Bloodlust! (1961)

Sigamos.

Un grupo de adolescentes que están de vacaciones en el trópico toman un bote hacia una isla aparentemente desierta. Pronto descubren, sin embargo, que la isla está habitada por un rico ermitaño y su personal. Si bien su anfitrión se muestra hospitalario al principio, pronto revela su verdadero propósito: cazar y matar a cada uno de sus visitantes, como ha hecho con todos los que han tenido la mala suerte de poner un pie en su isla.

La primera película en la que recibió crédito Robert Reed (Johnny Randall), conocido por "The Brady Bunch". Antes de esta salió en algunas series y en las películas "Torpedo Run" (1958), "The Hunters" (1958) y "Pal Joey" (1957).

Está basada en la misma historia que "The Most Dangerous Game" (1932), la cual ha tenido multitud de adaptaciones.

El capitán del barco es un borracho y los "jóvenes" unos descerebrados. Todo correcto.

En la isla vemos que están Dean, un invitado que suele estar borracho, y a Sandra, la esposa del anfitrión y amante de Dean. Aparte hay un criado llamado Jondor y sus "hombres", que van armados por la isla.

Un ejemplo claro de lo estúpidos que son los jóvenes es que uno ha cogido una pieza del motor del barco para que no se vayan sin ellos.

Curioso detalle. En un momento dado vemos un par de ratas royendo los huesos de un cadáver. Lo interesante es que están gorditas, señal de que no les falta comida pese a ser una isla relativamente pequeña.

El primer cadáver es el de una mujer que está sumergida en una especie de pecera. También vemos pedazos de algún cuerpo.

Uno cae en una trampa hecha con arenas movedizas.

Oh, se me olvidaba mencionar que el malo es tan malo que mata a los suyos.

Vemos múltiples métodos de asesinato, pero no hay tiburones, por desgracia. Como suele pasar en estos recorridos, siempre hay algún título que falla.

Pero no me ha parecido una mala película. Tiene algunos momentos un poco sobreactuados, casi caricaturescos, pero es entretenida.

The Mask (1961)

Cambiemos de tercio.

Un joven arqueólogo cree estar maldito por una máscara que le provoca pesadillas extrañas y posiblemente lo incita a cometer asesinatos. Antes de suicidarse, envía la máscara por correo a su psiquiatra, el Dr. Barnes, quien pronto se ve inmerso en el mundo de pesadilla que le atormenta.

Es considerada la primera película de terror de Canadá.

Además tuvo una versión en 3-D, a partir de la cual se hizo la restauración del 2015.

De hecho es un bastante más interesante que eso. Según dice el presentador al principio la audiencia tenía una máscara que debía ponerse en determinados momentos para ver "cosas que no ha visto antes". Son las partes en 3-D. Me encantan estas mierdas. Las he buscado, son unas gafas de cartón con un ojo verde y el otro rojo, con el nombre "Magic Mystic Mask". En el póster de la película se pueden apreciar.

Es como un episodio de una serie sobre misterios. Algo más largo, claro, pero los personajes, la historia... de hecho lo único que veo diferente es el asesinato con el que empieza la historia, que recuerda a los slashers de los 70 y 80. Y eso es mucho decir.

En un momento dado dicen que la máscara proviene de la India, pero no dan demasiados detalles al respecto, salvo que se usaba para un ritual. En la parte final dicen que la encontraron en Sudamérica.

Me hace cierta gracia que la casera envíe el paquete del arqueólogo después de que él se suicidara. Tan cotilla que parecía y no pensó que podría ser relevante para la policía.

Pues tenía razón el presentador, en el momento en que uno se pone la máscara pasamos a una experienci fascinante, cargada de efectos especiales y seres extraños. Al menos para los años 60, claro. A mí me recuerda un poco al cine japonés de los 70.

Cada parte en la que el espectador debía ponerse la máscara viene precedido de un aviso, con mucho eco. Usan la clásica técnica de acercar cosas a la cámara. Me pregunto qué tan efectivo sería en su día, pues es una película en blanco y negro.

Es extraña. Osea, la historia en sí no tiene misterio alguno, cuando alguien se pone la máscara comete actos sin control, los cuales incluyen asesinatos, claro. Pero las partes de la máscara son puro cine experimental.

Diary of a Nudist (1961)

Esta me tiene intrigado.

El editor envía a una reportera a investigar un campamento nudista, pero a ella le encanta ese estilo de vida y escribe artículos positivos. Frustrado por su reacción, él mismo visita el campamento para escribir su propia historia.

Desde que vi algunas escenas en el documental "Lynch/Oz" (2022) me pica la curiosidad.

Por lo que estoy leyendo, en los años 50 y 60 se hicieron una veintena de películas de temática nudista. Títulos como "Nudist Paradise" (1959), "The Naked Venus" (1959), "Naked Fury" (1959), "Take Off Your Clothes and Live" (1963), "Gentlemen Prefer Nature Girls" (1963), "My Seven Little Bares" (1963), "Goldilocks and the Three Bares" (1963)... Creo que voy a tener que buscar alguna más, me hacen mucha gracia.

En realidad me hace mucha gracia que el tipo se moleste porque haya un campo nudista a dos horas de donde está su oficina. ¡Dos horas! En mi pueblo llegaron a haber dos playas nudistas (creo que ahora están cerradas), y nadie se llevaba las manos a la cabeza. Podías llegar hasta ellas en 10 minutos, sin problemas.

No encuentro el sentido a poner una puerta con combinación y demás para poder acceder a la zona cuando, claramente, existe un lugar abierto por el que se puede acceder. El que usó el tipo cuando estaba de caza.

Me resulta peculiar la BSO, parece sacada una película erótico festiva, creo que esa es la idea que quieren vendernos. No es sólo la idea de una zona donde la gente va desnuda, es algo sensual.

Tras los trámites, la investigación que hacen de la reportera y aceptarla, no es hasta el minuto 22 en el que aparece desnuda por primera vez.

Lo curioso es que apenas le vemos los pechos, al resto de nudistas ni eso, siempre enfocan sus caras y hombros, como mucho. Además, cuando está en su apartamento va siempre vestida.

Cuando el tipo llega a la zona nudista va siempre en calzoncillos.

Lo que me he podido reír cuando le dice "Te quiero, siempre he estado enamorado de ti". Es tan absurdo todo.

En fin, un subgénero que visitaré de nuevo en el futuro, sin duda. Es tan recatado todo.

人間の條件 第三部 望郷篇 (1961)

También conocida como "A soldier's prayer".

Kaji y un par de soldados se encuentran en territorio enemigo. Consiguen avanzar tras matar a un vigilante, pero él tiene muchas dudas sobre si sus asesinatos le condenarán o si eran justificados. Avanzan hasta dar con un grupo de japoneses, entre ellos viejos y niños, que están desesperados y sin comida.

Su duración es de algo más de 3 horas.

Fue la primera película japonesa en estéreo.

Reúsan algunas de las escenas de combate de la anterior película, a modo de flashback en la mente del protagonista.

Mencionan a Kim Il Sung al hablar de la frontera chino-coreana.

Él está harto de todo, sólo quiere regresar a la vida que tenía antes de entrar al ejército.

Me encanta, no es la típica americanada, aquí la gente muere envenenada, suicidándose, por el hambre y el cansancio. Real como la vida misma.

Refleja una realidad muy dura, bueno varias. El hecho de que los japoneses que quedaron atrás en Manchuria, los civiles, terminaron siendo maltratados por los chinos tras su derrota. Y eso si consiguen sobrevivir sin alimentos, sin prácticamente nada, claro. Masacrados cuando les viene en gana.

Me recuerda a otras historias de la Segunda Guerra Mundial en Rusia, cuando los nazis se dedicaron a saquear pequeñas aldeas o lugares con poca población mientras huían y los rusos se encontraban a los pocos supervivientes.

El intermedio sucede justo a la hora y media esta vez. Y no tengo muy claro qué divide porque sigue el grupo de soldados (que va variando en número a medida que avanza la historia) tratando de llegar a su destino.

No sé hasta qué punto es una buena idea no coger las armas de los enemigos, de los rusos en concreto, unas ametralladoras les hubieran venido muy bien.

Durante toda la película el protagonista se imagina a su esposa en algunas de las situaciones que vive y no puede dejar de pensar en regresar junto a ella.

En esta segunda mitad los soldados llegan a un campamento de refugiados japoneses, compuesto casi enteramente por mujeres, y tras acostarse con ellas algunos quieren quedarse e intentar ayudarlas. El protagonista sigue empecinado en seguir su camino, aunque sea en solitario.

Poco importa en realidad, pues al final son capturados por un grupo de soviéticos. Y ahí si empieza su suplicio, pues les maltratan y les obligan a hacer trabajos forzados realmente duros. Encima apenas les alimentan y no les proporcionan ropas para sobrevivir al frío, así que tienen que robar en las basuras y usar sacos.

Pero lo peor es que quienes más les castigan son los japoneses que colaboran con los rusos. Y encima el que les traduce es un hijo de puta de cuidado.

Eventualmente el protagonista alcanza su límite y decide escapar del campo de prisioneros. No sin antes llevarse por delante al cabronazo japonés que más le puteó.

No acabo de entender esa parte final. Primero se desmaya, luego se le ve trabajando hasta la extenuación, luego está caminando solo y llega a un poblado chino donde roba comida y le golpean. Finalmente sigue andando hasta caer muerto (en una secuencia realmente larga).

Es una película extraña. Él defiende los ideales socialistas y cuando descubre, en el campamento de prisioneros, que los soviéticos en realidad no los siguen demasiado, unido al hecho de que no puede comunicarse con ellos, es cuando cambia definitivamente.

Y respecto al final, se puede interpretar de dos maneras, o bien nunca llegó a salir del campo y simplemente murió extenuado, o sí lo hizo y murió... extenuado. No cambia demasiado.

Es una trilogía compleja, no me la esperaba tan trágica, aunque tal y como terminó la segunda parte no parecía que fueran a ir mucho mejor las cosas para el protagonista, pero nunca se sabe.

Dicho lo cual, no sabría si recomendarla. Son muchas horas, en japonés, chino y ruso. Pero me alegro de haberla visto. Especialmente porque nos da la perspectiva japonesa del conflicto en Manchuria.

La IV carabela (1961)

Una española, para variar.

Óscar es un alumno que va a una clase para sudamericanos, donde se habla de la posibilidad de si Colón no hubiera llegado al nuevo continente. Él tiene intención de conquistar a la profesora.

Protagonizada por Antonio Ozores (Óscar). Para entonces ya tenía una buena retahíla de títulos a sus espaldas.

La historia arranca con una animación con algunos toques cómicos.

Es gracioso que diga "sobre todo a las chavalas" cuando actúa como el profesor.

El abuelo que se sobresalta por todo es tan ridículo. Incluso se pone a llorar cuando suena el himno de España.

Es muy musical, no sólo oímos mucha música sudamericana, también una tuna y una canción en inglés.

El que más gracia me hace es el tipo tímido con gafas que teme incluso hablar con las mujeres. Parece sacado de un anime japonés.

Me imagino que todo esto está basado en hechos reales, porque la cantidad de gente que reúnen en Cáceres es importante.

De hecho viajan más ciudades, parece un catálogo  turístico de ciudades españolas y bailes americanos y filipinos.

Me parece bastante caótica. Los numeritos musicales son abundantes, tanto que sin ellos la película sería un cortometraje. Hay tres chicos y tres chicas, contando la profesora, no es difícil adivinar con quien acabará cada uno.

モスラ (1961)

También conocida como "Mothra".

Un tifón provoca el hundimiento de un barco de 5400 Tm. mientras se encontraba cerca de la radioactiva isla Infant. Posteriormente envían varios barcos de rescate y con un helicóptero consiguen dar con los supervivientes. Tras hacerles pruebas explican que se encuentran bien gracias a un brebaje rojo que le dieron los nativos. Por ello deciden enviar un equipo de investigación a la isla, pero sin periodistas.

Me cuesta mucho elegir qué ver al terminar una temática porque no quiero ponerme con otra de la que tenga demasiadas películas, pero a la vez necesito hacerlo para que no se me acumulen más. No hace tanto desde el último recorrido por títulos orientales y voy a meterme de lleno en otro porque di con un montón de títulos interesantes mientras lo veía y encima desde entonces he agregado unos poco más. En fin, no las he contado pero calculo que habrán unas 40 que abarcan muchos géneros, estilos y demás, como siempre, aunque esta vez mayormente serán títulos modernos de terror.

Además tengo siempre el mismo problema con las películas de Kaiju y es que quiero verlas todas, por ese motivo trato de contenerme un poco ya que es una temática casi infinita.

Dicho lo cual, este es uno de los monstruos que más me gustan, sería mi segundo favorito tras Godzilla, y aún así tengo la impresión de que he visto pocos de sus títulos.

Está basada en la novela "Hakko Yosei to Mosura" (las hadas brillantes y Mothra). La idea de la Toho era tratar de acercar el público femenino a las películas de Kaiju. Fue un éxito en su momento, lo cual dio continuidad al personaje.

Fue la película más cara producida en Japón hasta ese momento.

El título original era "Daikaiju" y su descripción sólo decía que era un monstruo que se transformaba de larva a polilla.

En la versión que he visto el titular del periódico que aparece justo después del rescate no está traducido. Concretamente dice algo así como "Regresan los segundos supervivientes de Genyomaru. Se detecta la enfermedad de la bomba atómica". Aunque creo que se refiere a que serán sometidos a pruebas para ver cuánto les ha afectado la radioactividad.

Durante la entrevista con el doctor Shinichi Chûjô sucede algo sutil que me ha parecido muy interesante. La fotógrafa saca un mechero antes de que el reportero saque un cigarrillo. Es debido a un rasgo cultural japonés (cuyo nombre se me ha olvidado), cuando dos personas se conocen desde hace un tiempo una trata de adelantarse a lo que hace la otra, como forma de cortesía. En este caso ella sabe que él fuma cuando se pone nervioso.

La nación de Rolisica es una mezcla de EEUU y la URSS. El nombre viene de cómo se pronuncia en japonés Rusia y América. Originalmente su bandera iba a combinar las barras y estrellas con la hoz y el martillo, al final optaron por un diseño menos obvio (de hecho parece una bandera de un país del oriente medio). Se plantearon que Mothra atacase Nueva York pero al final la reemplazaron por la ciudad de Nueva Kirk, la cual es una combinación de Manhattan, Los Angeles y San Francisco.

Tras esa entrevista sale un cartel que pone "Equipo de investigación de la isla Infant. Miembros del equipo nacional de investigación de Rolisica. Sala de reuniones.". Y justo al lado del barco vemos un cartel que dice "Partida del equipo de investigación de la isla Infant".

En el guion original se explicaba la leyenda de la isla Infant de la siguiente manera: todo empezó cuando dos dioses de nombres Ajima (el dios masculino de la noche eterna) y Ajiko (la diosa femenina la diosa de la luz del día) concibieron un huevo gigante luminoso, varios huevos más pequeños y una pareja de humanos para que se reprodujesen y así repoblar la isla. De los huevos pequeños salieron orugas que se convirtieron en polillas y se fueron volando, cosa que enfureció a Ajima y condenó a todos los seres vivientes a morir para posteriormente cometer suicidio descuartizándose en 4 partes, al verlo Ajiko se le rompe el corazón y también comete suicidio de igual manera. De esas cuatro partes nacieron las hadas inmortales (llamadas Shobijin) dedicadas a servir al huevo luminoso de Mothra.

En la película son sólo dos hadas, aparte que iban a medir 60 cm de altura pero vieron que era demasiado complicado a la hora de construir los platós, por ello miden unos 30 cm. También se planteó la posibilidad que una de las hadas se enamorase de alguno de los personajes principales, pero lo descartaron para que la trama se centrase en Mothra.

Las gemelas que interpretan a las hadas eran el grupo musical Za Pīnattsu (The Peanuts), compuesto por las hermanas gemelas Yumi y Emi Itô. Filmaron todas sus escenas separadas del resto del reparto frente a un croma azul. Para poder ayudar a los actores usaron muñecas (lo cual es gracioso porque en su primera descripción las comparan con unas) y una cinta de audio reproducía sus voces durante el rodaje. Su primera aparición sucede a los 22 minutos de película.

Se comunican "cantando", sin embargo en su primer diálogo suena un sonido extraño de fondo que sólo el doctor Chûjô puede entender.

Aparecen nativos en la isla de Mothra, que en realidad eran japoneses con la cara pintada de negro. En películas posteriores de Mothra prescindieron de ellos.

Tras regresar aparece un periódico que dice "El equipo de investigación de la isla Infant se disuelve. El capitán Raf y otros regresan rápidamente a la base. No hay anuncio de detalles de la investigación.". Creo que se refiere al doctor Roff.

El texto que encuentran en una cueva está en un idioma desconocido. Se supone que es algún dialecto polinesio. En todo caso sólo descifran el símbolo de Mothra.

Otro fallo es que los nativos van chocando un par de piedras pero suenan unos tambores. Y bueno, la salvajada que supone masacrarlos cuando van desarmados.

Una vez capturadas las hadas empiezan a ser exhibidas y es entonces cuando sí cantan, más concretamente la canción  titulada "モスラの歌" (Mothra no uta).

El baile de los nativos frente al huevo de Mothra se supone que es una danza de la fertilidad.

El traje de la larva de Mothra fue el más grande creado en la época Showa. Medía más de 2m de alto y 9,5m de largo, pesaba unos 120 kilos y tenía que ser operado por 8 personas.

El titular del periódico tras la actuación dice "¿Libertad dentro de una jaula? ¿Será atractiva la "Hada de los mares del sur"? Extendido por todo Tokio". Eso último imagino que se refiere a la gira que están haciendo.

La segunda canción que cantan las Peanuts se titula "インファントの娘" (Infant no musume).

Tras el primer ataque de Mothra-larva sale un titular que dice "El crucero de lujo Orion Maru está en peligro", "Sede de respuesta de emergencias establecida", "Se ha encontrado un objeto flotante" y "Barco británico navegando" (a pesar de que estaba tripulado únicamente por japoneses).

Cuando el piloto del avión ve la larva está muy mal doblada la escena (en VO), no encaja lo que se oye con lo que dice el actor.

Se oye cantar a las gemelas una tercera vez brevemente aunque sólo dicen "Mothra, Mothra", de esta no sé el título, supongo que es "Mothra" a secas. La retoman durante unos segundos justo cuando Mothra sale del capullo. Es la que suena en el final de la película.

Tras lo de la presa los titulares dicen "Mothra aparece en Tokio", "Desaparece tras la destrucción de la presa. 43 casas arrasadas" y "Nelson se niega rotundamente. ¡Devuelve a las pequeñas a la isla!".

Otra película donde ponen de manifiesto la inutilidad de la policía. Entran en una habitación y uno dice "no hay nadie, vámonos" y al momento el periodista y el científico ven unos pies asomándose bajo unas sillas, es el hermano pequeño del científico a quien han dejado atado inconsciente.

Es la primera vez en la que un monstruo destruye la torre de Tokio, la cual fue construida 3 años antes.

Los poderes de Mothra en esta película son la fuerza bruta en forma de larva y el viento originado por su aleteo en forma de polilla.

En la parte final he notado dos cosas. Por un lado la necesidad de destruir cuantas maquetas haían creado para la película. Y luego como los Rolisicos aceptan con una facilidad pasmosa el plan del doctor Chûjô.

Fue la película que introdujo el concepto de monstruo gigante amigable e individual más que un ser malvado y destructor al que hay que atacar. Posteriormente el concepto fue llevado a Godzilla.

La sigo disfrutando como la primera vez que la vi. Es verdad que algunas cosas podrían haber estar hecho un poco mejor (como lo de las muñecas que reemplazan a las hadas) pero para el año en que fue hecha me parece perfecto.

El Mundo de los Vampiros (1961)

Y otra más.

Sergio Sutobai es un vampiro que  tiene bajo sus órdenes a un grupo de vampiros a los que ha recluido en una caverna situada en los sótanos de su mansión y a los que domina a su antojo gracias a las órdenes musicales que les da con un gigantesco órgano. Su intención es vengarse de Kolman, último descendiente de un secular enemigo de sus hermanos, a los que dio muerte.

He sacado la sinopsis de una página de cuyo nombre no puedo acordarme, pero poco importa porque apenas hay información sobre esta película. Es algo que me ha llamado la atención.

Creo que lo más peculiar de estas películas de vampiros mexicanos es que aunque siguen las "reglas" de Drácula se alejan bastante de su argumento tratando de ser originales a su manera.

No es una secuela pero sí está conectada con las dos anteriores, parte del equipo de guionistas es el mismo en las tres películas.

El ataúd del vampiro parece el mismo. Viste de manera similar y también lleva un gran medallón en el pecho. Es otro actor, pero definitivamente las similitudes están ahí.

Sin embargo la historia no tiene nada que ver. Son toda una manada de vampiros, bastante numerosa, y en vez de morder a alguien y huir lo capturan y hacen una especie de ritual con ellos dedicado a Astaroth.

Algunos de los vampiros "secundarios" llevan máscaras bastante mal hechas. Aunque supongo que resultarían efectivas en su momento. Aún así no acabo de ver la necesidad, salvo que quisieran economizar gastos y re-usar a los actores en los diferentes planos de una misma escena, lo cual es algo muy inteligente.

Aunque el efecto visual más peculiar es la parte en la que ponen la cabeza de una mujer a un murciélago. Me ha recordado al final de "The Fly" (1958).

Se puede anticipar qué método usarán para incapacitar a los vampiros. Diferente es. De hecho diría que no he visto otra película que haga uso de algo similar.

En todo caso, es la última película mexicana de vampiros que tenía previsto ver, pasemos a algo más cercano.

Le gros et le maigre (1961)

El título e traduce como "El gordo y el flaco".

Un señor gordo hace bailar al son de un tambor a uno delgado, pero pronto se cansa porque hace calor. Así que el delgado empieza a abanicarle y le pone los pies en remojo. Seguidamente le prepara algo para comer, le prepara una mesa y saca un paraguas para que no le de el sol mientras come. Finalmente toca el violín mientras el señor gordo se duerme.

Tiene una duración de 15 minutos.

Fue el primer corto que grabó Roman Polański tras terminar la escuela de cine. De nuevo se vuelve a reservar un papel, el del flaco esta vez.

Me hace gracia que en el arranque de la película vemos a uno tocando una flauta mientras golpea un tambor pero lo que suena no encaja con lo que toca.

El segundo día sale un tercer personaje, una cabra a la que atan al hombre delgado y aún así ha de cumplir con todas sus obligaciones a pesar de las dificultades que eso representa.

El tercer día repiten toda la rutina pero más rápido.

El tono es ambiguo, por una parte está claro que pretende ser gracioso pero yo veo más bien un drama por la manera en la que maltratan al pobre señor delgado quien no hace más que soñar con ir a la ciudad.

Pero no por ello deja de ser interesante, el humor de Polański es así, a veces cuesta un poco pillarlo.

Despedida de Soltero (1961)

No confundir con "Bachelor Party" (1984).

Estamos en Cádiz. Carmen y Miguel llevan cinco años de noviazgo pero aún no se han casado. Él sueña con viajar en barco y hacer fortuna en Sudamérica, ella no quiere que la abandone. Pero su tía no piensa dejar pasar ni un día más y organiza la boda en un tiempo récord.

Con Germán Cobos (Miguel), es curioso que saliese en la película soviético-española "Испанская актриса для русского министра" (1990). Y José Isbert (Don Pablo) a quien acabo de ver en "Fulano y Mengano" (1957).

Me encanta el debate improvisado en la calle. Me recuerda a las típicas discusiones en internet donde no se aclara nada y cada uno dice la suya, sólo que casi acaban a bofetadas esta vez. En esencia Don Pablo cree que Miguel debería conseguir ahorrar algo de dinero antes de casarse y Antonia piensa que han de hacerlo cuanto antes.

Me encanta la facilidad con la que Don Pablo abandona la banda de música cuando están tocando.

El coche descapotable blanco que llevan tras la despedida de soltero es un Austin-Healey 100/4 de 1955. De hecho es llamativo que se vean Chrysler y Austin en Cádiz.

Jajaja, censuran la palabra "mierda" que dice Don Pablo. En un momento dado se enfada mucho y justo cuando lo dice suena una campana que tapa el sonido.

Al retrasarse el novio el del órgano se pone a tocar una canción y una mujer canta con él. El problema es que lo que suena y lo que canta la actriz no tiene nada que ver.

Creo que la mejor escena es la de las vecinas a macetazo limpio contra Miguel por haber dejado tirada a Carmen en el altar.

En realidad la historia no termina al final, sólo hacen las paces pero no sabemos si acaban casándose, si se van de viaje o qué. Pero bueno, sólo por José Isbert merece mucho la pena esta película.

X-15 (1961)

Veamos qué es esto.

El primer vuelo del X-15 ha de ser abortado. Y tras hacer una prueba del reactor en tierra acaba estallando y dejando malherido al piloto con lo cual tienen que recurrir al de reserva en su primera prueba exitosa, la cual logra establecer un nuevo récord de velocidad.

Empecemos por el reparto. Está narrada por James Stewart. Protagonizada por David McLean (Matt Powell), salió en "Days of our lives" y en "Deathsport" (1978). Con Charles Bronson (Teniente Coronel Lee Brandon), ese mismo año salió en "Master of the World" (1961). Y Mary Tyler Moore (Pamela Stewart), conocida por "The Dick Van Dyke Show" y su propio show de 1970.

Fue el debut en la silla de dirección de Richard Donner quien hasta ese momento había hecho un montón de episodios de diversas series de televisión. Es conocido por "Superman" (1978), "Ladyhawke" (1985) y "Lethal Weapon" (1987).

El X-15 fue real, lo empezaron a construir en 1955 conjuntamente el ejército aéreo americano y la NASA, en 1959 tuvo su vuelo inaugural. Rompió muchas barreras e incluso mantiene el récord de máxima velocidad en un vehículo pilotado por un hombre, concretamente 7274 km/h. Alcanzó un altura de 107,8 km y tenía una autonomía de 450 km.

Se tiran 5 minutos presentándonos al personal encargado del X-15, desde los ingenieros al piloto pasando por todos los que controlan los diferentes aspectos del vuelo desde el centro de control en la NASA. Personalmente no he pillado ni un sólo nombre (porque son unos cuantos).

Tal y como yo lo veo esto es una sacada de minga de los EEUU diciéndole al mundo: "eh, mirad qué juguetito hemos fabricado".

Muestran en todo detalle cómo aterriza el X-15 tras el aborto de misión. En-to-do-de-ta-lle. Un cuarto de hora se tiran, más concretamente.

A partir de ese momento empieza la película en sí, con sus dramas, romances y demás.

Sigue la típica estructura de accidentes, desastres, muertes y demás para poder alcanzar el éxito. Básicamente, el tortuoso camino que se ha de seguir hasta dar con la fórmula correcta, en esta ocasión el vehículo perfecto.

West Side Story (1961)

Le llegó la hora a este musical. También conocida como "Amor sin barreras".

Por un lado tenemos a los Sharks, una banda de puertorriqueños, y por otra a los Jets, una banda de estadounidenses. Son jóvenes y sólo piensan en dominar el barrio donde viven. Pero un chico de los Jets y una chica de los Sharks se enamoran.

Está basada en la obra de Broadway que tuvo más de 700 pases en dos años. Cambiaron la letra de "America" porque la original era muy insultante hacia Puerto Rico y sus habitantes. Otro cambio fueron las frases "sperm to worm" a "birth to earth" y "you came with your pants open!" a "you came with your mouth open!", por la censura. Hay más cambios por el estilo.

Tiene dos directores, Robert Wise y Jerome Robbins. En realidad Robbins quería ser el director pero el estudio prefirió contratar a Wise porque Robbins no había dirigido nada anteriormente. El problema es que Wise se dedicó a hacer demasiadas tomas y lo terminaron por despedir.

Para mantener la tensión durante el rodaje cuando no estaban rodando los miembros de las bandas rivales se gastaban bromas.

Rita Moreno (Anita) lo pasó muy durante la escena en la que los Jets la acosan porque se acordó de cuando fue violada en la vida real. Al ponerse a llorar los actores pararon y trataron de confortarla.

Natalie Wood (Maria) lleva un brazalete en su muñeca izquierda. No es algo hecho por mero esteticismo sino que se la había dañado en un rodaje anterior y lo usaba para disimular su herida. Posteriormente se convirtió en una de sus señas y lo llevó en todas las películas.

No es Natalie Wood quien canta, su voz la puso Marni Nixon. Además tampoco sabía chasquear los dedos, tuvieron que agregar el sonido a posteriori.

En esencia es la historia de "Romeo y Julieta". Pero cantando y bailando. Mucho.

Lo primero que me viene a la mente al verla es el capítulo de "The Simpsons" en el que Moe enseña como pelear bailando. Eso que resulta tan ridículo es exactamente lo que sucede aquí.

Es que hay tantas cosas... por ejemplo las pintadas para "marcar" el territorio parecen hechas por un niño de 10 años. Me ha hecho gracia una en particular en la casa de Maria, al lado de unas escaleras pone "TECHO" con una flecha y en realidad se refiere a la azotea.

Creo que mi personaje favorito es la chica con el pelo corto a la que no acaban de aceptar en la banda de los Jets.

Personalmente las peleas coreografiadas como si fuesen números de baile no me entusiasman. Mientras la miraba me era inevitable pensar en títulos como "The Warriors" (1979) o "The Outsiders" (1983), especialmente esta última, pero están a años luz en comparación.

Y la historia de amor no es nada del otro mundo, como dije antes es básicamente lo mismo que la obra de Shakespeare. Casi prefiero la versión de la Troma.

Steven Spielberg ha dirigido y producido un remake que está previsto que se estrene a finales de este año. No tengo ninguna necesidad de verla.

Conocía muchas de las canciones y no sabría decir donde las he escuchado, probablemente en algún tipo de homenaje. Pero me refiero a que incluso recordaba la letra de memoria. Eso me ha sorprendido.

Es lo único positivo que saco de esta película. Intuí sin verla que no me gustaría porque raras veces sucede con un musical y así ha sido.

Plácido (1961)

Una española, que no se diga.

Plácido Alonso tiene un motocarro y no le alcanza para pagar la letra así que pide un adelanto para que no se lo embarguen. Pero antes tendrá que realizar un trabajo, lo cual hará que llegue tarde al pago.

Originalmente iba a ser titulada "Siente a un pobre en su mesa" pero la censura no se lo permitió. Lo cual es realmente peculiar porque era el lema de una campaña del gobierno (recuerdo algo sobre el tema, creo que porque lo leí en algún cómic de la época).

Efectivamente la campaña funcionaba, pero no de la manera más correcta. Por ejemplo los ricos se comían las pechugas de los pollos y los pobres las alitas. Y en realidad estaba todo pensado para tranquilizar las conciencias de los burgueses, no para ayudar al prójimo desinteresadamente.

Dirigida por Luís García Berlanga. Ya gozaba de gran popularidad en aquel momento pues había hecho "Bienvenido Mister Marshall" (1953). Posteriormente hizo "El verdugo" (1963) y la trilogía de "La escopeta nacional" (1978) la cual tengo pendiente de volver a ver.

En el reparto tenemos a Cassen (Plácido Alonso), un cómico catalán a quien yo conocí en sus papeles en series de la TV3 como "De professió: A.P.I.". José Luis López Vázquez (Gabino Quintanilla), un incombustible que salía en todas partes en los años 60. Manuel Alexandre (Julián Alonso), conocido por "Los ladrones van a la oficina". Agustín González (Álvaro Gil), también de la misma serie. Luis Ciges (pobre en casa de Helguera), conocido por "El milagro de P.Tinto" (1998). Y Antonio Ferrandis (Ramiro), conocido por "Verano Azul".

Fue el debut de Cassen en el cine, aunque se había labrado una carrear como humorista nunca había interpretado un personaje frente a una cámara. La acogida de la crítica en su momento fue bastante buena.

El dueño del banco al principio es irritante, incapaz de interceder por un señor que anda apurado a la hora de pagar un dichoso recibo. Y de hecho le trata como si ni existiese.

La escena en la que una multitud va a esperar a un tren me ha recordado tanto a "Bienvenido Mister Marshall" (1953) como a "L'arrivée d'un train a La Ciotat" (1896).

Es una crítica sin tapujos a como incluso en Navidad los ricos se lavan las manos y quedan bien y los pobres acaban muertos de hambre, enfermos y malcenando.

Desde luego resulta muy interesante ya que tengo la impresión de que muchas de las cosas que suceden podrían pasar perfectamente hoy en día.