Battlestar Galactica (1978)

Aquí la titulamos "Galáctica".

Las últimas 12 colonias de humanos se unen en una conferencia de paz. El líder de una de ellas tiene sus dudas sobre los Cylons y hace bien pues están ocultos en las cercanías preparados para atacarles.

Se trata de una edición extendida del primer episodio de la serie original, titulado "Saga of a Star World". Por lo que he podido comprender fue estrenada en cines antes del comienzo de la serie pero sólo fuera de EEUU para poder recaudar algo de dinero. Hay que tener en cuenta que se trata de la serie más cara hasta ese momento.

Es una de esas series que siempre he querido ver y que quizás me anime a hacerlo más adelante. Está compuesta por las dos temporadas de la serie original, una tercera que salió en el año 1980 y luego hay unas cuantas más modernas. También hicieron una segunda película titulada "Mission Galactica: The Cylon Attack" (1979) que viene a ser una secuela de ésta, más o menos.

Lo cierto es que para ser un producto hecho para televisión tiene una calidad muy alta. Las naves son muy detalladas y variadas y las escenas en el espacio no tienen nada que envidiar a series como "Star Trek", por ejemplo.

El arranque de la historia engancha, lo que parece ser el principio de una amnistía en pocos minutos se vuelve una guerra abierta de los humanos contra los Cylon.

Al principio dicen algo así como que el año es cercano al séptimo milenio (supongo que se refieren al año 7000) sin embargo cuando hacen un chequeo de la nave de Starbuck se ve claramente "Made in USA".

Y como no podía ser de otra manera Dirk Benedict (Starbuck) tiene algún que otro problema de faldas. El factor romances es sólo uno más, la gran mayoría de las tramas se basan en los problemas que ocasiona la guerra, osea la logística de trasladar los supervivientes a un nuevo planeta, la falta de comida y encontrar la ruta más eficiente y segura.

Me ha parecido un gran arranque de serie, incluso me planteo en serio ver los 21 episodios de las dos temporadas originales.

Appointment with Death (1988)

Aquí la titulamos "Cita con la muerte".

1937, New Jersey. La muerte del padre de una familia hace que su esposa Emily se vuelva codiciosa y obliga al abogado de la familia a destruir el último testamento donde repartía sus bienes entre sus hijos de forma equitativa para hacerse ella misma con el control de todo.

Es la primera adaptación cinematográfica que tuvo la novela homónima de Agatha Christie. He de decir que ésta no la he leído.

De nuevo tenemos a Peter Ustinov (Hercule Poirot) encarnando su personaje más famoso (fueron un total de 6 veces). Del resto del reparto destacan los nombres de Lauren Bacall (Lady Westholme) y Carrie Fisher (Nadine Boynton).

La película sigue la clásica estructura del grupo de personas que terminan en un lugar y una de ellas muere, en este caso la madre que se comporta de manera horrible con sus hijastros y con la gente que le rodea, en general. Casualmente Poirot está en ese mismo lugar y se pone inmediatamente a investigar.

Dicho lo cual, creo que en algunos momentos hacen un poco de mofa sobre precisamente el hecho de que Poirot esté siempre en el lugar adecuado para escuchar conversaciones ajenas conectadas con el caso. Él mismo predice que habrá uno mucho antes de que suceda e incluso tiene bastante claro quién será la víctima.

También lo de reunirlos en "un lugar con mucho dramatismo" para la revelación final parece una coña. Y cuando por fin se produce dicha reunión la frase "parece una escena de teatro" no podría ser más acertada.

Creo que enfatizan de manera exagerada lo horrible que es Emily. No para de decirle a su hija que "se vaya a descansar porque está cansada", no para de incordiar a sus hijastros y su nuera es su enfermera por obligación. Encima trata de asesinar al abogado para que no hable.

Estaba dándole vueltas y creo que el final de la historia es el justo el principio de "Murder on Orient Express" (1974). O por lo menos al comienzo de la adaptación más reciente Poirot se encuentra en Jerusalén. Por cierto, en la versión clásica aparece también Lauren Bacall aunque interpretando a otro personaje.

No es una mala película aunque a estas alturas resultan poco sorprendentes los giros de argumento finales, casi predecibles. Pero bueno, está bien ver una adaptación un poco más distendida del personaje de Poirot.

All Quiet on the Western Front (1930)

Aquí la titulamos "Sin novedad en el frente".

Los jóvenes alemanes se alistan llenos de ilusión para combatir en la gran guerra. Pero nada más llegar al campo de reclutamiento reciben un trato muy duro y la cosa va a peor en cuanto se unen a los soldados del frente.

Tuvo una secuela titulada "The Road Back" (1937) y el remake para televisión "All Quiet on the Western Front" (1979). Por otra parte hay otro remake en progreso aunque desde el año 2010 no han conseguido que cuajase el proyecto.

Es considerada la película estadounidense más violenta de la historia porque a partir de 1934 surgió el conocido como "código de producción" (también llamado The Hays Code) en el que se propulsó lo que posteriormente sería la censura. Previo a dicho código hubieron películas en las que mostraron besos lésbicos, actores y actrices haciendo cualquier tipo de papel o incluso mostraban la adicción a las drogas.

Fue prohibida en la Alemania Nazi porque aún les escocía el haber perdido la Primera Guerra Mundial (aunque pusieron como excusa que mostraba a los alemanes como cobardes). Al principio se dedicaban a boicotearla pero eventualmente no permitieron más pases hasta el año 1956. Sin embargo los alemanes podían ir a verla en los países vecinos e incluso organizaban trenes y autobuses adrede. En Italia también fue prohibida hasta el año 1956.

Dirigida por Lewis Milestone se trata de su película más famosa. Suyas son "Mutiny on the Bounty" (1962), "Ocean's Eleven" (1960) y "Of mice and men" (1939), por decir tres.

Muchos de los extras alemanes eran ex-soldados que habían combatido en la guerra que se habían ido a vivir a EEUU.

Existen varias versiones oficiales, algunas mudas y otras sonoras. La más larga es la original sin censurar que dura unos 147 minutos, la más corta dura 101, es la de televisión. La que poseo es la restaurada cuya duración es de 133 minutos.

La película muestra con gran realismo el ambiente vivido por los soldados incluso antes de entrar en batalla. El estrés continuo, la falta de comida, la muerte de sus amigos cuando se desplazan de un lugar a otro... y la desesperación e impotencia de no poder hacer nada salvo seguir adelante.

Es impresionante la crudeza de imágenes como el soldado que se queda ciego o cuando avanzan por el campo de batalla y son abatidos por las bombas o el fuego cruzado. Concretamente una imagen en la que se ven dos manos cortadas sujetando un alambre de espino tras volar por los aires el soldado al que le pertenecían me ha parecido brutal.

Resulta peculiar la conversación que mantienen sobre quién empezó la guerra. Los soldados no son conscientes de qué bando lo hizo ni tampoco la razón. Aunque sí tienen claro que el Kaiser está en su casa mientras ellos luchan.

No sé si llamarlos cobardes pero desde luego son bastante indisciplinados. Claro que la guerra hace que cualquiera pierda el interés por seguir órdenes estúpidas para tratar de sobrevivir en todo momento. Y más una guerra tan física donde los combates cuerpo a cuerpo son el día a día.

Creo que las películas bélicas deberían ser siempre así, mostrando las miserias por las que pasan los soldados desde el momento en el que se alistan hasta que, tras ver perecer a gran parte de sus compañeros, regresan a casa con heridas emocionales peores que las físicas.

He visto un fallo interesante, en la parte final cuando Paul regresa al aula donde el profesor les insufla el aire de patriotismo y la necesidad de alistarse la pizarra tiene escrita la misma frase en griego, sólo que la han medio borrado para que no se note tanto.

狂った一頁 (1926)

Aquí la titulamos "Una página de locura", que viene a ser el título original traducido.

Un hombre entra a trabajar como conserje en el centro psiquiátrico donde se haya su esposa para poder cuidar de ella. Su hija está a punto de casarse y está preocupada porque se conozcan los detalles sobre la enfermedad de su madre ya que en aquel momento se creía que eran enfermedades hereditarias.

Una película que se consideró perdida durante más de 40 años hasta que el director Teinosuke Kinugasa encontró una copia en un cobertizo en 1971.

Es probable que fuese uno de los títulos que tenía previsto ver en el pequeño recorrido de cine experimental que hice hace unas semanas.

No tiene ningún cartelito de textos con lo cual la narrativa resulta un tanto complicada de seguir al detalle. Cuando fue proyectada en los años 20 incluía una narración en directo por parte de un cuentacuentos.

Hace uso de la superposición de imágenes con bastante frecuencia para dar un efecto difuso, o de transición.

Las imágenes de la lluvia me han parecido excepcionales. Qué manera de enfocar al detalle para que se vea lo justo y necesario como para no tener que explicar nada y, sin embargo, decirlo todo.

Visualmente hablando me parece fantástica. La dinámica de las imágenes me resulta fascinante en ciertos momentos. Y quisiera destacar la parte de las máscaras, que en realidad es una pesadilla del protagonista.

Una lucertola con la pelle di donna (1971)

Aquí la titulamos "Una lagartija con piel de mujer".

Carol Hammond tiene pesadillas en las que forma parte de las fiestas hedonistas de su vecina, Julia Durer. En una de ellas se ve a sí misma clavándole un cuchillo a su vecina hasta morir. Días más tarde encuentran el cadáver y ella cree que es la culpable.

Dirigida y escrita por Lucio Fulci. Tengo pendientes bastantes títulos suyos que tienen una pinta interesante. Por ejemplo "Zombi 2" (1979) o "Paura nella città dei morti viventi" (1980).

Ennio Morricone es quien compuso la BSO.

Me encantan las pesadillas del principio, especialmente la del asesinato. En ella aparece un cisne con una cara grotesca y la protagonista acaba saltando desde lo alto.

Acabo de recordar la razón por la que busqué esta película. Más o menos pasada una hora de película la protagonista se encuentra con unos perros abiertos en canal con unos tubos que tienen apariencia de seguir vivos. Eso puso en algunos aprietos a los creadores de la película quienes tuvieron que mostrar los muñecos que usaron para crear tal efecto.

La historia va desenmascarando a los diferentes jugadores de esta partida de ajedrez. Todo parece indicar que es una conspiración muy complicada y tardan bastante en dar con la verdad.

Pero bueno, lo mejor de la película son las pesadillas que explican los diferentes momentos por los que irá pasando la protagonista posteriormente.

Me ha gustado la idea de montar una trama en torno a un sueño y cómo van explotando los perfiles de los diferentes personajes para engañar al espectador el tiempo suficiente. Otra película que no defrauda de Fulci.

One Flew Over the Cuckoo's Nest (1975)

Aquí la titulamos "Alguien voló sobre el nido del cuco".

Estamos en 1963 en Oregón. Para evitar una condena de prisión McMurphy se declara loco y es enviado a un manicomio. Pero una vez allí se dedicará a ir contra la enfermera Ratched usando como apoyo al resto de enfermos que están encerrados allí.

Dirigida por Milos Forman. Uno de los pesos pesados en Hollywood. Entre sus títulos más destacados están "Amadeus" (1984), "Hair" (1979), "The People vs. Larry Flint" (1996) y "Man on the Moon" (1999).

Según el director una de las influencias para el estilo que adoptó a la hora de grabar esta película fue "Titicut Follies" (1967), he de decir que es una de las primeras películas que me viene a la mente al verla. De hecho se la mostró a los actores antes de empezar el rodaje para que entendiesen mejor la vida dentro de una institución psiquiátrica.

Kirk Douglas adquirió los derechos en 1963 e interpretó la obra teatral. Su hijo Michael Douglas fue quien co-produjo la película. Kirk tenía intención de protagonizarla también pero cuando por fin se materializó la producción ya era demasiado mayor

Del reparto destacan los nombres de Jack Nicholson (Randall Patrick McMurphy), para mí su mejor película seguida de "The Shining" (1980). Louise Fletcher (Enfermera Ratched), su papel más famoso, salió en "Cruel Intentions" (1999). Will Sampson (Jefe Bromden), su segunda película, salió también en "Orca" (1977). Michael Berryman (Ellis), poco después hizo "The Hills Have Eyes" (1977). Danny DeVito (Martini), fue su primer papel en una película de éxito. Vincent Schiavelli (Fredrickson), salió en "Ghost" (1990).

Aparte fue la película donde debutaron Brad Dourif (Billy Bibbit) y Christopher Lloyd (Taber). En el caso del primero se considera su mejor papel. Y atentos al cameo de Anjelica Huston como una de las personas viendo como regresa la expedición de pesca.

Muchos de los extras eran pacientes con problemas mentales auténticos.

Basada en la novela homónima que publicó Ken Kesey en 1962. No estuvo satisfecho durante el rodaje por la manera en la que estaban interpretando su obra y dijo que no vería nunca el resultado final. Tanto es así que un día vio una película empezada en la tele y cuando se dio cuenta de que era esta cambió de canal.

Louise Fletcher se mostró un tanto irritada por la manera en la que dirigía Milos Forman, de hecho la mirada que pone cuando McMurphy regresa de la terapia de shock estaba en realidad dirigida al director. Además se sintió molesta porque el resto de actores podían reír y ser felices mientras que ella tenía que mantenerse seria y despiadada, así que cuando estaban a punto de terminar el rodaje se quitó su vestido y apareció llevando solo unas bragas para demostrar que no era "un monstruo sin corazón".

La explicación de por qué Ellis se encuentra en ese estado durante toda la película es una escena cortada en la que se veía que le practicaban una lobotomía.

En la escena en la que Harding y Martini juegan a cartas se les oye decir la palabra "hovno". Es checa, como Milos Forman, y significa "mierda".

La película sirvió de inspiración a Metallica con su canción "Welcome Home (Sanitarium)".

Siempre que la veo me planteo si el castigo que recibe el protagonista no es algo desproporcionado para el crimen que comete. Esencialmente meter unas putas y algo de alcohol en el centro con intención de huir. Y al fin y al cabo la culpable del que suicida es la enfermera, la tirana sin corazón.

Supongo que esa es la grandeza de esta película, los personajes te hacen sentir las cosas de una manera muy cercana sin tener nada que ver con ellos.

Lock, Stock and Two Smoking Barrels (1998)

También conocida como "Lock & stock".

Tras perder medio millón de libras en una partida de póker organizada por Harry "Hatchet" cuatro amigos se ven obligados a conseguirlo en pocos días. Su mejor plan consiste en robar a sus vecinos justo después de que ellos roben a unos que planta marihuana.

En la época en la que salió "Snatch" (2000) este título resurgió y nos sorprendió gratamente por el estilo similar que tienen. Además que ambas están dirigidas por Guy Ritchie.

Fue la película donde debutó Jason Statham (Bacon). Su trabajo en la vida real era el mismo que hace al principio de la película, osea vendedor callejero. También fue la primera película de Vinnie Jones (Big Chris), fue liberado de custodia policial justo para empezar el rodaje, le arrestaron por darle una paliza a su vecino.

Atentos a la aparición de Sting (J.D.). Su esposa Trudie Styler fue quien encontró el guión en los años 90 y creyó que sería interesante que hiciesen la película. Claro que no le gustó la introducción porque era muy larga, estaba llena de errores ortográficos y muy mal presentada.

Existen dos versiones: la normal y la del director que dura unas 2 horas. Personalmente dispongo solo de la primera, para variar.

La escena en la que Ed olvida de traer las pistolas al robo fue añadida porque se olvidaron de traer las armas falsas al rodaje.

Nick el Griego le dice a Tom la frase "All right, all right, keep your Alans on!", la cual es bastante interesante. "Alans" es una palabra de jerga cockney, se refiere a Alan Whicker. Es un juego de palabras porque Whicker rima con knicker, osea ropa interior, con lo cual lo que está diciendo es "no te quites las bragas", poco más o menos. Y así de divertida es la jerga cockney, incluso los ingleses se vuelven locos tratando de adivinar qué dicen.

Otro ejemplo de jerga cockney es cuando dicen el nombre "Nick the Bubble" en vez de "Nick the greek". Viene de que "Bubble and squeak" rima con "greek". Suerte.

En el guión explican que el apodo de Bacon le viene porque de joven pasó tanto tiempo detenido por la policía que la gente creyó que era uno de ellos. Osea de cerdo, bacon.

Según Vinnie Jones, él fue el primer actor en ser elegido. En el guión describían a Big Chris "con un aspecto similar al futbolista inglés Vinnie Jones".

En la escena en la que Big Chris usa una puerta de un coche para matar a Dog en realidad está golpeando un tocón de madera. Claro que Guy Ritchie le dijo a Vinnie Jones que acojonase al cámara así que lo hizo de tal manera que los dejó a todos petrificados de miedo.

Es muy sutil pero el hecho de que Harry le ofrezca a Big Chris sujetar la escopeta que está limpiando no es tanto una cortesía sino una manera de involucrarle en futuros crímenes que vaya a cometer usando dicha arma al obtener sus huellas dactilares en ella.

Es una de las mejores películas sobre drogas, juego, robos, asesinatos e ingleses locos haciendo locuras.

Death at a Funeral (2010)

Aquí la titulamos "Un funeral de muerte".

Brian prepara el funeral de su padre en casa, tal y como él quería, pero a medida que van llegando los miembros de la familia se van acumulando los problemas.

Se trata del remake de la coproducción británica "Death at a Funeral" (2007). Curiosamente antes tuvo otro remake hindi titulado "Daddy Cool: Join the Fun" (2009).

Tiene un reparto de lujo con nombres como Keith David (Reverendo Davis), Loretta Devine (Cynthia), Peter Dinklage (Frank), Ron Glass (Duncan), Danny Glover (Tío Russell), Regina Hall (Michelle), Kevin Hart (Brian), Martin Lawrence (Ryan), James Marsden (Oscar), Tracy Morgan (Norman), Chris Rock (Aaron), Zoe Saldana (Elaine), Columbus Short (Jeff) o Luke Wilson (Derek).

Esencialmente un montón de actores cómicos, bastante conocidos en su mayoría. Y eso es quizás lo más positivo ya que de esa manera consiguen que no sobresalga ninguno con su particular manera de interpretar.

Y eso lo comento especialmente por Martin Lawrence quien tiende a pasarse de la ralla. Claro que estando junto a Kevin Hart en prácticamente todas sus escenas lo tiene realmente difícil.

La película en sí es la típica comedia de enredo donde cada personaje aporta su granito en el caos que no para de crecer a medida que avanza la historia.

Personalmente tengo que decir no he visto la original (porque desconocía su existencia antes de ver esta) y por ello no puedo hacer una comparación entre ambas. Aunque sí sé que Peter Dinklage aparece en ambas interpretando diferentes personajes.

No está mal, me ha resultado divertido volver a ver a Danny Glover haciendo comedia. Para pasar un rato entretenido.

Wind River (2017)

A ver qué tal.

Cory es un cazador experto en la nieve. Sus servicios son requeridos cuando aparecen los rastros de unos leones. Pero cuando se pone a rastrearlos encuentra el cadáver de una mujer que conoce llamada Natalie Hanson.

El título es el nombre de una reserva real de indios americanos.

Lo primero que me llamó la atención fueron los actores que aparecen de películas y series de Marvel. Tenemos a Jeremy Renner (Cory Lambert), conocido por ser Hawkeye, Elizabeth Olsen (Jane Banner), conocida por ser Scarlet Witch, Jon Bernthal (Matt), conocido por "The Punisher".

Por cierto, Jon Bernthal perdió cuatro uñas de los pies grabando la escena que aparece en el trailer. Y Elizabeth Olsen sufrió fotoqueratitis, osea ceguera debido a la falta de protección contra la luz solar reflejada en la nieve.

Lo tuvieron bastante complicado a la hora de filmar en las localizaciones debido a las ventiscas. Usaron vehículos de nieve y luego en post producción borraron las huellas que dejaban para que siempre pareciese un paisaje virginal.

Me fastidia un poco que hagan tan pronto la típica escena flashback donde se revela lo que sucedió. Tras ella aún queda media hora de película aparte que he de decir que más o menos ya tenía claro qué había sucedido.

Sin embargo me ha sorprendido la escena donde los culpables tratan de salirse con la suya, sobre todo porque es una auténtica masacre. Y especialmente la muerte del último de ellos, es pura poesía.

Una película que ha resultado estar muy bien. Para mí lo mejor es Jeremy Renner, probablemente sea su mejor papel hasta la fecha. El resto no están mal pero quedan empequeñecidos a su lado. Supongo que era demasiado pedir que de alguna manera se conectasen al final los dos casos, pero bueno, podría ser peor.

Then Came You (2018)

También conocida como "Arrivals" y "Departures".

Skye tiene un cáncer terminal pero no por ello pierde el optimismo. En un grupo de ayuda conoce a Calvin, un hipocondríaco, y juntos se dedican a hacer todo lo que tiene apuntado en su lista de cosas que quiere hacer antes de morir.

En ocasiones me cuesta recordar la razón por la que elegí un título en su día. Esta vez creo recordar que fue porque sale Maisie Williams (Skye) cuya carrera me cuesta un poco seguir porque últimamente no para de sacar títulos y eso que ni siquiera me he puesto con "Game of Thrones"...

Del resto del reparto destaca Nina Dobrev (Izzy) a quien vimos en "The perks of being a wallflower" (2012) y más recientemente ha salido en "xXx: Return of Xander Cage" (2017). También aparece Ken Jeong (Policía Al), conocido por la trilogía "The Hangover" (2009) a quien he visto en un monólogo hilarante no hace mucho. Y Asa Butterfield (Calvin), quien protagonizó "Hugo" (2011) y "Ender's Game" (2013).

Creo que el mensaje de positivismo, aunque sea un tanto extremo, está bien. Es suficientemente duro tener que enfrentarte a la idea de que vas a morir de manera inminente como para encima sumergirte en una depresión sin fin. La protagonista consigue dos cosas, por una parte vivir intensamente y por otra ayudar a una persona que, en esencia, está triste.

La manera en la que la película va cambiando (aunque sea poco sorprendente en realidad) de momentos graciosetes y una relación de amistad a momentos serios, tristes y Calvin perdiendo a Izzy me ha gustado.

En fin, una película bastante emotiva. Claro que tratando sobre una paciente con cáncer terminal es lo mínimo que podría uno esperar. Por otra parte es una fórmula que he visto repetida demasiadas veces ya.

Exterminadores do Além contra a Loira do Banheiro (2018)

Aquí la titulamos "Los Exterminadores del Más Allá contra la Rubia del Baño".

Unos youtubers que se dedican a hacer vídeos sobre lo paranormal son contratados para acabar con "la fantasma del baño". Ellos se lo toman como una oportunidad para grabar un vídeo que les haga famosos así que aceptan.

Aunque me la recomendó un amigo también me salió en las sugerencias de Netflix, lo cual es todo un detalle.

La película es una comedia del absurdo y, como tal, no hay que tomársela en ningún momento en serio si quieres disfrutarla plenamente, en mi opinión.

Ellos mismos hacen referencias a todo de tipo de películas y series como que se parecen a los "Ghostbusters" (1984) pero en cutre o que si una teoría apareciese en "Stranger Things" se la tomarían más en serio.

Toneladas de sangre, bastante variedad de muertes, algunas inesperadamente graciosas y planes, muchos planes, que no salen como uno esperaba.

Personalmente me han hecho reír en más de una ocasión y creo que aunque la calidad es bastante baja ese simple hecho la hace mejor que muchas de las producciones serias de terror modernas.

Escenas como la de la mierda poseída o el feto que se masturba y se mea en la cara de uno hacen que gane enteros en la escala de películas que no has de perderte.

The Lego Movie 2: The Second Part (2019)

Aquí la titulamos "La LEGO película 2".

Han pasado 5 años desde el ataque de los muñequitos cuquis y la ciudad de Lego ha pasado ser Apocalypseburg. De repente aparece una nave y se lleva a Lucy y a otros cuatro y Emmet decide ir en su rescate.

El éxito de la primera película presagió que harían una secuela lo mas pronto posible. El problema es que las últimas películas LEGO han pegado un bajón importante (por ejemplo "The Lego Ninjago Movie" (2017) no funcionó demasiado bien) y por ello no las tenía todas conmigo con esta película y decidí no verla cuando fue estrenada.

No aparecen personajes de Marvel ni de Star Wars debido a que Disney no les dio permiso. Eso explica muchas cosas.

Bruce Willis retoma el papel de John McClane, el protagonista de "Die Hard" (1987).

Al principio Wonder Woman dice que Batman no está porque se encuentra en su propia aventura personal. Es una referencia a "The Lego Batman Movie" (2017).

Entre los personajes que aparecen tenemos a Velma de Scooby-Doo, Harley Quin (un tanto diferente a las de las películas de la DC), Gandalf, Abraham Lincoln... bueno, hay un montón y algunos extras durante los créditos finales.

También sale la Liga de la Justicia: Superman, Wonder Woman, Aquaman (versión Jason Momoa) y Green Lantern. Y aparte aparece Aquaman versión original y dos versiones diferentes más de Wonder Woman.

Cuando Rex dice que doma dinosarios y bla bla bla, se refiere a Chris Pratt, el actor que lo dobla, y sus diferentes papeles famosos.

Maya Rudolph es la novedad más interesante del reparto, conocida por "Saturday Night Live". Repite Will Ferrell aunque esta vez sólo aporta su voz. Bueno, también repiten la mayoría de actores de doblaje de la primera.

En la primera película jugaron muy bien la baza de la vida real vs el mundo de Lego porque hasta prácticamente el final era difícil ver la conexión. En esta desde el principio es obvio qué está pasando y eso hace que pierda mucho.

Personalmente no la he disfrutado demasiado. El llenar la película de esos personajes raros que no son LEGO rompe mucho la estética y cuando una franquicia se ha afianzado en otras historias (como las de la DC) y funciona no le veo sentido a tratar de meter muñecos sin más.