La Nave de los Monstruos (1960)

Pasemos a películas en mi idioma.

El último de los hombres ha muerto en Venus a consecuencia del mal atómico, así que envían a dos de sus mejores mujeres a otros planetas en busca de alguno. Pero uno de sus motores se estropea y tienen que hacer un aterrizaje de emergencia.

Ana Bertha Lepe (Gamma) y Lorena Velázquez (Beta) fueron Miss México en 1953 y 1960, respectivamente.

Me sonaban algunas de las imágenes, es porque provienen de "Doroga k zvezdam" (1957).

Dentro del cohete van dormidas. Pero están sentadas, sin más, ni siquiera un cinturón de seguridad se abrochan.

Según los créditos de inicio los monstruos de las galaxias se llaman Uk (un cíclope enorme del planeta fuego), Utirr (una araña, sacerdote del planeta rojo), Tagual (con el cerebro fuera, es de Marte), Tor (un robot) y Zok (un esqueleto).

Tor trabaja en la nave, reparándola. No vemos como capturan a los hombres, simplemente los tienen capturados tras los créditos de inicio.

Cuando aparece el protagonista se pone a cantar a la "estrella" que ha visto en pleno día para ver si le trae una chica.

No sé si es la primera, pero aparece la anécdota de la pistola y el cuchillo que parte en dos una bala para matar a dos hombres.

El tipo explica una historia sobre dinosaurios y dice que tenían plumas. Eso es realmente peculiar.

Ya es casualidad que las mujeres venusianas hablen español con acento mexicano. También dicen cosas en francés, inglés y japonés.

La segunda canción que canta el protagonista es sobre el amor, porque las venusianas no saben qué es, ni tampoco su robot.

Beta, una de las venusianas, es una vampira. Tiene colmillos, bebe sangre y se convierte en murciélago. Pero por beber sangre se ha condenado a ser desintegrada. La razón es que es una uranita. Claro.

Es divertida, ligera y sin pretensiones. De hecho tanto los monstruos como los efectos especiales están mal adrede. No hace falta más. El protagonista me ha recordado ligeramente a Cantinflas, pero tiene un estilo más suyo.

Één hagedis teveel (1960)

El título se traduce como "Un lagarto de más".

Janine es la esposa de un artista quien ha decidido serle infiel con un estudiante por su manera de comportarse. Entonces el estudiante, cansado de que ella siempre le deje de lado, decide tener una relación con otra mujer llamada Kitty. Eventualmente las dos mujeres se conocen y acaban llevándose bien.

Su duración es de 32 minutos.

Fue el segundo cortometraje de Paul Verhoeven, el primero se titula "Kopjes koffie" (1959). Ese me lo apunto para más adelante. Algunos consideran este corto como su debut, no sé muy bien la razón pero eso fue lo que me lió.

Es un caso bastante peculiar el de Verhoeven pues estuvo en una escuela de cine de Leiden pero tras un año la abandonó y cuando hizo este cortometraje ganó el primer premio del festival Cinestud a pesar de que muchos votaron en su contra por no ser un estudiante.

Fueron grabadas más de dos horas y media de metraje.

Pocas cosas hay más cinematográficas que los espejos. Sus reflejos bien usados crean efectos fascinantes, incluso cuando no parecen gran cosa. Me imagino que es porque el cine trata de ser un reflejo de la vida real, pero siempre jugando con un cierto factor de fantasía, porque la realidad es aburrida y banal.

En esta película ella usa uno pequeño y lo pone sobre el periódico que lee él, sólo para que se fije en ella.

El artista hace esculturas, cabezas más concretamente, crea como máscaras grotescas. Usa a su esposa como la base, usando pelucas y maquillaje para crear diferentes aspectos.

Personalmente he de decir que me cae mejor Kitty, es más risueña y no parece incómoda con la situación cuando les descubre la otra. Más bien todo lo contrario.

Es una historia difícil de analizar. Al final ellas acaban intercambiando sus papeles pero la esposa no parece excesivamente feliz con el cambio, así que no sé muy bien qué ganó con todo ello. El marido y Kitty, en cambio, sí parecen ser felices juntos.

En fin, espero poder ver su primer trabajo más adelante, pasemos al siguiente corto.

Toca hacer una pausa en el recorrido de títulos orientales porque tras mucho meditarlo este año empiezo el especial de Marvel y DC más pronto debido a que esta vez hay demasiados títulos. En realidad no ha sido un año especialmente prolífico pero entre las que me olvidé de ver el año pasado y algunas que he ido encontrando creo que son más de 50 en total. 

Os adelanto que habrá animación, acción real, cortometrajes, miniseries, películas de Nigeria y bastante porno. Variedad ante todo.

Normalmente empiezo con las de animación pero este año quería variar un poco y las dejaré para después. Sin más dilación os dejo con...

 

सुपरहिट बॉलीवुड मूवी (1960)

No hay póster. El que suelen poner acompañándola no es el correcto y no he encontrado nada mejor.

Ram Dayal es un agricultor que se encontró a un niño abandonado en una nave espacial. Él y su esposa deciden adoptarlo y llamarle Jaikumar R. Dayal. A medida que crece el niño empieza a destacar en la lucha y usando sus poderes encuentra un tesoro, el cual donó al gobierno. Una vez de adulto empezó a trabajar de periodista en "Azad Desh". Allí adoptará una doble identidad como un héroe enmascarado al que apodan Mr.Superman.

Dirigida y producida por Manmohan Sabir.

El primer problema al que me enfrenté con este título es que existe otro del mismo año, también  de la India, titulado "Superman" (1960). La diferencia es que ese fue dirigido por MR Ramdayal. Y no ayudó demasiado que ambas estén protagonizada por Paidi Jairaj (Jaikumar R. Dayal). Por desgracia sólo he dado con una canción y el póster de la otra película, así que no puedo incluirla en el blog.

Pero bueno, la segunda es la que nos ocupa. Hubo algunas desavenencias entre los directores que resultaron en que Sabir decidiese reescribir el personaje desde cero haciendo que ambas películas no tuvieran conexión alguna, algo parecido a lo que pasó con el Hulk de Bana y de Norton a principios de los 2000.

La película arranca con una serie de imágenes sobre la evolución del hombre hasta llegar al puntod e la exploración espacial.

Sí, en esencia es la historia clásica de Superman pero con muchísimos matices.

Los cambios de ropa no los hace en una cabina telefónica, simplemente camina por detrás de un árbol y aparece cambiado al salir por el otro lado.

No podían faltar los momentos musicales. El primero sucede a la media hora, poco más o menos.

Sabemos que son los malos porque se sientan juntos en una mesa a jugar a cartas y a fumar mientras preparan sus planes maléficos.

En un momento dado, para dañar la reputación de Superman, uno de ellos se disfraza como él y atraca a los pasajeros de un coche a punta de pistola, también entra a robar a casa de un señor con bigote.

Esta versión de Superman no se parece para nada a la de los cómics originales. Lleva una capa blanca, una máscara que le cubre la cabeza entera (en realidad es una especie de gorro blanco para bañarse y una braga negra para cubrir la parte de la boca), unas gafas, y un traje oscuro.

También hay una chica que trabaja con él de la que se enamora y demás, y un amigo medio tonto protagonista de la mayoría de escenas cómicas.

Le vemos volar en varias ocasiones. Usan un frame fijo del actor con los brazos estirados sobre un fondo que se mueve. No está demasiado logrado que digamos, pero vamos que 28 años más tarde hicieron algo similar en "दरिया दिल" (1988).

La historia termina con el Superman bueno peleando contra el malo, quien no tiene ninguna oportunidad.

Sí, es cutre, y sí se aleja mucho de los cánones del personaje pero aún así es una de las primeras adaptaciones en acción real (aunque sea no oficial) y por ello merece un cierto reconocimiento.

The Apartment (1960)

Pasemos a algo más ligerito.

C.C.Baxter lleva 3 años trabajando en una compañía de seguros. Muchas veces decide quedarse unas horas extra en el trabajo porque no puede entrar en su apartamento siempre que quiere porque lo usan como picadero varios tipos de su trabajo.

Dirigida por Billy Wilder. Es su película más famosa junto con "Some like it hot" (1959). Gracias a esta película fue el primero en ganar el Oscar a mejor película, mejor director y mejor guión. Como curiosidad, fue la última película en blanco y negro en ganar el de mejor película hasta el año 2011.

Protagonizada por Jack Lemmon (Calvin Clifford Baxter), personalmente siempre le recordaré por "The Odd Couple" (1968) y "Grumpy Old Men" (1993). Y Shirley MacLaine (Fran Kubelik), sigue en activo, de hecho acaba de salir en un par de episodios de la serie "Only Murders in the Building".

El puñetazo de Karl a Baxter es real. Lemmon tenía que hacer como que le daban pero se movió en la dirección errónea y le dejó fuera de sentido.

Las películas que Baxter trata de ver por televisión son "Grand Hotel" (1932), "Stagecoach" (1939) y "Destry Rides Again" (1939).

La escena con la que arranca la película tiene un detalle interesante. Para lograr mayor profundidad en la oficina los que están más cerca de la cámara son adultos, los más alejados son niños y tras ellos hay muñecos. Es una escena basada en "The Crowd" (1928).

La rubia del bar (al principio) se supone que es una referencia a Marilyn Monroe.

La fiesta de navidad que celebran en la oficina fue rodada el día 23 de Diciembre adrede para que fuese más fácil crear un ambiente navideño.

El bofetón que le da el médico a Fran tras la sobredosis es algo que aconsejó un médico real que se hayaba en el plató durante el rodaje. De hecho le dijo al director que debía haberle dado aún más fuerte, el director no quiso repetir la toma porque Shirley ya tenía la cara demasiado roja.

Leyendo curiosidades sobre esta película algunas me han resultado bastante puntillosas. Por ejemplo el nombre de la canción que tararea el protagonista mientras prepara espaguetis con albóndigas, que de hecho fue improvisada por el actor (una de las pocas cosas que le permitió el director). O que el jefe no conseguía lanzarle una moneda de forma correcta al tipo que le limpia los zapatos y cuando Wilder le sugirió al actor usar una de 50 centavos le respondió que él nunca pagaría tanto

El director dijo que es una historia que podría suceder en cualquier ciudad del mundo salvo en Moscú, porque allí nadie tiene un apartamento propio.

Tras verla creo que el grupo que se aprovecha del protagonista es de lo peorcito, no sólo dejan su apartamento hecho una leonera cada vez que pasan una noche allí sino que a la mínima le putean. Supongo que yo no tengo un carácter así, les mandaría a la mierda bien pronto.

En todo caso es una comedia con mucho drama y romance, algo que nos tiene acostumbrados wilder. Tengo la impresión de que ha sido la influencia de muchos títulos posteriores, aunque no soy capaz de concretar ninguno ahora mismo.

The Alamo (1960)

Más historia.

En 1836 Texas estaba bajo el control de México. El Generalísimo Santa Anna atravesaba el país en busca de los que se opusieran a él para acabar con ellos. Ha reunido a un ejército de 7000 hombres para tal menester. Pero en Texas se están formando pequeños grupos para luchar contra él y empiezan a organizarse.

Dirigida y protagonizada por John Wayne (Coronel Davy Crockett), también puso dinero de su bolsillo para hacerla (tardó 11 años en recuperar la inversión a pesar de ser un éxito en taquilla). De hecho sólo dirigió dos películas, ésta y "The Green Berets" (1968), al menos son las que recibió crédito por ello porque en realidad hizo tres más.

No les permitieron ir a grabar a México (con intención de abaratar costes) con lo cual tuvieron que recrearlo a pocas millas de donde sucedieron realmente los hechos. El plató que hicieron fue usado posteriormente en más de 100 westerns. Tardaron 2 años en construírlo.

Según Wayne la película le quedó demasiado larga, sus 2h y 42 minutos bien lo atestiguan. Aún así poco antes de ser estrenada le cortaron media hora, aunque años más tarde sacaron la versión íntegra.

John Ford se presentó un día en el lugar y le pidió a Wayne que quería grabar algunas escenas. Él accedió y le dió el control de una unidad secundaria que iba a grabar a la caballería cabalgando en dirección al Alamo. Hay dos versiones de esta historia, en una dicen que un 10-15% de la película fue grabada por Ford, en otra que en realidad Wayne deshechó todo lo que grabó Ford y usó lo que había grabado otra persona.

Según esta película Davy Crockett murió heroicamente durante la batalla. Pero existe una versión de un oficial mexicano que estaba presente según la cual Davy fue uno de los 7 que fueron capturados, torturados y ejecutados. La leyenda que ha prevalecido es la de la película.

Lo que sí es un error contrastado es que dentro del Álamo habían mujeres, niños, esclavos, europeos y mexicanos, aparte de los estadounidenses claro. Además no sólo luchaban contra la tiranía sino por la independencia y el uso del esclavismo. Este último detalle suele olvidarse cuando se habla de los héroes de esta batalla.

El nombre completo del generalísimo era Antonio de Padua María Severino López de Santa Anna y Pérez de Lebrón.

La primera aparición de John Wayne sucede a los 20 minutos. Y el primer enfrentamiento con los hombres de Santa Anna sucede a la hora y cuarto, eso nos dice mucho de la cantidad de historia ajena a las batallas que contiene esta película, que no por ello resulta aburrida. De hecho creo que así conocemos mucho mejor a los personajes.

Mis partes favoritas son las misiones nocturnas a lo ninja que realizan los de Crockett.

La historia de una derrota brutal, pero también la de un momento clave en la historia de EEUU. Aún así no creo que sea una película de las que quiera volver a ver, pero no por ello me arrepiento de haberla visto. Es interesante, especialmente por lo que significó para John Wayne, pero no la considero una gran película per se.

Sink the Bismarck! (1960)

Aquí la titulamos "¡Hundid el Bismarck!".

El Bismarck es un acorazado alemán que entró en servicio el año 1940. En el Atlántico Norte la batalla de los británicos contra los nazis tiene lugar y de momento los alemanes están ganándola. Ahora han sacado a dos de sus mejores barcos para buscar a la flota inglesa y tratar de hundirla.

Es una de esas películas clásicas que nunca he tenido la oportunidad de ver.

La película arranca  al más puro estilo noticiario de los años 40, incluso el logo de la 20th Century Fox está hecho así. Por lo que sé parte de las imágenes que aparecen en la película están sacadas de la realidad y creo que se refiere a esta parte.

Me está gustando mucho como muestran ambos bandos por igual. Los ingleses se dedican a la estrategia para evitar a los alemanes usando todo lo que tienen a su disposición, pero el clima no les está resultando favorable y la información llega a cuentagotas. Los alemanes por su parte se muestran seguros de la victoria e incluso arriesgan entrar en combate cuando el buque ha sufrido daños.

Me fascina la manera tan detallada en la que vemos como realizan las maniobras de combate. Por ejemplo como cargan los cañones o como salen los torpedos y navegan bajo el agua hasta dar con su objetivo (o fallar).

La mejor escena es la de los aviones británicos atacando a uno de sus barcos. No lo destruyen porque los numerosos torpedos que les lanzan explotan al impactar con el agua.

Hay dos detalles importantes en la historia, bueno en la que muestran en la película que no es al 100% precisa con lo que sucedió realmente. El primero es que los aviones nazis nunca llegan a ayudar al barco insignia, el segundo es que no vemos en ningún momento submarinos entrando en el combate a pesar de que dura varios días.

Por otra parte el que lleva el mando nazi es muy nazi, demasiado. En la vida real no era así, de hecho era casi lo contrario. Además era un fatalista no un fanático cegado por la victoria. Pero bueno, en las películas no es tan raro que hagan mal un personaje en favor de enfatizar la maldad de un personaje, por ejemplo.

Es una película de la que apenas sabía nada y ha resultado muy interesante. De hecho a ratos me ha costado distinguir qué es efecto especial y qué es real. También me ha gustado cómo vemos a los muertos segundos esparcidos por cubierta antes de los hundimientos.

Cimarron (1960)

Es el remake de "Cimarron" (1931).

Estamos en EEUU. En 1889 una parte de los territorios no ocupados iban a ser dados gratuitamente a los primeros que los reclamasen. La gente acudió de todas partes y en un día reclamaron todo el terreno, así nació el estado de Oklahoma. Yancey Cravat y su esposa Sabra se dirigen hacia allí.

Aunque en realidad se trata de otra adaptación de la novela homónima escrita por Edna Ferber, la cual fue publicada en 1930.

Dirigida por Anthony Mann. Al año siguiente hizo "El Cid" (1961). Fue despedido cuando estaba a punto de terminarla y le sustituyó Charles Walters aunque no recibió crédito por ello.

En el reparto tenemos a Glenn Ford (Yancey "Cimarron" Cravat), conocido por "Gilda" (1946) y "The Big Heat" (1953). Maria Schell (Sabra Cravat), salió en "Superman" (1978). Anne Baxter (Dixie Lee), salió en "All About Eve" (1950) y "The Ten Commandments" (1956).

Fue un fracaso en taquilla lo cual afectó principalmente a la carrera de Glenn Ford.

Usaron 1000 extras, 700 caballos y 500 vagonetas para las escenas del asentamiento.

Independientemente de lo buena o mala que sea la película al final me está interesando mucho por como narran una pequeña parte de la historia de los EEUU que apenas conocía. En muchos otros títulos he visto a gente viajando largas distancias con una vagoneta en busca de un lugar donde aposentarse, pero esto va más allá. Fue la primera de las 5 "carreras por la tierra", así es como fueron conocidas, que hubo en muy pocos años. En esencia eran territorios que originalmente pertenecían a tribus nativas las cuales fueron recolocadas en otros lugares, tras lo cual el gobierno las dividía en parcelas y las asignaba, bien mediante el método que vemos en la película, mediante subastas o bien mediante un sorteo.

Lo realmente fascinante es que según la película sólo un 20% de los que participaban podían llegar a obtener una parcela, en las posteriores carreras era aún mayor la participación.

Cuando hablan de muerte no bromeaban, el día de la carrera vemos accidentes bastante aparatosos, algunos provocados.

Parte de la trama gira en torno al racismo. Vemos incluso la ejecución de un indio por ahorcamiento al más puro estilo KKK. Sólo que esta vez alguien les planta cara. Aunque lo más llamativo es como habla de los indios Sabra, siempre suena de manera peyorativa.

Sin embargo hay una cosa que no logro comprender pero se supone que Sol no es blanco. Algo me dice que tiene que ver con su acento, pero no acabo de captarlo.

Ahora que caigo, durante la primera carrera el tipo con las 8 niñas se cae y queda "fuera de la competición", sin embargo tiempo después vemos que tiene un terreno en el que está buscando petróleo.

En realidad no es tan descabellado ponerse a buscar petróleo en Oklahoma, puesto que hoy en día es una zona rica en pozos, mayormente de gas.

La escena en la que el protagonista salva a su hijo de ser arrollado por un caballo desbocado está realmente bien hecha. Cuesta ver el "error", en realidad algo parece no encajar pero a la vez todo parece estar bien (es un poco desconcertante) pero si te fijas en la sombra del caballo justo cuando pasa junto a ellos desaparece y por ello da la impresión de que "vuele" en la parte final.

Anda, es una de las primeras muestras de tiroteo en un colegio estadounidense que tanto están de moda últimamente. Qué cosas.

El personaje de Dixie parece metido con calzador sólo para poder aprender algo sobre el pasado del protagonista, que en realidad no necesita ser explicado desde el momento en que le saludan las chicas "alegres" desde su carromato. De hecho aparece de repente poco antes de la carrera, luego la vemos competir con el protagonista y durante los siguientes años no volvemos a saber de ella hasta que vende su terreno.

Quiero decir, es una película de dos horas y media y por ello entiendo que han de meter cosas de relleno, pero esa en particular se nota que no es necesaria.

Dixie dice que Yancey está en Cuba y que se ha unido a los Rough Riders con otros dos tipos. Se refiere al  Primer Regimiento de Caballería Voluntaria de Estados Unidos durante la Guerra Hispano-Estadounidense, en 1898. Sufrieron un 76% de bajas así que tiene mucho sentido el recibimiento que le hacen al regresar a casa. En la película no explican absolutamente nada de todo eso, lo cual no ayuda demasiado.

No puedo evitar compararla con "Giant" (1956), en ambas vemos como el hayazgo de pozos de petróleo en territorio estadounidense cambió las vidas de una familia enormemente. Aunque las diferencias son más notables que las similitudes no deja de ser la historia de cómo EEUU avanzó del salvaje oeste a la era moderna.

En esta también vemos como desde un lugar desolado creció un pequeño pueblo que acabó convirtiéndose en una ciudad rica y avanzada.

Según había leído el título resulta engañoso pues da la impresión de que sea la historia de Yancey Cravat, sin embargo es la de Sabra Cavrat. En mi opinión es la de ambos, hay partes en las que él carga con el peso de la trama y en otras es ella.

La Caperucita Roja (1960)

Volvamos al cine mexicano.

El lobo feroz aparece en una aldea para causar terror. Nadie se atreve a enfrentársele y según la leyenda sólo un ser inocente puede acabar con él.

Hace ya varios años vi la “Caperucita y Pulgarcito Contra los Monstruos” (1962) y me quedé con las ganas de ver las otras películas que conforman la trilogía siendo esta la primera y la segunda “Caperucita y sus tres amigos” (1961). Aunque la segunda se quedará pendiente de momento (porque no me apetece buscarla).

Incluye algunas canciones, la primera a los 5 minutos. Son un numeroso grupo de leñadores hablando de lo que hacen.

El lobo feroz tiene un acompañante al que llaman “zorrillo”, en España las llamamos mofetas. En ambos casos son señores disfrazados.

Tienen que alargar un poco la historia así que la primera estrategia del lobo para coger a Caperucita es ir a su casa disfrazado. De hecho lo de “alargar un poco” se traduce en una hora extra de película, pero tiene bastante sentido.

Por cierto, al principio la niña no tiene nombre (o no lo dicen) y cuando se pone por primera vez la caperuza (a los 25 minutos más o menos) es cuando la empiezan a llamar Caperucita Roja.

Cambian ligeramente el final de la historia. Al lobo no le da tiempo a cocinar a la abuelita y consiguen salvar a Caperucita a tiempo, así que no abren las tripas sino que le queman vivo en la hoguera. Mucho mejor, ¿dónde va a parar?.

Pero bueno, para ser una película dirigida a un público infantil no está tan mal.

地獄 (1960)

También conocida como "The Sinners of Hell". El título se traduce como "Infierno".

El líder de una banda local muere tras ser atropellado por un coche mientras iba caminando borracho por en medio de una carretera. Shiro, el copiloto, se siente tan culpable que decide ir a la policía pero el taxi en el que iba tuvo un accidente y murió su prometida.

Nada más empezar ya tenemos una curiosidad que desconocía por completo. La productora es Shintoho Company, fue formada cuando varios trabajadores de los que trabajaban en la Toho decidieron abandonarla tras una huelga en 1947. Produjeron numerosos títulos y pasaron por etapas un poco complicadas que la llevaron a la quiebra en 1962.

Durante los créditos de inicio vemos algunas mujeres desnudas o semidesnudas (eso sí, sin mostrar nada).

Visualmente hablando es fascinante. Desde sus primeros compases vemos imágenes que parecen sacadas de una pesadilla surrealista. No sabría como definir los colores, el rojo predomina eso sí.

La muerte parece rodear a Shiro, incluso en una escena tan intrascendental como estar en clase se le acerca Tamura y le dice “anoche murió Tal”, alguien a quien conocía. También es verdad que Tamura parece estar implicado en todas ellas en mayor o menor medida.

Incluso aparece Enma, el rey del infierno. Y tal y como dicen al principio, el concepto del infierno es similar en las diferentes religiones. También es cierto que los japoneses lo tienen más definido.

El apartado musical incluye bastantes temas y sus letras tienen que ver con el momento en el que suena cada uno, en cierta manera.

La parte en la que los condenados reciben sus castigos en el infierno es la más gore. Y es interesante que use ese término pues se trata de una de las primeras películas japonesas en usar efectos especiales de desmembramientos, sangre y vísceras.

Pero vamos, lo más brutal es el nivel de drama, no cesa de ir más y más allá a medida que avanza la historia. Ni siquiera cuando están en el infierno cesa.

Los diferentes niveles del infierno me han recordado mucho a “L’inferno” (1911).

No sabía muy bien qué esperarme y me ha sorprendido mucho. Aunque no sabría muy bien cómo definirla. Pero vamos, que me ha encantado, en pocas palabras.

Der schweigende Stern (1960)

También conocida como "First spaceship to Venus". El título original se traduce como "La estrella silenciosa".

Estamos en 1985. En el desierto del Gobi descubren un material de origen extraterrestre. Las investigaciones concluyen que pertenecía a una nave proveniente de Venus así que montan una expedición para que investigue el planeta.

Es la primera película de la Alemania del Este del blog. No sé si lo habéis notado pero hago una distinción entre Alemania unificada y dividida desde hace ya mucho tiempo, porque sabía que llegaría este día.

Está basada en la novela del polaco Stanisław Lem titulada "Astronauci" y publicada en 1951.

Aún siendo una coproducción polaca fue la película más cara de las que hizo la DEFA (Deutsche Film AG) hasta ese momento.

El diseño de la nave es el típico con forma de punta aunque esta vez tiene 3 propulsores con la misma forma.

Existe una federación espacial y hay una base lunar llamada Luna 3. Lo más destacable en ese sentido es la diversidad de naciones de los científicos involucrados. Hay japoneses, estadounidenses, polacos, africanos (no especifican de donde), indios, alemanes, chinos... y todos hablan el mismo idioma.

Los primeros 15 minutos de película son, esencialmente, el entrenamiento y la preparación del viaje. Resulta todo demasiado fácil creo yo.

Seguidamente va un viaje de 25 minutos de duración en el que pasan por algunas dificultades pero llegan a Venus.

Una vez allí deciden explorar el planeta pero sus condiciones hacen que sólo puedan permanecer sobre su superficie durante 10 minutos como máximo.

En esa parte vemos que le echaron mucha imaginación para recrear la superficie. Incluso hay plantas con formas extrañas y todo tiene una tonalidad azulosa.

En un momento dado el explorador atraviesa el suelo por accidente y se ve claramente que es una alfombra.

Personalmente creo que está bastante bien, imagino que resulta risible desde un punto de vista moderno pero se nota que no es algo hecho con desdén. De hecho lo único negativo que veo es que juegan con factores como una posible relación romántica pero se olvidan pronto de ella.

Les yeux sans visage (1960)

Aquí la titulamos "Los ojos sin rostro".

El profesor Genessier identifica un cadáver desfigurado que ha aparecido en el Sena como el de su hija Christiane. En realidad ella sigue viva y él anda buscando una chica a la que quitarle la cara para hacerle un trasplante.

Basada en la novela homónima de Jean Redon publicada en 1959.

Cuando salió en EEUU la titularon "The horror chamber of Dr. Faustus". No sale ningún Doctor Faustus.

John Carpenter afirmó que la máscara de Michael Myers en "Halloween" (1978) está influenciada por la de esta película.

La película empieza con la narración del profesor sobre el método mediante los el se podrían hacer trasplantes de órganos. En esencia es irradiar con rayos x tras haber sacado la sangre del cuerpo.

Los ojos de la actriz que hace de Christiane son enormes. Eso unido al hecho de que está muy delgada y que su cara está cubierta por una máscara le otorga una expresión tétrica.

La escena en la que operan a la chica es muy realista. Además el hecho de ser en blanco y negro facilita mucho las cosas pues no se nota que es una máscara falsa.

La parte de la operación me ha recordado a "Face/off" (1997) de Travolta y Cage. Y a pesar de los casi 40 años que las separan tiene muy poco que envidiarle.

No acababa de entender muy bien por qué se dedican a recoger perros abandonados en el bosque que rodea la casa. Resulta que el profesor se dedica a experimentar los trasplantes de piel con ellos y tiene mucho éxito.

La historia termina de una manera bastante brutal, de hecho me esperaba algo más en plan la policía descubriendo el pastel pero qué va. Me ha gustado mucho, más aún teniendo en cuenta el año en que fue hecha.

Spartacus (1960)

Aquí la titulamos "Espartaco".

Espartaco ha sido un esclavo romano toda su vida. Tras trabajar en una cantera termina siendo comprado por Batiatus quien le entrena como gladiador. Pero tras la primera pelea a muerte se rebela y se unen a él todos los esclavos.

Hace años vi las series y me quedé con ganas de volver a rescatar la película clásica pero al final se me pasó.

Dirigida por Stanley Kubrick. Es la quinta de las 13 películas que conforman su filmografía, es interesante que fue una de las que no participó en la concepción del guión ni tampoco hizo la labor de productor.

En el reparto destacan los nombres de Kirk Douglas (Spartacus), Laurence Olivier (Crassus), Charles Laughton (Gracchus), Peter Ustinov (Batiatus), Herbert Lom (Tigranes Levantus) y Tony Curtis (Antoninus).

Hay un montón de versiones con diferentes duraciones (destacan las restauradas de 1991 y 2015). La original dura 184 minutos, creo que es la más común.

Fue rodada en Alcalá de Henares.

La película tarda 8 minutos en comenzar. Esto es debido a que tiene un preludio musical y luego empiezan los créditos de inicio. En ellos me ha llamado la atención especialmente que Kirk Douglas sea un productor ejecutivo.

La opulencia de quienes ostentan el poder está plasmada en escenas como la de la mujer que quiere ver a unos hombres peleando a muerte sólo por su diversión, al precio que sea.

A medida que avanza la historia no tengo muy claro qué posición del senado romano es la buena y cuál la mala. Es una lucha de poderes en la que lo único que miran es salvar su propio culo hundiendo al de sus rivales.

La escena del enfrentamiento entre el ejército de Roma y el de los esclavos me ha recordado mucho a "Braveheart" (1995). Salvando la diferencia espacio/temporal viene a ser un combate muy parecido, aparte que la manera en que lo enfocan al principio mientras van disponiéndose los romanos es similar. A ese respecto es realmente fascinante ver la sincronización de tantos soldados.

En mi opinión los esclavos hubieran tenido más oportunidades enfrentándose a los dos grupos de soldados que les iban rodeando en el sur que yendo hacia Roma.

La parte de las crucifixiones no la recordaba, al menos no de la película (sí de la serie). De hecho no me importaría volver a verla para poder compararlas debidamente, pero es algo que no va a ocurrir.

Sus tres horas largas de duración no ayudan demasiado a la hora de verla del tirón, aunque no se hace pesada porque van pasando por diferentes situaciones. De hecho lo realmente curioso es que al terminar me he quedado con ganas de más porque aunque es el final de la historia de Espartaco hay personajes de los que me hubiera gustado conocer su destino.

Muchas de las cosas que parecen anacronismos no lo son. Por ejemplo llamar Italia al país, hay teorías que sostienen que ya tenía dicho nombre en la época romana. O las enormes cantidades de sextercios que mencionan a lo largo de la película parecen estar basadas en precios reales.

Es una historia trágica y como tal tiene momentos de alegría y de tristeza. Pero sobre todo es épica, centrándose en los hechos relevantes sin caer en banalidades ni escenas de relleno (como canciones o bailes). Y creo que esa es su grandeza.