The Zodiac Killer (1971)

Otra película sobre uno de los asesinos en serie más famosos de la historia.

Jerry trabaja como cartero y en su tiempo libre se dedica a cuidar conejos, en realidad se trata del asesino conocido como Zodiac, pero nadie sospecha sobre él. Porque el principal sospechoso para la policía es Grover, un camionero con problemas maritales que trata de ligar con mujeres usando un peluquín. Y parece que tienen razón pues en un momento dado decide gritar que él es el asesino, justo antes de ser abatido, pero entonces el verdadero asesino se pone en contacto con la policía.

Aunque de todas esta es la más importante pues fue grabada cuando Zodiac seguía en activo.

El director Tom Hanson aparece interpretando a Paul. Es una de las dos películas que dirigió, la otra se titula "A Ton of Grass Goes to Pot" (1972).

En el estreno de la película el director tenía intención de hacer que el verdadero asesino acudiera y atraparlo analizando la escritura de los que allí acudían. Para ello hizo un concurso, promocionado por Kawasaki, en el que darían una moto al ganador de los que respondieran unas tarjetas que decía "creo que Zodiac asesina porque...". Evidentemente era un montaje, de hecho la moto se la llevó un amigo del director. No consiguió su objetivo, aunque hubo un tipo que se parecía mucho a los retratos robot que se tenían del asesino.

Hay un montón de teorías sobre la identidad del asesino, a cuál más rocambolesca. Por ejemplo hay una que afirma que es el actor que lo interpreta en esta película.

La película arranca con dos de sus asesinatos más famosos, el de la mujer que iba andando por la calle y el del taxista.

La parte del ex-marido con la hija que terminan tiroteándole está basado en hechos reales.

No deja de ser gracioso que el asesino de esta versión sea un amante de los animales y que haga rituales que casi podríamos definir como satánicos en los que dice cosas como que Atlantis ha de resurgir de nuevo.

A diferencia de la versión de David Fincher aquí le vemos cometer numerosos asesinatos. Esto es porque en dicha versión se basaron sólo en los que fueron verificados, en su momento se le atribuyeron muchos más.

Esta película retrata al asesino como alguien sin motivos que escoge a sus víctimas aleatoriamente. Su única razón para hacer lo que hace es porque puede. Además no tiene ninguna preferencia respecto a la edad o el sexo, mata tanto a jóvenes como mayores bien sean hombres o mujeres. Ni tampoco un método favorito, le vemos golpear a algunos hasta la muerte, dispararlos varias veces (o sólo una si está acertado), usar lo primero que pilla (como una rueda de recambio)... Y lo hace a cualquier hora, da igual si es de día o de noche. En mi opinión son demasiadas variantes.

Por otra parte es un tipo muy social, tiene amigos y va de vez en cuando a beber a un bar donde le conocen. Incluso le vemos ligar con chicas e ir a visitar a su padre al hospital.

Me gusta porque retrata la manera de pensar que podría tener una persona que no tiene ni idea sobre asesinos en serie y ya que es una película que toca el tema tan temprano no se la puede achacar como un error, más bien lo contrario.

Patton (1970)

Hora de un clasicazo del género bélico.

Tras sufrir una derrota en Túnez contra el ejército alemán los estadounidenses deciden recurrir a su mejor experto en tanques, George S. Patton, para preparar a sus hombres. Su rival será Rommel, quien apenas le conoce.

Quizás llegue a sorprender pero es una de esas películas que nunca he tenido la oportunidad de ver. Y no será por lo bien que he oído hablar de ella, simplemente no se ha dado la ocasión. Por eso le tengo muchas ganas, aunque apenas sé nada de ella a priori en realidad.

Dirigida por Franklin J. Schaffner aunque se basó en un guión que co-escribió Francis Ford Coppola (el cual quiso dirigirla en 1966 pero la Fox se negó, objetando especialmente en el discurso inicial). En todo caso es el mismo que hizo "Planet of the Apes" (1968), "Papillon" (1973) y "The Boys from Brazil" (1978).

La expresión "Ten-hut!" con la que se inicia la película (no hay ni siquiera logos de inicio ni nada) es bien conocida. Su origen es bastante simple, es una abreviación de la palabra "attention", la cual se pronuncia también como "ten-shun" en el ámbito militar. Aunque algunos militares defienden que nunca han usado dicha forma en la vida real y que es algo que se originó en las películas de Hollywood (por alguna razón estoy más inclinado a creer esta versión).

Las pistolas nacaradas que lleva el protagonista en el discurso inicial son los revólveres reales que usó George S. Patton. En realidad a George C. Scott no le gustaba la idea de estar frente a una bandera enorme de los EEUU durante el discurso, el director le engañó haciéndole creer que la escena sería la que cerraría la película, no la que la abriría.

El discurso está compuesto por muchas frases que dijo realmente Patton, pero en diferentes momentos de su vida. Fueron suavizadas porque decía muchos tacos.

Originalmente tenían pensado ponerlo tras el intermedio (sucede a la hora y media de película), de ahí que el grado de Patton no se corresponda con el que se autoimpone al principio. Y por cierto, las medallas y distinciones que lleva son las mismas que obtuvo el militar, aunque sólo se las puso todas para una fotografía en su casa (es la que usaron para darle más realismo). En todo caso no deja de ser uno de los comienzos más icónicos de la historia del cine.

Algunas de los vídeos reales de las tropas francesas marchando por París tras recuperarla fueron grabadas por Russ Meyer. En 1944 era un cámara estadounidense del ejército y sirvió en la 3er ejército de Patton.

Cuando el General Lucien K. Truscott le recuerda a Patton que había sido un deportista se refiere a que fue a las olimpiadas de 1912 en Estocolmo participando en el pentatlón moderno, quedando en 5º puesto. Curiosamente le bajaron mucho los puntos en la prueba de tiro porque el arma que usaron no era una de las que estaba acostumbrado a usar. Sus conocimientos en esgrima hicieron que eventualmente desarrollase el último sable que se usó como arma en el ejercito estadounidense.

Buena parte del presupuesto se gastó en el alquiler de los soldados y equipamiento militar, que curiosamente eran españoles. La razón es que grabar en España era ideal por la variedad de escenarios que ofrecía y porque los militares aún usaban tanques y equipación de la Segunda Guerra Mundial.

Las letras WTF en la matrícula del Jeep que lleva Patton quieren decir "Western Task Force".

En realidad hay varias escenas que resultan casi cómicas, quizás por la manera tan exagerada en la que retratan al protagonista, todo un héroe de guerra que no le teme a nada.

No creí que el tema sería tan interesante antes de leer sobre ello. Resulta que a Patton no le parecía bien que EEUU se involucrase en la guerra contra los nazis (porque deberían haber ido contra la Unión Soviética), ni estaba a favor de que los nazis fueran juzgados. Es más, él sentía una antipatía hacia los judíos (cosa que la película prefiere ignorar).

De hecho hay algunos errores como que Patton nunca se encaró a Rommel en batalla o que se deja algunas de las derrotas más tristes que tuvo.

Cuesta un poco entrever el mensaje antibélico que se supone que tiene esta película. De hecho comprendo muy bien como es malinterpretada por algunos porque parece que enfatiza la figura de un general muy estricto que incluso llega a usar un castigo físico con un soldado (una bofetada, ojo).

Tuvo una secuela estrenada directamente en televisión titulada "The Last Days of Patton" (1986).

Солярис (1968)

Una película para televisión.

Kris Kelvin se dirige hacia la estación espacial estacionada en Solaris, donde se encuentran su amigo Gibaryan, el doctor Snout y el doctor Sartorius. El Doctor Snout es el primero con el que habla, pero desvaría y parece que algo ha pasado con Gibaryan. Eventualmente le dice que se ha suicidado. Por otra parte el doctor Sartorius no abandona su laboratorio pero al ir a visitarle parece que haya alguien más con él. Esa misma noche Kelvin recibe la visita de Harrie, su esposa fallecida 10 años atrás. Pronto entiende lo que sucede, es la manera de comunicarse de unos alienígenas.

Evidentemente lo primero que viene a la mente al oir este título es el nombre de Andrei Tarkovsky. Así que si bien su versión se podría considerar un remake no deja de ser otra adaptación de la novela de Stanisław Lem. Y en realidad no me parece bien compararlas, ésta versión se adelantó varios años y contaba con un presupuesto ridículo en comparación, aún así no deja de ser una gran adaptación.

Sus directores son Lidia Ishimbaeva y Boris Nirenburg. Los soviéticos haciendo gala una vez más de la igualdad de oportunidades entre hombres y mujeres.

Destaca que esté dividida en dos partes debido a su larga duración, son casi dos horas y media en total. La primera dura una hora.

Las primeras conversaciones de Kelvin al llegar a la estación son con el ordenador que ha controlado su aterrizaje. Ya entonces se siente decepcionado porque nadie más ha ido a recibirle.

Hacen uso en numerosas ocasiones del zoom dramático televisivo, llegando a primerísimos planos de las caras. Además es todo muy teatral, de hecho hay momentos en los que me han hecho dudar si fue grabada en una sola toma.

Es una de esas películas a las que el blanco y negro les hace un gran favor pues hacen que los escenarios no distraigan al espectador y se centre en los protagonistas. Por otra parte juegan muy bien con las luces y las sombras, en ese sentido destacan especialmente las primeras escenas en las que hace aparición la mujer.

Según tengo entendido es más fiel a la novela original pues ahonda mucho más en las cuestiones filosóficas, las cuales son planteadas mediante los abundantes diálogos.

Otros detalles que me gustan son las llamadas que hacen usando pantallas e incluso una conferencia a 3 usando dos de ellas.

Definitivamente hay que verla como lo que es y no darle demasiadas vueltas. Criticarla no conduce a ninguna parte, más que nada porque las versiones posteriores tuvieron medios y grandes directores y actores, aparte que cada uno supo darle su toque personal. Y en esta ocasión es un poco lo que sucede, las producciones televisivas soviéticas de los años 60 no dan demasiado de sí y aún así yo la he disfrutado bastante, más que nada porque es la misma historia que había visto pero narrada de otra manera.

Mary Poppins (1964)

Pues sí, el clásico.

Estamos en Abril de 1910. Los Banks se acaban de quedar sin niñera y el padre decide hacerse cargo. Pero los niños escriben su propia carta para pedir lo que necesitan, la cual rompe su padre sin pensárselo. Aún así al día siguiente aparece sólo una niñera llamada Mary Poppins que ha leído la carta de los niños.

Basada en la serie de novelas escritas por P.L. Travers. A la autora no le hizo ninguna gracia esta adaptación, de hecho puso muchas trabas en la versión teatral que querían hacer en 1993 y sólo les dio permiso cuando le dijeron que la Disney no estaría involucrada en ella. Lo realmente peculiar es que al morir ella en 1996 la compañía Walt Disney sí metió mano y pasó a ser coproductora.

Dirigida por Robert Stevenson. Suyas son "King Solomon's Mines" (1937), "Darby O'Gill and the Little People" (1959), "Son of Flubber" (1963), "The Love Bug" (1968)...

Es la película más exitosa de las que estuvo involucrado directamente Walt Disney cuando vivía. Aún a día de hoy sigue siendo una de las más vendidas.

Protagonizada por Julie Andrews (Mary Poppins), su película más conocida junto con "The Sound of Music" (1965). Con Dick Van Dyke (Bert / Mr. Dawes Sr.), le vimos también en "Chitty Chitty Bang Bang" (1968). Pidió hacer del segundo personaje con bastante intensidad.

Durante los créditos de inicio vemos una recopilación musical de las canciones que sonarán posteriormente en la película.

En realidad Bert es una amalgama de varios personajes de las novelas.

Curiosamente la he visto en versión doblada y me ha llamado mucho la atención que hayan doblado también las canciones.

La Sra.Banks es una sufragista y pro-feminista aunque está casada con un hombre que no comparte sus ideas.

Muchas de las niñeras que hacen cola al principio de la película con hombres disfrazados.

Los niños no sabían algunas de las cosas que iban a suceder, como cuando Mary Poppins saca un perchero del bolso o la botella de medicina que vería líquidos de diferentes colores. Las caras de asombro son reales.

La propia Julie Andrews es quien hizo el silbido del petirrojo durante la canción "A Spoonful of Sugar". Es una parte que me llama la atención pues usan un animatrónico cuando poco después viajan al mundo de los dibujos animados.

La leyenda cuenta que la palabra "supercalifragilisticexpialidocious" tiene algo que ver con prostitutas irlandesas o escocesas. Lo más probable es que provenga de la canción "Supercalafajalistickespeealadojus" de Gloria Parker y Barney Young, la cual data de 1949.

Es un musical y como tal contiene abundantes canciones, de las cuales algunas han transcendido y han pasado a formar parte de la cultura popular.

El tío Albert está interpretado por Ed Wynn, puso también la voz a Mad Hatter en "Alice in Wonderland" (1951).

La tradición de pasar la buena suerte de un deshollinador cuando le das la mano viene de que sus vidas eran cortas debido a la inhalación de carbón y por ello tenían que dejar el trabajo terminando en la pobreza. Dicho de otra manera, su suerte era siempre mala y al dar la mano transferían toda su buena suerte a otra persona.

La parte de "Step in time" tuvo que ser regrabada por completo porque el celuloide resultó dañado. Les costó una semana rehacerla.

La voz del paraguas la pone el actor que hace de padre.

Hace poco hicieron una secuela titulada "Mary Poppins Returns" (2018). No la he visto y no tengo intención de verla próximamente. Pero no tiene nada que ver el hecho de que la Disney decidiera ignorar lo que opinaba la autora, simplemente con esta tengo más que suficiente.

Personalmente me parece una película que está penasada para un público infantil pero que no trata a los niños como si fueran imbéciles, lo cual la hace entretenida incluso para un adulto. Dicho lo cual, no es el tipo de película que disfruto. Me han gustado algunas partes, como la de los deshollinadores (cuya coreografía es impresionante), pero poco más.

The Haunting (1963)

Aquí la titulamos "La mansión encantada".

Hill House es una casa que fue construida hace 90 años por Hugh Crain. En ella ha habido escándalo, asesinato, locura y suicidio. El Dr.John Markway está muy interesado en investigarla y por ello lleva a 3 personas con él para pasar unos días allí y tratar de averiguar la verdad detrás de las historias que ha leído.

Se trata de la adaptación de la novela "The Haunting of Hill House" de Shirley Jackson publicada en 1959. El director le preguntó a la novelista si tenía un título alternativo porque le parecía que ese no funcionaría como película y le dijo "The Haunting". Tuvo una versión posterior titulada "The Haunting" (1999) y una serie con el título de la novela original.

Dirigida por Robert Wise. El mismo que hizo "West Side Story" (1961), "The Sound of Music" (1965), "The Andromeda Strain" (1971), "Star Trek: The Motion Picture" (1979)...

Fue idea suya usar los sonidos fantasmales puestos en playback mientras los actores actuaban para que reaccionaran a tiempo de forma más creíble.

La parte de Eleanor conduciendo un coche mientras se sumerge en sus pensamientos me ha recordado mucho a "Psycho" (1960).

El blanco y negro le hace un gran favor pues camufla muy bien algunas de las imperfecciones típicas de la época como la imagen proyectada tras el coche.

Vemos el uso de ángulos de cámara "incómodos" y de movimientos un tanto complicados para la época, pero que funcionan muy bien.

Eleanor dice que las puertas le recuerdan "the lady and the tiger". Es una historia en la que un hombre es juzgado y ha de elegir entre dos puertas, en una hay una mujer que ha sido seleccionada para casarse con él, en otra un tigre hambriento. Si elige la de la mujer es que es inocente, si elige el tigre es culpable.

Aunque la historia ha sido adaptada en numerosas ocasiones cada una de ellas lo hace de una manera diferente y llena de matices interesantes. Por ejemplo aquí se supone que Theo es lesbiana, pero nunca lo dice de forma explícita. De hecho eso explica su manera de comportarse con Eleanor.

Me gustan varios aspectos. Por ejemplo que se reduzca todo a unos pocos personajes y que algunos de ellos apenas aparezcan, pero cuando lo hacen son notables (me refiero a los que guardan la casa). Luego que de repente aparezca uno más y se una a la fiesta. Y el final es un poco una manera de cerrar el círculo.

Taras Bulba (1962)

Otra histórica.

Estamos a principios del siglo XVI, las hordas del imperio otomano avanzaban por el norte de África y por el este de Europa. El ejércicto cosaco era quien los mantenía a ralla y Taras Bulba es uno de sus coroneles. El ejército polaco deciden traicionarles tras una batalla y los cosacos acaban desperdigándose. Años más tarde los polacos les perdonan y Taras Bulba decide enviar a sus hijos para que estudien en sus universidades.

Basada en la historia de Nikolái Gógol incluída en la recopilación titulada "Mirgorod", más concretamente en la segunda historia de la primera parte, la cual fue publicada originalmente en 1835 y luego reeditada en 1842 con tres episodios menos centrados en temas nacionalistas rusos para contentar a los zaristas del momento. Curiosamente la primera historia de la segunda parte es "Viy" de la cual he visto la adaptación "Вий" (1967).

No es la primera adaptación. Previamente hicieron la rusa "Тарас Бульба" (1909), la alemana "Taras Bulba" (1924), la francesa "Tarass Boulba" (1936) y la británica "The Rebel Son" (1938). Posteriormente tenemos la italiana "Taras Bulba, il cosacco" (1962), la ucraniana "Хто завойовник?" (1977), la rusa "Тарас Бульба" (2009) y la india "Veer" (2010).

Protagonizada por Tony Curtis (Andrei Bulba) y Yul Brynner (Taras Bulba). Yul se preparó a fondo el personaje pero finalmente cortaron muchas de sus escenas y quedó como una película genérica de acción más, cosa que él quería evitar. Sobre Curtis decir que era 5 años más joven que Brynner y aún así hace de su hijo, aparte de que es casi un adolescente cuando ya peinaba canas.

La definen como una versión de "Romeo y Julieta" porque trata sobre un cosaco y una polaca enamorándose.

Me ha gustado mucho la bonita costumbre cosaca de dos personas que arreglan sus diferencias a base de saltar un barranco montados a caballo hasta que uno se cae. Habría que recuperarla pero usando vehículos modernos, claro.

También la de una vez estando borrachos pasar por encima de un foso con un oso enfadado en el fondo sobre un tablón en el que apenas cabe un pie.

Desde luego las escenas de batallas con cientos de hombres montados a caballo son realmente impresionantes. Y no parece haber trampa ni cartón. Me recuerdan bastante a "Braveheart" (1995). Por lo que tengo entendido son argentinos y se ve que hubo un malentendido el primer día de rodaje en el que aparecían, alguien les dijo que cobrarían extra si se dejaban caer del caballo así que en la primera toma se tiraron 2/3 de ellos, cuando descubrieron que no iban a cobrar más se dispusieron a montar una huelga pero Yul Brynner intervino y les dio de comer carne esa noche y les mantuvo entretenidos, eso les hizo cambiar de opinión.

En ciertas escenas usan un efecto de difuminación en el que dejan un círculo en el centro de la imagen que se ve claro. Es como focalizar un detalle muy concreto o similar al efecto ojo de pez.

También tiene ciertas reminiscencias de las películas de Errol Flynn. El estado físico de Tony Curtis es excelente y hace buena muestra de ello.

La manera en la que los Polacos están asediados en una fortaleza y cómo intentan salir para robar los bueyes de los cosacos me ha recordado a "The Alamo" (1960).

En su día no obtuvo una gran taquilla. Le veo bastante sentido mirando los títulos de aquel momento, aunque no me ha parecido mala ni mucho menos.

Personalmente no conocía la historia y si bien sí que guarda algunas similitudes con la obra que cité antes de Shakespeare en realidad no tienen nada que ver. En el aspecto negativo puedo decir que el póster resulta un tanto engañoso, aunque sucede esa confrontación no es como la muestran, de hecho resulta un poco decepcionante por lo rápido que termina.

La guerre des boutons (1962)

Hora de ver "La guerra de los botones".

Hay una rivalidad que dura generaciones entre los pueblos vecinos de Longueverne y Velrans. Aunque es algo que llevan a cabo los niños de ambas localidades. En una de sus batallas capturan a un prisionero de Longueverne y le cortan todos los botones, los ojales los cordones y los tirantes que lleva como castigo, cosa que hace que termine corriendo en calzoncillos. En venganza al día siguiente capturan al líder de los de Velrans y le hacen lo mismo. Eso le da una idea, ir todos desnudos a la batalla para así no ser castigados.

Basada en la novela de Louis Pergaud publicada en 1912. Hubo una versión previa titulada "La guerre des gosses" (1936) y posteriormente hicieron tres más tituladas "War of the Buttons" (1994), "La guerre des boutons" (2011) y "La nouvelle guerre des boutons" (2011).

Otro título más de gran relevancia en la historia del cine que nunca he tenido la oportunidad de ver.

Me encanta como el remedio para todo es el aguardiente, incluso para un niño. Durante la inauguración de la cabaña los niños beben vino y también aguardiente, además al final se fuman unos cigarrillos.

También que lleven boinas. Es curioso que les queden bien aún siendo niños.

Una cosa que me ha llamado la atención es que son todo chicos, igual es que a las chicas las mandan a otro lado a estudiar. A mitad aparece una niña que tiene pinta de ser la hermana de alguno de ellos, pero no participa de manera activa en las batallas.

Me fascina la manera en la que consiguen dinero para comprar botones y demás. Capturan víboras, zorros, cogen setas, pescan...

La parte en la que uno de ellos monta a caballo y persigue a uno de sus adversarios por el bosque tiene un travelling genial.

De repente me acabo de dar cuenta de que los Simpsons hicieron un episodio dedicado a esta película. También me ha recordado a la película soviética "До первой крови" (1989).

Aparenta ser una película infantil sin embargo yo la veo como el paso de la niñez a la adolescencia, si bien las batallas no son especialmente crueles (usan palos y piedraS) ni peligrosas (dado que son chicos de campo, son capaces de resistirlo sin problemas y al fin y al cabo no dejan de ser juegos de niños).

Por cierto, la versión que he visto tiene un par de escenas que fueron censuradas en su día. No sabría decir la razón porque están en francés sin subtítulos y me ha costado un poco entender lo que decían en esas partes.

The Apartment (1960)

Pasemos a algo más ligerito.

C.C.Baxter lleva 3 años trabajando en una compañía de seguros. Muchas veces decide quedarse unas horas extra en el trabajo porque no puede entrar en su apartamento siempre que quiere porque lo usan como picadero varios tipos de su trabajo.

Dirigida por Billy Wilder. Es su película más famosa junto con "Some like it hot" (1959). Gracias a esta película fue el primero en ganar el Oscar a mejor película, mejor director y mejor guión. Como curiosidad, fue la última película en blanco y negro en ganar el de mejor película hasta el año 2011.

Protagonizada por Jack Lemmon (Calvin Clifford Baxter), personalmente siempre le recordaré por "The Odd Couple" (1968) y "Grumpy Old Men" (1993). Y Shirley MacLaine (Fran Kubelik), sigue en activo, de hecho acaba de salir en un par de episodios de la serie "Only Murders in the Building".

El puñetazo de Karl a Baxter es real. Lemmon tenía que hacer como que le daban pero se movió en la dirección errónea y le dejó fuera de sentido.

Las películas que Baxter trata de ver por televisión son "Grand Hotel" (1932), "Stagecoach" (1939) y "Destry Rides Again" (1939).

La escena con la que arranca la película tiene un detalle interesante. Para lograr mayor profundidad en la oficina los que están más cerca de la cámara son adultos, los más alejados son niños y tras ellos hay muñecos. Es una escena basada en "The Crowd" (1928).

La rubia del bar (al principio) se supone que es una referencia a Marilyn Monroe.

La fiesta de navidad que celebran en la oficina fue rodada el día 23 de Diciembre adrede para que fuese más fácil crear un ambiente navideño.

El bofetón que le da el médico a Fran tras la sobredosis es algo que aconsejó un médico real que se hayaba en el plató durante el rodaje. De hecho le dijo al director que debía haberle dado aún más fuerte, el director no quiso repetir la toma porque Shirley ya tenía la cara demasiado roja.

Leyendo curiosidades sobre esta película algunas me han resultado bastante puntillosas. Por ejemplo el nombre de la canción que tararea el protagonista mientras prepara espaguetis con albóndigas, que de hecho fue improvisada por el actor (una de las pocas cosas que le permitió el director). O que el jefe no conseguía lanzarle una moneda de forma correcta al tipo que le limpia los zapatos y cuando Wilder le sugirió al actor usar una de 50 centavos le respondió que él nunca pagaría tanto

El director dijo que es una historia que podría suceder en cualquier ciudad del mundo salvo en Moscú, porque allí nadie tiene un apartamento propio.

Tras verla creo que el grupo que se aprovecha del protagonista es de lo peorcito, no sólo dejan su apartamento hecho una leonera cada vez que pasan una noche allí sino que a la mínima le putean. Supongo que yo no tengo un carácter así, les mandaría a la mierda bien pronto.

En todo caso es una comedia con mucho drama y romance, algo que nos tiene acostumbrados wilder. Tengo la impresión de que ha sido la influencia de muchos títulos posteriores, aunque no soy capaz de concretar ninguno ahora mismo.

The Alamo (1960)

Más historia.

En 1836 Texas estaba bajo el control de México. El Generalísimo Santa Anna atravesaba el país en busca de los que se opusieran a él para acabar con ellos. Ha reunido a un ejército de 7000 hombres para tal menester. Pero en Texas se están formando pequeños grupos para luchar contra él y empiezan a organizarse.

Dirigida y protagonizada por John Wayne (Coronel Davy Crockett), también puso dinero de su bolsillo para hacerla (tardó 11 años en recuperar la inversión a pesar de ser un éxito en taquilla). De hecho sólo dirigió dos películas, ésta y "The Green Berets" (1968), al menos son las que recibió crédito por ello porque en realidad hizo tres más.

No les permitieron ir a grabar a México (con intención de abaratar costes) con lo cual tuvieron que recrearlo a pocas millas de donde sucedieron realmente los hechos. El plató que hicieron fue usado posteriormente en más de 100 westerns. Tardaron 2 años en construírlo.

Según Wayne la película le quedó demasiado larga, sus 2h y 42 minutos bien lo atestiguan. Aún así poco antes de ser estrenada le cortaron media hora, aunque años más tarde sacaron la versión íntegra.

John Ford se presentó un día en el lugar y le pidió a Wayne que quería grabar algunas escenas. Él accedió y le dió el control de una unidad secundaria que iba a grabar a la caballería cabalgando en dirección al Alamo. Hay dos versiones de esta historia, en una dicen que un 10-15% de la película fue grabada por Ford, en otra que en realidad Wayne deshechó todo lo que grabó Ford y usó lo que había grabado otra persona.

Según esta película Davy Crockett murió heroicamente durante la batalla. Pero existe una versión de un oficial mexicano que estaba presente según la cual Davy fue uno de los 7 que fueron capturados, torturados y ejecutados. La leyenda que ha prevalecido es la de la película.

Lo que sí es un error contrastado es que dentro del Álamo habían mujeres, niños, esclavos, europeos y mexicanos, aparte de los estadounidenses claro. Además no sólo luchaban contra la tiranía sino por la independencia y el uso del esclavismo. Este último detalle suele olvidarse cuando se habla de los héroes de esta batalla.

El nombre completo del generalísimo era Antonio de Padua María Severino López de Santa Anna y Pérez de Lebrón.

La primera aparición de John Wayne sucede a los 20 minutos. Y el primer enfrentamiento con los hombres de Santa Anna sucede a la hora y cuarto, eso nos dice mucho de la cantidad de historia ajena a las batallas que contiene esta película, que no por ello resulta aburrida. De hecho creo que así conocemos mucho mejor a los personajes.

Mis partes favoritas son las misiones nocturnas a lo ninja que realizan los de Crockett.

La historia de una derrota brutal, pero también la de un momento clave en la historia de EEUU. Aún así no creo que sea una película de las que quiera volver a ver, pero no por ello me arrepiento de haberla visto. Es interesante, especialmente por lo que significó para John Wayne, pero no la considero una gran película per se.

Sink the Bismarck! (1960)

Aquí la titulamos "¡Hundid el Bismarck!".

El Bismarck es un acorazado alemán que entró en servicio el año 1940. En el Atlántico Norte la batalla de los británicos contra los nazis tiene lugar y de momento los alemanes están ganándola. Ahora han sacado a dos de sus mejores barcos para buscar a la flota inglesa y tratar de hundirla.

Es una de esas películas clásicas que nunca he tenido la oportunidad de ver.

La película arranca  al más puro estilo noticiario de los años 40, incluso el logo de la 20th Century Fox está hecho así. Por lo que sé parte de las imágenes que aparecen en la película están sacadas de la realidad y creo que se refiere a esta parte.

Me está gustando mucho como muestran ambos bandos por igual. Los ingleses se dedican a la estrategia para evitar a los alemanes usando todo lo que tienen a su disposición, pero el clima no les está resultando favorable y la información llega a cuentagotas. Los alemanes por su parte se muestran seguros de la victoria e incluso arriesgan entrar en combate cuando el buque ha sufrido daños.

Me fascina la manera tan detallada en la que vemos como realizan las maniobras de combate. Por ejemplo como cargan los cañones o como salen los torpedos y navegan bajo el agua hasta dar con su objetivo (o fallar).

La mejor escena es la de los aviones británicos atacando a uno de sus barcos. No lo destruyen porque los numerosos torpedos que les lanzan explotan al impactar con el agua.

Hay dos detalles importantes en la historia, bueno en la que muestran en la película que no es al 100% precisa con lo que sucedió realmente. El primero es que los aviones nazis nunca llegan a ayudar al barco insignia, el segundo es que no vemos en ningún momento submarinos entrando en el combate a pesar de que dura varios días.

Por otra parte el que lleva el mando nazi es muy nazi, demasiado. En la vida real no era así, de hecho era casi lo contrario. Además era un fatalista no un fanático cegado por la victoria. Pero bueno, en las películas no es tan raro que hagan mal un personaje en favor de enfatizar la maldad de un personaje, por ejemplo.

Es una película de la que apenas sabía nada y ha resultado muy interesante. De hecho a ratos me ha costado distinguir qué es efecto especial y qué es real. También me ha gustado cómo vemos a los muertos segundos esparcidos por cubierta antes de los hundimientos.

Cimarron (1960)

Es el remake de "Cimarron" (1931).

Estamos en EEUU. En 1889 una parte de los territorios no ocupados iban a ser dados gratuitamente a los primeros que los reclamasen. La gente acudió de todas partes y en un día reclamaron todo el terreno, así nació el estado de Oklahoma. Yancey Cravat y su esposa Sabra se dirigen hacia allí.

Aunque en realidad se trata de otra adaptación de la novela homónima escrita por Edna Ferber, la cual fue publicada en 1930.

Dirigida por Anthony Mann. Al año siguiente hizo "El Cid" (1961). Fue despedido cuando estaba a punto de terminarla y le sustituyó Charles Walters aunque no recibió crédito por ello.

En el reparto tenemos a Glenn Ford (Yancey "Cimarron" Cravat), conocido por "Gilda" (1946) y "The Big Heat" (1953). Maria Schell (Sabra Cravat), salió en "Superman" (1978). Anne Baxter (Dixie Lee), salió en "All About Eve" (1950) y "The Ten Commandments" (1956).

Fue un fracaso en taquilla lo cual afectó principalmente a la carrera de Glenn Ford.

Usaron 1000 extras, 700 caballos y 500 vagonetas para las escenas del asentamiento.

Independientemente de lo buena o mala que sea la película al final me está interesando mucho por como narran una pequeña parte de la historia de los EEUU que apenas conocía. En muchos otros títulos he visto a gente viajando largas distancias con una vagoneta en busca de un lugar donde aposentarse, pero esto va más allá. Fue la primera de las 5 "carreras por la tierra", así es como fueron conocidas, que hubo en muy pocos años. En esencia eran territorios que originalmente pertenecían a tribus nativas las cuales fueron recolocadas en otros lugares, tras lo cual el gobierno las dividía en parcelas y las asignaba, bien mediante el método que vemos en la película, mediante subastas o bien mediante un sorteo.

Lo realmente fascinante es que según la película sólo un 20% de los que participaban podían llegar a obtener una parcela, en las posteriores carreras era aún mayor la participación.

Cuando hablan de muerte no bromeaban, el día de la carrera vemos accidentes bastante aparatosos, algunos provocados.

Parte de la trama gira en torno al racismo. Vemos incluso la ejecución de un indio por ahorcamiento al más puro estilo KKK. Sólo que esta vez alguien les planta cara. Aunque lo más llamativo es como habla de los indios Sabra, siempre suena de manera peyorativa.

Sin embargo hay una cosa que no logro comprender pero se supone que Sol no es blanco. Algo me dice que tiene que ver con su acento, pero no acabo de captarlo.

Ahora que caigo, durante la primera carrera el tipo con las 8 niñas se cae y queda "fuera de la competición", sin embargo tiempo después vemos que tiene un terreno en el que está buscando petróleo.

En realidad no es tan descabellado ponerse a buscar petróleo en Oklahoma, puesto que hoy en día es una zona rica en pozos, mayormente de gas.

La escena en la que el protagonista salva a su hijo de ser arrollado por un caballo desbocado está realmente bien hecha. Cuesta ver el "error", en realidad algo parece no encajar pero a la vez todo parece estar bien (es un poco desconcertante) pero si te fijas en la sombra del caballo justo cuando pasa junto a ellos desaparece y por ello da la impresión de que "vuele" en la parte final.

Anda, es una de las primeras muestras de tiroteo en un colegio estadounidense que tanto están de moda últimamente. Qué cosas.

El personaje de Dixie parece metido con calzador sólo para poder aprender algo sobre el pasado del protagonista, que en realidad no necesita ser explicado desde el momento en que le saludan las chicas "alegres" desde su carromato. De hecho aparece de repente poco antes de la carrera, luego la vemos competir con el protagonista y durante los siguientes años no volvemos a saber de ella hasta que vende su terreno.

Quiero decir, es una película de dos horas y media y por ello entiendo que han de meter cosas de relleno, pero esa en particular se nota que no es necesaria.

Dixie dice que Yancey está en Cuba y que se ha unido a los Rough Riders con otros dos tipos. Se refiere al  Primer Regimiento de Caballería Voluntaria de Estados Unidos durante la Guerra Hispano-Estadounidense, en 1898. Sufrieron un 76% de bajas así que tiene mucho sentido el recibimiento que le hacen al regresar a casa. En la película no explican absolutamente nada de todo eso, lo cual no ayuda demasiado.

No puedo evitar compararla con "Giant" (1956), en ambas vemos como el hayazgo de pozos de petróleo en territorio estadounidense cambió las vidas de una familia enormemente. Aunque las diferencias son más notables que las similitudes no deja de ser la historia de cómo EEUU avanzó del salvaje oeste a la era moderna.

En esta también vemos como desde un lugar desolado creció un pequeño pueblo que acabó convirtiéndose en una ciudad rica y avanzada.

Según había leído el título resulta engañoso pues da la impresión de que sea la historia de Yancey Cravat, sin embargo es la de Sabra Cavrat. En mi opinión es la de ambos, hay partes en las que él carga con el peso de la trama y en otras es ella.