluso una mujer dando a luz. Vemos a los Hell's Angels imponiendo orden.

El concierto de Altamont comienza con Flying Burrito Brothers interpretando "Six Days on the Road".

Tras esa canción oímos a una mujer diciendo "Marianne Faithfull is there". Es la que colaboró con Metallica en la canción "The Memory Remains".

Esta vez aparecen Jefferson Airplane y tocan "The Other Side of This Life". Les interrumpe una bronca en el escenario a mitad en la que uno de los Hell's Angels deja medio inconsciente al cantante.

Probablemente la mejor parte sea la de los motoristas pasando por en medio de la gente para formar un pasillo para que puedan llegar al escenario los Rolling.

Una vez en directo tocan la de "Sympathy for the Devil". He de decir que entre un grupo y el otro han pasado horas y no muestran prácticamente nada, pero bueno de nuevo se monta una bronca cuando están tocando pero esta vez es frente al escenario, aún así detienen el concierto y cuando se calman vuelven a empezar la canción. A mitad una mujer desnuda intenta subir al escenario, pero no se lo permiten.

Ahora que me fijo es una lástima que todas las cámaras estén en la parte del escenario, hubiera molado ver más imágenes de la gente, aunque siendo de noche sería algo problemático.

Tras la canción Mick Jagger se dirige al público y les pregunta por qué se pelean. Ese en esa parte cuando sucedió el apuñalamiento, justo cuando empieza la siguiente canción que es "Under My Thumb", cuando Jagger dice "we need an ambulance".

Volvemos al cuarto de edición y vemos las imágenes del apuñalamiento.

Termina el concierto y vemos a la gente marcharse en la oscuridad.

Durante los créditos finales suena "Gimme Shelter".

Un detalle, en el concierto de Altamont también tocaron Crosby Stills Nash & Young y Santana, de los cuales no hay imágenes.

Y hubiera sido interesante porque durante el concierto de Crosby Stills Nash & Young a Stephen Stills le estuvieron clavando un cuchillo en la pierna uno de los Hell's Angels.

Pertenece a una época donde salieron varios documentales similares como "Monterey Pop" (1968) y "Woodstock" (1970). Igual me animo a verlos más adelante.

Juan y Junior... en un mundo diferente (1970)

Otra española.

Tras haber conquistado por completo un planeta y debido a un exceso de población unos alienígenas deciden viajar a la Tierra. cuyas condiciones de vida son óptimas. La invasión empieza con la suplantación de un grupo musical porque son jóvenes e influyentes. En Santiago de Compostela están Juan y Junior. Juan se reencuentra con Alicia, una chica que conoció dos años atrás y Junior conoce a Elvira.

Dirigida por Pedro Olea. De quien he visto "La casa sin fronteras" (1972), también hizo "Morirás en Chafarinas" (1995).

Protagonizada por Juan Pardo y Antonio Morales, conocido como Junior. He de decir que me ha costado un poco reconocer a Juan sin barba.

Lo primero que me ha llamado la atención es que buena parte de las canciones son en inglés.

También que los "videoclips" están bastante bien encajados con la trama pues son sus sesiones de ensayo.

Los alienígenas, bueno el que reemplaza a Junior, no hace nada especialmente diferente a lo que haría su versión humana e incluso tiene sus recuerdos (salvo los recientes). Por cierto, para evitar que los vean juntos lo ha disuelto en la bañera.

Otra cosa que me ha parecido curiosa son las guitarras que usan. Junior lleva una de 12 cuerdas que no había visto y Juan usa una Gibson y una acústica. Pero bueno, lo peculiar es que en algunas canciones se oye a una orquesta de fondo y sólo vemos a la banda. Esto último es realmente llamativo en la canción "Anduriña" pues se oye de todo menos guitarras y vemos a una trompeta, un saxo, tres guitarras y un bajo, el cual es bastante remarcable, pero no hay ninguna sección de cuerda, por ejemplo.

Intentan darle un poco más de dramatismo con el hecho de que los alienígenas sienten remordimientos y por ello confiesan quienes son, aunque nadie les cree. Pero al final da un poco igual porque sus compatriotas aceptan su decisión. En realidad la trama no termina, no sabemos si posteriormente continuaron con sus planes de conquista del planeta.

En todo caso me ha gustado bastante.

La tonta del bote (1970)

Otro clásico español.

Susana es una tonta del bote, literalmente. Vive en casa de la Engracia donde es maltratada por todos sus habitantes. Pero un buen día llega Felipe interesado en alquilar una habitación, es un hombre con dinero y desde el primer momento le cae en gracia Susana.

El origen de todo es la obra teatral de 1925 creada por Pilar Millán Astray. Tuvo dos adaptaciones previas, la primera titulada "La tonta del bote" (1939) y la segunda "La chica del barrio" (1956).

Protagonizada por Lina Morgan (Susana). En aquellos momentos ya tenía labrada una señora carrera en el cine, había salido en títulos como "Las que tienen que servir" (1967), pero este es quizás su papel más recordado. Posteriormente la hemos visto en títulos como "Vaya par de gemelas" (1983) o "Hermana, pero ¿qué has hecho?" (1995), por decir dos.

Con Arturo Fernández (Felipe el Postinero), conocido por la serie "Truhanes". Paca Gabaldón (Asunta), salió en "El bosque animado" (1987). José Sacristán (Narciso), conocido por "La colmena" (1982). Tony Soler (Numancia), salió en "La chica del barrio" (1956) interpretando a Trini.

Susana habla como una cateta auténtica a pesar de haberse criado toda la vida en una casa normal.

Verlos hablar de manera chulesca resulta incluso doloroso. Dan ganas de darles un par de bofetadas para quitarles la tontería. Es que incluso las paletadas de Susana suenan inteligentes.

Resulta fascinante como justifican los maltratos y amenazas de muerte. He de decir que me esperaba ver anacronismos y temas chocantes en las películas de esta época pero no en una película a priori ligera.

Dicen mucho la expresión "echar al torno" al referirse a un bebé cuya madre murió al nacer. Se refiere a unos tornos que había en unos establecimientos para recoger a los bebés abandonados, todo ello se realizaba de forma anónima.

En más de una ocasión Lina Morgan se acerca caminando hacia la cámara mirándola fijamente. No le habla pero se puede interpretar como que rompe la cuarta pared.

Incluye un numerito musical al más puro estilo teatral. Tiene también varias canciones pero están integradas en la trama y las vemos un poco de pasada.

Es una película que me ha costado un poco terminarla por la manera tan horrible en la que hablan algunos. Es asqueroso. Pero bueno, no viene a ser más que el cuento de "La cenicienta".

El astronauta (1970)

Seguimos avanzando por esta lista de títulos españoles.

La SANA se dispone a enviar al primer astronauta español al Espacio desde la base de Minglanillas. Pero aún no está terminada y las cosas no hacen más que complicarse, así que buscan a un experto en matemáticas para que les ayude. El único que encuentran está en una residencia, con lo cual deciden secuestrarle.

Un reparto cargado de nombres ilustres como Tony Leblanc (Pepe Fernández, futuro astronauta), José Luis López Vázquez (Don Anselmo), José Sazatornil (Saturnino, pintor), Antonio Ferrandis (Don Gregorio Minglanillas, presidente de la SANA), Rafael Alonso (Hilario, electricista), José Luis Coll (Valeriano, lechero), Antonio Ozores (Matías, técnico en fuegos artificiales) y Álvaro de Luna (Hijo de la anciana que está viendo la TV).

El aterrizaje en la Luna de EEUU hizo que proliferasen las películas sobre la carrera espacial y los viajes al espacio. En España no íbamos a ser menos, pero teníamos que hacerlo a nuestra manera, osea con una comedia.

Es para mearse. Lo mejor del tema es que yo les compraría la idea, desde luego saben cómo venderla.

Me recuerda en cierta manera a la película "1941" (1979).

La fase de preparación del astronauta recrea la máquina que da vueltas a gran velocidad, pero hecha de una manera rudimentaria.

También tenemos las comidas miniaturizadas, que incluyen todo tipo de comidas típicas de España, cómo no.

Es la primera vez que veo esta película y me lo he pasado en grande, a pesar de la gran cantidad de actores todos tienen sus momentos. De hecho no he visto demasiadas películas de Tony Leblanc así que ha sido una experiencia muy interesante.

Me ha parecido muy divertida y original.

MASH (1970)

La película que lo empezó todo.

Durante la Guerra de Corea unos médicos estadounidenses tratan de pasárselo lo mejor que pueden mientras salvan a los soldados heridos que provienen del frente.

Basada en la novela "MASH: A Novel About Three Army Doctors" de 1968 de Richard Hooker. Es interesante ver que tuvo un montón de secuelas.

Aunque lo primero que salió de ella fue la serie "M*A*S*H" (1972) (11 temporadas, 250 episodios) en realidad se hicieron más series como "Trapper John, M.D." (1979) (7 temporadas, 150 episodios), "After MASH" (1983) (2 temporadas, 30 episodios) y "W*A*L*T*E*R" (1984), que sólo se quedó en piloto. También hicieron una parodia animada titulada "M-U-S-H" de 1975.

Dirigida por Robert Altman. Suyas son "Popeye" (1980) y "Dr. T & the Women" (2000).

En el reparto tenemos a Donald Sutherland (Hawkeye Pierce), una de sus películas más famosas. Elliott Gould (Trapper John McIntyre), conocido por la trilogía "Ocean's Eleven" (2001). Tom Skerritt (Duke Forrest), salió en "Alien" (1979). Robert Duvall (Mayor Frank Burns), salió en "The Godfather" (1972). Y Fred Williamson (Dr. Oliver 'Spearchucker' Jones), conocido por "From Dusk Till Dawn" (1996).

Quisiera destacar también a Gary Burghoff (Soldado "Radar" O'Reilly) por ser el único que saldría en la serie de forma regular. También repitió G. Wood (General Hammond) aunque sólo en tres episodios, curiosamente fue su debut en el cine.

Y la mini aparición de Sylvester Stallone. Es un extra que aparece en la cafetería en la escena en la que Hawkeye llega al campamento. Aviso que cuesta MUCHO verle porque apenas sale un par de segundos.

Fue la segunda comedia más vista de todos los tiempos en su momento, tras "The Graduate" (1967).

M.A.S.H. significa "Mobile Army Surgical Hospital" osea, hospital quirúrgico móvil del ejército. Es un servicio que estuvo en activo hasta el año 2006.

La canción "Suicide is Painless" fue escrita por el hijo del director Robert Altman, Mike Altman, quien tenía 14 años en aquellos momentos. Debido a que luego fue usada en la serie acabó ganando unos dos millones de dólares en royalties (y aún sigue cobrando). El sueldo del director fue de unos 75.000 dólares.

La película arranca con una escena en la que uno se cae de la camilla donde le llevan. En realidad fue algo accidental pero el director decidió dejarlo porque ya establecía el tono de comedia oscura.

Al principio establecen que la historia transcurre durante la Guerra de Corea. La intención original del director es no decir qué guerra es para que la confundieran con la de Vietnam, cosa que sí ha pasado con el paso del tiempo.

Es destacable el origen del apodo de "Hot Lips", la tradujeron como "labios ardientes" aunque en la serie es "morritos calientes". Y en realidad tiene sentido, en la película es una referencia a su vagina (no es explícito, pero se puede hacer esa lectura en el momento en que lo dicen por primera vez) y en la serie es a su boca.

La escena en la que "Hot Lips" está duchándose tuvieron que repetirla porque ella se tapaba demasiado rápido. Así que el director y un ayudante se pusieron a su lado con los pantalones bajados para sorprenderla y cuando levantaron la carpa ella no se lo esperó, es la toma que dejaron en la película.

Se plantearon cortar las escenas de las operaciones porque rompían un poco con el tono cómico, sin embargo las dejaron porque eran lo que definía a la película.

Los padres de Donald Shuterland estaban en el rodaje justo cuando grabaron la escena en la que saluda a su padre desde el Jeep a la chica con la cámara.

La escena en la que el cura bendice el Jeep fue improvisada. Es una de las más memorables de su personaje.

Los ejecutivos del estudio se quejaron de que los soldados estuvieran tan sucios, a diferencia de lo que pasaba en títulos como "Tora! Tora! Tora!" (1970) y "Patton" (1970). Altman era un veterano de la Segunda Guerra Mundial y les dijo que la guerra era muy sucia, convenciéndoles hasta el punto en el que decidieron cambiar el aspecto de los soldados en las otras dos películas.

Al ser tres producciones simultáneas el director tuvo mucha más libertad a la hora de grabarla y por eso toca tantos temas polémicos.

Y es que la película, aparte del hecho de ser una serie de gags más que contar una historia per se, es una crítica a una serie de aspectos como son el racismo, la homosexualidad, la religión, el absurdo de la guerra o el papel de la mujer en la misma.

Además aunque sea una película ambientada en una guerra los únicos disparos que se oyen suceden durante el partido de fútbol americano por parte del árbitro.

Como última curiosidad es considerada la primera película "grande" en usar la palabra "Fuck". En realidad no se sabe a ciencia cierta cuál fue pero se suelen citar los títulos "Ulysses" (1967) y "I'll Never Forget What's'isname" (1967).

Personalmente me lo paso en grande cada vez que la veo. Es bastante diferente a la serie, la cual me encantaría volver a ver aunque fuese una temporada pero son demasiados episodios y me lo tendría que tomar con mucha calma. Por supuesto, la recomiendo.

One More Time (1970)

Hora de una comedia, para variar.

Charles Salt y Christopher Pepper son los dueños de un club. Pero la policía decide cerrarlo y el juez les obliga a pagar una multa en menos de una semana. Por ello deciden pedirle ayuda a Lord Sydney, el hermano gemelo de Christopher, pero es asesinado y su hermano decide tomar su lugar.

Dirigida por Jerry Lewis. Es la única película de las que dirigió en la que no participa como actor aunque puso su voz al director de la banda de música durante el baile.

Es la secuela de “Salt and Pepper” (1968).

Protagonizada por Sammy Davis Jr. (Charles Salt), salió también en “The Cannonball Run” (1981). Y Peter Lawford (Christopher Pepper/Lord Sydney Pepper), salió en “The Longest Day” (1962). John Wood (Figg), conocido por “WarGames” (1983).

Peter Cushing (Dr.Frankenstein) y Christopher Lee (Dracula) no recibieron crédito por su participación así que podrían considerarse cameos.

Rompen la cuarta pared en varias ocasiones, aunque sólo se quedan mirando a cámara. Salvo en la escena final donde Sammy incluso dice su nombre verdadero.

Tiene algunas escenas cómicas en las que llevan el humor un poco al extremo, casi como una parodia. Aunque pensándolo bien no es muy diferente a lo que pasa con las películas protagonizadas por Jerry Lewis.

Por otra parte Sammy Davis Jr. nos deleita con un par de canciones. La primera es un tanto inesperada, de repente empieza a sonar música y se pone a cantar mientras anda melancólico por la mansión. La segunda es en el baile.

El Dr.Frankenstein, su monstruo, su ayudante jorobado, Dracula y una mujer atada hacen aparición a la hora y 11 minutos. Es una escena muy corta así que si queréis ver esta película por su aparición os adelanto que no merece la pena.

Desde luego es una de las cosas más raras que he visto y eso que se trata de una comedia ligera, con un toque de intriga. Dicho lo cual, no me parece una gran película pero aburrida no se hace, para nada.

Arrivano Django e Sartana... è la fine (1970)

Aquí la titulamos "Django y Sartana".

La banda de Burt Kelly decide secuestrar a una chica llamada Jessica para pedir un rescate. Sartana regresa al rancho donde vivía la chica cuando lo ve desolado y decide ir a su rescate. Django se entera de que han aumentado al recompensa por cazarlo y también acude. Pero Burt ha mandado a sus hombres para detenerles.

Tras “Django” (1966) empezaron a surgir una serie de títulos relacionados con el personaje. Algunos incluían su nombre en el título, otros no, lo cual dificulta un poco a la hora de confeccionar una lista de sus películas. En todo caso no tengo intención de verlas todas, aunque de vez en cuando me gusta revisar los westerns clásicos.

En el reparto tenemos a Franco Borelli (Django), fue la única vez que interpretó al personaje en su corta carrera. En cambio Jack Betts (Sartana) sí fue más prolífico y llegó a salir en títulos como “Spider-Man” (2002), “Falling Down” (1993) o “8MM” (1999), como curiosidad hizo de Django en la película anterior a esta titulada “Quel maledetto giorno d'inverno... Django e Sartana all'ultimo sangue” (1970).

Django hace su primera aparición más o menos a los 25 minutos. Y qué manera de presentar al personaje, se sienta en una mesa de un bar a jugar a cartas con unos tramposos y acaba liquidándolos.

No le veo nada particularmente diferente o novedoso respecto a lo que es el género western. Los bandidos asesinan vilmente y se acuestan con las chicas, los buenos son capturados pero se liberan y los tiroteos no ofrecen nada nuevo. Sin embargo el hecho de ver a dos protagonistas clásicos trabajando juntos, más o menos, sí resulta interesante.

Es un western genérico del montón, en pocas palabras. No es mala, simplemente más de lo mismo.