The General (1926)

Aquí la titulamos "El maquinista de la General".

Estamos en primavera de 1861, un tren a vapor llamado el "General" avanza por Georgia. Su conductor se llama Johnnie Gray y sólo tiene dos amores en su vida, su motor y su chica Annabelle. La guerra ha llegado y los jóvenes se alistan, lo cual incluye a Johnnie, pero no se lo permiten porque es más valioso como maquinista. Él cree que es por su físico así que lo intenta de nuevo dando un nombre falso y no funciona. Annabelle le dice que no quiere volver a verle a no ser que lleve uniforme.

Pasamos a un título que me marcó bastante la primera vez que lo vi, y eso que apenas conocía los detalles detrás del rodaje. Por cierto llevo postergando un especial de actores cómicos famosos de la época muda y aún no sé cuando me pondré con ello.

Protagonizada por Buster Keaton (Johnnie Gray) quien además fue codirector y coguionista, algo habitual en sus películas.

Es una de tantas películas que ha terminado siendo de dominio público, con lo cual hay que tener cuidado con las copias de baja calidad.

Se consideró perdida en los años 50 hasta que dieron con una copia en 1952 en una casa de Buster Keaton que había comprado James Mason.

Aunque tenían permiso para usar la locomotora original al final no les dejaron porque se enteraron que iba a ser una comedia. Al final usaron tres, una que hacía de la "General" otra que hacía de la "Texas" y una tercera que usaron en algunos planos de la "Texas".

La película fue grabada en Oregón debido a que las vías eran las mejores para ese tipo de trenes, que aún se usaban en aquel momento.

Está basada en hechos reales. En esencia los de la Unión pretenden robar un tren y destruir los puentes, las vías y las líneas de telegrafía que cruzan el estado para evitar que las tropas de la confederación puedan usar las vías.

El primer toque cómico está basado en la repetición. Dos niños imitan al protagonista en todo lo que hace. El segundo es la manera en la que se mueve cuando hace cola, poniéndose el primero.

No le veo sentido a lo que sucede. El padre y el hermano de Annabelle  le dicen que Johnnie ni siquiera estuvo en la cola del alistamiento cuando monta un pollo bastante notable, con lo cual deberían haberle visto o al menos se podrían haber enterado, incluso pasado un tiempo.

La primera escena icónica sucede poco después cuando estando sentado en una de las barras de metal que une las ruedas el tren se pone en marcha y él empieza a subir y bajar rítmicamente.

Para que os hagáis un poco una idea de las locuras que llegaban a realizar el propio Keaton contó los granos de pólvora uno a uno en la parte en la que el cañón dispara una bola a la máquina para que fuesen los adecuados para el efecto que quería lograr.

Me encantan los gestos de Buster. Me hace reír muchísimo. Aunque lo más fascinante es como maneja una locomotora a vapor como si fuera un coche.

La escena más peligrosa es la que el protagonista está sentado en el morro de la máquina y arroja un madero a otro que está atravesado. Tenía que hacerlo en una sola toma porque de fallar podría haber hecho que el tren descarrilase y matar al actor. De hecho vemos cómo sucede poco antes con uno de los vagones.

La escena en la que los soldados marchan hacia la batalla fue grabada con 500 extras (de la guardia nacional de Oregón) que se pusieron los uniformes grises confederados, marcharon en una dirección, se cambiaron a los uniformes azules de la Unión y marcharon en la dirección contraria.

Otro elemento cómico importante sucede en la escena de la trampa del oso en la que queda atrapado de varias maneras. Usar un pequeño elemento para "jugar" con él de las maneras más imaginativas es algo que siempre me ha gustado.

Por cierto, tras esa escena pasan la noche juntos en un bosque mientras llueve y al día siguiente amanecen completamente secos y con la ropa en perfecto estado. Quiero pensar que forma parte de la comedia.

Marion Mack (Annabelle Lee) ignoraba el hecho de que iba a terminar empapada en la escena en la que rellenan de agua la máquina. Su reacción es genuina.

La escena más cara fue la de la "Texas" cayéndose en el puente ardiente. Usaron 6 cámaras grabando simultáneamente y miles de extras. Su coste fue de unos 50.000 dólares de aquel entonces. De hecho la máquina se quedó en el río hasta la Segunda Guerra Mundial cuando la desmontaron para sacarle el hierro.

Lo más curioso de esa escena es que usaron un muñeco haciendo de conductor y algunos de los que estaban en el rodaje creyeron que se trataba de una persona real.

Durante el combate final se prendió fuego en el bosque y pararon la grabación para mitigarlo rápidamente.

Una película que no deja de sorprenderme. Especialmente porque todo lo que se ve es real.

The Blackbird (1926)

Aquí la titulamos "Maldad Encubierta". 

Dan es conocido como Blackbird, tiene un hermano llamado Bishop que va en muletas y tiene una pierna atrofiada. En realidad son el mismo, Dan lo usa para zafarse de la policía. En los barios bajos tienen un teatro donde los artistas intentan ganarse la vida, una de ellos es Fifi Lorraine, quien le cae en gracia a Blackbird y por ello le regala una pistola. Ella, sin embargo, se encapricha con el collar de una mujer rica y él tratará de robarlo.

Dirigida por Tod Browning quien también creó la historia.

Protagonizada por el camaleónico Lon Chaney (Dan "Blackbird" y "Bishop"). Recientemente le vi en "He Who Gets Slapped" (1924). No es la primera vez que interpreta a alguien con problemas de movilidad y conociendo al actor estoy seguro de que lo hizo a pesar de que le causase dolor sólo por darle más realismo.

Otra película de Metro Goldwyn Mayer, el león que aparece se llama Slats.

El apodo "Blackbird" se traduce como "mirlo".

Tengo la teoría de que ponían "canciones" en las películas mudas de mediados de los 20 para crear una necesidad en los espectadores y así cuando por fin empezaron a agregar sonido no resultó nada difícil dar el salto. Osea que se generalizó casi más por una necesidad que por el hecho de que mejoraban la experiencia de ir al cine, creo yo. Aún me quedan unas pocas películas mudas antes de llegar a la que es considerada la primera película sonora, será interesante el cambio.

Parecía un argumento simple pero de repente vemos a un ricachón usando a sus hombres para que les robe a él y a sus amigos y que la culpa se la coman los pobres. El tal Blackbird viene a ser un líder de dichos pobres y se da cuenta del engaño, así que llega a un acuerdo con el rico, repartirse el botín a partes iguales.

La chica decide quedarse con el "rico" pese enterarse de que es un ladrón, porque él le dice que dejará de robar y devolverá todo su botín. Real como la vida misma.

Otro detalle que sucede con las películas mudas es que no se aprecian las voces, cosa que en realidad tampoco es un gran problema una vez te acostumbras. Sin embargo en esta película hubiera sido interesante cómo le da diferentes matices Chaney a los dos hermanos gemelos. Especialmente en las escenas en las que discuten.

Anda, resulta que el término "nark" lleva una k y no una c. Se traduce como soplón y por algún motivo lo había atribuido a algo más moderno. De hecho se usaba en el siglo XIX y no está muy claro su origen aunque se sospecha que viene del término romaní "nok" que quiere decir nariz. Tendría bastante sentido pues en Inglaterra "nose" se usaba para un soplón de la policía desde el siglo XVIII.

Vale, he encontrado el por qué de la confusión. Efectivamente "nark" es un término británico pero en EEUU se usó como abreviatura de narcotic o narco, osea relacionado con las drogas, pero acabó derivando en soplón usando "narc".

Es un final que no me esperaba, la verdad, a pesar de ser algo que he visto anteriormente (bueno, técnicamente en alguna producción posterior). No sé si considerarlo un final feliz o no, pero quizás sea lo más justo.

The black pirate (1926)

Volvemos al cine de aventuras.

Tras el asalto a un barco sólo queda un superviviente cuyo padre muere en sus brazos cuando ya habían llegado a tierra firme. En esa misma isla acuden los piratas para enterrar su tesoro y él se presenta a ellos para unirse a su tripulación, cosa que consigue tras derrotar a su hombre más hábil. Algunos no se fían de él así que lo envían en una misión en solitario para capturar un barco.

Es una de las dos películas que se hicieron usando la técnica de las dos tonalidades de Technicolor. El problema es que para lograrlo el celuloide era mucho más grueso de lo normal (porque superponían dos filtros de color sobre la imagen en blanco y negro), y los proyectores de aquel entonces aunque sin hacer ningún cambio podían emitir la imagen con los colores no estaban preparados para ese tamaño y terminaban por estropear las películas. El problema es que en aquella época no podían hacer copias en color fácilmente y al final optaron por distribuir una versión en blanco y negro.

En esencia las dos tonalidades son un rojo (casi rosáceo) y un verde (bastante apagado), lo cual cubre buena parte de los colores básicos, pero no todos. Aún así fue un avance enorme respecto a lo que estaban habituados en aquel momento.

Es una película que perpetua los tópicos de los piratas. Nada más empezar mencionan: los bucaneros, los galeones, las banderas con las calaveras, los tesoros enterrados, la tabla, las dagas y los chafarotes, las personas abandonadas en una isla y los barcos hundidos.

De todos ellos ha sido demostrado que los piratas no enterraban sus tesoros. Además era muy raro que hicieran caminar a alguien por la tabla. Como tantas otras cosas fueron popularizados por la novela "Treasure Island" de Stevenson.

Protagonizada por el infatigable Douglas Fairbanks (El duque de Arnoldo/El pirata negro). Uno de tantos papeles icónicos que protagonizó en la década de los años 20. Por decir otros tres "Robin Hood" (1922), "The Three Musketeers" (1921) y "The Mark of Zorro" (1920).

Estos no son piratas de poca monta, nada más empezar les vemos apilar cadáveres, atar a los supervivientes al mástil y volar el barco por los aires. Qué brutos.

El segundo detalle interesante es que la tripulación del barco pirata es muy numerosa. De hecho no recuerdo una película con un barco con tanta gente.

En la escena en la que el protagonista captura el barco le vemos realizar en varias ocasiones maniobras acrobáticas peligrosas como la de descencer cortando una vela por la mitad (la que inspiró a "The Goonies" (1985)) o usar el peso de un cañón para impulsarse.

Creo que las escenas en los barcos se dividen entre los que son a tamaño real, los cuales son como platós, y las miniaturas, las cuales hacen estallar por los aires o realizan maniobras demasiado complicadas o rápidas para un barco normal.

A pesar de que todo gira en torno a una venganza personal también tiene que ver el hecho de abandonar unas costumbres arraigadas durante mucho tiempo entre los piratas por otras que son menos sangrientas pero que dan muchos más beneficios.

Buena parte de los textos son descriptivos más que diálogos (que es lo habitual).

Otro topicazo es lo de la dama en apuros y el héroe al rescate.

Al final el pirata tenía que besar a la chica, cómo no, pero a Mary Pickford, la esposa de Douglas Fairbanks, no le hacía ninguna gracia. Así que llegaron a una solución, la esposa se puso el traje de la chica, una peluca y algo de maquillaje para que la besase a ella. Ella sale de medio lado y apenas se le ve la cara pero se nota que es otra.

En todo caso una gran película de aventuras y más dentro de las de piratas, cargada de acción y topicazos.

Der Student von Prag (1926)

Se traduce como "El estudiante de Praga".

Estamos en 1820. Balduin es el mejor esgrimista de Praga. A pesar de ello no tiene ni un duro y es estudiante. Sus problemas económicos hace que busque a una chica heredera de alguna fortuna para poder casarse. Aunque hay una chica humilde que está enamorada de él. La desesperación hace que Balduin intercambie su reflejo en el espejo por una cuantiosa cantidad de dinero.

Basada en la novela de Hanns Heinz Ewers publicada en 1913.

En realidad es la segunda versión pues la primera fue "Der Student von Prag" (1913), protagonizada por Paul Wegener. También hubo otra versión, esta vez sonora, en 1935.

Dirigida por Henrik Galeen, el mismo que co-dirigió "Der Golem" (1915) e hizo el guión de "Das Wachsfigurenkabinett" (1924), "Nosferatu, eine Symphonie des Grauens" (1922) y "Der Golem, wie er in die Welt kam" (1920).

Protagonizada por Conrad Veidt (Balduin). No sabría decir cuántas películas he visto en las que aparece, pero vamos, me asombra lo mucho que hizo en la época muda.

Otra película muda más donde la gente canta, además son bastantes canciones. Al menos esta vez nos ponen las partituras musicales con la letra. Algo es.

Siguiendo un poco el tema depravaciones de los ricos/nobles tenemos la boda de la hija de un conde con el sobrino del mismo. Y una muestra más de la opulencia de los ricos frente a los pobres que son ninguneados.

Creo que es una de las primeras películas que juega con el efecto del hombre sin reflejo al pasar junto a un espejo. Y está muy bien hecho. Al principio creí que sólo usaban dobles pero hay también trucos de cámara y una doble exposición muy lograda en ciertos momentos.

Otros efectos especiales destacables son el que atraviesa una pared, como si fuera un fantasma y la desaparición repentina.

A medida que avanza la historia me ha gustado más y más. Por primero parecía la típica de un hombre sin dinero desesperado, luego la del que ignora a la chica que le ama para ir tras la que apenas se fija en él... pero de repente se convierte en una trama esotérica con un demonio de por medio y pasamos a otra cosa completamente diferente. Y el final es genial.

Der heilige Berg (1926)

El título se traduce como "La montaña sagrada".

Diotima es una bailarina de la que se enamora un señor que vive en las montañas. Ella le encuentra en las montañas y tienen una cita, pero a él le han dicho que su amor es imposible y que no debería casarse con ella.

Está codirigida por Leni Riefenstahl (Diotima) y Arnold Fanck. Lo primero que me llama la atención es que la directora también sea la protagonista.

Y es que, por si no os suena le nombre, es la misma que dirigió las películas propagandísticas de los nazis en los años 30. Títulos como "Der Sieg des Glaubens" (1933), "Triumph des Willens" (1935) y "Olympia 1. Teil - Fest der Völker" (1938). Aunque técnicamente son documentales. En todo caso se trata de su primera vez en la silla del director.

Por supuesto se ha buscado el paralelismo con los nazis, aunque yo creo que no tenía nada que ver en aquel momento. Concretamente la frase "meine ehre heist treue" (la lealtad es mi honor) tiene mucho que ver con su forma de pensar.

La versión que poseo es la restaurada en el año 2001.

La película empieza con unos créditos de inicio bastante detallados. No es habitual en las películas de los años 20, pero también es cierto que los alemanes tenían una industria cinematográfica bien asentada por aquel entonces y es normal que tuvieran este tipo de detalles.

El arranque de la película es pura poesía visual. Diotima baila al son de las olas del mar mientras estas rompen contra las rocas en las que se encuentra. Además hacen uso de la doble exposición para darle un cierto toque mágico a la ambientación, que de por sí ya lo es.

Aunque es la historia de un amor juegan también con las metáforas de las rocas que son desgastadas por el paso del tiempo por el agua que fluye por ellas.

Vemos una competición de salto de esquí y lo más interesante es la técnica que usan. Agitan los brazos en el aire, como si nadasen, para "impulsarse".

De hecho me gusta más la carrera posterior, con partes en las que van por nieve virgen y tienen que escalar pequeñas lomas incluso. Tiene pinta de ser realmente dura y encima no hay una ruta claramente marcada con lo que toman pequeños atajos pero también se salen.

No puedo evitar preguntarme hasta qué punto eran peligrosas algunas de las cosas que vemos, como escalar una montaña nevada o esquiar al borde de un precipicio.

Me recuerda mucho a "Vertical Limit" (2000). Y no sé si fue una de sus influencias pero lo parece. En todo caso esta me parece más realista pues el equipo que usan es casi minimalista. De hecho me hace especial gracia que lleven un acordeón.

El palacio de hielo medía 16 metros de altura. Tardaron 4 meses en construirlo y tuvieron que rehacerlo porque empezó a hacer calor que lo derretía, así que esperaron al frío. Es realmente impresionante.

Tiene un montón de escenas grabadas en las montañas, tanto las carreras de esquí como las escaladas ocupan buena parte del metraje, lo cual hace que la historia se reduzca a sólo unos pocos minutos en realidad. Aún así consigue lo que busca que es transmitir más visualmente que narrativamente.

Мать (1926)

El ruso tiene la peculiaridad de no tener artículos, así las palabras a veces tienen un signifcado en sí mismas que ha de ser interpretado según el contexto. No es un gran problema si sigues una conversación, por ejemplo, pero a la hora de traducir, por ejemplo, un título las cosas se ponen más difíciles. En este caso podría ser "Madre", "La Madre" o incluso "Una Madre". La cosa es que en este caso yo creo que "Madre" le da un sentido más intenso y le pega más. Sin embargo el título en castellano es "La madre", que suena más genérico.

Estamos en el invierno frío de 1905. Un padre de familia maltrata a su esposa pero su hijo le planta cara, él entonces se va al bar. Allí hablan de ir a la huelga. el padre no tiene dinero pero los demás deciden ayudarle para que se una a ellos. Al día siguiente durante la huelga el recibe un disparo y muere. Las amigas de la madre le dicen que el causante fue su hijo, quien incitó los demás a la huelga.

Se trata de una adaptación de la novela homónima de Maksim Gorki publicada en 1907. No es la primera, hubo una en 1919 y posteriormente hicieron otra en 1955 y un más en 1989, todas con el mismo título.

La primera película que dirigió Vsevolod Pudovkin, el mismo que hizo "Конец Санкт-Петербурга" (1927).

La versión que he visto es la restaurada en 1968.

Empiezo a notar una temática común en las películas soviéticas de los años 20, en todas salen trabajadores que luchan por sus derechos. Aunque esta vez gira en torno a la revolución de 1905 que no tuvo éxito. En realidad tiene sentido pues aunque la Primera Guerra Mundial era reciente los soviéticos vieron como un hecho más relevante su revolución que, en esencia, cambió a toda la nación, y aún quedaba lejos la Segunda Guerra que sería mucho más determinante.

Otros factores a tener en cuenta es cómo los militares defienden a los que mandan, cómo el poder judicial no tiene ninguna piedad con los revolucionarios y la crueldad de los carceleros, capaces incluso de ignorar los derechos básicos de los presos.

En todo caso lo peculiar de esta película es el individualismo frente al colectivo, que es lo que prima en el cine soviético. Viene a ser la marca de identidad del director, el cual fue criticado por ello en su día.

Visualmente hablando tiene imágenes con mucha fuerza, que describen muy bien el sentimiento de impotencia que se sentía en aquellos momentos la población frente a los que mandaban.

The Magician (1926)

Aquí la titulamos "El mago".

Margaret Dauncey es una escultora que sufre un accidente cuando le cae parte de una estatua que estaba construyendo encima pero un médico evita que quede paralítica. Mientras tanto Oliver Haddo, un estudiante de medicina que también es hipnotista y mago, busca el secreto de la vida en antiguos libros de magia.

Fue la película que influyó en James Whale cuando rodó “Frankenstein” (1931). Es la parte final donde vemos más claro qué escenas se parecen más.

Estuvo perdida durante muchos años.

Destaca la participación de Paul Wegener (Oliver Haddo), conocido por protagonizar la trilogía “Der Golem” (1915). Y también Michael Powell (hombre con un globo), fue su debut en el cine aunque no recibió crédito por ello, años más tarde dirigiría títulos como “Peeping Tom” (1960) y “The Thief of Bagdad” (1940).

Haddo consulta libros de la Biblioteca del Arsenal, que se encuentra en el barrio de la Bastilla, en París. Lo curioso es que en 1934 esos libros fueron trasladados a la Biblioteca Nacional de Francia. En realidad eran de literatura francesa escritos entre los siglos XVI y XIX.

La presencia en pantalla de Paul Wegener es realmente impresionante. Cada vez que aparece los ojos se te van a él.

En un momento aparece un fauno con su flauta y sus pezuñas de bestia. Es una escena que me recuerda, de nuevo, a “Häxan” (1922).

Una de las curiosidades es que emplean la palabra “to-morrow”, escrita tal cual, varias veces. Al principio no le di importancia porque es obvio a qué se refieren pero tras verla en una carta escrita a mano me ha picado la curiosidad y… sí, se trata de una forma arcaica de la palabra “tomorrow”. Y es que, de hecho, en inglés la palabra para “el día de mañana” es morrow.

Y hablando del idioma inglés una de mis expresiones favoritas es “the horror of it all”, que curiosamente la emplean en un momento dado. También es una canción de Anthrax.

Veo mucha influencia en títulos posteriores como el que mencioné al principio, pero también en la figura del científico loco, aunque ahora que lo pienso de esa misma época también tenemos al Dr.Mabuse o al Dr.Caligari, entre otros.

Personalmente me ha gustado mucho, no sabía exactamente de qué iba a ir y me ha sorprendido gratamente.

狂った一頁 (1926)

Aquí la titulamos "Una página de locura", que viene a ser el título original traducido.

Un hombre entra a trabajar como conserje en el centro psiquiátrico donde se haya su esposa para poder cuidar de ella. Su hija está a punto de casarse y está preocupada porque se conozcan los detalles sobre la enfermedad de su madre ya que en aquel momento se creía que eran enfermedades hereditarias.

Una película que se consideró perdida durante más de 40 años hasta que el director Teinosuke Kinugasa encontró una copia en un cobertizo en 1971.

Es probable que fuese uno de los títulos que tenía previsto ver en el pequeño recorrido de cine experimental que hice hace unas semanas.

No tiene ningún cartelito de textos con lo cual la narrativa resulta un tanto complicada de seguir al detalle. Cuando fue proyectada en los años 20 incluía una narración en directo por parte de un cuentacuentos.

Hace uso de la superposición de imágenes con bastante frecuencia para dar un efecto difuso, o de transición.

Las imágenes de la lluvia me han parecido excepcionales. Qué manera de enfocar al detalle para que se vea lo justo y necesario como para no tener que explicar nada y, sin embargo, decirlo todo.

Visualmente hablando me parece fantástica. La dinámica de las imágenes me resulta fascinante en ciertos momentos. Y quisiera destacar la parte de las máscaras, que en realidad es una pesadilla del protagonista.

Ménilmontant (1926)

También conocida como "Les cent pas".

Un hombre ha asesinado a los padres de una pareja de hermanas. Tras ello se trasladan a vivir a la ciudad pero poco a poco empiezan a distanciarse porque una conoce a un hombre y la otra los descubre.

El título es el nombre de un antiguo pueblo francés que se convirtió en un barrio de París.

Dirigida por Dimitri Kirsanoff, un soviético que vivía en París que dedicó su vida al cine avant-garde. Concretamente éste es su segundo trabajo y el más famoso.

Nadia Sibirskaïa (hermana pequeña) es la esposa del director. Era una habitual en los filmes que grabó durante su etapa de cine mudo.

La primera característica interesante de ésta película es que no sólo es muda sino que tampoco tiene cartelitos con textos.

Tiene una duración de 38 minutos.

Lo más interesante es la manera en que narra la historia visual usando cortes muy rápidos en las primeras secuencias, por ejemplo, para enfatizar la violencia de las imágenes, que por otra parte en ningún momento es explícita, y luego el enfoque alejado y el uso de la doble exposición para jugar con la idea de tristeza y desconsuelo de las protagonistas. Todo ello sin decir una sola palabra, es fascinante.

Desde luego Kirsanoff fue un adelantado a su tiempo e incluso teniendo la posibilidad de apoyarse en una narrativa no lo hace. No sé hasta qué punto la BSO que he oído en la versión que poseo es la que se compuso para este cortometraje pero encaja a la perfección.

The Bat (1926)

Un clasico del cine mudo.

Un ladron apodado "The Bat" tiene en pie de guardia a toda la policia quienes, a pesar de sus esfuerzos, se ven siempre en inferioridad contra el. Al no saber nadie quien se esconde tras ese disfraz todos sospechan de todos.

Esta pelicula tiene bastante peculiaridades. Para empezar se la creyo perdida durante muchos años hasta que surgio una copia que es la que circula como distribucion libre. El mismo director rodo un remake pocos años despues titulado "The Bat Whispers" (1930) y años mas tarde Vincent Price protagonizaria otro remake titulado "The Bat" (1959).

El autor original del personaje de Batman, Bob Kane, afirmo que se baso en el villano de esta pelicula para inspirarse a la hora de crearlo. Este dato es quizas el mas interesante. Aunque el disfraz que lleva no se asemeja al del superheroe si tiene algunos elementos como el foco de luz con el simbolo del murcielago u objetos con esa misma forma.

Aparte, otra cosa que me ha llamado mucho la atencion es que nada mas empezar sale un rotulo pidiendo al espectador que no revele la identidad que hay tras el personaje The Bat para que asi futuras audiencias puedan disfrutarla enteramente. Es algo que se ha ido perdiendo con el paso de los tiempos, hoy en dia los trailers tienden a contar mas de lo necesario chafandote casi toda la pelicula.

La historia pasa de una pelicula de accion donde persiguen a un ladron a una de averiguar quien es The Bat al mas puro estilo Agatha Christie. En una mansion se reunen una serie de personas, entre ellas un detective,y saben de buena fe que The Bat esta entre ellos.

Contiene un toque humoristico en la figura de la ayudante de la dueña de la casa, una mujer que se asusta por todo y que cree que todos son el ladron.

No es una mala pelicula, veo bastantes cosas de las que bebio Bob Kane para crear a Batman y el rollo detectivesco esta bastante bien llevado, con muchos personajes sorpresa.

Faust: Eine deutsche Volkssage (1926)

Hace dias que intento comentar esta pelicula pero por unas cosas u otras no consigo terminar de verla. Hoy me he propuesto hacerlo ^^.

Mephisto (Satan) apuesta con dios que puede conseguir el alma de Faust, de hacerlo la humanidad entera estara a su disposicion. Para ello extiende una plaga que consigue socavar en lo mas profundo de Faust haciendole rechazar la cristiandad e incluso aliandose con el mismisimo demonio.

Me fascina la forma de hacer las cosas de F.W. Murnau. Un ejemplo, en la escena en la que se propaga la plaga en la ciudad aparece la figura del demonio como una sombra gigantesca que cubre la ciudad y que poco a poco va tomando una forma humana. Requiere mucha imaginacion hacer algo asi y me parece un uso de los medios disponibles en ese momento admirable.

La historia en si es la eterna lucha del bien y del mal pero enfocada desde un punto de vista puramente cristiano. Ya en la primera escena vemos a un angel y a un demonio en plena disputa y Faust termina siendo en quien se fijan ambos para demostrar quien vence a quien.

La aparicion de Mephisto es intrigante a la par que teatral y consigue lo que se propone con bastante facilidad. Faust en sus manos da la impresion de absoluta inocencia (en contraposicion a la picaresca del demonio), algo que cuadra muy bien con la epoca de la pelicula (la edad media).

La segunda parte de la pelicula (empieza en el momento en que Faust vuelve a ser joven) nos muestra la perspectiva mas expresionista, tan acorde con lo que imperaba en las peliculas de los años 20. Vemos sombras y luces dispuestas de forma que solo destaca un detalle en cada escena. Aunque no llega a los extremos visuales de "Das cabinet des Dr.Caligari" (1920).

Las mejores escenas son las de vuelo en las que vemos tomas aereas de los diferentes por donde van pasando. Es todo un alarde tecnico hecho con miniaturas de gran detalle y son escenas muy cortas.

En definitiva una historia de pasiones y de pactos con el demonio.