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Esto que viene a continuación es algo que llevo postergando desde hace muchos, muchos años. Siempre he querido hacer un recorrido de películas de Emmanuelle. Pero son muchos los problemas a los que me enfrento. Empezando por que son casi 100 títulos, uno de los cuales está ya en el blog. Luego hay uno que no encuentro y tengo dudas de otro. El primero empiezo a pensar que directamente no existe, tras tantos años aún hay gente buscándolo y la única información que aparece es que empezó a rodarse, pero poco más. El segundo creo que es un título con el que se confunden, pero como es de los últimos tendré tiempo de investigar a fondo. Dicho lo cual, recopilarlos todos ha sido extremadamente complicado y largo... calculo que me he tirado entre 12 y 15 años con ello.

Pero bueno, la cuestión es que no me voy a tirar semanas con esto, porque me puedo morir, así que lo he dividido en diferentes "partes" y las voy a ir viendo junto con otras recopilaciones de películas, de esa manera será más digerible.

Aunque da la casualidad que justo voy a empezar con un título que no pertenece a dichas partes (de esos hay un montón, quizás los iré intercalando). Es el primero que salió, cosa que de por sí es una rareza en sí misma. Seguidamente sí veré las que he pasado a denominar de procedencia francesa. Vienen a ser las siete "oficiales", pero saltándome la primera porque es la que única que ya está en el blog.

Sin más dilación, pasemos a ello.

Io, Emmanuelle (1969)

También conocida como "A man for Emmanuelle".

Afligida por la partida de su esposo, que la deja sola de viaje, Emmanuelle intenta calmar su anhelo de afecto conociendo a cuatro hombres, pero ninguno logra brindarle paz. Tras rechazar una relación con una mujer, Emmanuelle se encuentra sola y enfrenta la inesperada noticia de la muerte accidental de su pareja.

Dirigida por Cesare Canevari. Suyas son "¡Mátalo!" (1970) y "L'ultima orgia del III Reich" (1977).

Protagonizada por Erika Blanc (Emmanuelle). Es su única vez interpretando al personaje.

Bien, pongamos las cosas en claro. No está basada en las novelas de Emmanuelle Arsan sino en la historia corta "Disintegrazione 68" de Graziella Di Prospero, quien también colaboró en el guion.

Dicho de otra manera, es una Emmanuelle diferente a las del resto de películas. Pero literalmente, no es como cuando cambian de actriz.

Es muy artística. Por decirlo de alguna manera. Por ejemplo, tenemos una mujer desnuda durante las primeras escenas y lo único que llegamos a ver es su ombligo. Pero no sólo eso, tiene como 100 cortes de pocos segundos, con una música extraña.

Hablando de la música, hay una canción dedicada a Emmanuelle.

No veo nada erótico. Hay casi desnudos, eso sí, algo de comedia, drama, cosas indefinibles. Pero poco más.

Aunque no esté basada en el mismo personaje, sí veo ciertas similitudes. Por ejemplo su promiscuidad, la manera en la que elige con quién acostarse, aunque aquí es algo calculado y frío, muy directo.

No es una película fácil de ver, más allá de hacerlo por mera curiosidad como yo. Sé que estas películas no destacan por ser demasiado buenas, en general, pero esta se me ha hecho un poco dura de ver, casi toda ella. Pasemos a las "oficiales".

El libro de piedra (1969)

Esta no la recuerdo.

Julia es una mujer que empieza a trabajar cuidando a Silvia, una niña enferma. Su padre le advierte que quizás tenga alteradas sus facultades mentales, pero a ella no le importa. La relación entre ambas es un tanto tensa al principio.

Seguimos con más cine mexicano. Es fascinante la cantidad de joyitas que tienen.

La niña tiene un amigo invisible llamado Hugo. En realidad existe, en forma de estatua junto a un lago.

La historia es que el padre de Hugo le convirtió en piedra junto con un libro de magia negra y lo resucitará mil años más tarde, de los cuales han pasado ya 700. Silvia ha entrado en contacto con Hugo y le ha contado todo eso.

Paralelamente a la esposa, que no es la madre de Silvia, no paran de pasarle "accidentes". Y se ve que la pequeña la odia, pero nadie ve la conexión.

Así que tenemos algunas muertes, incluido un perro, magia negra, un fantasma...

Y un final bastante decente, he de decir. No quisiera desvelarlo, pero encaja todo muy bien. Lo cual incluye el título, sorprendentemente.

He de decir que es de las que recomiendo, incluso para ser una película de los 60 creo que funciona todo muy bien porque es (casi) atemporal.

Santo en El tesoro de Drácula (1969)

También conocida como "El vampiro".

Los miembros de las investigaciones metafísicas reciben al Santo. Les explica que una persona desmaterializada podría volver a la vida, y así viajar al pasado. Él no ha probado aún el experimento, pero cree que lo ideal sería hacerlo con una mujer.

Hace muchísimo desde que hice la última entrada dedicada al Santo. La razón es que perdí la colección completa de sus películas. Pero bueno, traigo esta por dos motivos, uno por retomar el tema y dos porque la definen como "la película prohibida" del Santo.

El tesoro del título es lo que trajo Drácula de Transilvania, en sus cofres.

Me imagino que es porque en su versión original era en blanco y negro y no tenía desnudos y luego hicieron la edición que poseo. Posteriormente la original fue reeditada como "El vampiro y el sexo" (2012).

Las normas: el vampiro no soporta el olor del muérdago, se convierten en murciélago.

Los agujeros que deja en sus víctimas están muy separados, aunque al menos aparecen en el cuello.

El vampiro se dedica a coleccionar mujeres y las tiene desnudas, mostrando sus enormes pechotes. Debe ser algo imprescindible. Son un montón, las convierte a todas en vampiras y las usa para que muerdan a la gente.

En esencia, Santo no hace nada, se queda en el futuro observando por una pantalla lo que le pasa a la chica. Ella mientras tanto es atrapada por Drácula. Finalmente viajan al pasado, consiguen parte del tesoro y luego tendrán que pensar qué hacer con él.

No podía faltar una pelea de lucha libre, es Santo contra Atlas.

Definitivamente, la película ideal para estar un rato entretenido. Tiene de todo y más.

Blue Movie (1969)

Cambiemos de tercio.

Una pareja está en la cama hablando de diferentes temas. En un momento dado se desnudan y empiezan a practicar el sexo. Tras ello charlan, miran la tele y se vuelven a vestir.

Según Andy Warhol siempre quiso hacer una película sobre joder, sin más. Y a finales de 1968 la grabó con Viva follándose a Louis Waldon, titulándola simplemente "Fuck".

En 1969 la policía incautó la película por ser demasiado obscena y les obligó a pagar 250 dólares al cine que la estrenó. Antes que eso sólo podía ser vista en el taller de Warhol. Poco después la reestrenó con el título cambiado para evitar la censura.

En realidad tiene mucho sentido pues fue la primera película erótica con sexo explícito que fue estrenada en cines en EEUU. Y es considerada la primera de la "edad dorada del porno".

Por cierto, la sangre no es azul y luego se vuelve roja cuando pasa a tener oxígeno. Siempre es roja.

Es interesante, hablan de que el tabaco provoca cáncer en 1969. Era algo relativamente reciente, aunque ya se sospechaba en la década de los 1920s hasta los 60s no fue algo público. Y en realidad hasta pasados otros 20 años no se empezó a hacer algo activamente al respecto.

No tuvieron guion, toda la conversación fue improvisada. Y se nota, van derivando de un tema a otro sin parar. Según Warhol eso hace que el espectador quiera ver la película una y otra vez descubriendo cosas nuevas cada vez. A mí me aburre hasta el más puro hastío. Dos horas de sin sentidos, de opiniones sobre temas de los que apenas saben nada.

El tipo se va quitando la ropa poco a poco mientras van charlando, eventualmente ella también va quitándose prendas. Es un proceso que dura unos 35 minutos.

A los 30 minutos empieza la parte en la que empiezan a besarse y a tocarse, con lo que no hablan demasiado. De hecho creía que se había estropeado el sonido hasta que vuelven a hablar.

El sexo en sí empieza a los 45 minutos, pero son interrumpidos un par de minutos después porque alguien llama a la puerta. Aunque le ignoran y siguen a lo suyo.

Tampoco es una gran escena de sexo, la cámara está situada de manera que apenas se ve nada y apenas se mueven. Eventualmente cambian de postura, pero no mejora la cosa.

Tras terminar vuelven a hablar de temas aleatorios, sólo que esta vez están en pelotas y uno encima del otro. Eso viene a suceder a mitad película. Osea que queda 1 hora más.

Pasada una hora y media el tipo trae una televisión y se ponen a mirarla. Esta es la parte en la que hay más cortes, hasta ese momento hay unos pocos, con largas tomas entre ellos.

En la parte final, a la hora y 50 minutos, toman una ducha juntos. En esa parte se ponen a cantar y hacer el imbécil. Es la escena con la que termina la película, de repente, sin créditos ni nada.

Dicho de otra manera si sientes curiosidad porque contiene sexo, olvídate, no merece para nada la pena esperar a que suceda y no es nada interesante. Si quieres verla porque eres fan de Warhol, te mereces morirte de aburrimiento porque no sucede absolutamente nada interesante.

Y si lo que te interesa es la parte en la que mencionan la guerra de Vietnam, sucede después del sexo.

En pocas palabras, podría considerarse erótica pero no pornografía. Y tampoco lo tengo demasiado claro porque aunque el sexo es real apenas se ve nada y el hecho de salir desnudos no es tan poco demasiado sugerente. Aburrida sí que es, en extremo.

The Love Bug (1969)

Aquí la titulamos "Ahí va ese bólido".

Estamos en San Francisco. Jim Douglas es un piloto de carreras de demolición cuyos amigos intentan convencerle de que deje de poner su vida en peligro, pero él se niega. Un día conoce a Carole Bennett, una trabajadora de un concesionario de coches, donde tienen un coche muy peculiar que acaba comprando a plazos. Y su amigo Tennessee Steinmetz lo bautiza como Herbie.

Hace poco me di cuenta de que sólo hay una película de Herbie en el blog, así que he decidido ver todas las que faltan del tirón, que tampoco son muchas y me ayudará a despejar un poco la cabeza de tanta animación. En total serán las cuatro películas que sacaron en su momento más una de los años 90. También hubo una serie de 1982 titulada "Herbie, the Love Bug" que tuvo sólo 5 episodios, pero no tengo intención de verla de momento.

Está basada en la novela "Car, Boy, Girl" de Gordon Buford, publicada en 1961.

Dirigida por Robert Stevenson. Suyas son "Mary Poppins" (1964), "King Solomon's Mines" (1937) y "That Darn Cat!" (1965), por decir tres.

Es la única película de Herbie en la que sale Buddy Hackett (Tennessee Steinmetz) quien se arrepintió de no haber regresado para las secuelas.

La película arranca con escenas de un derbi de demolición sacadas de "Fireball 500" (1966).

Herbie es un Volkswagen Sun-Roof Sedan "Beetle" de 1960. Su color es el L87 blanco perla.

El interior de Herbie estaba pintado de un color gris especial que no era reflectante para que no diera problemas con las luces del estudio ni las cámaras. El color normal hubiera sido blanco.

Usaron 20 vehículos diferentes para las diferentes escenas de Herbie, modificados según las necesidades. Uno de ellos llevaba el motor de un Porsche 356.

El número 53 proviene del jugador de béisbol Don Drysdale de Los Angeles Dodgers.

Describen la situación actual con los coches que se conducen solos bastante bien. En esencia dicen que "Dotamos a los coches con tanta información que saben más que nosotros mismos".

Al estar situada la acción en San Francisco vemos la aparición de la clásica calle de las curvitas.

En realidad no vemos el proceso de cómo lo pintan y le ponen el número 53. Pasa de ser completamente blanco a preparado para hacer carreras sin más.

En la carrera de Tijuana el cartel está en español y dice "Big road race. Gran carrera de vehículos. Tijuana - Tecate. Premio $5000. Bienvenidos todos.", qué gracia. Y el protagonista responde a un "Muchas gracias, señor" con un "Gracias, y a usted también". Es la carrera más caótica. Tras ella vemos el titular "Thorndyke Derrotado! Douglas Triumfador!", me meo.

Creo que la película funcionó tan bien porque no abusan del hecho que el coche tiene vida, no lo van demostrando cada escena, sólo cuando es necesario.

El desfile chino con sus dragones y tal va acompañado de una banda que no pega para nada. No sé a quién se le debió ocurrir.

Me hubiera gustado que subtitulasen las partes en chino, la verdad. Especialmente si es que lo hablan realmente.

Una cosa que no acabo de entender muy bien es por qué Herbie siempre sale de los últimos en las carreras. En un titular ponía que quedó primero en la ronda de clasificación y ha ganado casi siempre. Que es porque queda muy bonito verle adelantar a un montón de coches, pero no es demasiado coherente.

Es una gran película que hizo que nos enamorásemos de los Escarabajos y de los coches con vida. Pasemos a sus secuelas.

江戸川乱歩全集 恐怖奇形人間 (1969)

También conocida como "Horrors of Malformed Men".

Estamos en 1925, en un centro psiquiátrico lleno de perturbados mentales, tanto hombres como mujeres. Sin embargo hay uno que está completamente sano aunque tiene serias dudas y empieza a hacer memoria. Una noche un hombre calvo de la celda contigua trata de matarle, pero él consigue defenderse y tras ello huye del centro buscando el origen de una canción de cuna que está cantando alguien en la calle.

El título original se traduce como "Obras completas de Edogawa Ranpo: el humano deformado aterrador". Se trata de un novelista que había fallecido unos años antes del estreno de la película. Fue el creador del famoso detective Kogorō Akechi, a quien ya nombré en la entrada de "Detective Conan". Y una cosa que me acaba de romper la mente, su nombre real es Tarō Hirai, el apodo es como se pronuncia Edgar Allan Poe en japonés. Para esta película se basaron en sus novelas "Panorama-tō Kidan" y "Kotō no Oni".

Es considerada la precursora del género "Pinky violent" de los años 70.

En la primera escena buena parte de las mujeres van medio desnudas.

El protagonista es un estudiante de medicina, es un dato que no parece relevante pero eventualmente descubrimos la razón.

Resulta que tras escapar descubre que un tipo con mucho dinero es idéntico a él, incluso comparten una marca en la suela del pie con forma de 卍, y al enterarse de su muerte decide ocupar su lugar tras ser enterrado. Esto también tiene cierto sentido eventualmente, pero no es el que me esperaba exactamente.

La película fue prohibida en Japón y viéndola no entendía muy bien la razón. No sale nada que pudieran ver en otros títulos similares. Sin embargo hay un motivo que es tabú en la cultura japonesa, las personas con deformidades.

Me hace gracia que la amante le diga que la esposa estará fuera esa noche y que vaya a visitarla, sin embargo se ve forzado a acostarse con ambas en una misma noche.

Cuando el protagonista descubre quien es su padre el actor que lo interpreta no parece ser mucho mayor que él.

La isla está llena de seres peculiares, aunque deformidades como tal las tienen sólo unos pocos, la mayoría sólo se porta de manera rara. El padre es un tipo muy rico (o que recibe mucho dinero) con lo cual puede mantenerlos con vida sin preocupaciones.

Una vez se conoce su verdadera identidad la esposa no hace ningún tipo de reacción notable. Incluso eso tiene sentido

Al final explican todo lo sucedido de manera bastante convincente. Habían un par de cosas que no me cuadraban y tienen sentido. En pocas palabras, si la veis esperad hasta que termine.

En cierta manera me recuerda a "Freaks" (1932) y a "The Mansion of Madness" (1973), también al cine de Alejandro Jodorowsky. Aparte veo claras influencias de "狂った一頁" (1926).

Definitivamente no sabía muy bien qué esperar tras este título y da mucho de sí. Una historia de intriga casi detectivesca que pasa a ser un dramón de cuidado, un traidor y un loco que es como un supervillano de las películas de James Bond, pero a lo bestia. En pocas palabras, impresionante de veras.

One Million AC/DC (1969)

Tras mucho pensarlo he decidido que es hora de regresar a las parodias porno.

Estamos en la época de los hombres de las caverna. Una tribu habita en una cueva practicando el sexo unos con otros. De repente un dinosaurio va apareciendo en las cercanías atacándoles, y se dan cuenta de que con las lanzas no les hacen nada.

Técnicamente no es pornografía, pero el título era demasiado bueno como para dejarlo pasar. Obviamente no tiene nada que ver con la banda australiana de música.

Lo primero interesante es que está escrita por Edward D. Wood Jr., aunque usó el pseudónimo Akdon Telmig, que es una referencia a "Vodka Gimlet".

Usaron escenas de "One Million B.C." (1940), cuyo título parodian.

La película arranca con el desvirgamiento de una mujer. Empiezan manoseándola dos mujeres y finalmente la penetran con un cuerno largo, todo ello bajo la atenta mirada del jefe de la tribu y de un pintor que plasma la escena de manera primitiva. Van en todo momento con un taparrabos y en topless.

Tras perder la virginidad se vuelve una ninfómana. Y ahí si está completamente desnuda, pero apenas se ve nada.

El gorila es un señor disfrazado. El dinosaurio combina un juguete y lo que parece un disfraz, un poco más alto que una persona, pero que no se parecen en nada (aunque se supone que es el mismo).

Los de la tribu no parecen tener demasiados problemas a la hora de matarse entre ellos si hay una mujer de por medio. Teniendo en cuenta los peligros a los que están expuestos no parece la manera más inteligente de proceder.

Una mujer es secuestrada por un gorila y tras violarla consigue escaparse pero entonces el gorila le hace un gesto para que vuelva, mira a cámara, hace un gesto de "qué remedio" y vuelve a entrar en la cueva del animal. Quiero pensar que es humor. Es algo que repiten varias veces.

La historia va alternando sin sentido escenas de sexo en las que no se ve nada, otras donde sale alguien comiendo mientras charlan, otras del pintor, unas pocas del dinosaurio y lo del gorila. Las de sexo son largas, las otras bastante cortas.

Al menos los diálogos son en inglés. Que tampoco importa mucho lo que dicen, la verdad.

Resulta incluso anti-erótica de lo feas que son las escenas donde están follando, o simplemente besándose y tocándose.

Me pregunto a qué público estaba orientada esta película. Quizás era una más de la ola de erotismo de finales de los 60 y los años 70. En todo caso es dura de ver. Ni siquiera la encuadraría en las comedias sobre hombres de las cavernas que surgieron posteriormente.

En todo caso, a partir del siguiente título sí serán películas porno.

Hello Down There (1969)

También conocida como "Sub-A-Dub-Dub".

"The Green Onion" es una casa subacuática experimental y para demostrar su uso Fred Miller decide meter a su familia durante 30 días allí. Le cuesta un poco convencer a su esposa y a sus hijos, pero consiguen llegar a un acuerdo, pueden llevar también a sus dos amigos y compañeros de su grupo musical. Por otra parte la compañía para la que trabaja está desarrollando una especie de aspiradora subacuática para explorar el fondo marino en busca de minerales.

El reparto está plagado de nombres conocidos como Tony Randall (Fred Miller), Janet Leigh (Vivian Miller), Roddy McDowall (Nate Ashbury) o Richard Dreyfuss (Harold Webster).

El título "Sub-A-Dub-Dub" lo usaron cuando la empezaron a emitir en horario infantil. Lo cual hace que no cuadre demasiado con el arranque de la película, más concretamente con la canción que suena que empieza diciendo "Hello down there...". Ni siquiera encaja con la canción final que se titula "Glub".

La idea de explorar el fondo marino en busca de minerales fue usada por la CIA en los años 70 para encubrir que buscaban un submarino soviético hundido.

Es curioso, otra película que trata el tema de la superpoblación en la Tierra. 50 años más tarde hemos llegado a ella y aún así no hay falta de espacio, aunque los recursos sí empiezan a ser un problema.

Al ser una casa subacuática cada dos por tres nos meten planos de diversos animales bajo el agua. Y eso tiene una cierta incoherencia pues vemos claramente que en algunas están en aguas poco profundas.

Me encanta como agregan a la foca Gladys como otro miembro de la familia junto con los delfines Duke y Duchesses.

Es una comedia ligera, abusan un poco de los soniditos tontos pero es un poco lo que puedes esperar de una película de finales de los años 60. Eso y la música, claro. Hablando de eso, la película contiene un montón de temas musicales tocados "en directo".

A los 50 minutos aparecen los tiburones. Es una imagen real bajo el agua, se dedican a comer la basura que por accidente ha echado la esposa al sentarse sobre un botón. Es una escena bastante larga y les vemos morder varias bolsas e incluso una boya, incluso acaban atacando la casa y "peleando" con el protagonista (bueno, es un doble). Es mejor de lo que podía anticipar.

Me acabo de dar cuenta de que esto es un antecedente para Richard Dreyfuss y su confrontación con los tiburones 6 años antes de que estrenasen "Jaws" (1975). De alguna manera se la podría considerar la precuela.

El jefe usa en numerosas ocasiones la palabra "nincompoop", que se traduce como bobo.

No acabo de entender muy bien el final. El tipo de la discográfica compra la casa porque sí, con lo cual no llegan a pasar 30 días en la casa. Además la canción que tocan en directo no es la que le enviaron.

En fin, es bastante satisfactoria en cuanto a los tiburones que es lo que más me interesa. La música sesentera es agradable de escuchar y la comedia es un poco exagerada, pero en general es una película entretenida.

Spider-Man (1969)

También conocida como "Spiderman".

Spider-man lee en el Daily Bugle que un científico se ha conviertido en el Dr.Lightning tras resultar desfigurado. Mientras tanto un secuaz del doctor se cuela en el periódico y dispara a Randy, tras secuestrar a la hija del científico. Por suerte Spider-man llega y tras ayudar a Randy éste le entrega un mapa para localizar a los villanos.

Su duración es de 11 minutos.

Se trata de la primera versión en carne y hueso de Spider-Man. Pocos años antes tuvo su primera versión animada en la serie "Spider-Man", estrenada en 1967. Claro que técnicamente esto es un producto hecho por fans, la primera versión oficial sería la película "Spider-Man" (1977) que serviría a la vez de piloto de la serie de los 70.

Protagonizada, dirigida y escrita por Donald F. Glut (Peter Parker / Spider-Man). Fue compañero de clase de George Lucas en la Universidad. Es más fue quien escribió la novelización de "The Empire Strikes Back" (1980). En cuanto a su carrera cinematográfica, hizo 41 películas no profesionales en las cuales encarnó a personajes como Superman o The Spirit, ésta fue la última.

Para lograr el efecto de que escala una pared o cuando se balancea con sus telas de araña usaron animaciones en stop-motion con muñecos. También usan trucos de cámara simples para combinarlas.

Un error que cometen es que el traje real tiene telas de araña debajo de los brazos pero los muñecos no.

Las telas de araña que dispara son de color negro. Literalmente son trozos de tela.

Me hace gracia que el secuaz se ponga una máscara para taparse los ojos durante el secuestro pero aún así la hija le reconoce inmediatamente.

Me parece muy inteligente que no grabe el sonido de las conversaciones in situ, al doblar las escenas todo tiene un volumen correcto. Puede parecer una tontería pero es un claro indicativo de que la persona que grabó esto ya tenía una cierta experiencia. Además usa muy bien la música para acompañar las escenas de acción, sin embargo echo de menos algunos efectos de sonido durante las peleas.

El Dr.Lightning es un villano creado exclusivamente para este cortometraje. Guarda algunas similitudes con el Dr.Doom. No posee ningún superpoder, más allá de ser muy inteligente. Posee un arma que dispara electricidad creada por él mismo.

He de decir que me ha encantado la arañita localizadora que usa Spider-man para perseguir el coche del villano.

Intenté indagar un poco en el tema de las películas hechas por fans sobre "Spider-Man", siendo esta la primera. La segunda se titula "Spider-Man Versus Kraven the Hunter" (1974) fue otro cortometraje pero se considera perdido. A día de hoy sólo se conservan algunas fotografías del mismo.

The Alphabet (1969)

Sigamos con más Lynch.

Un dibujo se va formando y en él van apareciendo las letras del alfabeto por orden. Seguidamente vemos la cabeza de una mujer absorbiendo información hasta llenarla a tope.

Tiene una duración de 4 minutos.

Con el dinero que logró tras la exhibición de su primer cortometraje el director decidió adquirir una cámara de marca Bolex por unos 500 dólares. Tras ello se tiró dos meses grabando la animación pero cuando lo llevó a positivar la imagen estaba toda borrosa.

La inspiración la vino por parte de la sobrina de su esposa en aquel momento, quien había tenido una pesadilla sobre el alfabeto.

Aparte de la animación también vemos la cara de una mujer interpretada por la que era su esposa en aquel momento, Peggy Lynch.

Definitivamente la mejor forma de definir este cortometraje sería pesadillesco. Según el propio Lynch es un reflejo de su fobia a aprender.

Hay gente que hace interpretaciones realmente profundas de estos cortometrajes, personalmente me ha gustado la parte en la que ella vomita sangre sobre la cama y cuando empieza a recitar el alfabeto de manera siniestra.

The Wonderful Land of Oz (1969)

También conocida como "The Land of Oz".

Tip es un niño que trabaja para la bruja Mombi pero tras amenazarle con convertirle en estatua decide huir hacia la Ciudad Esmeralda junto con Jack, su compañero recién creado. Pero de camino es capturado por la general Jinjur, él logra escapar y avisar al espantapájaros, el gobernante de la ciudad.

Hace 11 años hice un recorrido por películas sobre Oz y descubrí que eran un montón. Sin embargo hubo algunos títulos que se me escaparon bien porque no di con ellos o porque directamente desconocía su existencia, aún así posteriormente he ido agregando algunos de ellos.

Lo cierto es que en su momento no tuve constancia de la existencia de éste en concreto, cosa que me molesta un poco porque recuerdo que me volví loco buscando todos los que pude y aunque no los obtuviera al menos los mencionaba en las entradas que hice en su momento. Dicho lo cual, es posible que las listas que consulté en aquel momento no estuvieran completas del todo. Pero bueno, no me quejo, al menos he dado con ella.

El presupuesto con el que contaron era ínfimo. Un ejemplo de ello es que contrataron a dos de los actores para trabajar un sólo día y les pagaron en metálico, el problema es que ni siquiera se apuntaron sus nombres. Y por lo que puedo comprobar muchos de los actores sólo salieron en esta película, al menos en dicho rol.

Leí el comentario de uno que se sorprendía porque la calidad de esta película es inferior a la de “The Wizard of Oz” (1939) a pesar de los 30 años de diferencia. Bueno, para ser justos esta película es casi como una obra teatral, de ahí que los maquillajes, escenarios y demás no sean demasiado esplendorosos.

Dicho lo cual, las malas actuaciones no le hacen ningún favor precisamente. Aunque eso tiene también una explicación y es que tuvo que echar mano de actores noveles, de hecho Tip es el hijo del director (y encima parece que esté desganado).

En el apartado positivo tenemos que se trata de una adaptación bastante fiel a la novela “The Marvelous Land of Oz”, publicada en 1904. Es la segunda de la serie de novelas sobre Oz, compuesta por 14 títulos.

Contiene algunas canciones y si las actuaciones son malas definitivamente las partes en las que cantan son todavía peores.

En fin, yo la evitaría. Es una película infame que ha pasado a la posteridad como la peor sobre el mundo de Oz, merecidamente.

Stereo (Tile 3B of a CAEE Educational Mosaic) (1969)

Esto es diferente.

Siete jóvenes se ofrecen voluntarios para un experimento en el que les quitan el habla para comunicarse de manera telepática.

Dirigida por David Cronenberg, fue su primer largometraje con una duración de apenas una hora. Anteriormente había hecho los cortos “Transfer” (1966) y “From the Drain” (1967).

La produjo él mismo tras crear su propia productora, Emergent Films Ltd.

La película en sí no tiene sonido, sólo una serie de voces en off que van narrando los diferentes experimentos a los que someten a los sujetos. Eso provoca que en algunos momentos no se oiga absolutamente nada pues la narración no es continua.

Lo de que no tenga sonido imagino que tiene que ver con el hecho de que han enmudecido mediante cirugía a los sujetos.

Otro detalle es que en varias escenas cuando empieza a hablar el narrador la escena va a cámara lenta, cuando termina de hablar vuelve a la normalidad.

Es una película bastante peculiar, desde luego no está pensada para el público en general. De hecho roza el concepto de experimental, aunque no hay ningún problema para entender lo que está sucediendo y en realidad no muestra nada más que a gente haciendo cosas en silencio.

Marooned (1969)

Aquí la titulamos "Atrapados en el espacio".

Durante una misión de órbita alrededor de la Tierra tres astronautas quedan atrapados en su nave. Les quedan menos de 3 días de oxígeno y desde la NASA tratan de encontrar una solución.

En el reparto tenemos a Gregory Peck (Charles Keith), conocido por “To Kill a Mockingbird” (1962). Richard Crenna (Jim Pruett), conocido por “First Blood” (1982). Gene Hackman (Buzz Lloyd), poco después hizo “The French Connection” (1971). Lee Grant (Celia Pruett), salió en “Damien: Omen II” (1978). Nancy Kovack (Teresa Stone), salió en “Jason and the Argonauts” (1963). George Gaynes (Director de misión), conocido por “Police Academy” (1984).

Fue la película que inspiró el tema “Major Tom (Coming Home)” de Peter Schilling, que no tiene nada que ver con el tema de David Bowie. Como curiosidad Schilling tuvo que aprender inglés adrede para poder cantarla, originalmente era en alemán y se titulaba “Völlig losgelöst”.

El globo terráqueo que gira durante los créditos iniciales está muy mal hecho. Se nota especialmente cuando vemos el Mar Mediterráneo.

Encuentro bastantes similitudes con “Apollo 13” (1995). Teniendo en cuenta que los hechos reales sucedieron un año después del estreno de la película me parece fascinante. Como curiosidad, la primera película basada en ese incidente fue “Houston, We’ve Got a Problem” (1974).

Creo que la frase que más me ha llamado la atención es “Los sentimientos hace que consumáis más oxígeno”. Y por eso los hacen dormir.

Qué locura, el lanzamiento de rescate ha de ser anulado por la proximidad de un huracán pero de repente se les ocurre lanzar el vehículo a través del ojo del huracán, donde no hay vientos. No creo haber visto algo así en otra película.

La nave rusa se llama “всегда вперед”, se traduce como "siempre hacia delante". Aunque en realidad en aquella época los soviéticos no ponían nombres a sus naves, eso era algo típico de los estadounidenses.

Creo que es una película interesante por el momento en que fue hecha ya que refleja el enorme interés que despertaban las misiones espaciales y como el público en general esperaba triunfos.

Personalmente lo que más me ha gustado es ver a este grupo de actores trabajando juntos.