Double Indemnity (1944)

Aquí la titulamos "Perdición".

Estamos en Julio de 1938 en Los Angeles. Un agente de seguros confiesa un asesinato. Todo fue porque se enamoró de la esposa de uno de sus aseguradores y planearon juntos la manera de matarlo para quedarse con el dinero.

Dirigida por Billy Wilder quien también fue coguionista. Basada en la obra de James M. Cain quien quedó realmente impresionado por los cambios que hicieron Wilder y Raymond Chandler. Aunque en realidad ambos terminaron odiándose.

El autor James M. Cain trató de luchar contra los que se dedicaron a realizar adaptaciones de su obra sin su permiso e intentó crear la "Screen Writers Guild" pero resulta que Hollywood estaba inmersa en la famosa caza de brujas y no tuvo apoyo.

Del reparto destaca Barbara Stanwyck (Phyllis Dietrichson), probablemente sea su película más famosa, salió también en "Titanic" (1953). Y Edward G. Robinson (Barton Keyes), salió en "Soylent Green" (1973) y "The Ten Commandments" (1956).

Ya hay unas cuantas películas del género noir en el blog pero creo que no he hablado demasiado sobre él en concreto. Algunos ponen a "The Maltese Falcon" (1941) como la película que inició el género sin embargo ya hay muestras de él a finales de los años 20. Destaca principalmente porque juegan con el contraste de luces y sombras, similar a lo que pasaba con el expresionismo alemán y porque todo transcurre en ambientes sombríos, lo cual incluye al protagonista que suele ser un antihéroe (casi siempre un detective o similares).

Dicho lo cual, esta película encaja a la perfección en el género. De hecho es interesante que el protagonista sea un agente de seguros pues su trabajo tiene mucho de detectivesco. Además ya desde el primer momento vemos el tono deprimente propio de este estilo con un hombre que se ve forzado a confesar un crimen porque le remuerde la conciencia.

La escena en que no pueden arrancar el coche fue añadida por el director cuando se dieron cuenta de que realmente el coche no quería arrancar tras el día de rodaje.

He de decir que el todo el asesinato me ha parecido muy original. En su simpleza radica lo genial que es.

Tuvo un remake árabe titulado "Min ajal emraa" (1959) que me apunto para más adelante por mera curiosidad (y porque sale Omar Shariff).

Juegan con un factor en la historia del que sabemos más bien poco hasta que de repente se convierte en una figura clave, es un detalle que me ha gustado.

一番美しく (1944)

Aquí la titulamos "La más bella".

Estamos en una fábrica japonesa de lentes durante la Segunda Guerra Mundial. El director se ve obligado a incrementar la producción, un 100% a los hombres y un 50% a las mujeres. Pero la portavoz de las mujeres pide que sea un 66%.

Regresamos al cine de Akira Kurosawa con su segundo película y la peor valorada. De todo tiene que haber.

Al estar en plena Segunda Guerra Mundial el gobierno japonés hizo recortes en las películas. Uno de ellos incluyó que prohibió el uso de créditos de inicio para ahorrar cinta.

En realidad le encargaron a Kurosawa que hiciera una película sobre los pilotos de aviones kamikaze japoneses pero él optó por esta otra historia.

Me llama la atención en las escenas iniciales que entre los trabajadores de la fábrica haya un grupo bastante numeroso de niños.

En los años 40 aparecieron muchas películas de carácter propagandístico. He comentado alguna de los nazis y de los estadounidenses, quienes se tomaban a mofa a Hitler al principio y luego ponían a sus "héroes" al servicio de la patria (por ejemplo a Superman).

El título que nos ocupa viene a ser, poco más o menos, lo mismo pero al estilo japonés. Básicamente trataban de impulsar a sus ciudadanos para que colaborasen ayudando en la fabricación de armamento.

La fábrica me recuerda un poco a la que veíamos en "The Schindler's List" (1993). Y las trabajadoras se comportan de igual manera que si fueran militares al salir, marchando y cantando al unísono, y luego las vemos vivir en un lugar que parece un cuartel.

No sólo es el mensaje pro-bélico, o mejor dicho de animar a la ayuda colectiva, es que aparece una chica que se pone enferma y suplica que sus padres no se la lleven porque quiere volver a trabajar. Es quizás demasiado exagerado, en pocas palabras.

Pero vamos, es un reflejo de la forma tan particular de ser que tienen los japoneses. El mejor ejemplo es la mujer que se queda trabajando de noche porque cometió un error y no puede parar de trabajar hasta enmendarlo. Mientras tanto las otras están preocupadas por ella pero en realidad no hacen nada por ayudarla.

La película en sí no tiene ningún problema, más allá del carácter propagandístico claro. De hecho es una historia con bastante drama (algo exagerado en mi opinión, pero muy en la línea de las películas japonesas) y algunas de las escenas están grabadas con cierta creatividad, por ejemplo la escena del primer partido de voleibol. Claro que comparándola con las otras películas de Kurosawa se queda corta en prácticamente todos los aspectos.

Bathing Beauty (1944)

Aquí la titulamos "Escuela de sirenas".

La boda entre Steve Elliot y Caroline Brooks se ve interrumpida por una mujer que dice ser su esposa acompañada por 3 niños, cosa que a Caroline no le sienta nada bien, pero todo es cosa de George Adams, un empresario que no quiere perder a Steve como compositor.

Originalmente iba a titularse "The Co-Ed" (colegio mixto) y Red Skelton (Steve Elliot) iba a ser la estrella principal. Tras un primer visionado los ejecutivos de la MGM decidieron que sería mejor que fuese Esther Williams (Caroline Brooks), quien además aparecería en los pósters, y cambiaron el título.

Fue la película más exitosa de la MGM en su momento tras "Ben-Hur: A Tale of the Christ" (1925) y "Gone with the wind" (1939). Se dice pronto.

Del resto del reparto destaca Basil Rathbone (George Adams). Y la participación de los músicos Ethel Smith, Carlos Ramírez, Lina Romay, Helen Forrest, Xavier Cugat (y su orquesta) y Harry James (y su orquesta).

La canción "Tico-Tico" que toca Ethel Smith fue compuesta por ella misma.

Por cierto esta Lina Romay no tiene nada que ver con la actriz española conocida por las películas de Jesús Franco.

La grabación en la piscina de Lakeside fue durante un frío día de invierno y las nadadoras se pusieron en huelga hasta que el director George Sidney se desnudase por completo y se metiese en el agua.

La película arranca al ritmo frenético de la orquesta de Xavier Cugat quien la dirige mientras dibuja un par de caricaturas. Lo que me ha llamado la atención es que sean dos canciones en español, una cantada por Lina Romay y otra cantada por Carlos Ramírez.

Me ha gustado que los músicos tengan frases y pequeñas intervenciones con los actores principales. También que esté plagada de momentos graciosillos y personalmente me ha encantado Jean Porter (Jean Allenwood).

Quizás su parte menos creíble sea cómo se lían las cosas entre los dos protagonistas de una manera tan rápida. Ella ni siquiera se molesta en comprobar si lo que dice la mujer es verdad y, por supuesto, no quiere escuchar lo que él tenga que decir.

En una escena Red Skelton aparece llevando un tutú. Lo que más le incomodó fue tener que depilarse el pecho, la espalda y los brazos antes de enfundarse en él.

El número final es el que incluye el baile sincronizado en la piscina. Y no son pocas las participantes. Además hay un montón de chicas bailando alrededor también.

Es una película que desborda talento por todas partes. Dentro de la categoría de los musicales es otro nivel ya que resulta la mar de divertida y entretenida aparte de que la música se integra muy bien con lo que sucede en cada momento. O al menos yo le veo mucho más sentido sentido que en las películas donde se ponen a cantar sin más en cualquier momento.

The Story of Dr. Wassell (1944)

Aquí la titulamos "Por el valle de las sombras".

El crucero estadounidense Marblehead se mantiene a flote milagrosamente durante la guerra en el Pacífico y consigue alcanzar Java. Allí el Dr.Wassell se hace cargo de los heridos. Eventualmente reciben la noticia de que serán evacuados, pero sólo los que puedan andar. El doctor las contradice y se lleva a todos.

El director y productor Cecil B. DeMille aparece en el tráiler explicando como la idea de hacer la película le vino tras escuchar a Franklin D.Roosevelt en la radio.

Gary Cooper (Dr. Corydon M. Wassell) se negó rotundamente a afeitarse el pecho para la escena en la que se da un baño.

El auténtico Dr.Wassell fue uno de los asesores de la película. La Paramount le pagó una casa para que pudiera vivir en Los Angeles durante el año que duró la producción.

Para contarnos cómo terminó el doctor alistándose en el ejército diferentes personajes usan flashbacks, parece que sean capítulos de una serie. Es algo bastante dramático.

El grupo de soldados heridos que se queda con el doctor vive una auténtica aventura. Desde que consiguen salir con vida con un barco lleno de agujeros, a cómo son trasladados al hospital de campaña, luego son bombardeados, la marina decide dejarles tirados pero consiguen ser trasladados de nuevo atravesando una zona en pleno combate y finalmente se cuelan en el último barco disponible, el cual es atacado por aviones japoneses. Y todo ello con alguna que otra historia romántica (una roza la obsesión), una escena de baile y algo de cachondeo.

La manera en la que temen a los japoneses me recuerda un poco a los frentes nazi/rusos donde soldados de ambos bandos narraban las barbaridades que hacían los otros, siempre exageradas.

Es bastante larga, por encima de las dos horas de duración, sin embargo es una historia cargada de grandes momentos y necesario entender bien todo lo sucedido porque cada parte es vital.

Tras los créditos finales se oye una voz que dice que "Poppy" fue capturado por los japoneses (en la película oímos su voz en una radio y unos tiros, dando a entender que muere).

Lo más interesante es que narra una historia contemporánea y de gran relevancia. Además que serviría como apoyo moral para las tropas que aún estaban en combate, no me cabe duda.

Arsenic and Old Lace (1944)

Aquí la titulamos "Arsénico por compasión".

Mortimer descubre que sus tías acaban de asesinar a su 12ª víctima y pretende solucionarlo enviando a su hermano, que se cree Teddy Roosevelt, a un manicomio. De repente aparece el hermano de Mortimer, un criminal, junto a un doctor quienes también traen un cadáver.

Basada en una obra de teatro estrenada en Broadway donde estuvo durante 3 años, de 1941 a 1944, con un total de 1444 pases. De ella repiten los actores que interpretan a los tres hermanos Brewster. Quien no repite es Boris Karloff. Él quería pero por contrato no pudo hacerlo.

Dirigida por Frank Capra. Se alistó en el año 1941 cuando aún estaba grabándola aunque le dejaron hasta Enero de 1942 para presentarse al servicio activo y así poder terminar de editarla.

A Cary Grant (Mortimer Brewster) no le gustó su actuación en esta película, de hecho la consideró la peor de cuantas hizo. Donó su salario (100.000 dólares) a una fundación de ayuda a la guerra.

Del resto de reparto destaca Peter Lorre (Dr.Einstein), durante esa época salió también en "Casablanca" (1941) y "The Maltese Falcon" (1941).

La película fue preestrenada un año antes para los soldados.

El título se puede interpretar como un paralelismo de la expresión "lavender and old lace" que viene a ser "ser cursi y anticuado". Y más concretamente lo de "old lace" se traduce como "encaje antiguo". También es un juego de palabras con el verbo "to lace" que es aderezar. Ambas acecpciones hacen referencia a las dos viejecitas.

El actor que interpreta al personaje que hizo Karloff en la obra de teatro está caracterizado como él, incluso los comparan en diversas ocasiones.

Es una locura de principio a fin. Muy divertida y macabra a la vez. Cary Grant muestra su faceta más cómica y, aunque diga que es muy exagerado, le pega mucho al personaje. Me lo he pasado en grande viéndola, muy recomendable.

The Censored Eleven

Durante años muchos dibujos animados han terminado censurados en parte o directamente prohibidos por distintos motivos. La mayoría de veces es por instigación a la violencia, por chistes racistas o comportamientos que los padres no quieren que imiten sus hijos (fumar, beber alcohol, tomar pastillas o productos químicos peligrosos, jugar con fuego, maltratar animales o robar).

Bueno, pues hoy he dado con 11 cortos de animación de Merrie Melodies y Looney Toons que allá por 1968 pasaron a formar parte de una lista conocida como "The Censored Eleven". En este caso no vieron posible editarlos en parte y decidieron prohibirlos. Todos ellos presentan claras muestras de racismo hacia la raza negra. La lista original es esta: 

Hittin' the Trail for Hallelujah Land (28-11-1931)

Dirigido por Rudolph Ising (Merrie Melodies).

El amable tío Tom lleva a Fluffy al barco de vapor de su amado, el Capitán Piggy. Al volver hacia casa el tío Tom termina metiéndose en un cementerio donde varios esqueletos se ponen a cantar y bailar, finalmente el tío Tom huye pero se mete en el río y no sabe nadar, por suerte llega Piggy a tiempo para rescatarlo, pero entonces un malvado secuestra a Fluffy y Piggy finalmente la rescata castigando al malhechor.

El título es el nombre de la canción de la escena del cementerio. La animación me recuerda muchísimo a la de los primeros dibujos de Mickey, de hecho comparándolos son una copia clara (tanto la escena del barco como la del cementerio).

Me cuesta ver el racismo aquí, de hecho salvo por el hecho de que el tío Tom parece ser un esclavo de Fluffy (es interpretable) en realidad poco más se puede decir, la razón oficial es que muestra estereotipos de personajes negros. Curiosamente fue el primer corto de animación en el que vemos a un barco bajando un río haciendo el "efecto escalera". Es de dominio publico hoy en día.

Sunday Go to Meetin' Time (08-08-1936)

Dirigida por Friz Freleng (Merrie Melodies).

Es domingo y el cura ha salido a la calle a saludar a sus parroquianos mientras se aproximan a la iglesia. Poco a poco van haciendo aparición todos los vecinos del lugar y eventualmente llegamos a Nicodemus. Su mujer le insta a ir a la iglesia para no terminar en el infierno pero el se le escapa en el último momento y tras un pequeño accidente provocado por una gallina termina soñando que va al infierno donde es juzgado y castigado. Al rato se despierta y decide volver a la iglesia.

El cura canta la canción del titulo nada más empezar el corto. En éste si veo más claras las muestras de racismo: negros bailando por la calle, una madre robando un sujetador tendido para usarlo como gorro de sus hijos gemelos, la típica familia con madre, padre y un montón de hijos, el típico holgazán e incluso al protagonista persiguiendo a una gallina con un palo.

También vemos como durante el juicio en el infierno el protagonista es acusado de robar gallinas, sandías y no ir a la iglesia entre otras cosas.

Clean Pastures (22-05-1937)

Dirigida por Friz Freleng (Merrie Melodies).

Debido a que cada vez menos gente va a al paraíso un San Pedro negro decide enviar a su ángel más vago a la tierra para solucionarlo. Pero no le hacen ni caso porque se limita a poner un cartel parecido al del ejército. Entonces un grupo de ángeles le aconseja a San Pedro que envíe un grupo de música. Y así lo hace, manda a varios cantantes de Jazz a las calles de Harlem y poco a poco se va congregando mas gente que finalmente les siguen al paraíso.

Es una parodia de la película "The Green Pastures" (1936), donde muestran historias de la biblia interpretadas por negros.

El principal problema que tuvieron es que el cielo estaba poblado únicamente por negros, lo cual le hizo terminar en esta infame lista prohibida. Sin embargo una lectura posterior nos dice que en realidad sólo esta reflejando una realidad que ocurrió en esa época: el aumento de negros en las iglesias, el jazz que se apoderaba de las calles e incluso se puede ver como una metáfora de como habían dejado atrás las labores del campo para integrarse en las ciudades.

Entre otros vemos que aparecen Louis Armstrong, Cab Calloway, Fats Waller y Jimmie Lunceford como los ángeles músicos. La canción que cantan es "Swing for Sale".

Uncle Tom's Bungalow (05-06-1937)

Dirigida por Tex Avery (Merrie Melodies).

La pequeña Eva vive junto a su amiga negra Topsy y juntas alquilan al tío Tom a un vendedor de esclavos para que no le pegue más. Pasan los meses y el vendedor se da cuenta de que llevan 3 pagos de retraso y va a verlas para que le devuelvan a su esclavo. Tras buscarlas por la casa se pone a perseguirlas con sus perros y su látigo y justo cuando las tiene arrinconadas aparece el tío Tom con un coche de lujo y un montón de dinero y le paga. Resulta que había sacado un montón dinero jugando a los dados.

Existen dos versiones de este corto, uno en blanco y negro y otro en color, no se la razón pero el original es en color. Basado en la novela "La cabaña del tío Tom".

Está planteado como una comedia y dado que es una versión de un libro muy famoso no entiendo la censura. Si bien muestra estereotipos sobre la raza negra lo que cuenta no es más que una realidad que sucedía años antes en todo el sur de EE.UU.: los negros esclavizados, el hombre blanco explotándolos. Y en realidad salvo por el detalle de los dados tampoco es tan estereotipado el personaje principal.

Jungle Jitters (19-02-1938)

Dirigida por Friz Freleng (Merrie Melodies).

Los nativos de una tribu de alguna selva se pasan el día bailando y cantando, vemos como un grupo de ellos bailando alrededor de una tienda se convierten en un carrusel. Luego vemos como tras tirar de la anilla de la nariz a uno se le alarga el cuello convirtiéndose sus aros en un muelle. Finalmente se cansan y se disponen a comer. Hace aparición un vendedor al que nadie quiere abrirle la puerta pero finalmente le dejan pasar para comérselo. Mientras lo cocinan la reina del lugar (una blanca poco agraciada) decide salvarlo para casarse con él pero tras la ceremonia él prefiere que se lo coman a enfrentarse la noche de bodas.

De nuevo existen varias versiones, una con mejor calidad. La canción que suena cuando aparece el carrusel es "The Merry-Go-Round Broke Down", esta es su primera aparición en dibujos animados y paso a ser la canción característica de los "Looney Tunes" (la que sale al final cuando aparece Porky).

En este corto vemos la aparición de varios blackfaces y la burla de algunos estereotipos de las tribus africanas, aunque opino que es un poco desmedido censurarlo, hay dibujos de Bugs Bunny que son prácticamente iguales. Es de dominio publico hoy en día.

The Isle of Pingo Pongo (28-05-1938)

Dirigida por Tex Avery (Merrie Melodies).

Un barco parte de Nueva York a la isla de Pingo Pongo, situada en los mares del Sur. Tras pasar la estatua de la libertad (que dirige el trafico marítimo), pasan por delante de las Islas Canarias (llenas de canarios, los pájaros) y las Islas Sandwich (que son un Sandwich, obvio). Al llegar y desembarcar vemos la fauna local compuesta por diversos pájaros salvajes, ciervos y, cómo no, una tribu de indígenas. En dicha tribu practican deportes como el fútbol americano y, sobre todo, se toca música primitiva con tambores que curiosamente termina siendo Jazz.

Aquí los estereotipos son lo único que hay, hacen parodia de todo un poco, personalmente me ha encantado la parte en la que durante una celebración se ponen a bailar como si estuvieran en un palacio victoriano.

Destaca la aparición de Elmer Fudd señalando a una caja de violín diciendo "¿ahora jefe?", tartamudeando más bien, y el narrador respondiendo "no, aún no", hasta el final no vemos qué es lo que contiene realmente.

En este cortometraje la censura parece un poco más lógica ya que están diciendo que los ritmos de Jazz suenan igual que los típicos tambores de las tribus africanas.

All This and Rabbit Stew (13-09-1941)

Dirigida por Tex Avery (Merrie Melodies).

Un cazador negro está dispuesto a matar un conejo cuando se encuentra con unas huellas que le llevan a una madriguera de la que salen zanahorias mordisqueadas. Tras apuntar al agujero este se mueve y finalmente le dispara ocasionando la aparición de Bugs Bunny sobre la escopeta del cazador. Tras mucho perseguirlo lo único que consigue es ser casi comido por un oso al entrar en su madriguera, casi ser apestado por una mofeta y caer por un precipicio. Al final Bugs saca unos dados, se ponen a jugar y pierde toda la ropa que lleva.

Es el único de los 11 protagonizado por Bugs Bunny. En realidad no viene a ser más que lo que pocos años despues, en 1946, sería el gag mas típico de Bugs Bunny con Elmer persiguiéndole para cazarle.

De hecho solo veo dos estereotipos, por una parte el negro que sale de caza (aunque mejoraría si fuese una gallina), y por otro la escena en la que se ponen a jugar a los dados. Y aparte la última escena del corto está censurada en algunas versiones, en ella bugs le quita lo único que le queda, una hoja que le tapa sus partes intimas. Es de dominio publico hoy en día.

Coal Black and de Sebben Dwarfs (19-01-1943)

Dirigida por Robert Clampett (Merrie Melodies).

So White es una joven que trabaja en el castillo de la reina limpiando ropa de día y cantando blues de noche. La reina pide que le traigan a un apuesto príncipe pero al llegar este se enamora de So White. Entonces la reina manda que la maten, pero los asesinos son incapaces de hacerlo y la abandonan en mitad del bosque donde un grupo de 7 enanos la encuentran. La reina envenena una manzana para matarla y tras comérsela ella cae en un profundo sueño. Los enanos entonces van a por la reina y buscan al príncipe para que le de un beso a So White, aunque finalmente es gracias a uno de ellos que consigue despertar.

Este es uno de los dos que menos sentido tiene la censura. De hecho el director lo explica, acudieron a él todo el reparto de una obra protagonizada por negros y le preguntaron como es que no habían dibujos sobre afroamericanos en los años 40, así que decidió contar con ellos para hacer una parodia de Blancanieves.

Muchas de las voces están puestas por cantantes famosos de Jazz de los años 40.

Por lo que sé el nombre de So White luego lo cambiaron por Coal Black, pero así era originalmente.

Lo que sí podemos ver es que contiene una gran dosis de sexualidad y jazz unido con algunos estereotipos (el príncipe lleva unos dados y una dentadura de oro, por ejemplo). Pero lo que creo que es más relevante es que todo transcurre con el trasfondo de la Segunda Guerra Mundial: los enanos son soldados que están en el frente, la chica se convierte en su chef particular y los asesinos muestran un cartel en el que pone que matan japoneses gratuitamente.

Tin Pan Alley Cats (17-07-1943)

Dirigida por Robert Clampett (Merrie Melodies).

Fats Waller va caminando por la calle cantando de noche cuando se cruza con un predicador que le avisa que será tentado con "mujeres, vino y música" si sigue por ese camino. Pero sólo consigue excitarle aun más y tras meterse en el club se pone a tocar el piano de forma demencial. Pero llega un momento en que se sumerge tanto en la música que "abandona" el mundo para adentrarse en un universo surrealista repleto de criaturas extrañas casi todas tocando instrumentos musicales y al final aparecen Adolph Hitler, Hideki Tojo y Joseph Stalin. Tras eso vuelve al mundo real y se pone a cantar junto a un grupo religioso que todos deberían volver a la iglesia.

Este fue el segundo corto fruto de la reunión entre los de la obra de teatro que mencione antes y el director. Es un reflejo de la escena musical Jazz de Los Angeles de la época, son caricaturas de músicos reales de aquel entonces. Y a todo el mundo, incluida la comunidad negra, les gustaron ambos cortos.

La parte surrealista pasa por ser mi favorita de los 11 cortos, es realmente increíble y no te esperas la aparición de Hitler y menos aun que Stalin se líe a palos con él. Algunos de los personajes de esta parte volvieron a aparecer en el corto "Dough for the Do-do" (1949).

Angel Puss (03-06-1944)

Dirigida por Chuck Jones (Looney Tunes).

Sambo lleva un saco con un gato negro al que le han mandado que ahogue. Pero el gato se escapa en el último momento rellenándole el saco de ladrillos. Sambo se lo piensa dos veces pero el gato, hablando con un trozo de cañería para aparentar otra voz, le insta a hacerlo y finalmente lo tira. El gato se disfraza de ángel, pintándose totalmente de blanco y poniéndose unas alas y un halo y se dedica a atormentarlo. Tras asustarle un poco el gato cae al agua y pierde la pintura blanca, entonces el negro saca una escopeta y le dispara pero entonces aparecen 7 gatos fantasmas.

Sambo habla con el típico acento de paleto del sur mezclado con el típico acento de negro. El gato en cambio habla como un blanco.

El toque más racista lo da cuando saca unos dados el gato para atraerle, cosa que funciona. Aunque bueno, solo la blackface típica de Sambo fue motivo suficiente para que lo incluyeran en esta lista. Personalmente en este caso lo veo un poco desmedido, sigue un estereotipo, eso es cierto, pero no parece más insultante que el que vemos en otros cortos similares.

Goldilocks and the Jivin' Bears (02-09-1944)

Dirigida por Friz Freleng (Merrie Melodies).

3 osos viven en su casita, tocando Jazz para pasar el día. Pero tocan con demasiada intensidad y sus instrumentos están que arden así que se van a dar una vuelta por el bosque para que se enfríen. En otra casa vemos al lobo esperando en la cama a Caperucita Roja, pero le llega un telegrama diciendo que llegará tarde. Al asomarse a la ventana ve a Ricitos de Oro entrar en la casa de los osos así que decide ir a por ella y cuando esta persiguiéndola llegan los 3 osos y se ponen a tocar para que bailen. Lo cual acaba agotando al lobo quien al final decide salir por patas y volver a casa de la abuelita justo cuando llega Caperucita, pero en ese momento ya está demasiado cansado como para comérsela.

Parodia las historias de Ricitos de Oro y Caperucita Roja. Todos los personajes son negros, incluso los animales tienen la típica blackface. Es lo que hizo que censuraran este corto. El único estereotipo que he visto es que tocan y bailan música de Jazz, al estilo Jitterbug.

En este corto creo que tiene bastante sentido la censura, aunque realmente el giro que le da a las dos historias, combinándolas de forma ingeniosa, me ha parecido muy divertido. Y también cómo las cosas se vuelven en contra del lobo cuando lo tenia todo de cara.

Con el paso de los años se añadieron algunos títulos mas a la lista, aunque quería centrarme en estos por ser los originales. La prohibición no se limita solo a EE.UU., de hecho en teoría salvo los de dominio publico ninguno debería estar en circulación (cosa que como podéis comprobar no es así).

Es una lástima que algunos estén en baja calidad, pero bueno se aprecian bastante bien los detalles y, dentro de lo que cabe, se oyen bastante bien. Casi todos son musicales y salvo alguna excepción no creo que haya una mala intención a la hora de retratar a los negros, pero supongo que es muy subjetivo.

Durante la Segunda Guerra Mundial surgieron muchos cortos de animación que parodiaban a Hitler, a los nazis, a los japoneses (algunos protagonizados por personajes famosos como Popeye o Donald). Y muchos de ellos también han sido censurados con el paso del tiempo. Quizás otro día haga un especial sobre ellos.

House of Frankenstein (1944)

Conocida en España como "La zingara y los monstruos".

Un cientifico loco esta preso junto a un jorobado planeando como revivir al monstruo de Frankenstein. Huyen de la carcel y se encuentran con una feria ambulante de monstruos entre los que se incluye el esqueleto real de Dracula. Tras matar a los feriantes el cientifico devuelve a la vida a Dracula para vengarse de aquellos que le habian encerrado. Mas tarde llegan al castillo de Frankenstein y deciden descongelar a los dos monstruos (el Hombre Lobo y el de Frankenstein) para que le revelen donde esta el diario del Profesor Frankenstein.

Boris Karloff como el Doctor Gustaff Nieman, el cientifico loco. No es un gran personaje pero Karloff lo hace bien. Se supone que era uno de los ayudantes del Profesor Frankenstein y que este le habia pasado sus secretos, el intenta aplicarlos primero en un perro poniendole el cerebro de un hombre y por eso termino en la carcel.

John Carradine como Dracula, personalmente no me gusta nada su interpretacion, es un Dracula que no convence, si bien veo logico que este debil tras pasar varios años muerto los esfuerzos del actor por intentar copiar la interpretacion de Bela Lugosi resultan mas bien vanos.

Lon Chanei Jr. como Hombre Lobo sigue en su linea. La historia continua y tras ser liberado del hielo el Doctor Niemann le promete que le cambiara el cerebro por el de otra persona y asi sera libre de su maldicion.

La historia de Dracula continuaria la de la pelicula "Dracula's Daughter" (1936), la de Frankenstein y el Hombre lobo son la continuacion de "Frankenstein Meets the Wolf Man" (1943), aunque Frankenstein tiene muy pocos momentos de accion (lo interpreta Glenn Strange cuyas demostraciones de fuerza son de lo mas creibles).

Es como un culebron pero con montruos XD. Prefiero las peliculas que se centran en uno o como mucho en dos de los monstruos clasicos, estas a veces hacen que los montruos se vayan de sus papeles originales. Pero no por ello dejan de ser entretenidas.

Sherlock Homes 40's (3)

La parte más difícil a la hora de conseguir películas no es encontrarlas sino que estén en VOS. Lo de la VO suele ser relativamente fácil, en cambio lo de los subtítulos es un infierno, mi mayor problema es tener que sincronizar los que son de una versión a 25fps a 23.98fps, muchas veces los encuentro en ambas versiones y no tengo problema, pero a veces no consigo hacer la conversión.

El por qué prefiero las VO es simple, llega un punto en que noto que una frase está mal traducida solo con oírla en los doblajes y me da rabia, a veces es porque la frase es realmente difícil de traducir, otras porque simplemente no se adaptaría al movimiento de los labios del que habla. Y la cosa va a peor cuando realmente veo las VO de películas que vi dobladas anteriormente y me percato que muchas de las cosas que dicen no concuerdan con la original, cambiando el sentido de algunas situaciones incluso.

Lo de los subtítulos es otra historia, no tendría problema en ver películas en ingles (de hecho lo hago a menudo) pero a veces no escucho lo que dicen porque me distraigo con facilidad, al haber subtítulos me "obligo" a ver la película y así no perderme detalle. A la larga he descubierto que es lo mejor.

Sherlock Holmes in Washington (1943)

Otra historia que no está basada en los relatos originales. El problema de estas nuevas historias es que son películas de espías con algún toque de intriga en el que tiene que intervenir Holmes y poco más.

Un espía ingles es secuestrado en un tren de Washington con importantes papeles, pero poco antes se los pasa a una joven sin que ella sospeche nada, llaman a Holmes para que vaya a investigarlo y nada más llegar a Estados Unidos le llega un baúl con el espía muerto dentro.

No deja de ser la típica trama sobre espías.

Lo que mas me ha gustado es la "americanización" de Watson, primero leyendo un libro de frases hechas americanas, después leyendo unos cómics de Flash Gordon e incluso mascando chicle.

Sherlock Holmes Faces Death (1943)

Sigamos con otro título más.

La historia empieza con Watson visitando a unos amigos cuando de repente uno sufre un intento de asesinato por parte de un desconocido, tras ello decide ir a ver a su amigo Holmes quien en seguida se pone en marcha tras oír lo sucedido y al llegar al lugar de los hechos se encuentran con un cadáver.

Tenemos una nueva aparición de Lestrade, que sigue tan torpe como siempre. Es una historia nueva pero del estilo clásico, lo cual se agradece, aunque sigue teniendo pequeños toques para que no olvide el espectador que siguen estando en tiempos de guerra. Por cierto, el título hace referencia al final de la película, aunque el enfrentamiento con la muerte no es tan impresionante como me esperaba, la verdad.

The Spider Woman (1944)

Esta vez la historia tiene elementos de varios relatos originales, en concreto toma elementos de: "The sign of four", "The dying detective", "The final problem", "The speckled band" y "The adventure of the devil's foot".

Una serie de suicidios atormentan Londres, todos protagonizados por gente que va en pijama. Mientras tanto Sherlock Holmes acaba de caer en un río en Escocia, la noticia de su muerte surge en todos los periódicos provocando una ola de crímenes.

La parte que me ha hecho más gracia es la escena que empieza con Watson tocando un trombón y después confunde a especialista en flora y fauna por Holmes disfrazado, quedando en ridículo.

The House of Fear (1945)

Basada en el relato original "The adventure of the five orange pips".

Las extrañas muertes de unos miembros de un club precedidas en forma de aviso por unos sobres con unas semillas hace que Sherlock Holmes tenga que investigarlas.

Lo más chocante de la película es la frialdad con la que se toman los miembros del club las muertes, de hecho de no ser por un brindis ceremonioso que hacen tras cada una casi se podría decir que no les afectan. La parte divertida de la película va a cargo nuevamente de Watson teniendo una conversación con un búho.