Ralph Breaks the Internet (2018)

Aquí la titulamos "Ralph rompe Internet".

Han pasado seis años desde que Ralph y Vanellope se conocieron. Tras romperse el volante del Sugar Rush, Vanellope y Ralph deciden usar la nueva conexión Wifi para entrar en internet a encontrar uno nuevo en ebay.

Me han hecho gracia algunos títulos que le han puesto a nivel internacional como "Sugar Rush: Online" en Japón, "Wifi Ralph" en México y Argentina, "Ralph reichts 2: Webcrasher - Chaos im Netz" en Alemania o "Ralph 2.0: À la Conquête du Web" en Francia. Originales son.

La anterior película fue estrenada hace 6 años y tienen el detalle de hacer que el día donde empieza la historia sea exactamente el del estreno de esta secuela.

Cuando entran en el router Ralph descubre que hay buen eco y se pone a gritar como un pájaro lo hace igual que Sean William Scott en "Evolution" (2001).

Nada más entrar en internet se ven todo tipo de edificios que representan páginas web. Aunque en realidad juegan más con las aplicaciones famosas de móvil que otra cosa (Meetic, Snapchat, Facebook, Pinterest, YouTube, Twitter...). Y aunque sale el edificio de Google para buscar a donde ir usan un "motor de búsqueda sabelotodo" (no sé como lo traducirán en cada idioma).

En el anuncio spam "Sassy housewives want to meet you" la imagen que aparece es la de la Tía Cass de "Big Hero 6" (2014).

La chica a la que Ralph le tira un cartel haciendo que pierda su conexión a internet es una YouTuber llamada Miranda Sings (a la que he de decir que nunca le he encontrado la gracia).

La "Slaughter Race" está basada en el juego Twisted Metal de PSX y en los Grand Theft Auto.

Dentro de la zona Disney está Star Wars, Marvel, Pixar y también los Teleñecos (incluso se ve una imagen de la rana Gustavo).

Merida y Buzz Lightyear son los primeros personajes de Pixar que aparecen en una película que no es de dicha productora.

Aunque las princesas aparecen en sus nuevos modelos 3d cuando la niña está haciendo el cuestionario se ve una imagen con 8 de ellas en sus imágenes clásicas 2d.

El bebé Groot es doblado de nuevo por Vin Diesel en VO. Poco después hacen un cameo Stan Lee (sin hablar), Nick Wilde de "Zootopia" (2016), el enanito Gruñón, la sombra de Peter Pan y Campanilla y el gallo de "Robin Hood" (1973).

Vanellope pasa por el sector A113, una referencia a Pixar.

La única princesa que no es doblada por la misma actriz original es Aurora (la Bella Durmiente) debido a que ya no parece que tenga 16 años (de hecho Mary Costa tiene 88).

En la escena de las princesas fijaos en que:
- Ariel usa un tenedor como arma, en vez de peinarse con él.
- Y Jasmín la lámpara mágica.
- El pelo de Mulán ondea al viento.
- Cuando dicen no tener madre aparecen sólo las que la perdieron o directamente no aparecen en sus películas (son Mulán, Ana, Elsa, Jasmín, Bella, Blancanieves y Cenicienta).
- La cara de Rapunzel cuando Blancanieves canta.

Cuando Cenicienta se ofrece a hacerles ropa nueva usando sus ratones aparece el logo de Disney con la musiquita típica de "Batman" (1966).

Las camisetas que se ponen llevan algunos mensajes escritos y dibujos. Concretamente tenemos:
- Mulán lleva una chaqueta con un dragón bordado, en referencia a Mushu.
- Elsa: "Just let it go". En referencia a su canción.
- Anna: "Finish each others" dentro de un sándwich. Otra referencia a una canción.
- Blancanieves: "Poison" y una manzana.
- Tiana: "NOLA", es una referencia a su lugar de origen, Nueva Orleans, Lousiana.
- Cenicienta: "I G2G" dentro de una carroza.
- Merida: "Mum" y uno de sus hermanos cuando fueron convertidos en ositos.
- Aurora: "Nap Queen".
- Moana: "#SHINY" y un cangrejo. Una referencia más a una canción.
- Rapunzel: Lleva soles en los pantalones.
- Ariel: "Gizmos & Whooz-its & Whats-its & Snarfblats & Dinglehoppers". Una referencia a una de sus canciones.
- Pocahontas: "Blue Corn Moon" y un lobo aullando a la Luna.
- Bella: "BFF" y la silueta de la bestia.
- Jasmín: "Wishes" y la mano del Genio levantando 3 dedos.

Durante la canción de Vanellope cuando el tiburón hace aparición se ve una matrícula dentro de su boca que pone "Lousiana - Sportsman's Paradise", es una referencia a la matrícula que sacan del tiburón tigre de "Jaws" (1975). Luego sale un payaso montado en un triciclo, es una doble referencia a "IT" (1990) y a "Saw" (2004).

La parte del virus intentando capturar a Vanellope y subiendo a un edificio (el de Google) es una referencia a "King Kong" (1933).

Personalmente creo que dieron demasiado material en los tráilers. La escena de las princesas está prácticamente entera, por ejemplo, aunque sea una parte pequeña de la historia es una de las mejores.
En cualquier caso contiene miles de referencias, algún momento emotivo y a pesar de que algunos críticos se están cebando a base de bien no está tan mal en realidad.

Me esperaba algo tipo "The Emoji Movie" (2017) y aunque guardan algunas semejanzas Disney al menos sabe echar mano de elementos que nunca fallan como son sus princesas o sus franquicias, de las cuales salen bastantes personajes. Aún así se nota la falta de ideas.

Gladiator (2000)

Hace unas semanas escribí esto:

"Hoy he descubierto una cosita llamada Open Matte. Es, en esencia, una ampliación de la parte superior e inferior de la imagen en las películas. Se pierde un pelín de los laterales pero es inapreciable y el resultado es muy interesante. Es el formato usado en los cines IMAX, de ahí que parezca que sea más grande la imagen (bueno, de hecho lo es).

Hay películas que directamente están grabadas en este ratio pero cuando son lanzadas en versiones domésticas (dvd, blu ray o para televisión) las modifican para que sea panorámico y eso hace que se pierda buena parte de la escena (las típicas líneas negras que se ven a veces ocultan parte de la imagen original).

Viene a ser lo contrario de lo que sucedía hace unas décadas cuando cogían una película en formato panorámico y le recortaban los laterales para adaptarla al 4:3 de los televisores antiguos, dando como resultado puras atrocidades.

No estoy seguro desde hace cuánto que se están editando Blu Rays en este formato pero he visto que hay algunos del 2012."

Bueno, pues la versión que me dispongo a ver de ésta película es precisamente en dicho formato.

Dirigida por Ridley Scott. Es una de sus películas más exitosas, personalmente la situaría detrás de "Alien" (1979) y "Blade Runner" (1982). Ha anunciado una secuela, aunque está muy en el aire aún.

Protagonizada por Russell Crowe (Maximus) a quien habíamos visto previamente en "L.A. Confidential" (1997), "The Quick and the Dead" (1995) y "Virtuosity" (1995). A Joaquin Phoenix (Commodus) le habíamos visto en "8mm" (1999) y en "U Turn" (1997). Luego Connie Nielsen (Lucilla) salió en "The Devil's Advocate" (1997). De Oliver Reed (Proximo) hace poco comenté su aparición en "The Adventures of Baron Munchausen" (1988). Richard Harris (Marcus Aurelius) salió en "Unforgiven" (1999) y en la trilogía "A Man Called Horse" (1970). Y Djimon Hounsou (Juba) salió en "Blood Diamond" (2006).

Posee una de las BSO más remarcables y famosas de la historia del cine. De hecho se convirtió con una de las mejores vendidas. Hans Zimmer tenía en mente a Ofra Haza para que cantase pero murió en el año 2000 y tuvo que recurrir a Lisa Gerrard. También le preguntaron a Luciano Pavarotti si estaba interesado y lo rechazó, algo que lamentó posteriormente.

El guión original fue escrito en 1997 por David Fanzoni aunque tuvo docenas de versiones hasta llegar al resultado final.

La intención del director era alejarse de los tópicos de los peplum clásicos y tratar de ofrecer una visión más realista de lo que sucedió en la época romana. Sin embargo hay muchas diferencias notables con la historia real.

El lobo mascota de Maximus durante la primera escena de batalla en realidad es un perro. Más concretamente una perra llamada Kyte de raza pastor belga tervuerense. Esto fue debido a que no podían importar lobos a Inglaterra debido a las leyes anti-rabia.

Las heridas que se aprecian en la cara de Russell Crowe tras la batalla son reales. Se las hizo cuando su caballo se asustó y le hizo pasar a través unas ramas.

En la escena en la que Proximo le coge por los huevos al mercader Oliver Reed realmente se los cogió al actor. Él lo consideró como un gran honor.

Durante las escenas de pelea en la arena Crowe perdió sensibilidad en un dedo por la lucha con espadas, se le empeoró una herida en el talón de Aquiles, se rompió un hueso del pie, quebró otro de la cadera y varios tendones de sus bíceps se le salieron del sitio.

Los espectadores en el coliseo están compuestos por extras reales (las dos gradas inferiores), miles generados por ordenador y unos 400 hechos de cartón.

En la pechera de Maximus aparecen dos caballos llamados Argento y Scatto. Argento viene de Silver, el caballo del Llanero Solitario, y Scatto viene de Trigger, el caballo de Roy Rogers.

Entre las muchas discrepancias históricas está lo del dedo, hacia arriba significaba la muerte y hacia abajo la vida. No quisieron confundir a los espectadores y por ello lo dejaron como es comúnmente conocido.

En la escena en la que se enfrenta al campeón galo usaron 5 tigres reales. Aunque Russell Crowe se mantuvo siempre a una distancia prudencial de ellos.

Fue la última película en la que aparece Oliver Reed quien murió tres semanas antes de terminar el rodaje. Aunque según el contrato podrían haber buscado otro actor para regrabar sus partes el director decidió que no quería cambiarlo, aparte que el equipo estaba agotado debido a un calendario de rodaje intenso. Originalmente su personaje se enfrentaba Maximus en el coliseo.

Me he fijado bien y es verdad que en la escena de la muerte de Proximo se nota que es un doble porque sale de espaldas y que usaron una imagen grabada en otro lugar y momento para hacer el montaje.

Joaquin Phoenix improvisó la parte en la que grita "Am I not merciful?" lo cual sorprendió a Connie Nielsen, su reacción de miedo es genuina.

El formato Open Matte debería ser el estándar, así de simple. De hecho creo que las películas deberían ser distribuidas en el mismo formato en el que son estrenadas en los cines.

Dicho lo cual, no sé cuántas veces habré visto ésta película y la verdad es que a pesar de sus dos horas y media largas de duración se me hace corta incluso, dan ganas de conocer más detalles. Sigue siendo una de las películas mejores valoradas de la historia, personalmente me he fijado en que hay ciertos momentos en los que la imagen se ve un poco peor aunque son cortos y si no te fijas demasiado ni se notan. Y sabiendo un poco cómo la hicieron intenté averiguar qué era CGI y qué no y aún hoy en día resulta un tanto complicado (aunque lo del público a partir de la 3ª gradería sí se nota).

Full Moon High (1981)

Una de lobitos.

En 1959 Tony se va de viaje a Rumanía con su padre, una vez allí es atacado por un hombre-lobo. Tras atacar a diversas chicas y la muerte de su padre decide abandonar la ciudad donde vive para regresar 22 años más tarde sin haber envejecido.

En el reparto aparece Alan Arkin (Dr.Brand) y sus dos hijos Adam (Tony) y Anthony Arkin (un joven en el partido). Cuántas aes en las iniciales.

También tenemos el cameo de Pat Morita (El herrero), conocido por "The Karate Kid" (1984). Y el de Bob Saget (retransmitiendo los deportes), conocido por "Full House".

Dirigida por Larry Cohen, suyas son también "Q" (1984), "It's Alive III: Island of the Alive" (1987) y "The Stuff" (1985). Es también conocido por ser guionista y productor.

Parodia principalmente la película "I Was a Teenage Werewolf" (1957).

Es una comedia aunque un tanto torpe. La parte cómica es básicamente que dicen tonterías y situaciones sin demasiada gracia. Un ejemplo es que en los ataques no siempre mata a las víctimas, si son chicas jóvenes sólo les da un bocado en el culo.

Los efectos especiales son correctos, aunque no llegamos a ver ninguna transformación en hombre-lobo. Pasa de ser normal a que le salga algo de pelo a convertirse, sin más.

Uno de los principales problemas es que la mayoría de los personajes carecen de desarrollo y muchos aparecen pasado demasiado rato. Por ejemplo la chica vegetariana o el psiquiatra.

Es bastante estúpida, claro que no sé qué me esperaba de una película que se aprovechó del tirón de los hombres lobo adolescentes de principios de los años 80.

Freaked (1993)

Aquí la titulamos "Freaked. La disparatada parada de los monstruos".

Ricky Coogan narra en el programa de Skye Daley sus vivencias en Sudamérica cuando iba a apoyar una multinacional que hace uso de un químico muy peligroso. Pero las cosas se tuercen al llegar allí y junto con su amigo Ernie y una chica que conoce al llegar llamada Julie terminan formando parte de un circo de monstruos.

Es un reparto cargado de caras conocidas como por ejemplo Brooke Shields (Skye Daley), conocida por "The Blue Lagoon" (1980). Alex Winter (Ricky Coogan), fue también uno de los directores. William Sadler (Dick Brian), salió en "Bill & Ted's Bogus Journey" (1991). Morgan Fairchild (Azafata), conocida por "Falcon Crest". Alex Zuckerman (Stuey Gluck), salió en "Hook" (1991). Megan Ward (Julie), salió en "Amityville: It's About Time" (1992). Randy Quaid (Elijah C. Skuggs), conocido por "National Lampoon's Christmas Vacation" (1989). Mr. T (La mujer barbuda), famoso por "El equipo A". John Hawkes (Cowboy), salió en "Winter's Bone" (2010). Michael Stoyanov (Ernie), conocido por "Blossom".

También aparece Keanu Reeves (Ortiz el hombre perro) quien no recibió crédito a pesar de que le pagaron un millón de dólares. Lo cierto es que nunca llegamos a ver su aspecto normal, supongo que esa es la razón por la que no le pusieron en los créditos finales.

Aparte los directores Tom Stern y Alex Winter hacen un cameo como la pareja gay que abandona el show cuando el presentador dice que no es apropiado para el público sensible. Alex Winter es conocido por ser Bill en "Bill & Ted's Bogus Journey" (1991) donde Keanu Reeves hizo de Ted.

Mr. T se estresó tanto que abandonó el rodaje tres días antes de terminar de rodarla. Lo cual supuso que tuvieran que usar un doble en una escena y también otro cuando se vieron obligados a doblar un diálogo.

Es importante entender antes de empezar a verla que se trata de una parodia. En realidad no sé muy bien de qué, obviamente lo primero que viene a la mente es "Freaks" (1932) pero como está plagada de referencias a los años 80 y 90 a mí me parece más bien que se basaron en las secuelas de "Basket Case" (1982), aunque con un presupuesto para los efectos especiales mucho más holgado (concretamente 12 millones de dólares, y se notan).

En el viaje de ida Rick Coogan comenta que le pusieron "Return to the Blue Lagoon" (1991) a lo que Brooke Shields comenta que ella oyó que fue un asco.

Está llena de detalles como que los hermanos siameses se pegan al más puro estilo "The Three Stooges". El hombre-perro lleva "dog tags" (los colgantes de identificación militar). El hombre-gusano es un "bookworm" (se traduce como rata de biblioteca). Cow-boy tiene acento texano. Rick parece un Gremlin y hace mención de ellos.

En la habitación del "troll" (el fan de Ricky) vemos pósters parodia de varias películas como de "RoboCop" (1987) o "Rain Man" (1988) protagonizadas por Rick Coogan.

Rosie the Pinhead es la única referencia clara al clásico de Tod Browning, aunque apenas hace aparición.

Es una película extraña, sorprende que tenga efectos especiales tan bien hechos (en especial el de los siameses) pero a la vez es una película muy cutre, pero mucho. Y para ser una parodia en realidad no hay apenas comedia, de hecho es más bien absurda.

Female Trouble (1974)

Aquí la titulamos "Cosa de hembras". Se barajó como título "Rotten Mind, Rotten Face".

Dawn quiere abandonar los estudios y odia a sus padres por ello termina huyendo de casa el día de Navidad. Tras ello folla con el primero que se encuentra y se queda embarazada. Al tener su hija el padre no quiere saber nada así que tendrá que dedicarse a la delincuencia junto con sus dos amigas para poder vivir.

Otro director de quien siempre he querido ver más títulos y nunca he tenido tiempo para ello. John Waters es uno de mis favoritos porque es de los pocos que pasa de convencionalismos y de lo que podríamos llamar normalidad.

Me acabo de percatar de que es una de las pocas películas que no había visto de Divine (Dawn Davenport/Earl Peterson), tendré que ponerme con el resto de títulos algún día.

Existen tres versiones, una de 89 minutos, una de 92 que es en 16 mm y la de 97 que es la de Criterion en Bluray.

Es la última película de Waters en la que aparece David Lochary (Donald Dasher) porque murió poco después desangrado cuando estaba colocado de PCP.

Es considerada por algunos como una continuación de "Pink Flamingos" (1972) sin embargo es una historia totalmente diferente en la que no repite ningún personaje.

El conductor de coche que recoge a Dawn es... ¡Divine!. Obviamente usaron a una doble (concretamente es Sally Turner quien aparece en la escena del salón de belleza también) por eso siempre sale de espaldas cuando comparten imagen.

La escena del parto fue la última que filmaron. El bebé es real, de hecho era el de Susan Lowe (Vikki) quien hizo de recepcionista en el salón de belleza. Dio a luz cuando estaba terminando el rodaje y les dio permiso para usar su bebe, al cual embadurnaron en sangre falsa. El cordón umbilical fue creado usando condones rellenos de hígado.

Necesitaron a tres personas para ponerle el traje de cuero a Edith Massey (Ida Nelson).

En la escena que Divine va por la calle con la cara deformada el director la grabó desde su coche para intentar captar las reacciones auténticas de la gente que pasaba. Hizo algo similar en "Pink Flamingos" (1972) pero esta vez salió bastante mal porque creyeron que se trataba de una enferma mental. El hombre al que se le cae un ojo de cristal era un amigo del director.

John Waters hizo que Divine tomase algunas lecciones de trampolín para que no se rompiese el cuello. Gracias a dichas prácticas hizo la escena en una sola toma. Es bastante impresionante de ver a pesar de su sencillez.

Cuando Divine se pone a disparar al público del espectáculo que monta me ha recordado a Sid Vicius en "My Way". Claro que aquí van más allá con la policía disparando a la gente de forma totalmente gratuita para abrirse paso (es bastante bestia).

La escena en el bosque fue grabada en pleno Noviembre. Divine saltó al río y se puso a nadar tal cual, con el traje puesto, y llegó a la otra orilla nadando sin perder la peluca.

Es tan irreverente como el resto de películas de Waters, aunque quizás mejor estructurada. Además contiene una variedad bastante amplia de temas chocantes. La he disfrutado mucho.

血を吸う薔薇 (1974)

También conocida como "Evil of Dracula". El título se traduce como "Rosa chupasangre".

Shiraki es el nuevo profesor en un colegio aislado, nada más llegar el director le dice que le gustaría que tomase su lugar porque no se encuentra bien. Al empezar las clases le hablan de misteriosas desapariciones y de un demonio y aunque sea en plan broma él cree que algo raro sucede.

Es bastante diferente a las dos anteriores. Para empezar hacen aparición dos vampiras bastante pronto (con un maquillaje básicamente igual que las de las otras películas, eso sí).

Me ha parecido interesante un plano en el que el protagonista se gira, tras descubrir el ataúd donde está el cuerpo de la esposa muerta del director, y mientras ellos hablan ella levanta las manos como si fuera a atacarle.

El colegio es también un internado. No tiene una línea regular de autobús que lleve a los estudiantes aunque supongo que algunos de ellos viven relativamente cerca. No es que den demasiada información al respecto, pero da esa impresión. Por ejemplo sólo vemos a 3 chicas vivir en el colegio.

Esta vez la leyenda origen del vampiro es narrada a mitad película. Es bastante parca en detalles, aunque esta vez vemos un flashback. Lo realmente curioso es que el primer vampiro era un hombre occidental vestido de monje cristiano.

Una cosa interesante en estas películas es que los vampiros no poseen poderes sobrenaturales, quizás son algo más duros de lo normal pero no es que tengan superfuerza ni se muevan a gran velocidad, tampoco se transforman en animales. De hecho son humanos con sed de sangre que sólo pueden salir por las noches o cuando está oscuro.

Aunque hay que puntualizar que en esta parecen ser capaces de poseer a otras personas a las que han mordido. Aquello del maestro controlando a sus siervos que se ve en la novela de Drácula. Ah, en esta ocasión no veo la conexión con el personaje a pesar de que el título inglés lo nombra.

Es una manera interesante de tratar el tema vampírico, rozando el folclore japonés. En las tres películas destaca la simplicidad de los argumentos y los pocos personajes que salen, al igual que la falta de escenas sangrientas (no digo que no haya sangre, simplemente no se recrean en ello).

呪いの館 血を吸う眼 (1971)

También conocida como "Lake of Dracula". El título se traduce como "La casa de la maldición: los ojos chupasangre".

Un ataúd ha sido enviado a un señor que habita cerca de un lago. Allí vive también Akiko Kashiwagi quien de pequeña se encontró con un vampiro mientras buscaba a su perrito Leo y desde entonces ha tenido pesadillas.

Aunque las historias de estas películas giran en torno a vampiros los títulos destacan también lo de la "casa maldita" o similares. Y es porque las casas donde habitan estos seres son tenebrosas y llenas de misterio. En esta tiene la particularidad de estar cerca de un lago.

El vampiro sí se llama Drácula (bueno Dorakyura), lo cual tiene sentido con el título que se le dio internacionalmente pero por algún motivo esperaba que no fuera ese (de hecho en los créditos aparece como "el vampiro"). Aunque en realidad es un descendiente.

Al igual que la anterior hacen uso de lentillas. Concretamente son unas que hacen el iris de un color dorado. También tiene la piel pálida (lo mismo pasa con sus víctimas) aunque esta vez es de un tono azuloso.

Al igual que al anterior guarda algunas semejanzas con la novela de Bram Stoker. Por ejemplo Drácula se procura un criado que cuida de su ataúd por el día y ataca a mujeres principalmente.

También recurren a los tópicos de los vampiros como la falta de reflejo en un espejo o lo de dormir en un ataúd concreto durante el día. Y por supuesto los vampiros tienen los colmillos más largos, aunque no excesivamente.

Me ha gustado el final, dan una explicación a por qué hay un vampiro suelto y muere de una forma ridícula. A veces no se necesita mucho más. En fin, pasemos a la tercera película.

幽霊屋敷の恐怖 血を吸う人形 (1970)

El título se traduce como "El horror de la casa embrujada: la muñeca chupasangre", poco más o menos.

El hermano de Keiko Sagawa, Kazuhiko, ha desaparecido tras ir a visitar a su novia Yûko Nonomura a quien no veía desde hacía 6 meses. Cuando Keiko y su pareja van a investigar se encuentran con la madre de Yûko quien les dice que su hija murió en un accidente de coche y el desaparecido se marchó de su casa tras oír la noticia.

Forma parte de la conocida como "The Bloodthirsty Trilogy" junto con "Noroi no yakata-Chi o su me" (1971) y "Chi o suu bara" (1974). Las tres fueron dirigidas por Michio Yamamoto. Las dos secuelas serán mis dos próximas entradas.

Pertenecen al género de terror y fueron producidas por la Toho en los años 70. Su estética recuerda mucho a las películas de la Hammer de aquel entonces.

Las busqué porque en los títulos que recibieron internacionalmente mencionan a Drácula y me pareció curioso no haber ni siquiera oído hablar de ellas. Esta primera, sin embargo, trata sobre una vampira y por ello no tenía previsto verla en principio pero ser sólo una película me pareció mejor incluirla también.

Aunque no sea sobre Drácula si guarda algunas semejanzas con la novela. Por ejemplo empieza con un hombre que viaja a un lugar desconocido para él en una noche tenebrosa y una vez allí se ve obligado a pasar un cierto tiempo. En la primera noche tiene visitas de una vampira quien no quiere hacerle daño en principio pero eventualmente tendrá que beber su sangre.

La vampira tiene la piel de color blanco, en algunos momentos parece violeta, y lleva diferentes lentillas que le dan un aspecto más sobrenatural. Destacan unas con las que parece que tenga ojos de serpiente y unas de color dorado.

Me encanta como el hombre de ciencia (el doctor) sea el primero en creer en lo paranormal. Concretamente es el que cree en la posibilidad de que Keiko ha visto a la muerta.

Es una historia bastante original sobre una vampira con unos orígenes un tanto escabrosos. Está más cerca de una historia de fantasmas en realidad pero no por ello desmerece. Y el giro final es sorprendente. Dudo que la secuela sea una continuación, imagino que será más bien otra historia de vampiros. Pero eso lo veremos en la próxima entrada.

パプリカ (2006)

También conocida como "Paprika".

El capitán Konakawa sufre de ansiedad debido al último caso que está investigando y por ello recurre a una innovadora terapia del sueño que consiste en, literalmente, analizar lo que pasa por su mente mientras duerme.

Se trata de la última película de animación que hizo Satoshi Kon antes de su fallecimiento. Su filmografía la completan los títulos "Pâfekuto burû" (1997), "Sennen joyû" (2001) y "Tôkyô goddofâzâzu" (2003). Tengo previsto ver alguno de ellos próximamente.

El arranque de la película es una auténtica locura. El tal Konakawa va saltando de sueño en sueño, de hecho es más bien pesadillesco todo, y hasta que no se despierta no sabemos qué está sucediendo.

La pesadilla común está cargada de símbolos populares japoneses. Algunos son más obvios que otros, dado que salen cientos de cositas en ciertos momentos resulta difícil enumerarlas. Pero vamos, conociendo un poco de cultura japonesa los reconoceréis fácilmente.

Lo más complicado de ésta película es saber qué es sueño y qué no. De hecho yo tengo la teoría de que no llegamos a ver el mundo real, lo cual explicaría muchas cosas.

Los sueños dan mucho de sí y por ello vemos todo tipo de cosas en ellos. En realidad me cuesta explicarlo porque es todo demasiado fantasioso. Mezclan elementos de historias populares, cuentos o películas pero lo suficientemente diferentes como para que no sea una copia descarada, y aún así están bien integrados.

En cualquier caso me ha dejado con ganas de más pero eso tendrá que esperar porque tengo otros títulos preparados para ver.

Ensayo de un crimen (1955)

También conocida como "La vida criminal de Archibaldo de la Cruz".

Archibaldo de la Cruz está convencido que cuando hace uso de una caja de música muere quien él desea. Tras la extraña muerte de una monja en un hospital decide confesar sus actos.

Otro título de la etapa en México de Luís Buñuel. Es uno de esos directores de quien no me canso nunca de descubrir títulos desconocidos para mí. Aunque he de decir que me gustaría tener la oportunidad de ver algunos de sus más famosos, pero bueno menos es nada.

Definen al asesino como "un tipo normal y corriente, algo taciturno quizás". Está claro que es un loco desquiciado desde el mismo momento en que prefiere beber leche en vez de alcohol.

La música tenebrosa que suena cuando el protagonista tiene pensamientos homicidas me ha parecido muy bien usada.

Es bastante intrigante, si bien él mismo se declara un asesino en realidad no le vemos cometer ningún acto delictivo per se. Sin embargo la manera en la que actúa y cómo prepara las cosas antes de que sucedan los asesinatos son un claro indicativo de que algo tiene que ver.

Y esa es su mejor cualidad. La he encontrado un tanto lenta y su final no me acaba de convencer pero la idea del que se cree un asesino sin realmente serlo no está nada mal.