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lunes, 19 de enero de 2026

Giù la testa (1971)

También conocida como "Duck, you sucker!" y "A fistful of dynamite".

Un hombre mexicano sube a una diligencia lujosa. Allí le insultan, creyendo que no entiende inglés. De repente son asaltados por un grupo de ladrones, que resultan ser sus cómplices. Tras dejarlos desnudos, se llevan la diligencia y de repente empiezan a suceder una serie de explosiones. Aparece un tipo montado en un moto quien trata de ignorarles, pero el hombre mexicano le dispara a la rueda, obligándole a detenerse.

Dirigida por Sergio Leone, ahora sí. También co-escribió la historia y el guion. Con esto completo todas la películas que dirigió, aunque también participó en muchos títulos como asistente de dirección o de la segunda unidad. Quizás me plantee revisar esa parte de su filmografía en el futuro.

El título viene del propio director durante los rodajes, solía gritar esa frase cuando alguien estaba a punto de golpearse con una de las cámaras, lo pusieron de manera temporal y se quedó.

Con Rod Steiger (Juan Miranda) y James Coburn (John H. Mallory) como los nombres más destacables de un reparto compuesto principalmente por italianos.

Leone prometió el papel protagonista a Eli Wallach, quien estaba metido en otro proyecto. Pero lo abandonó y cuando se presentó para aceptar su oferta ya habían contratado a Steiger. Eli no recibió compensación económica pero impuso una demanda.

Para más inri, Leone y Steiger tuvieron múltiples roces y había mucha tensión entre ellos. Aunque al final del rodaje quedaron a buenas.

Voy a ver la versión más completa, la que dura 157 minutos. Leone confirmó que cortó unos 40 más, principalmente de la primera mitad de la película. Existe también una versión en la que cortaron cerca de 20 minutos.

Otra película donde sienten la necesidad de mostrar primeros planos de bocas comiendo. Y no es una escena corta precisamente.

El tipo es un experto en explosivos del I.R.A., lo cual me parece poco preciso temporalmente hablando. En esencia, no podría coexistir con un revolucionario mexicano. La idea era mostrar el choque de esos dos hombres unidos a su propia revolución, tan diferentes.

Quizás exageran demasiado el panorama en Mesa Verde. Nada más llegar matan a un tipo de forma totalmente inesperada. Y lo siguiente que vemos es como ejecutan a otros tres. No qué hicieron, pero tiene que ver con oponerse al gobernador local.

El "atraco" al banco tiene su gracia, lo admito. Me ha gustado mucho la sorpresa que esperaba al protagonista. En esa escena mueren algunos de sus hijos y no parece importarle lo más mínimo.

En cuanto he visto el puente he pensado en cuánto tardarían el volarlo por los aires. Lo que no acabo de comprender es por qué disparan a los soldados antes, si hubiera explotado cuando pasaban por encima el daño habría sido mayor y más rápido, luego podrían rematarlos con facilidad.

Una cosa que no acabamos de ver es como los revolucionarios se arman con todo lo que llevan los militares al derrotarles.

Es una película de masacres. Van escalando a medida que pasan los minutos. Hay una que es una auténtica brutalidad, cientos de personas ejecutadas en fosas comunes. Al más puro estilo Segunda Guerra Mundial. Y yo me pregunto ¿es realmente necesario? Lo que me indican esas matanzas es que no eran capaces de frenar una revolución y que se dedicaban a matar gente normal, de manera aleatoria, con esperanzas de terminarla.

Y, curiosamente, el único que logra salvarse es el protagonista, gracias a su nuevo amigo.

Por un momento pensé que sería como "Butch Cassidy and the Sundance Kid" (1969), de hecho tengo la ligera impresión de que tratan de homenajearla o referenciarla sutilmente.

No sé, quizás debería verla un par de veces más, pero así a bote pronto no la considero a la altura de su trilogía del dólar. Aún así creo que es un acierto el cambio de actor, Steiger le da un carácter único al personaje, si hubiera sido Eli Wallach no podríamos haber evitado compararlo con sus anteriores papeles.

viernes, 26 de diciembre de 2025

Sodom And Gomorrah (1962)

Tenía que verla.

Las riquezas se han ido acumulando durante siglos en las ciudades de Sodoma y Gomorra. El rey de los helemitas es el más poderoso de los que viven en el exterior de dichas ciudades. Mientras tanto los hebreos estaban andando por el desierto. Y la reina de Sodoma está preocupada por su llegada.

La mencioné hace unas entradas como uno de los pocos títulos que me faltaba por ver de Sergio Leone. Aunque fue dirigida por Robert Aldricht. Leone llegó para encargarse de la segunda unidad y abandonó la producción al poco de empezar, por motivos desconocidos. Según Aldritch es la peor película de las que hizo, y la severa censura que tuvo a la hora de distribuirla no ayudó lo más mínimo.

En la versión integral Leone aparece en los créditos como el director de la versión italiana. Según tengo entendido es por condiciones del contrato relacionadas con el financiamiento italiano.

Tardaron unos 11 meses en rodarla, principalmente en Marruecos, pero también en un par de puntos de Italia.

Su presupuesto se disparó de los 2 millones iniciales a 5 y encima fue un desastre en taquilla.

Es una de tantas películas de las que robaron escenas en la infame "Dünyayi Kurtaran Adam" (1982).

La reina Bera en la biblia es un hombre. Ese pequeñito detalle cambia mucho las cosas.

De todas las historias de la biblia la de los judíos andando 40 años por el desierto siempre me pareció la más inverosímil, y eso es mucho decir. Es razonable la parte en la que son exiliados, no tanto que sea durante tanto tiempo y menos aún que lo pasaran vagando. Aparte que los describen como cientos de miles o quizás millones de personas, cuando en las películas siempre los representan como unas pocas docenas.

Si nos basamos en las pruebas arqueológicas, todo indica que estaban establecidos en Canaan en la época del exilio, no que emigraron allí, que no habitaron en los sitios descritos del desierto durante 40 años (cabría una mínima posibilidad como nómadas, pero aún así no hay recursos para que sobreviviera tanta gente), y que la distancia de Egipto a Canaan la cubrirían en apenas unas semanas, no en años.

Algunos argumentan que es todo representativo de la identidad de los hebreos y su alianza con dios (quien los mantuvo con vida dándoles alimentos) y no real.

Me hace gracia la frase "es fácil reemplazar a la esposa" (cuando Lot dice que está apenado desde la muerte de la suya). En un lugar con dos ciudades que viven por y para el vicio parece muy bien contextualizado.

Tras una hora empiezo a ver varios problemas. El primero es que si censuras las escenas del baile esto es infumable. Lo segundo es que las torturas/asesinatos gratuitos de esclavos son las únicas escenas de acción y suceden demasiado pronto. Y lo tercero es que aún queda hora y media de película. Es bastante dura de ver.

Se empeñan en demostrarnos que palos y piedras son mejores armas que espadas, lanzas y arcos. El momento cumbre es el enfrentamiento entre el hermano de la reina (un conspirador de lo peorcito) y Lot (el líder de los hebreos).

En realidad no vemos cosas especialmente perturbadoras. A ver, hay una escena donde castigan a unos tipos atándolos a una rueda enorme y dejan claro que las hijas de Lot se acuestan con algunos sodomitas y la reina es lesbiana. Pero a la hora de la verdad sólo vemos mujeres bailando, gente comerciando con sal y... poco más. No sé si es como para destruir la ciudad por mandato divino.

Igual me he perdido algo, pero diría que toda la película transcurre en Sodoma. No creo haber oído mencionar a Gomorra hasta el final, cuando "dios" decide destruirlas.

Podrían haber hecho mejor lo de la estatua de sal...

Pero bueno, ese no es el mayor de sus problemas, ni de lejos. Es pesada de ver, tiene un par de escenas interesantes, pero dista mucho de otras películas de este estilo, y no hace falta compararla con grandes títulos para darse cuenta. En fin, la busqué por Leone y justo él apenas pinta nada en todo esto.

sábado, 1 de noviembre de 2025

Once Upon a Time in America (1984)

Aquí la titulamos "Érase una vez en América".

Noodles es un gángster de la época de la prohibición que logró huir cuando trataron de asesinarlo. 35 años más tarde regresa a Nueva York para confrontar a sus fantasmas del pasado.

Está basada en la novela del gangster Harry Grey "The Hoods", que es semi autobiográfica, publicada en 1953. También tiene elementos de las novelas "Martin Eden" de Jack London y "The Great Gatsby" de F. Scott Fitzgerald.

Dirigida por Sergio Leone. De su filmografía como director ya sólo me faltarán por ver "The King of Ads" (1991), "Giù la testa" (1971) y "Sodom and Gomorrah" (1962), aunque de esta última no recibió crédito y en realidad la primera es una recopilación de anuncios de televisión europeos. Así que podría decirse que me falta sólo una.

En todo caso esta fue la última película que dirigió y la considera su obra más personal.

Un reparto de lujo con Robert De Niro (David Aaronson "Noodles"), James Woods (Maximilian Bercovicz "Max"), Treat Williams (Jimmy Conway O'Donnell), Burt Young (Joe Minaldi), Joe Pesci (Frankie Minaldi), William Forsythe (Philip Stein "Cockeye") y James Hayden (Patrick Goldberg "Patsy"). Entre otros.

Fue el debut en el cine de Jennifer Connelly (Deborah de niña). Tenía 11 años. Gracias a este papel fue elegida para salir en "Phenomena" (1985).

La BSO corre a cargo de Ennio Morricone, cómo no, quien la compuso antes de empezar la grabación. Durante el rodaje Leone la ponía para ayudar a ponerse en situación a los actores.

Antes que nada, juraría que no he visto esta película antes y la versión que poseo es la que dura 4 horas y 11 minutos. Osea, la extendida y restaurada en el 2012. Existen dos versiones más, la estrenada en cines en EEUU dura 2 horas y 19 minutos y la que es la más conocida que dura 3 horas y 49 minutos.

Originalmente la idea del director era que fueran dos películas de 3 horas cada una. El metraje original duraba cerca de 10 horas. Los productores le hicieron recortar hasta la versión más normal de asi 4 horas.

Referencias a otras películas de gángsters:
- La visita a la casa de la infancia del protagonista es de "Dead End" (1937).
- La nostalgia de su juventud es de "High Sierra" (1941).
- Dos amigos de la infancia crecen para convertirse en dos personas diferentes y uno recuerda los viejos tiempos, como en "Angels with Dirty Faces" (1938).
- El paso del tiempo hace que cambie la política, como en "Bullets or Ballots" (1936).
- El gangster, Max, se va volviendo más paranoico, como en "White Heat" (1949).
- La maleta en la estación de "Cry of the City" (1948) y "The Killing" (1956).
- La inscripción "Your men will fall by the sword" de "Little Caesar" (1931).
- La relación entre Noodles y Deborah se asemeja al romance de "The Roaring Twenties" (1939).
- Las escenas del teatro chino son un tributo a "The Lady from Shanghai" (1947).
- La llegada del protagonista a la casa del senador Bailey es similar a "The Big Heat" (1953).

Me encanta el detalle de que el tipo se llame "Noodles" y el chino al principio lo llame así, pero sin saber que es su nombre da la impresión de que le esté ofreciendo "fideos". Hasta pasados casi 15 minutos no descubrimos que en realidad es su apodo.

Es larga, sí, pero no me lo ha parecido debido a que es casi episódica pues va dando saltos temporales hacia delante y hacia atrás a diferentes épocas. Lo cual algunos consideran que es una inconsistencia narrativa, pero en mi opinión se trata de ir rellenando los huecos a medida que avanza la película.

La parte de los niños está bien, cruel y dura, dándonos una explicación a cómo empezó todo y el significado del maletín misterioso.

Mientras la voy viendo he podido llegar a imaginarme qué partes cortaron y, sinceramente, creo que fue un gran error, es una historia que merece ser disfrutada plano a plano, escena a escena. No sobra nada.

La BSO es magnífica, cómo no, era lo que esperaba. Pero aún así me ha sorprendido la inclusión de una canción de The Beatles, en versión casi minimalista. Y el hecho de que una canción es tocada por uno de los chicos, convirtiéndola en su "tema".

La escena del cementerio es una de las extendidas, se nota mucho por el cambio de calidad y el desgastado color de imagen. Es donde aparece Louise Fletcher (Directora del cementerio Riverdale). Tiene una "continuación" en una escena donde un coche explota.

Otra de las escenas extendidas sucede después de la comprobación de penes por parte de Carol y su propuesta de hacer un trío primero y dobles parejas después. De nuevo se nota por el cambio notable de calidad de imagen. Es una escena donde hablan de los nazis, sin nombrarlos.

Había visto mencionar un par de veces la escena de la violación y pensé que sería la de la joyería, la cual no es para tanto. Pero no, sucede más tarde y es un poco incómoda de ver, por decirlo suavemente. Entiendo que haya gente a la que le marcó cuando la vieron.

Tras esa escena tenemos otra de las extendidas. Eve en un bar se fija en Noodles, borracho. Él se acuesta con ella llamándola Deborah. Al día siguiente Deborah está en un bar y eso enlaza con la escena del tren. Creo que es una escena peculiar pues agrega una capa más al personaje de Noodles.

El intermedio en la versión que he visto sucede a las 3 horas, lo cual deja una hora de película después. Es un poco raro.

Justo después del intermedio tenemos otra escena eliminada, es Deborah en una representación teatral.

Otra más sucede poco después, entre Max y el político, el que fue líder sindical. Sucede justo antes de la reunión con Noodles durante la fiesta.

Lo que más me fascina de esta película es la gran elección que hicieron para las versiones niños, son claramente identificables con los adultos. Y no sólo hablo físicamente, su manera de moverse, las gesticulaciones... es impresionante.

Según James Woods, no se sabe a ciencia cierta si Max murió en el camión de basura.

Leone dijo que el final podría interpretarse como que todo fue el sueño de un fumador de opio. Supongo que se refiere concretamente a todo lo que sucede después de que Noodles entre en el teatro chino.

Me la he tomado con cierta calma a la hora de verla y es que quería saborearla debidamente. Y ha sido todo un acierto, es una gran película que merece la pena verla en su versión más completa.

domingo, 4 de agosto de 2019

Per qualche dollaro in più (1965)

Aquí la titulamos "La muerte tenía un precio".

Estamos en 1872. Dos cazarrecompensas van tras "El Indio", un peligroso pistolero que se dedica a aterrorizar junto con su banda. Su nuevo plan es atracar el banco de El Paso así que los cazarrecompensas deciden pactar para tenderles una trampa.

Con este título completo la conocida como "trilogía del dólar" de Sergio Leone que ya iba siendo hora.

La BSO está compuesta por Ennio Morricone. La curiosidad es que Leone le pidió que la tuviera lista antes de empezar el rodaje. Esto es porque le gustaba grabar con la música en vivo.

Protagonizada, de nuevo, por Clint Eastwood (Manco). Lee Van Cleef (Coronel Douglas Mortimer), su primer papel importante. Klaus Kinski (Juan Wild - El Jorobado), ese mismo año apareció en "Doctor Zhivago" (1965).

Aparte de Eastwood los actores que aparecen en las tres películas son Mario Brega (Nino), Benito Stefanelli (Luke "Hughie"), Aldo Sambrell (Cuchillo), Lorenzo Robledo (Tomaso) y Antonio Molino Rojo (Frisco). También Frank Brana aunque no recibió crédito.

La trilogía se caracteriza porque el personaje de Eastwood no tiene nombre e incluso algunos afirman que es el mismo por detalles como que usa el mismo poncho (literalmente). En realidad no tendría la más mínima relevancia de no ser porque hubo un conflicto con los productores de la primera película que reclamaron a Leone que no podía usar el mismo personaje, y por eso surgió lo de llamarle Manco.

Por cierto, el apodo de Manco proviene del hecho que sólo usa la mano izquierda (para pelear, disparar...). Así que técnicamente no es un nombre.

La ciudad de "El Paso" fue diseñada por Carlo Simi en Almería. Se trata del plató más grande que usó Sergio Leone hasta aquel momento. Posteriormente lo reusó para la película "Il buono, il brutto, il cattivo" (1966) para recrear varias ciudades usando diferentes partes. Hoy en día sigue en pie y es conocida como "Mini Hollywood".

Hollywood se había vuelto muy estricta en aquella época y habían ciertas cosas que no se podían mostrar en pantalla. Pero Sergio Leone usó varias de ellas debido a que ignoraba que estuvieran prohibidas. Por ejemplo mostrar al que dispara y su víctima en el mismo plano, disparar a un caballo, tomar marihuana o la escena de la violación.

En realidad Eastwood no tenía intención de volver a trabajar con Leone. De hecho ni siquiera había visto "Per un pugno di dollari" (1964) así que los creadores prepararon un pase en italiano (porque aún no había sido doblada al inglés) y la vio. Quedó tan impresionado que al terminar les llamó y les dijo que volvería a trabajar con el director.

Además Sergio Leone no quería hacer una secuela pero se vio forzado cuando la productora de la primera película se negó a pagarle hasta que la rodase.

Lee Van Cleef estaba pasando un mal momento en su carrera que le llevó al consumo de alcohol. En realidad Leone le llamó porque los otros tres actores a los que se lo pidió (Henry Fonda, Charles Bronson y Lee Marvin) rechazaron su oferta. Cuando aceptó el papel creía que sería un secundario más y se sorprendió al ver que era el coprotagonista.

El tal Indio tiene una política curiosa con sus hombres. En la parte final se pone a matarlos y me cuesta un poco seguir sus razonamientos. Pero vamos cumple con el tópico de que es tan malo que mata a los suyos.

Resulta gracioso que Lee llame a Clint "boy" y que el responda "old man" cuando apenas se llevan 5 años.

En fin, tal y como me esperaba no me ha defraudado. Veo claramente como algunas de las escenas fueron luego recreadas aunque de una manera muy diferente en la tercera película. Y no sabría decir a ciencia cierta si son los mismos personajes, el de Clint Eastwood quizás pero el de Lee Van Cleef seguro que no, o al menos no tiene sentido su relación de la manera en que terminan aquí.

viernes, 5 de abril de 2019

Il buono, il brutto, il cattivo (1966)

Entrada 3500

Alcanzamos otro hito en el camino. Un bonito número, todo hay que decirlo.

He empezado este año 2019 con una cierta calma, debido principalmente a que estoy siguiendo un par de series y les dedico un cierto tiempo, lo cual hace que no consiga seguir el ritmo de 2 películas diarias que había alcanzado los últimos meses del año anterior.

Y lo más probable es que la cosa decaiga próximamente porque tengo intención de pararme a ver algunas temporadas en un momento dado, quizás en verano dado que no sé si podré hacer un especial de tiburones como viene siendo habitual estos últimos años (tengo apenas 7 títulos por el momento y uno es una versión rara de "Jaws" (1975), pinta mal la cosa).

Por otra parte he tenido muchos problemas con ambos ordenadores que poco a poco he ido subsanando. Esencialmente un programa que llevaba usando desde hacía años de repente me causaba pantallazos azules en el portátil y el sobremesa se estaba saturando demasiado frecuentemente. Ahora parece que todo vuelve a ir bien.

En el blog he cambiado algunos de los nombres de los enlaces que aparecen en la parte derecha para que quede más claro qué es cada uno. También he mejorado de forma notable la lista de Series y demás, aparte que he añadido la subsección "Teatro" que espero que poco a poco se irá llenando.

En fin, la película elegida esta vez es la tercera de la conocida como "trilogía del dólar", ya comenté "Per un pugno di dollari" (1964), la otra la dejo para más adelante. Ésta es mi favorita de las tres y una de las mejores películas de la historia, en mi opinión. Pasemos a ella.

Il buono, il brutto, il cattivo (1966)

Aquí la titulamos "El bueno, el feo y el malo".

Durante la guerra civil americana tres forajidos se enteran de que alguien ha ocultado 200,000 dólares en una tumba de un cementerio. Pero sólo uno de ellos conoce en qué cementerio y otro cuál es la tumba.

Una de las siete películas dirigidas por Sergio Leone. Aún me quedan por ver algunas de ellas, aunque es cuestión de tiempo.

Protagonizada por Eli Wallach (Tuco), osea el feo. Clint Eastwood (Rubio), osea el guapo. Y Lee Van Cleef (Angel Eyes), osea el malo.

Leone apenas hablaba inglés y Wallach apenas hablaba italiano así que se comunicaban en francés.

Salvo los tres protagonistas y un par de actores que hablaban en inglés el resto del reparto usa su lengua nativa, posteriormente fueron doblados. Era una práctica habitual en el cine italiano de entonces porque los platós de Italia tenían muy mala acústica.

La música de Ennio Morricone en ciertos momentos intenta emular al sonido de un coyote aullando. Esta es la BSO más vendida de cuantas compuso.

No dicen explícitamente el año en que transcurre la acción pero sí que fue durante la campaña de Nuevo México que sucedió en 1862. Eso la sitúa antes de las otras películas, osea es una precuela. Además al final el personaje que interpreta Eastwood adquiere el poncho distintivo que usó en las otras dos.

Hasta pasados 10 minutos no dicen la primera frase. Y aún así no se pierde ni lo más mínimo de la narrativa de la historia.

En cada una de las introducciones los protagonistas matan a tres personas cada uno.

La primera frase que dice Tuco en español es "¡Hijo de puto que te parió!". Resulta gracioso oírle en VO. Más tarde la segunda frase interesante que dice es "Hijo de una gran putaaaaaa". Me meo.

Una de las escenas más graciosas para mí es cuando recitan todos los cargos por los que es buscado Tuco cuando lo van a colgar.

La escena en la que el rubio dispara a la cuerda de Tuco cuando le están ahorcando casi le cuesta la vida a Eli Wallach. El caballo se asustó al oír el disparo y salió corriendo, el actor tenía las manos atadas a la espalda y tuvo que sujetarse fuertemente con las rodillas para no caer.

La ciudad donde van a colgar a Tuco por primera vez es la misma donde se rodó "Django" (1966), estaba situada en un plató de Roma.

Y la que van a colgar a Tuco por segunda vez (Valverde), la de Maria siendo interrogada por Angel Eyes (Santa Ana), la que Tuco visita la tienda de armas y la que Tuco y su banda tienden una trampa al rubio en realidad es la misma. De hecho está situada en el mismo plató que usaron en "Per qualche dollaro in più" (1965) (aunque allí la llamaron El Paso) pero rodada en diferentes zonas para que no se notase.

Lee Van Cleef no pudo realizar la escena en la que golpea a Maria en la cara así que usaron un doble. Fue por principios personales, según él no puede darle una patada a un perro ni golpear a una mujer en la cara en una película.

La escena en la que Tuco se pone a examinar las armas en la tienda está totalmente improvisada por el actor. Leone le dijo que hiciera lo que le pareciese bien ya que Wallach no tenía ni idea de armas. Cuando le pone el cartel de cerrado en la boca también lo improvisó.

Tras esa escena hay una de las que se añadieron posteriormente. Se nota bastante porque aunque es el propio actor quien se dobla su voz suena muy diferente. En ella Tuco se reúne con tres mexicanos y deciden ir a por el rubio.

Otra de las escenas nuevas sucede tras el intento de ahorcamiento del rubio por parte de Tuco. El malo llega a una ciudad en ruinas y se encuentra con unos soldados. Esta vez el actor que lo dobla es otro por el fallecimiento de Van Cleef en 1989.

La siguiente escena nueva sucede cuando Tuco lleva al rubio por el desierto y se pone a lavarse los pies.

Hay una escena nueva más cuando el rubio se desmaya tras decirle a Tuco que conoce el nombre de la tumba con el dinero. Esencialmente sucede de noche, la carreta donde lo lleva para en un lugar con soldados y le indican hacia donde están los curas que pueden curar al rubio.

Y otra más justo cuando el rubio se despierta y mata a uno de los hombres de Angel Eyes oculto en la maleza. En realidad hay algunas escenas más pero son muy cortas y de poca importancia.

Al cambio actual los 200.000 dólares en oro valdrían cerca de 18 millones y medio.

Había una diferencia notable de altura entre Eastwood y Van Cleef (casi 23 centímetros) lo cual dificultó algunas de las tomas en las que aparecen juntos.

La escena del puente Branston es la más deprimente. Gente matándose día a día por un puente que tienen que mantener intacto porque así se lo han ordenado los que mandan.

Participaron unos 1500 soldados españoles como extras.

La mejor escena es la del cementerio, desde que Tuco choca con la lápida y empieza a sonar "The ecstasy of gold". El perro que aparece de repente sorprendió al actor de veras, el director lo soltó para que quedase más realista.

El cementerio de Sad Hill fue construido adrede, como ya expliqué en el documental "Desenterrando Sad Hill" (2017). En él también explican con más detalle por qué tuvieron que construir 2 puentes.

El esqueleto que encuentra Tuco en la tumba de Arch Stanton es real. Pertenecía a una actriz española que quería actuar incluso después de su muerte.

Atentos a lo que hace Angel Eyes tras colocar el rubio la piedra en el suelo, cuando se colocan para dispararse. Pasa por delante de Tuco en lo que parece una maniobra muy arriesgada, sin embargo está buscando una posición muy concreta, la que le deja el sol a su espalda (se nota por las sombras), cosa que es muy ventajoso en un tiroteo.

No sé cuántas veces la habré visto, de hecho no estoy seguro del todo de si esta es la primera vez que la veo en VO, aunque diría que no. De hecho aunque creo que la vi hace más de 10 años por última vez la tengo tan fresca en la memoria que he reconocido las escenas que han añadido posteriormente sin problemas.

En resumen, es un western único con unos personajes inolvidables. Una manera única de hacer cine y una de esas películas que nunca me canso de volver a ver.

lunes, 7 de enero de 2019

Il colosso di Rodi (1961)

Aquí la titulamos "El coloso de Rodas".

Año 280 A.C., Isla de Roda. Una estatua gigantesca erigida en honor del dios Apolo es inaugurada. Pero no todos sus habitantes están contentos con ella, algunos se oponen pero necesitan ayuda externa para poder hacer algo.

Aunque llevaba ya 15 años de carrera metido en diferentes proyectos se trata de la primera en la que Sergio Leone es acreditado como director, además también fue uno de los guionistas (según la versión estadounidense fueron cuatro, pero en el guión trabajaron un total de nueve).

Rory Calhoun (Dario) lleva un brazalete en su brazo izquierdo durante buena parte de la película. Era para poder ocultar unos tatuajes.

En la vida real el Coloso, una de las siete maravillas del mundo antiguo, medía aproximadamente unos 32 metros de altura mientras que en la película es de unos 110 metros. No se sabe con seguridad cuál fue su localización exacta aunque todo apunta a que no era en el puerto.

El rodaje de exteriores tuvo lugar en España. Más concretamente en las provincias de Cantabria, Segovia y Cuenca.

La historia es, esencialmente, la de dos grupos de traidores: uno cercano al monarca con mucho poder y otro más cercano al pueblo. El primero busca amasar más poder aún, el segundo la libertad. Y en medio de todo el meollo hay un ateniense que pasa de ser un enemigo de todos los bandos, incluido el del rey.

Hay un par de escenas de torturas bastante imaginativas. Por ejemplo echar ácido a gotitas sobre el cuerpo de un hombre (hasta matarlo) o meterlo dentro de una campana gigante y hacerla sonar repetidas veces.

Aparte recrean una especie de circo romano donde siguen torturando a los traidores. Usan cuádrigas, leones... en fin, lo habitual. Es el festival de la tortura, estilo clásico.

He notado que tienen cierta propensión al sudo del fuego tanto para torturar como para matar y/o ejecutar.

Creo que el protagonista habla demasiado cuando le explica a la hija del rey con todo tipo de detalles qué van a hacer los dos grupos de rebeldes y donde se esconden. Si total sólo quiere hablar con su padre.

Definitivamente un título interesante. Para empezar trata de un periodo del que se han hecho pocas películas y la historia tiene mucha miga. Quizás mi mayor pero son algunas de las actuaciones, especialmente durante los combates.

domingo, 30 de diciembre de 2018

Desenterrando Sad Hill (2017)

Se trata de un documental que reúne a un grupo de personas que quiso volver a crear el cementerio de la parte final de "Il Buono, Il Brutto, Il Cattivo" (1966).

Lo interesante es que hacen aparición todo tipo de personas relacionadas con el film. Empezando por el director, Sergio Leone, de quien rescatan algunas entrevistas y frases que dijo en su momento. Personalmente me ha gustado mucho la respuesta que dio a si tuvo problemas con la censura en España por la temática de su película, su respuesta fue que como la historia no tenía nada que ver con la guerra civil española, ni con nada español (en general), que hiciera lo que le diese la gana, cosa que hizo.

Ennio Morricone también participa hablando del aspecto musical. Como el tema que compuso ha pasado a ser considerado la segunda mejor canción de todos los tiempos (imagino que se refiere a bandas sonoras).

Eugenio Alabiso fue el montador. Nos narra algunas anécdotas como la de que Leone pidió a los editores que fuesen al lugar del rodaje.

El director Joe Dante habla de como le influyó el cine de Leone y en especial esta película.

Para James Hetfield, el cantante de Metallica, es una película en la que siempre descubres algo nuevo cada vez que la vuelves a ver.

Los diferentes partícipes van entrelazando sus frases a medida que avanza el documental y buena parte de ellos son el grupo de personas que vivía relativamente cerca de donde se construyó el cementerio y como descubrieron que tenían una pasión en común cuando murió Eli Wallach, ya que eso hizo que se reuniesen por primera vez en la zona.

Resulta fascinante aprender tanto de una película que ha pasado a ser una de las mejores de la historia. Por ejemplo está el hecho de que contrataron a militares españoles para hacer de extras con unos sueldos tipificados según su rango militar. O cómo este grupo de aficionados ha ido recopilando fotografías de gente que estuvo en los rodajes.

Salen también algunas imágenes tomadas del cortometraje "Sad Hill with Sad Hill" (2016) en el que tres amigos canadienses viajaron a España para recrear la escena del cementerio plano a plano.

Una de las mejores partes es cuando hablan de cómo se rodó la escena en la que vuelan un puente. Lo tenían todo apunto, los encargados eran los militares españoles expertos en detonación y cuando Leone le explica al que tenía que dar la orden cómo hacerlo (moviendo un pañuelo) él le dijo: "¿así?" y volaron el puente sin que las cámaras estuvieran grabando. Tardaron 2 días en reconstruirlo para volverlo a volar por los aires.

Durante esa narración interviene Clint Eastwood quien cuenta que durante esos dos días se fueron a Almería a grabar algunas escenas.

Seguidamente continúa la historia principal que es la restauración del cementerio. Tuvieron ayuda de muchos voluntarios pero no siempre podían ir todos así que había días en los que avanzaban muy poco. Se les ocurrió la idea de "apadrinar" las tumbas a cambio de un coste simbólico para cubrir gastos y recibieron un montón de solicitudes.

James Hetfield explica que no ve como algo morboso que haya una tumba con su nombre. De hecho el FB de Metallica colgó unas fotos con las tumbas de sus cuatro miembros actuales.

La parte final del documental es sobre cómo se celebró el 50º aniversario, las 4000 personas que acudieron al recién reconstruido cementerio, la recreación del duelo final y, la parte más emocionante, los mensajes de Morricone, James Hetfield y Clint Eastwood a los que hicieron posible dicha gesta, seguido de la proyección de película.

Por último vemos la escena en el arranque de un concierto de Metallica en el año 2011, algo que llevan haciendo desde principios de los 90.

Personalmente me pilla un poco lejos (está en Burgos) pero me encantaría poder visitarlo algún día. Creo que lo que han conseguido es una tarea titánica y su resultado es excelente.

martes, 13 de noviembre de 2018

Per un pugno di dollari (1964)

Aquí la titulamos "Por un puñado de dólares".

Un forastero llega a un pueblecito mexicano llamado San Miguel donde unos dos grupos de asesinos se están cargando a la población. Por ello decide actuar poniéndose a favor de uno de los bandos para que eventualmente se enfrenten y sólo tenga que terminar con los pocos que queden vivos al final.

Es considerado el primer "spaghetti western" aunque en realidad ya existían más de 20 títulos producidos en Italia ambientados en el salvaje oeste. Claro que éste fue el que popularizó el género.

Pero en realidad no viene a ser más que un remake de "Yôjinbô" (1961) de Akira Kurosawa. El director japonés metió a Sergio Leone en problemas legales por ello y terminó cediéndole un 15% de las ganancias y los derechos de distribución en Japón, Corea del Sur y Taiwán.

Es la primera de la conocida como "trilogía del dólar", las otras dos son "Per qualche dollaro in più" (1965) y "Il buono, il brutto, il cattivo" (1966).

Se trata de la primera colaboración entre Sergio Leone y Ennio Morricone. Eran amigos desde la infancia y su relación de trabajo se mantuvo durante todas las películas del director. A Leone le gustaba tanto las canciones que creaba Morricone que hacía durar más las escenas para que cupiesen enteras.

El famoso gesto que hace Clint Eastwood (Joe) con los ojos (cuando los entrecierra) es debido a la combinación de la luz del sol y de los focos de alta intensidad.

Los cigarrillos negros que fuma los compró él mismo adrede. También los cortó en tres pedazos para hacerlos más cortos. En realidad el actor no fuma.

En realidad no fue la primera opción para Sergio Leone. Primero quería a Henry Fonda, luego a James Coburn (quien resultó ser demasiado caro), Charles Bronson (dijo que era el peor guión que había leído jamás), Richard Harrison (le aconsejó mirar en la serie "Rawhide") y Eric Fleming quien rechazó el papel pero le propuso a Clint.

El contrato de Clint establecía que no podía rodar películas en EEUU mientras hacía la serie. Pero no ponía nada de hacerlas en Europa.

Clint Eastwood tuvo que corregir los errores históricos que cometía el equipo italiano. Por ejemplo los típicos sombreros de mapache los llevaban los cazadores/tramperos de la década de 1820 y no la gente de ciudad de 1870.

Entre los actores españoles que aparecen tenemos al recientemente fallecido Álvaro de Luna (uno de la banda de Rojo), quien no recibió crédito por su intervención.

La escena en la que usan la ametralladora para matar a unos soldados me ha recordado la película "Wild Wild West" (1999).

Ésta es la película de la que se copia Marty McFly en "Back to the Future Part III" (1990) cuando se pone una placa de metal por debajo de la ropa a modo de chaleco antibalas.

Lo he dicho alguna vez, pero no me importa repetirlo: me encantaría poder explorar a fondo la filmografía de Sergio Leone. Cada título que veo por primera vez es todo un viaje cargado de referencias a otras películas del género con mayor o menor fama.

Personalmente creo que he tardado demasiado en ver ésta película, pero por desgracia mi tiempo es finito y no puedo ver todo lo que tengo en mente.

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