The Mouse That Roared (1959)

Aquí la titulamos "Un golpe de gracia".

Estamos en el ducado de Grand Fenwick, el país más pequeño del mundo además de ser el único europeo en el que hablan inglés. La Gran Duquesa Gloriana XII es su gobernadora. Su economía se basa en la exportación de un vino local pero cuando los EEUU crean una imitación deciden declararles la guerra. Pero es todo una estratagema, la idea es perder la guerra para beneficiarse de las ayudas posteriores.

Es uno de esos títulos que de por sí llaman la atención. Pero la cosa va a más en cuanto te das cuenta de que la protagoniza Peter Sellers (Gran Duquesa Gloriana XII / Primer Ministro Conde Rupert of Mountjoy / Tully Bascombe). Y he de decir que aunque he visto bastantes películas donde aparece, al menos las más conocidas, en realidad apenas he explorado su filmografía cuyas primeras apariciones datan de los años 50.

Esta vez explican por qué hay tres personajes interpretados por Sellers, el padre fundador del país fue también el padre literal de muchos de sus habitantes.

Me pregunto si es la primera película en la que muestran un Nueva York vacío, sin gente. Muchas de las imágenes son panorámicas y sólo se ven edificios, pero también muestran calles. Aunque he de decir que en una de ellas sí se ve gente, concretamente conductores dentro de sus coches pero al estar inmóviles cuesta darse cuenta... es porque es una fotografía. Me hace gracia que cuando los soldados "invaden" la ciudad combinan escenas reales y otras usando croma y una fotografía.

Aparecen titulares escritos en diferentes idiomas, entre ellos el ruso los cuales dicen "Феник захватил "Q" бомбу!", que se traduce como "Fenik ha capturado la bomba Q" (se podría considerar un error que usen una Q, pero es literalmente el nombre de la bomba), "Где Феник?" que es "¿Dónde está Fenik?", aunque con una "Г" mal escrita y "Мобилизаtsaя!!", que debería ser "Мобилизация!!". Aparte el nombre del periódico debería ser "Московская Правда" pero pone "Лравда". Tengo la impresión de que está hecho adrede.

Me recuerda un poco a "Flodder in Amerika!" (1992).

Es graciosa y entretenida, en pocas palabras. Resulta interesante como retratan a los soviéticos y la manera en la que muestran cómo era la Guerra Fría porque en los siguientes 20 años no cambiaron demasiado las cosas. También me ha gustado como consiguen dar con una solución a la guerra mediante el desarme de las grandes naciones mediante la intervención de las más pequeñas.

Les quatre cents coups (1959)

Aquí la titulamos "Los 400 golpes".

Antoine Doinel es un chaval a quien le tiene manía un profesor. El panorama en casa no es mucho mejor, su padre no para de bromear y su madre es muy estricta con él. Por ello al día siguiente decide no ir a clase y pasar el día con un amigo. De repente descubre a su madre besándose con un tipo en la calle. Seguidamente decide que tiene que ir a clase, pero eso empeora mucho las cosas porque pone como excusa que su madre ha muerto, lo cual hará que escape de casa cuando le pillen.

En realidad es una traducción literal de algo que proviene del dicho "faire les quatre cents coups", el cual se puede interpretar como "vivir una vida salvaje".

Dirigida por François Truffaut. Le vimos en "Close Encounters of the Third Kind" (1977). Creo que es la segunda película dirigida por él que veo tras "Fahrenheit 451" (1966). Como primera curiosidad hizo también un cortometraje titulado "Los 4 Golpes" (1962). Como segunda, hace un cameo como uno de los que se montan en la rueda giratoria con el protagonista.

Los actores que hicieron la audición para ser el protagonista y no lo consiguieron aparecen en las escenas de clase.

Grabar en las concurridas calles de París era un problema por el sonido, sin embargo el director dio con una solución bastante simple, dobló toda la película, incluidos los diálogos (los cuales los hicieron los mismos actores).

Según pone al principio está grabada en formato DyaliScope. Es un nombre peculiar y por ello me ha interesado saber más. En realidad es sólo un formato anamórfico con un nombre "bonito", de hecho es el que usaron en Francia. Por ejemplo, en España ha tenido un montón de nombres como Hispanoscope, Kinoscope, Autentiscope, Filmascope o Videoscope.

La solución de los padres a sus trastadas es llevarlo a comisaría para que se encarguen de él, osea encerrarlo en un centro juvenil. En esa parte es cuando nos enteramos de que en realidad no es su padre.

Lo que yo he visto en esta película es una dosis alta de realismo cuotidiano. Pero a la vez hay numerosos saltos temporales para que los momentos más relevantes hagan que avance la historia. Me recuerda en cierta manera al cine quinqui español, también a "Taxi Driver" (1976).

De hecho al terminar de verla no pude evitar preguntarme qué sucedió posteriormente con el protagonista. Y es que su vida parece ir descarrilando cada vez más, alejándose de su familia (quienes terminan por repudiarle), del colegio (donde no le pueden ni ver) y con un sólo amigo al que no dejan verle.

The Diary of Anne Frank (1959)

Aquí la titulamos "El diario de Ana Frank".

Al término de la guerra Otto Frank regresa a su casa en Amsterdam para descubrir que se lo han llevado todo, salvo el diario de su hija Anna. Él y su familia tuvieron que esconderse sobre una fábrica de especias donde no podían hacer ningún ruído cuando estaban los trabajadores. Allí pasan el día leyendo libros y la noche tratando de convivir con la otra familia que está con ellos.

Basada en la novela y también en la obra de teatro, la cual fue estrenada en 1955 y tuvo 717 pases.

Como dije en la anterior entrada, está dirigida por George Stevens. También son suyas "A Place in the Sun" (1951) y "The Greatest Story Ever Told" (1965).

Cuando iba al colegio nos obligaron a leer este libro. Es uno de tantos que no me marcó especialmente, aunque recuerdo su argumento en líneas generales. Lo peculiar del tema es que leí recientemente que había gente que refutaba su veracidad diciendo que en realidad fue escrito por otra persona, aunque fuera en parte. Claro que también ha habido quien ha probado que no es así. En un mundo donde todo se discute sobre prácticamente todo y que raras veces se llega a una conclusión prefiero pensar que la explicación más sencilla es la válida.

El propio Otto Frank (el único superviviente de la familia) participó en la grabación como consejero técnico. Por ejemplo ayudó en el reparto de las que interpretarían a sus hijas Anna y Margot. Sin embargo nunca fue a ver la obra de teatro ni la película al cine.

La 20th Century Fox estaba produciendo sus películas usando el CinemaScope principalmente para hacer que la gente notase el cambio de ver una película en la gran pantalla respecto a verla en su televisión en casa. Sin embargo el director quería dar la sensación de claustrofobia así que puso columnas en los laterales de la pantalla para que todo sucediera en la zona central. De esa manera consiguió contentar a la productora y a su visión.

Existen dos versiones. La original es de 170 minutos y luego hicieron algunos recortes dejándola en 156 minutos. Ambas versiones se pueden encontrar hoy en día.

El médico que se agrega al grupo es el más desastroso de todos. También es el que mete más malas ideas y quien pone nerviosos a todos de forma innecesaria.

Un detalle peculiar es que termina con el logo de la película, sin más. No hay créditos ni siquiera un "The End".

Son casi 3 horas de historia, pero no se hace pesada. Al menos no para mí, me ha parecido interesante ver la evolución de algunos de ellos, porque todo se centraliza en Anna.

Personalmente creo que es una adaptación muy buena por dos motivos. Primero porque fue hecha en una época donde todos eran muy comedidos en la gran pantalla, no habían excesos ni escenas metidas para escandalizar. De hecho lo más "fuerte" que se ve es un beso. Y segundo porque contaron con el padre como asesor, eso le da un toque realista extra.

Giant (1956)

Aquí la titulamos "Gigante".

Estamos en Ardmore, Maryland. Jordan Benedict acaba de llegar de Reata, Texas, para comprar un caballo pero al conocer a su dueña Leslie se enamora de ella y terminan casándose. Al llegar a su casa empiezan los conflictos con Luz, la hermana de él, quien no parece gustarle demasiado Leslie lo cual no le ayuda a adaptarse. También conocerá a Jett Rink, un ayudante con quien Jordan tiene algunos problemas.

Basada en la novela de Edna Ferber de idéntico título publicada en 1952.

Dirigida y producida por George Stevens. Curiosamente la siguiente película que veré también es suya.

Un reparto de lujo con Elizabeth Taylor (Leslie Benedict), Rock Hudson (Jordan "Bick" Benedict Jr.), James Dean (Jett Rink), Carroll Baker (Luz Benedict II), Mercedes McCambridge (Luz Benedict), Dennis Hopper (Jordan Benedict III) y Rod Taylor (Sir David Karfrey).

Fue la película más taquillera de la Warner en toda su historia hasta que estrenaron "The Exorcist" (1973).

Creo que de todos los actores del cine clásico con un cierto renombre James Dean es el que menos conozco porque no he visto ni una de las pocas películas en las que salió. Así que he decidido empezar por esta.

Como primera curiosidad James Dean hizo un anuncio sobre seguridad vial cuando aún estaban produciendo la película y falleció poco después en un accidente de coche. No hubo que grabar escenas con otro actor sustituyéndole porque habían terminado de hacer todas en las que salía, pero sí tuvieron que agregar algunas líneas de diálogo extra, cosa que hizo Nick Adams.

Su muerte hizo que Elizabeth Taylor, con quien había entablado una buena amistad, estuviera dos semanas sin ir al rodaje.

En los años 40 y 50 la tendencia era usar actores mayores y "rejuvenecerlos" para hacer el papel de joven y mayor. En esta película se hizo lo contrario, usando maquillaje para darles una apariencia más vieja.

Una de las anécdotas más graciosas es que durante una escena en exteriores James Dean gritó "Cut!" y se bajó los pantalones y se puso a mear en un lugar donde le podían ver todos.

Nada más arrancar vemos que usaron el sistema Warnercolor, aunque en realidad es Eastmancolor con el nombre cambiado por la Warner. Fue la respuesta barata al Technicolor. Destaca porque sus tonos son más bien amarillentos.

La frase "Texas it's like a whole other country" se usó como eslogan promocional del estado. Desde luego la película parece una promoción mostrándo sus enormes extensiones de terreno.

A pesar de su larga duración (casi 3 horas y media) las cosas suceden bastante rápido. Por ejemplo en apenas 20 minutos ya están casados los protagonistas.

Entre los coches que aparecen destaca especialmente un Rolls-Royce 40/50 h.p. "Silver Ghost" de 1921 y un Duesenberg J Convertible Berline de 1930. Aunque el que más usan es un Ford Model T de 1926.

En realidad Jordan es el personaje más odioso. Al llegar a Texas impone su "soy el marido", luego casi evita que su esposa lleve a un médico a un bebé de uno de sus trabajadores porque "no son de su clase", mata al caballo porque "se le rompió una pata" (yo tengo la impresión de que aunque fuese así el hecho de que matase a la hermana es la principal razón) y no deja que ella participe en una conversación "de hombres".

La historia es bastante densa, aunque es casi episódica con lo cual no se hace pesada. Además

Dicen que Gerónimo era un Comanche, en realidad era Apache.

Parte de la trama trata sobre el racismo. Al principio es algo de pasada pero en la última media hora pasa a ser de gran relevancia. Es también la razón por la que se produce el "cambio" en el protagonista.

Es la historia del cambio que sufrió Texas al terminar la época de los vaqueros y convertirse en la de zona de los millonarios propietarios de pozos de petróleo. Aunque el protagonista trata de aferrarse al pasado debido a las necesidades generadas por la Segunda Guerra Mundial termina cediendo y también él abre pozos en su terreno.

Sobre James Dean, me ha gustado la parte en la que su personaje se planta antes las presiones para vender cuando hereda parte del terreno en el que ha estado trabajando. Y también su última escena. Me he quedado con ganas de ver sus otros títulos, pero tendrá que ser más adelante.

Bus Stop (1956)

También conocida como "The Wrong Kind of Girl".

Un vaquero de rodeos llamado Bo viaja hacia Phoenix, Arizona, para participar en un rodeo. Está acompañado por su amigo Virge. Es un tipo que prácticamente no ha salido nunca de su rancho y cuando Virge le dice que en este viaje conocerá a alguna mujer, el inexperimentado Bo no lo tienen tan claro.

Se trata de una de las dos películas que hizo la productora "Marilyn Monroe Productions", la otra fue "The Prince and the Showgirl" (1957).

En el reparto tenemos a Marilyn Monroe (Chérie), fue la película que hizo tras "The Seven Year Itch" (1955). Don Murray (Beauregard "Bo" Decker), salió en "Conquest of the Planet of the Apes" (1972). Hope Lange (Elma Duckworth), salió en "Death Wish" (1974), "A Nightmare on Elm Street Part 2: Freddy's Revenge" (1985) y en "Blue Velvet" (1986).

Originalmente iban a estar protagonizada por Marilyn y Elvis. Personalmente opino que hubiera sido realmente interesante verles juntos. Ella quería a Rock Hudson, pero él no aceptó. También Montgomery Clift rechazó el personaje.

A Marilyn Monroe no le gustaba el color rubio del pelo de Hope Lange y tuvo que cambiárselo a uno más oscuro.

Marilyn Monroe basó su acento en el de Kim Stanley, quien interpretó su mismo personaje en la obra de Broadway. Además cantó mal adrede porque así lo requería el papel.

En la escena de la cama está completamente desnuda debajo de las sábanas. Según ella su personaje lo estaría.

Marilyn aparece por primera vez pasados 14 minutos.

No estoy tan metido en la cultura estadounidense como para pillar todas las referencias que hacen. Por ejemplo cuando Chérie dice que su destino es llegar a "Hollywood and Vine" se refiere a la intersección de Hollywood Boulevard y la calle Vine, en Los Angeles. Se hizo famosa en los años 20 porque concentraba muchos negocios relacionados con la radio y el cine. Cuando se estrenó esta película el conocido como "Hollywood walk of fame" estaba aún en desarrollo, hasta 1960 no fue inaugurado.

Chérie se define como una "chanteuse" (pronunciado "chantoose"), es la palabra francesa para cantante. Así que llamarla "singer" no es incorrecto.

Es una película extraña. Hay numerosas canciones pero están tan integradas en la acción que no son notables. Luego tenemos lo del secuestro/enamoramiento repentino en el que resulta difícil no empatizar con ambas partes, especialmente por la manera en la que termina. Y no me olvido del conductor del autobús capaz de pegarle una paliza sin problemas a un tipo que se dedica a hacer rodeos, ergo que está en forma.

No sabía muy qué esperarme y he de decir que lo que había leído de la Monroe sobre que buena parte de su personalidad queda reflejada en el personaje es verdad, al menos es la sensación que he tenido.

Dementia (1955)

También conocida como "Daughter of Horror".

El relato de un día en la vida de una mujer que está loca y cómo vive sus alucinaciones.

No confundir con "Dementia 13" (1963).

Es la película que se veía en el cine de "The Blob" (1958).

Todo empezó como un sueño que tuvo Adrienne Barrett (la pilluela), la secretaria de John Parker. Es ella quien protagoniza la película pero no era una actriz, fue Bruno Ve Sota quien la manipuló para hacerlo mediante triquiñuelas como hacerle cosquillas en los pies con una pluma o dispararle con una bala de fogueo de forma inesperada.

Según Ve Sota la película iba a ser un cortometraje de 10 minutos de duración, fue él quien creó una escena chocante tras otra y por ello se considera el guionista sin crédito. Además afirma haber dirigido al menos la mitad de la película y haber guiado a John Parker a dirigir el resto.

El videoclip de la canción "Separation Anxiety" de Faith No More toma las imágenes de esta película.

Aparte de la secretaria también aparecen la esposa de Bruno Ve Sota y Aaron Spelling, el famoso productor de televisión de series como "Melrose Place", "Beverly Hills, 90210" o "Charmed".

El arranque de la película fue una clara inspiración para Ed Wood y su "Plan 9 from Outer Space" (1959).

Durante los primeros minutos vemos a la protagonista teniendo una pesadilla en la que sea cae cuando está en la orilla del mar, se despierta, se acerca a un espejo, saca una navaja automática de un cajón y se marcha a la calle. No tendría nada de particular de no ser porque tanto la música como los ángulos de cámara y los gestos de la cara de la mujer tratan de hacernos entender que hay algo que no va bien.

El enano que vende periódicos tampoco es un actor. De hecho salió en varios títulos haciendo el mismo papel porque es su oficio real.

No hay diálogos, pero sí sonidos y música y alguna narración ocasional. Y las escenas parecen de lo más normales pero resultan inquietantes, aparte que a veces la protagonista tiene reacciones que no parecen encajar con la situación, como por ejemplo cuando se pone a reír al ver cómo un policía le da una paliza a un borracho que la acosaba.

Me encanta como llama a las personas normales "ghouls". Y también que el padre se le aparezca en todas partes.

En versión original, antes de que cambiaran el título, no había narración. Y creo que hubiera sido más interesante así, porque hubiera sido pura interpretación de las imágenes. Aunque no hay demasiadas dudas sobre lo que está sucediendo. De hecho se hubiera acercado al cine experimental.

Rawhide (1951)

Un western para variar.

La diligencia postal, también conocida como la de los borricos, atraviesa el país en 25 días, desde San Francisco a San Luis. Rawhide Pass es una de las paradas que hace. Una banda muy peligrosa anda suelta y por ello impiden que siga viajando en la diligencia una mujer y su bebé, porque es demasiado peligroso. Es un lugar tranquilo pero de repente llega un tipo que dice ser un sheriff, en realidad es uno de la banda.

Es el remake de "Show Them No Mercy" (1935). Por otra parte fue la inspiración de Tarantino para hacer "The Hateful Eight" (2015).

Aunque compartan título no tiene nada que ver con la serie emitida entre 1959 y 1965 donde salió Clint Eastwood. De hecho la película fue renombrada "Desperate Siege" cuando la emitieron por televisión.

Protagonizada por Tyrone Power (Tom Owens) de quien he visto "Witness for the Prosecution" (1957) y "The Black Swan" (1942). También hizo "The Mark of Zorro" (1940).

Si es que vaya grupito se han juntado. Un tipo que trata de violar a la chica en cuanto tiene ocasión, un descerebrado al que hay que explicarle todas las cosas y un líder psicópata y paranoico. Pero lo mejor de todo es como terminan.

He de decir que no he visto demasiadas películas en las que un forajido se ponga a pegar tiros a un bebé.

Es sólo un ejemplo de cómo esta película resulta diferente al resto de los western. Otro sería que la acción transcurre íntegramente en un lugar relativamente pequeño.

El final me resulta atípico, uno podría esperar un duelo a tiros entre el líder y el "bueno", pero no es así. Eso también me ha gustado.

De hecho ahora me he quedado con ganas de ver la original.

House by the River (1950)

Aquí la titulamos "La casa del río".

Emily Gaunt es una chica joven que muere por una caída mientras estaba tratando de huir de Steven, el hombre para el que trabajaba como criada. Su hermano John le ayuda a esconder el cadáver. Steven es un escritor y al cabo de un tiempo decide una historia basada en lo sucedido.

Basada en la novela homónima de A. P. Herbert publicada en 1921.

Sólo viendo el título ya sé que pertenece a la época en la que Fritz Lang estaba en Estados Unidos.

Originalmente el director quería que Emily fuese de raza negra, pero los productores se opusieron. Personalmente creo que la historia hubiera funcionado igual porque se trata de una chica joven y no hay ningún tipo de conflicto racial en toda la película.

Nunca explican por qué John está lisiado. Ni tampoco dicen el nombre del río, a pesar de ser una parte importante de la trama, aunque tampoco es imprescindible saberlo, pero ayudaría a situar la acción.

De todas las escenas la que más me ha llamado la atención es la de la vaca muerta flotando sobre el río y cómo reacciona el escritor a ello, porque para él se trata de algo de lo más habitual.

Es otra película noir, no lo hice adrede, voy siguiendo un orden de años y se han juntado casualmente dos títulos del mismo género.

En todo caso me encanta la manera en la que los personajes van cambiando a medida que progresa la historia.

Steven se vuelve más malo, incluso intenta echarle las culpas al hermano aprovechándose de la situación, pero también empieza a comportarse peor con su esposa.

Por otra parte John al principio es un hombre con una moral firme pero desde que ayuda a su hermano está muy tenso y eso hace que acabe gritando a su sirvienta, ese tipo de comportamientos son los que hará que los dedos acusadores le apunten sin dudarlo.

野良犬 (1949)

El título se traduce como "El perro rabioso".

Al detective Murakami de la policía le robaron su arma. Vio al ladrón y trató de atraparlo pero le dio esquinazo. En la comisaría se dedica a revisar fotografías para intentar localizar al carterista pero un policía experto le dice que quizás no fue él sino una mujer, así que se dedica a seguirla para hacerla confesar.

Ha pasado demasiado tiempo desde la última película que vi de Akira Kurosawa y eso no puede ser. Este es precisamente uno de los títulos más memorables del director, aunque sé más bien poco a priori.

El director se basó en una historia real de un detective al que le robaron su pistola y que tenía intención de escribir una novela sobre ello, pero nunca lo hizo.

Para protagonizarla eligió a Toshirô Mifune (Detective Murakami). Fue una de sus 16 colaboraciones juntos, siendo la tercera.

El hecho de que esté grabada en el Japón de la posguerra y que la historia esté situada en ese mismo periodo me dice mucho. Eso les ocasionó algún que otro problema, principalmente porque había zonas controladas por la yakuza. Kurosawa enviaba a Ishirô Honda para que grabase en los lugares más inaccesibles, de hecho él mismo es quien aparece cuando vemos de cintura para abajo al protagonista en dichas escenas.

Durante los créditos de inicio vemos a un perro jadeando. Eso que no tiene nada del otro mundo resultó un problema para la censura estadounidense pues consideraron que lo estaban maltratanto. Kurosawa dijo que fue la única vez en la que hubiera preferido que Japón no hubiera perdido la Segunda Guerra Mundial. Sutil.

La cultura estadounidense ya estaba metida en el ámbito japonés tras haber pasado tan sólo 4 años desde el fin de la guerra. El ejemplo más claro de esta película es el partido de béisbol, en un estadio con 50.000 espectadores.

Una cosa que no me queda clara es que cuando tratan de engatusar al tipo que se hace llamar Honda el aviso de megafonía dice "señor Honda, venga a la entrada...". No es un nombre raro, de hecho en un estadio con 50.000 personas es más que probable que hayan unos cuantos.

Otro detalle sutil es que entrevemos unos mangas eróticos en un cajón.

El tema principal de la historia es la culpa. El protagonista intenta incluso renunciar a su trabajo porque el tipo que tiene su pistola está cometiendo crímenes con ella y se ve incapaz de detenerle. Pero en realidad el que se supone que es el malo se mueve por la necesidad y al final cuando lo atrapan estalla en lágrimas, porque se siente culpable. El compañero del protagonista le dice algo que antes o después deberá aprender, debe impedir que le afecten esas cosas y centrarse en atrapar a los criminales.

Es la primera película del género noir que he visto de Kurosawa, ignoro si hizo muchás más. Espero seguir viendo más títulos de su filmografía próximamente para comprobarlo. En todo caso como ya he dicho en alguna ocasión no he visto demasiadas películas de este género y hasta el momento han sido todas bastante buenas o muy buenas directamente. Es quizás por el tono meláncolico que tienen, depresivo, triste y con un final en el que los protagonistas están jodidos, a pesar de lograr lo que quieren.

Oliver Twist (1948)

Pasemos a un clásico básico.

La madre de Oliver Twist murió durante el parto dejándole a merced de un par de seres crueles. Al cumplir 9 años le ponen a trabajar recogiendo estopa pero pronto se dan cuenta de que pueden sacar más beneficio haciéndole trabajar para otros. Así termina en casa de un enterrador que hace sus propios ataudes. Pero al final huye y se pone a vivir en las calles de Londres donde trabajará para Fagin quien le enseñará a robar.

Dirigida por David Lean. Conocido por títulos como "Lawrence of Arabia" (1962), "The Bridge on the River Kwai" (1957) o "Doctor Zhivago" (1965).

Del reparto destaca especialmente Alec Guinness (Fagin). Famoso por "Star Wars" (1977), "Murder by Death" (1976) y "The Ladykillers" (1955). Esta fue su segunda película tras "Great Expectations" (1946) aunque previamente salió como extra en "Evensong" (1934).

El personaje que interpreta Alec Guinness fue tachado de antisemita lo cual hizo que el estreno en EEUU se retrasase hasta 1951, que fuera prohibida en Egipto e Israel y que hubieran numerosas protestas de grupos de judíos.

Como curiosidad personal. De pequeño salí en la obra de teatro que adaptaba esta novela de Charles Dickens. Es uno de mis papeles más memorables, era el niño que hacía cola pidiendo comida número desconocido.

El arranque de la película carece de diálogos (la primera frase la dicen a los 6 minutos, poco más o menos). Es una escena con la que podrían aprender algunos cineastas modernos.

En el edificio donde empieza la historia hay mensajes escritos en las paredes con letras bastante grandes. Dicen cosas como "God is love", "God is life", "God is just", "God is truth", "God is good"... también hay pequeñas oraciones religiosas.

Su trabajo en la funeraria es de "mute", osea de mudo. En la época victoriana eran las personas a las que se les pagaba para atender los funerales como vigías.

La caracterización de Alec Guiness es magnífica. De hecho si no hubiera sabido que es él no le hubiera reconocido ni por error.

Mencionan el empleo de rotenona. Es un veneno para ratas, esencialmente, pero resulta sólo ligeramente tóxica en humanos.

Es una de esas historias que ha sido adaptada en numerosas ocasiones, sin embargo esta es la primera que veo y aún así tengo la impresión de que es la mejor. La voz y la cara de Sikes, su perro, la escena en la que Nancy espía a Fagin, las vistas de la ciudad, la parte final... no hay nada que no me haya gustado, pero esos detalles en particular me han parecido muy buenos.

Aún así no me importaría ver otra versión para comparar.