Porno (2019)

Hora de un título... peculiar.

Un grupo de jóvenes muy cristianos trabajan en un cine. Una noche se quedan para ver una de las dos películas que proyectan cuando de repente aparece un hombre extraño en una sala. Al intentar echarle sale corriendo y escapa a través de una entrada secreta detrás de una cortina. Allí encuentran un sótano que se incendió años atrás y sacan una película misteriosa.

Me pregunto de quién fue la idea de poner como título la palabra “porno”. No sé si la idea era dificultar la búsqueda de la película (especialmente pasado un tiempo) o simplemente hacerla muy llamativa. O puede que las dos cosas, a saber.

De la mano de Fangoria, la cual como revista sobre el cine de terror y demás es genial pero a la hora de elegir un título no tanto. No digo que sus películas sean malas malas, pero tampoco son nada del otro mundo.

Las dos películas que proyectan son “Encino Man” (1992) y “A League of their own” (1992). Tienen puestos dos maniquíes disfrazados de los protagonistas en la entrada del cine.

Os adelanto que la película que encuentran no es porno. De hecho parece un videoclip de Behemoth. Sale una tipa en pelotas (en realidad parece que lleven un felpudo falso sobre el coño) a la que le echan sangre por encima y poco más.

En un momento dado salen los carteles de unas películas falsas tituladas “10 foot hole 10 foot pole”, “Smoke ‘em if you got ‘em”, “Orgy of the dead” y “Teaserama”. También salen los de las películas reales “Deadly Weapons” (1974) y “Deep Throat” (1972).

En realidad el póster más llamativo es el que aparece de pasada justo al lado de la entrada. Es de una obra de teatro titulada “Big White Fog” estrenada en el año 1938.

Vale, pues parece que también es tendencia mostrar pollas (aunque sean falsas) en las películas actuales. Y no me refiero de pasada o de lejos, no, todo bien clarito en un plano cercano.

No se le puede exigir nada a este tipo de películas pero por una vez me gustaría que alguna vez la narrativa fuese un poco menos obvia con los detalles de los personajes, porque lo que se supone que es algo sorprendente (al menos así está planteado) no lo es ni de lejos.

Cuando Abe mira a la pareja follando a través de un agujero en la pared usan planos similares a los de “Psycho” (1960).

Otra película que agrega chorros de sangre sobre la imagen de una manera muy cutre. Lo veo del todo innecesario.

En fin, es pasable, tiene algunas escenas gore que están bien. El final da pie para una posible secuela.

Little Women (2019)

Aquí la titulamos "Mujercitas".

Las cuatro hermanas March son Amy, una escritora, Meg está casada con dos hijos, Jo es una pintora y Beth toca el piano. Están muy unidas a pesar de que con el tiempo se han distanciado. Ahora Beth está enferma y vuelven a juntarse.

La enésima adaptación de la novela escrita por Louisa May Alcott, publicada en 1868. Tuvo una secuela titulada “Good Wives” y luego dos novelas más relacionadas tituladas “Little Men” y “Jo’s Boys”.

Se trata de una novela que tuvo su primera versión teatral para Broadway en 1912, seguidamente ha tenido más versiones, de las que destacan la del año 2009, la del 2014 y la del 2018.

En cuanto a películas para la primera habría que remontarse a “Little Women” (1917), luego salieron más versiones en 1918, 1933, 1949 (probablemente la más conocida), 1994 y 2018, aparte de la que nos ocupa, claro.

En televisión tuvo una versión musical en 1958, seriales en 1950, 1958, 1970 y 2017, una mini serie en 1978, una serie en 1979, de series de animación japonesa hicieron una en 1981 y otra en 1987. Destaca también una adaptación en la televisión de la India del 2018.

Dicho en pocas palabras, han habido adaptaciones para dar y tomar de la novela y siguen sacando más. No lo digo como si fuera algo malo, no es la única novela que le sucede algo así de hecho, pero evidentemente es difícil conocer a fondo el tema.

En el reparto tenemos a Meryl Streep (Tía March), recientemente salió en “Mary Poppins Returns” (2018). Laura Dern (Marmee March), retomará su personaje más conocido en “Jurassic World: Dominion” (2021). Bob Odenkirk (Padre March), conocido por “Breaking Bad” y “Better Call Saul”.

Las cuatro hermanas están interpretadas por Emma Watson (Meg March), originalmente iba a ser interpretada por Emma Stone. Florence Plugh (Amy March), la vimos también en “Midsommar” (2019). Saoirse Ronan (Jo March), salió en “The Grand Budapest Hotel” (2014). Y Eliza Scanlen (Beth March), espero verla también en “The Devil All The Time” (2020).

Eliza Scanlen toca el piano realmente. Aún así tuvo que practicar 3 horas cada día para prepararse el papel mejor.

La historia se desarrolla paralelamente en dos momentos diferentes separados por 7 años. Es lo que la diferencia de las otras versiones. No hace que sea más complicada de seguir la historia ya que en el pasado van todas más juntitas y en el futuro cada una va a su bola (más o menos).

Por lo que he leído la parte de Amy en el futuro refleja la vida de Louisa May Alcott. Greta Gerwig, la directora y guionista, se inspiró en cartas y diarios de la escritora para ello, además  de otras historias de las que sacó algunos de los diálogos.

La parte en la que Amy habla sobre el matrimonio surgió a partir de una idea que tuvo Meryl Streep cuando hablaba con Greta Gerwig. Esencialmente le dijo que tenía que encontrar una manera de plasmar hasta qué punto una mujer estaba desproveída de poder en aquel momento. Aparte de no poder ir a votar, ni de trabajar, si se casaban perdían su dinero, sus propiedades y sus hijos. El texto fue escrito de forma improvisada poco antes de empezar a rodar la escena.

Meryl Streep aparece caracterizada como una señora mayor. En las partes del futuro, sin saber que es ella igual puedes no reconocerla.

Me he sentido muy decepcionado en la escena en la que Amy expresa que se siente muy sola porque no han usado la canción “I’m so ronery” de “Team America: World Police” (2004). No se me ocurre una mejor para esa escena. Es más la hubiera reutilizado cuando Laurie le dice que se va a casar con su hermana. Hubiera sido la guinda.

Aunque hay bastantes personajes en realidad toda la historia gira en torno a Amy quien finalmente se convierte en una gran escritora después de tocar fondo. Las otras hermanas terminan cogiendo diferentes caminos alejados de las aptitudes que mostraban a priori, la madre tiene poca presencia (aunque de mucho peso) y el padre menos aún (porque está en el frente). Luego tenemos a la tía quien hace apariciones esporádicas y deja bien claro lo feliz que es estando sola, pero quiere que sus sobrinas se casen con algún millonario.

No me ha parecido mal, de hecho me han gustado mucho algunas escenas como la primera de la playa o la final (con un plano secuencia bastante impresionante). La historia en sí la recordaba vagamente por otras versiones, así que soy incapaz de valorar hasta qué punto se parece a la original, pero tengo la impresión de que está lo bastante cerca.

Her Smell (2018)

A ver qué esto...

Becky es la cantante de un grupo punk. Tiene una hija y el padre está saliendo con una chica llamada Tiffany, quien no tiene una relación demasiado buena con Becky. Aparte acaban de terminar una gira y su promotor les propone otra junto con otra banda, pero ella se niega.

No consigo recordar la razón exacta por la que la elegí, aunque diría que es por el reparto.

Destacan las apariciones de Cara Delevingne (Crassy Cassey), salió también en “Valerian and the City of a Thousand Planets” (2017), “Suicide Squad” (2016) y “Paper Towns” (2015). Elisabeth Moss (Becky Something), quien está que no para, no hace mucho la vi en “The Invisible Man” (2020). Virginia Madsen (Ania Adamcyzk), salió en “Candyman” (1992) y “Dune” (1984). Eric Stolz (Howard Goodman), conocido por “Pulp Fiction” (1994) y “The Butterfly Effect” (2004). Y Amber Heard (Zelda E. Zekiel), salió en “Aquaman” (2018).

Por sorprendente que parezca ninguna línea de diálogo fue improvisada.

Se ve que Elisabeth Moss estuvo unos meses aprendiendo a tocar la guitarra adrede para este papel. Lo cual sería un dato interesante de no ser que lo que toca y lo que suena no es lo mismo, al menos no en el directo. El piano sí que lo toca bien, lo cual no tiene sentido.

Tras el primer concierto hacen una referencia a “Wayne’s World" (1992) cuando dicen “party time” “excellent”. Posteriormente Becky dice “C.U.N.T., everyone’s accusing me”, en realidad es de una canción de Ramones titulada “Pinhead” y dice “D.U.M.B., everyone’s accusing me”, pero vamos, lo dice con la misma cantinela y todo.

Lo cierto es que la película se vuelve bastante pesada. El rollo del artista que se encierra en sí mismo y vuelve locos a todos los que le rodean se vuelve viejo pronto.

La película está salpicada de lo que parecen vídeos caseros grabados por una persona desconocida pero que sabe a quién enfocar precisamente en cada momento.

En esencia la protagonista es una cantante punk, madre de una hija, que sigue una religión más estúpida de lo normal y en realidad no me ha quedado claro si sus idas de olla son debido a las drogas o a que es una enferma mental. Pero vamos, tanto da.

Durante el concierto en el que todo se va a la mierda el público más soso no puede ser. Yo me lo pasaría en grande viendo como un cantante empieza a autodestruirse en el escenario. Dicho así casi parece que fuese un concierto regular de G.G.Allin, pero qué va, sólo suelta un par de gilipolleces y se la llevan detenida.

En el último concierto Cara aparece tocando una guitarra, de hecho es la única de todas las invitadas que toca un instrumento. No tendría mayor relevancia de no ser porque previamente dijo que ella tocaba la batería.

Buf, menudo pastelazo. Demasiado drama para mi gusto. Ni siquiera sucede algo interesante como un suicidio o una sobredosis, lo único destacable es cuando Becky rompe una botella y le hace un cortecito a la batería de su banda, y tampoco es para tanto.

Starman (1984)

Aquí la titulamos "Starman: El hombre de las estrellas".

La llegada de un alienígena altera la vida de Jenny Hayden porque ha adoptado la apariencia de su novio y le pide a punta de pistola que le lleve a varios estados de distancia. El gobierno está investigando y les rastrean para tratar de ayudarla.

Dirigida por John Carpenter quien hace un cameo en la parte final como un piloto de helicóptero, concretamente en el que va el jefe militar.

Michael Douglas es un productor. Paralelamente produjo y protagonizó "Romancing the Stone" (1984), la cual fue un éxito.

Protagonizada por Jeff Bridges (Starman), conocido "The Big Lebowsky" (1998) y "The Fisher King" (1991). Y Karen Allen (Jenny Hayden), conocida por "National Lampoon's Animal House" (1978) y "Raiders of the Lost Ark" (1981). Destaca también Charles Martin Smith (Mark Shermin), conocido por "The Untouchables" (1987).

La lata de Coca-Cola que bebe Jenny cuando van en el coche no está ahí de pura casualidad, Columbia Pictures pertenecía a la compañía Coca-Cola.

El coche que usan es un Ford Mustang Cobra II de 1977 de color naranja y negro. Lo mencionan varias veces durante la película. Destaca también un Ford V8 Roadster de 1932, descapotable de color negro.

Entre las películas que mira Starman en el televisor del motel tenemos "The Charge at Feather River" (1953) y "From Here to Eternity" (1953).

Seguidamente hicieron una serie con el mismo título con una sóla temporada de 22 episodios, protagonizada por Robert Hays.

Personalmente me ha gustado volver a verla. Es bastante suave, aunque incluye unas cuantas explosiones y tiroteos. De hecho me he quedado con ganas de ver la serie ahora.

Guns Akimbo (2019)

A ver qué tal está.

Estamos en Shrapnel City. Skizm se dedica a buscar locos que quieran luchar hasta la muerte y retransmitirlo online. Miles tiene un trabajo de mierda y vive en la mediocridad más absoluta y tras cabrear al administrador de Skizm le hace partícipe de uno de sus juegos.

En el reparto tenemos a Samara Weaving (Nix), salió en “Three Billboards Outside Ebbing, Missouri” (2017) y en “Mayhem” (2017). Y a Daniel Radcliffe (Miles Lee Harris), creo que lo último suyo que vi fue “Imperium” (2016).

En su casa Miles tiene un póster de “Rambo III” (1988), otro de “Commando” (1985) y una pedazo colección de figuritas entre las que destacan un Ultraman, un ED-209 de “RoboCop” (1987) y un Usagi Yojimbo. Sobre su mesa tiene los juegos Doom Eternal y Doom (del cual también tiene póster).

Al tal Miles le han atornillado las manos a unas pistolas que están llenas de mensajitos escritos de color blanco. Ese último detalle me ha recordado a Brenton Tarrant, el tipo de Nueva Zelanda que se metió en una mezquita y mató 51 personas, dejando 50 heridos.

La gente reaccionando a las matanzas de Skizm tal y como las miran por internet me han recordado a los espectadores de “The Truman Show” (1998).

Se atreven a mostrar una polla meando. No puedo decir que me lo esperaba. Aunque sin fijarse demasiado se nota que es falsa.

La película que echan por la tele en el primer encuentro entre Miles y Nix es “Hard Target” (1993) de Jean-Claude Van Damme, cuyo argumento trata de una cacería de seres humanos por deporte, lo cual guarda algunas semejanzas con ésta.

Una cosa que no tiene ningún sentido es que la policía no controle las emisiones de Skizm y reconozcan a Miles en cuanto le ven.

Tampoco que él apenas use las armas en cuanto se ve en aprietos. De hecho le cuesta la vida empezar a disparar a Nix. Un ejemplo bastante molesto es el policía hijo de puta que le deja, literalmente, sentado en el suelo mientras se va todo feliz. El tiro en la nuca se lo hubiera llevado por mis cojones.

Joder, he anticipado quién era Nix desde la primera vez que aparece el jefe de policía. Es demasiado obvio.

Repiten lo de que se pega un golpe con alguien que se cruza con Miles demasiadas veces. Me empieza a aburrir esta película.

Sigue la regla de los masillas que son acribillados pero al llevar máscaras en realidad no necesitan usar demasiados actores. De hecho con 3 o 4 tienen de sobra.

A estos colores me refiero.

De hecho, pensándolo bien, creo que lo peor es que en el superplan de la parte final no se les ocurriese la maravillosa idea de quitarle las pistolas de las manos a Miles y así, entre otras cosas, no se quedaría sin balas.

Como dije en la anterior entrada, están demasiado de moda los colores brillantes en las películas modernas (no sabría como definirlos mejor).

En fin, no es decepcionante porque en realidad mis expectativas eran inexistentes pero había leído a más de uno ponerla por las nubes y va a ser que no es para tanto. Está bien, entretenida y para pasar el rato, pero poco más.

初恋 (2019)

También conocida como "First Love".

Por un lado tenemos el regreso de un líder de los Yakuza quien se encontraba en la cárcel. Por otro un boxeador con un tumor. Y luego está Monica, una chica que se ve obligada a prostituirse para pagar las deudas de su padre y también para drogarse.

Dirigida por Takashi Miike. No hace mucho comenté el episodio que hizo para la serie “Masters of Horror”.

La película empieza fuerte, en los primeros minutos vemos una decapitación. Es un montaje muy guay porque paralelamente sucede un combate de boxeo y justo cuando uno de ellos golpea al otro vemos la cabeza salir rodando por el suelo en la calle.

Parece que el argumento de los Yakuza está basado en “The Godfather” (1972). Tiene muchas similitudes como el tema de la droga o el que quieran llegar a una situación de estabilidad con el resto de mafias.

Creo que Kase es el peor miembro de la Yakuza que he visto jamás. Todo lo que planea le sale fatal. Encima es tan imbécil que trata de matar gente de la manera más complicada posible y, evidentemente, falla.

Tiene algunos momentos muy graciosos, aunque bizarros. Creo que el mejor de todos es cuando el boxeador se pone a escuchar los mensajes del móvil.

Personalmente no sabía qué esperarme y ha sido una gozada. A pesar de que es similar a otros títulos la manera que tienen de hacer las cosas los japoneses la hace única. Me encanta que hayan miembros cercenados, peleas de espadas, a puñetazo limpio o a tiros, todo en un espacio muy reducido de tiempo. Aunque lo más inesperado es la parte en la que hacen una pequeña animación para la maniobra más exagerada.

Nekrotronic (2018)

Esto puede ser cualquier cosa.

Los nigromantes y los demonios llevan luchando durante miles de años. Ahora un tipo ha conseguido meter a los demonios en internet. Para ello usan un juego que consiste en capturar fantasmas usando la realidad aumentada. 3 nigromantes y una demonio detectan a un tipo llamado Howard North que parece ser muy poderoso y deciden investigarlo.

Es gracioso que hayan basado el juego en el “Pokemon Go”. Bueno, lo mencionan, el juego es más tipo el "Minecraft Earth".

Me ha gustado la escena en la que sacrifican una cabra para traer un demonio. Es brutal.

Tiene muchos detalles sacados de “Ghostbusters” (1984). Aunque además de fantasmas también hay demonios que poseen gente, para hacerlo todo más divertido. Incluso tienen unas cajitas (llamadas trap box) que echan rayos donde contienen a los demonios.

Hay algunos momentos bastante gore pero no se ceban con la sangre, lo cual es una gran lástima. Me gustan ciertas ideas como lo de las cabezas pero creo que podrían haber ido un poco más allá.

Lo de la impresora 3d de demonios es algo original, aunque estaba claro que la iban a usar para algo más.

Está bien pero no es para echar cohetes. Parece que esté de moda el usar colores brillantes, casi cegadores, en las producciones de este tipo. No es del todo molesto pero ya van unos cuantos títulos recientes que los usan.

En resumen, la pondría a la altura de las producciones de Netflix, aunque con un remate de la historia mucho mejor.

笔仙大战贞子 2 (2017)

Nota: He confundido la segunda película con la primera y por eso esta entrada va tan al grano. Pero vamos, al menos he podido comprobar que se pueden ver por separado sin problemas.

El título se lee como "Bushinsaba vs Sadako 2".

Sadako está a punto de cobrarse sus próximas víctimas, dos jovencitas, y por deciden invocar a Bunshinsaba para que la detenga.

En la primera escena Sadako sale de una pantalla (creo que era un pc antiguo) y Bunshinsaba proviene de una tabla Ouija. La primera va de blanco y la segunda de rojo. Es una escena que en realidad aparecerá a los 45 minutos (más o menos).

Cuando buscan información en internet sobre el “vídeo mortal” aparece el póster de “Rasen” (1998) y un vídeo de “Noroi” (2005). La primera es una secuela de “Ringu” y la segunda una película de terror japonesa que no tiene nada que ver.

He de decir que de todos los sitios de donde he visto salir a Sadako la taza de un wc es el que menos me esperaba. Estos chinos son únicos.

Los muertos aparecen con la piel pintada de verde. Incluso si acaban de fallecer.

En el nuevo vídeo de Sadako vemos cambios importantes respecto a las versiones anteriores. Para empezar no hay un pozo sino un agujero en el suelo en medio de un bosque. Y sólo se ve la parte en la que ella sale del agujero. Aunque en la película en un momento dado aparece el pozo real.

Rizan el rizo cuando en una escena Sadako sale de una pantalla que está en una videollamada hecha… por ella misma. O eso parece. He de decir que está muy mal hecho, aunque usan la realidad aumentada. Seguidamente sale de la pantalla del móvil aunque se parece más a Kayako.

Más que un enfrentamiento entre fantasmas parece una competición para ver cuál de las dos mata más jovencitas. Pero bueno, el enfrentamiento que anticipaba la escena de introducción (que en realidad sucede a los 40 minutos) es brutal.

La pareja de cazafantasmas son lo mejor de la película. Son torpes como ellos solos. Me encanta como tienen todo tipo de cachivaches para luchar contra los fantasmas incluida una Ouija.

Me ha gustado mucho más que la primera parte. Me esperaba algo muchísimo peor de estas películas y esta ha resultado ser la mejor película con Sadako de los últimos años. Es divertida a ratos, tiene buenos sustos y las peleas de las dos fantasmas molan mucho. Aparte el concepto “fantasma coreana” versus “fantasma japonesa” en una película china me parece delirante.

Oh, durante los créditos finales vemos algunas escenas del making of y de la manera en que termina da pie a una tercera película que de momento no ha salido.

笔仙大战贞子 (2016)

El título es "Bunshinsaba vs Sadako".

Cuatro jóvenes de instituto se dedican a atormentar a una quinta. Una de ellas amigas es asesinada por Sadako tras ver su vídeo maldito así que deciden invocar a Bushinsaba antes de que las mate a ellas, pero les sale muy mal.

Veamos, esta película y su secuela me pusieron un poco de mala leche hace unas semanas porque desconocía por completo su existencia. Y quizás algunos penséis que no es tan raro dado que se trata de un producto chino que probablemente tenga poco que ver con la saga de “Ringu” (1998) (pero eso ya lo veremos), pero es que precisamente de dicha saga he leído de todo hasta aburrirme. Dicho de otra manera, no entiendo cómo se me han podido pasar no uno sino dos títulos. Pero bueno, al menos he dado con ellos.

Primer detalle interesante, tenía la impresión que era de China así que he tenido que buscar el título original y me ha llamado la atención una cosita al verlo. “贞子” es Sadako en chino, en japonés es “貞子”.  Por un momento pensé que me había confundido y había cogido el título en japonés porque se parecen demasiado (aparte si miráis el cartel resulta realmente difícil distinguir los últimos dos caracteres).

Pongámonos un poco en antecedentes. Sé quien es Sadako pero no Bunshinsaba. Proviene de “Bushinsaba” (2004) una película coreana que curiosamente no he visto. En China hicieron su versión propia de la mano del mismo director (aunque con un argumento diferente), con el título “Bi Xian” (2012), que además tuvo dos secuelas tituladas “Bi Xian 2” (2013) y “Bushinsaba 3” (2014). Algún día las veré, prometido.

El ritual para invocar a Bushinsaba implica el uso de una Ouija, un lápiz y una gota de sangre. También hay que recitar unas frases.

Para Sadako sólo se necesita haber visto el dichoso vídeo, que ahora está disponible online.

La película arranca con una escena en la que dos chicas invocan a Bunshinsaba mientras aparece Sadako en la pantalla del móvil de una de ellas. Es una de las escenas que se verán posteriormente (a los 25 minutos más o menos), en realidad no acabo de entender por qué la ponen. Está claro que no es un spoiler porque al fin y al cabo por el título sabes que de alguna manera se han de encontrar ambos fantasmas pero tampoco hace falta dejarnos con la miel en la boca.

En un momento dado, en la parte del principio, una chica entra en un baño y abre la puerta de un retrete y se encuentra a un gato. Es el típico susto imbécil, no tiene nada de especial salvo por el hecho que es obvio que alguien ha arrojado al gato desde dentro por la manera en la que sale volando.

El famoso vídeo de Sadako es similar al de las películas japonesas, aunque sólo se ve la parte de ella saliendo del pozo.

Usan un plano de “Ringu” (1998). Cuando están el chico y la chica en el pasillo y aparece Sadako de repente saliendo por una puerta durante un segundo vemos su ojo, está sacado de la otra película.

Durante los créditos finales vemos una escena más y luego ponen el making of.

Me ha gustado especialmente la parte de la pelea con el cuadro, me esperaba un poco más de la pelea de la parte final, aunque no está mal. Pasemos a la secuela.

बाजीराव मस्तानी (2015)

Volvemos a la India.

Bajirao Ballal fue un valeroso líder de los Maratha que luchó contra el Imperio Mogol para echarlos de la India. Cuando estaba preparando su siguiente batalla recibe una petición de ayuda de Mastani, la hija de un rey cuya ciudad está a punto de ser asediada y, sin pensárselo dos veces, Bajirao decide ir en su ayuda.

El título es el nombre de los protagonistas.

Por lo que he podido entender está basado en una novela titulada “Rau”, escrita por N.S.Inamdar quien a su vez se basó en algo que pasó realmente. “Rau” es el apodo que recibió Bajirao (me he fijado y en VO le llaman así numerosas veces).

Hacen bastante hincapié en el arranque de la película en que está basada en hechos reales pero no representa lo que sucedió realmente. Sin embargo también dicen tener a dos historiadores (intuyo que son famosos) como consultores.

Destaca el nombre de Ranveer Singh (Peshwa Bajirao Ballal) a quien vi hace unos días en “Goliyon Ki Rasleela Ram-Leela” (2013). De nuevo fue un videoclip protagonizado por él lo que me hizo buscar esta película. En realidad tiene una carrera bastante corta como actor.

El origen de los mogoles está situado en 1507 cuando fueron prácticamente aniquilados y se vieron forzados a huir hacia la India y Afganistán. Poco a poco fueron cogiendo poder llegando a conquistar buena parte de la India y mantuvieron el control hasta su derrota en 1857 por parte de los ingleses. La época en la que transcurre la película estaría situada entre 1720 y 1740.

Visualmente es realmente impresionante, sólo en el arranque vemos varios planos que me han hecho parar la película para contemplar la imagen porque estaba cargada de detalles. Y es así continuamente.

Durante un asedio los guerreros están dispuestos a sacrificarse en batalla y las mujeres a arrojarse a una hoguera enorme con tal de no caer presas del enemigo.

Como curiosidad también celebran el Holi en esta película, es un festival de colores (en esencia) que aparecía en “Goliyon Ki Rasleela Ram-Leela” (2013). Antiguamente era una celebración de la victoria del bien sobre el mal, hoy en día es para conmemorar la llegada de la primavera.

Mastani lleva un aro en la nariz. Lo cual no es realmente destacable, muchas mujeres indias llevan algún tipo de piercing ahí. Pero es que este aro es muy grande y a lo largo de la película se lo va cambiando casi en cada escena que aparece. Además la actriz sale con los ojos vidriosos en muchas escenas, lo cual no sé si está hecho adrede.

Viendo estas películas me pregunto cuántos de los escenarios son palacios reales y cuántos fueron construidos adrede. Algunos de los lugares son extraordinariamente grandes, con todo tipo de detalles que dan la sensación de ser reales y no generados por ordenador, aunque fuera en parte.

Guarda ciertas similitudes con la historia de “Romeo y Julieta”, aunque aquí no son dos clanes rivales sino dos reyes aliados y la diferencia entre ambos amantes es que él es hindú y ella musulmana (al menos en parte), cosa que no acaba de gustar a la madre de él y trata de impedir que estén juntos, sin éxito. Aparte que él ya tiene una esposa.

En un momento dado el protagonista se encuentra con un rey y en el trono hay un tigre. Se ven en la necesidad de poner un mensaje en pantalla que indica que el tigre ha sido grabado en otro lugar.

Oh y el videoclip que mencioné aparece justo después de esa escena. Curiosamente no es lo más épico de la película porque está plagada de grandes momentos. Pero no deja de ser la ostia.

La que hace de esposa no sabe actuar, creo yo. Eso o es que trata de mostrarse fría e impasible ante todo lo que le ocurre. Pero vamos, tiene una cara de mustia que no veas.

Normalmente no les doy la más mínima importancia a los videoclips musicales, de hecho algunos son entretenidos y poco más, pero en esta película hay uno que no tiene ningún sentido. Tras la escena en la que intentan matar a Mastani la esposa de Bajirao se hace amiguita suya y se ponen a bailar juntas.

El Bajirao real murió de una fiebre tras una batalla, algo similar muestran en la película pero uniéndolo a la traición de su familia al capturar a Mastani cuando él se hallaba luchando. Porque hay que hacerlo todo más épico.

Es una gran historia de traición familiar. La cabezonería de una madre es, en esencia, la causa de todos los problemas. Si hubiera aceptado a la segunda esposa como tal no hubiera pasado nada.

La espada que lleva el protagonista es de lo más peculiar. Tiene el filo muy delgado y la maneja como si fuera un látigo, hay un momento que incluso lleva dos. Y los enemigos caen como moscas a su alrededor cuando la maneja.

Creo que Bollywood está infravalorado. Mucho. Las películas de calidad son realmente buenas, en prácticamente todos los sentidos. Bien es cierto que el tema videoclips es algo que cuesta de encajar al principio pero a medida que veo más y más películas me parece casi imprescindible, porque forman parte (a su manera) del argumento. Además en este caso en particular demuestran que no hace falta plasmar batallas ultraépicas para hacer de ello algo eficazmente entretenido. También es verdad que a veces se les va la mano, pero creo que eso forma parte de su encanto.

Es una película que he disfrutado muchísimo. Tendría que pensar mucho para decir un título de Hollywood de los últimos 10 años con el que me lo haya pasado tan bien. Y no tengo ganas de pensar, la verdad.

Monty Python Live (Mostly) (2014)

Oh sí nena. Ahora viene lo bueno.

Por fin llegó la hora de ver uno de los espectáculos que más ganas tenía de ver en estos últimos años. En el canal de YouTube de los Monty Python empezaron a subir algunos de sus sketches clásicos y de repente anunciaron una gira en el 2014 y terminaron subiendo también algunos vídeos de ella, desde entonces tengo unas ganas enormes de ver el espectáculo entero.

El póster en sí mismo ya es un chiste de humor negro, como no podía ser de otra manera. El “mostly” es porque falta uno de los miembros originales, Graham Chapman, y lo de “one down five to go” y el pie en el cementerio son también referencias a ello. Por si no quedaba bastante claro, jaja.

Por desgracia a principios este año falleció otro de los integrantes del grupo, Terry Jones, por complicaciones debido a la demencia que padecía.

Del resto puedo decir que John Cleese está súper activo en las redes sociales desde hace ya un tiempo, sigue siendo la ostia. Terry Gilliam consiguió por fin estrenar su película “The Man Who Killed Don Quixote” (2018). Eric Idle puso su voz en “Absolutely Anything” (2015) y luego presentó el musical para televisión “The Entire Universe” (2016). Y Michael Palin continua como actor haciendo series y películas.

Y aunque no sea una miembro también aparece Carol Cleveland quien ha trabajado con ellos desde siempre. Ya salió en la serie “Monty Python’s Flying Circus”, en “Monty Python Live at the Hollywood Bowl” (1982) (que no sé cuántas veces habré visto, pero MUCHAS) y también en todas sus películas.

En cada espectáculo aparecía un famoso en el sketch del chantaje, entre ellos tenemos a Stephen Fry, Simon Pegg, Mike Myers (es el que aparece en la película) y Warwick Davis (se le ve brevemente en la parte final, cuando se despiden del público).

La razón por la que hicieron estos espectáculos es que debían 800.000 libras a Mark Forstater, el productor de “Monty Python and the Holy Grail” (1975). Originalmente iban a hacer sólo una representación pero debido a la enorme demanda terminaron haciendo 10.

Arranca con un pequeño remix de canciones de los Python y seguidamente con una animación de Terry Gilliam donde hacen el primer homenaje a Chapman. Y entonces llegan ellos saliendo de una cabina de teléfono azul en la que pone “Retardis”.

El primer sketch es en español, John Cleese nos habla de las llamas y los demás le hacen los coros. Tras él salen los 4 créditos iniciales de “Monty Python Flying Circus”.

El segundo sketch es el de “Four Yorshiremen” con John Cleese, Terry Jones, Eric Idle y Michael Palin. Es uno de los que siempre me ha hecho mucha gracia. Termina con otra animación de Gilliam, Seguidamente el vídeo de “Fish Dance” de la serie clásica y otra animación más.

En el siguiente sketch aparecen Terry Gilliam vestido de mujer junto a Eric Idle y se ponen a cantar “Penis Song”, seguidamente aparecen un montón de marineros y la vuelven a cantar añadiendo un par de párrafos sobre el coño y sobre el culo y terminan combinándolos, todo ello con una coreografía acorde. Los marineros hacen otra canción más tras aparecer John Cleese y nos habla de cuando estuvo en “Ypres 1914” y le corta Chapman en un vídeo seguido del sketch “Batley Townswomen’s Guild Presents the Battle of Pearl Harbour”, también en vídeo. Siguen con otra animación con Putin.

Y pasamos a “Why Michaelangelo didn’t paint The Last Supper” con Terry Gilliam, John Cleese y Eric Idle. Rematan el sketch con Idle cantando “Every Sperm is Sacred”. Luego salen Michael Palin y Terry Jones haciendo de la pareja protestante que se queja de los católicos. Termina con un vídeo de dios seguido por las “Silly Olympics” de Munich 1972.

John Cleese y Michael Palin pasan a hacer el sketch “Vocational Guidance Counsellor” y lo enlazan con “The lumberjack song ” junto con Terry Gilliam y Terry Jones. Tras ello va otra animación y el vídeo de la primera parte de “The Philosophers’ Football Match”.

Pasamos al sketch “Bruces” con Eric Idle, Michael Palin y Terry Gilliam, aparece también Eric Izzard. Cantan la canción “Bruces’ Philosophers Song”. Terminan con la segunda parte de “The Philosophers’ Football Match”.

Siguen con “Crunchy Frog” con Terry Jones, John Cleese y Terry Gilliam. Es uno de los sketches donde no pueden aguantar la risa, lo cual hace que pierdan el hilo.

En el siguiente salen Michael Palin y Eric Idle y se titula “Blood, devatation, death, war and horror”. Lo rematan con la canción “I like Chinese”.

John Cleese, Terry Gilliam, Terry Jones y Michael Palin aparecen vestidos de mujeres durante el intermedio, que por supuesto es otro pequeño sketch.

El segundo acto arranca con un grupo de ballet interpretando “Spam Lake” y lo enlazan con la canción “Sit on my face” durante la cual aparecen Michael Palin y Eric Idle.

En el siguiente sketch Terry Jones y John Cleese escuchan por la radio “The Death of Mary, Queen of Scots”, seguido de “Penguin on television” rematado por Michael Palin. Luego va “Gumpy Flower Arranging” con Terry Gilliam.

Seguidamente salen Michael Palin y Eric Idle en “Camp Judges”. Luego va otra animación.

Aparecen John Cleese y Terry Jones con “Albatross”. Lo enlazan con “Nudge Nudge” donde también aparece Eric Idle.  Y luego hacen un número musical combinando frases de “Nudge Nudge” y “Blackmail”, que será el siguiente sketch con Michael Palin y Terry Gilliam.

Pasamos a John Cleese y Eric Idle en el sketch ”Miss Anne Elk”. El cual terminan con otra animación.

Pasamos a Michael Palin, Terry Gilliam y Terry Jones en ”Spanish Inquisition” y lo enlazan con "Galaxy Song", cantada por Eric Idle. Brian Cox explica los errores que tiene la canción y Stephen Hawking le atropella y se pone a cantar la canción. Brutal. Encima Hawking aparece entre el público. Siguen con otra animación y pasan a la rutina de baile de ”The Silly Walk Song”.

Después salen John Cleese, Terry Jones y Michael Palin en “Argument Clinic”. Son interrumpidos por Terry Gilliam cantando "I've Got Two Legs" y van saliendo una serie de textos graciosos en pantalla mientras la orquesta interpreta la canción.

Lo siguiente es Eric Idle y Terry Jones en ”Spam”, el cual enlazan con la canción “Finland”.

Aparece entonces John Cleese junto con Michael Palin en ”Pet Shop”. Otro sketch donde no pueden evitar descojonarse y perderse, de nuevo. Lo enlazan con “Cheese Shop” y “Come Back to My Place”. Pasamos al vídeo de ”The Exploding Version of the Blue Danube” y una animación.

Por último cantan "Christmas in Heaven" todos juntos. Y para terminar "Always Look on the Bright Side of Life".

Me encanta como han metido muchas referencias a algunas de las cosas que les han pasado, como el divorcio de John Cleese o el programa de viajes que presentó Michael Palin. También que hayan cogido algunos sketchs y los hayan transformado en números de baile.

Siguen siendo lo mejor en cuanto a comedia inglesa. Me han hecho reír hasta llorar y eso que prácticamente me sé sus sketches de memoria. Pero es que son demasiado.