lunes, 26 de octubre de 2020

Enola Holmes (2020)

Hora de ver algunos títulos Netflix, que llevo meses sin ver nada y hay algunos que parecen interesantes.

Estamos en Inglaterra, en 1884. La madre de Enola Holmes ha desaparecido en el día de su 16º cumpleaños y por ello acude a sus hermanos, Sherlock y Mycroft, para que le ayuden a encontrarla. Pero Mycroft se empecina en hacer una señorita educada de Enola y Sherlock parece estar demasiado enfrascado en el misterio que representa la desaparición como para ayudar a su hermana.

Es una película que ha recibido críticas mixtas, no me esperaba gran cosa de ella a priori así que dudo que me defraude.

Lo primero destacable es su reparto. Tenemos a Millie Bobby Brown (Enola Holmes), conocida por “Stranger Things”, de hecho es su segunda película tras “Godzilla: King of Monsters” (2019). Henry Cavill (Sherlock Holmes), el Superman actual del universo DC. Helena Bonham Carter (Eudoria Holmes), la musa de Tim Burton. Burn Gorman (Linthorn), salió en “Pacific Rim” (2013). David Bamber (Sir Whimbrel), salió en “Valkyrie” (2008).

Lo segundo, está basada en la serie de libros escritos por Nancy Springer, conocidos como “The Enola Holmes Mysteries”. Hay que tener en cuenta que Arthur Conan Doyle nunca mencionó la existencia de una hermana de Sherlock, pero tampoco es imposible que haya un hermano más y que fuese una chica.

Millie Bobby Brown ejerce también de productora, con 16 años de edad es una de las más jóvenes de la historia del cine. Y lo hace junto a su hermana Paige. De hecho juntas han escrito el guión de “A Time Lost”, una película que de momento está en fase de desarrollo.

A día de hoy sigue abierto el caso de los herederos de Conan Doyle contra Netflix y Nancy Springer por usar a Sherlock. Básicamente es un personaje que aún no es de dominio público y sus derechos aún están ligados a los Doyle.

En todo caso el primer cambio importante respecto a las novelas es la falta del Dr.Watson. En 1881 ya deberían haberse conocido él y Sherlock, según la película trabaja solo.

Vale, uno de los problemas de los que había leído es la (enorme) cantidad de veces en las que Enola se dirige al espectador, osea que rompe la famosa cuarta pared. Y sí, sucede de manera constante, de hecho resulta un tanto molesto pasado un rato pero por otra parte yo lo veo como que ella está narrando la historia en primera persona de tú a tú, así que esos trozos se podrían considerar como un escritor dirigiéndose directamente al lector para contextualizar mejor cada situación.

Pero vamos, el momento “Dora la exploradora” me ha resultado muy ridículo.

Mycroft es muy cruel y directo, no es tan diferente a su manera de ser en las novelas originales. Sin embargo no parece ser TAN inteligente, se supone que es más que Sherlock. Un ejemplo de ello es que no son capaces de reconocer a Elona la primera vez que la ven, el Sherlock de las novelas lo hubiera hecho y, sin duda, Mycroft también, de hecho hubieran empezado una pequeña disputa por tratar de sacar hasta el más mínimo detalle del aspecto de ella. Eso sí hubiera sido un guiño interesante, a la par de gracioso.

La parte en la que caminan por la parte exterior de la locomotora me ha recordado a “Back to the Future Part III” (1990).

Las cinco libras que paga por la ropa de un chico trabajador parecen poca cosa, pero contextualicemos. Al cambio actual vendrían a ser unas 350 libras (unos 385 euros), que es mucho pero tampoco es para tanto, sin embargo estaríamos hablando de casi el sueldo de medio año de un trabajador del año 1884. Una auténtica barbaridad, se nota que no se lo ha ganado.

Es una película claramente enfocada al público moderno. Creo que el detalle que lo deja más claro es el hecho de que la protagonista es incapaz de recordar en qué fase del plan se encuentra. Su memoria es incapaz de retener algo tan simple, exactamente como sucede con el espectador al que va dirigida. Sólo quiere que la historia continúe, incesantemente, hasta alcanzar su conclusión (sea cual sea), sin orden ni sentido.

Cuando se disfraza de viuda lo que parece en realidad es… una niña disfrazada de viuda. Osea, lo que es.

Una cosa que nunca he llegado a comprender es la necesidad de las actrices de ponerse el máximo número de conjuntos durante una película, especialmente cuando no viene a cuento. En este caso está más o menos justificado por aquello que Enola trata de pasar desapercibida, pero no deja de ser algo cuestionable.

Las sorpresas brillan por su ausencia. Es obvio quien está detrás de todo bastante pronto. Las primeras pistas no señalan a nadie en concreto, eso es cierto, pero sí a un grupo pequeño de personas y la pista más gorda y obvia (que no sé si decirla, pero tiene que ver con un árbol) lo deja todo clarísimo más o menos a mitad película.

De igual modo está bastante claro qué va a suceder en el enfrentamiento con la escopeta (otra referencia a “Back to the Future part III” (1990) curiosamente). Porque durante toda la película tienen la manía de mostrar las cosas de manera demasiado clara, como si esto fuera para gente cortita (que lo es).

En definitiva, creo que se han cebado bastante algunas de las críticas en los aspectos negativos, que al fin y al cabo son cosas enfocadas principalmente a un público “moderno”. De hecho a mí lo que más me molesta es que no hayan tratado de seguir un poco más el canon de los personajes. La inclusión del nombre del Dr.Watson no hubiera hecho ningún daño a la historia y que tanto Mycroft como Sherlock se hubieran parecido un pelín más a los originales tampoco, al fin y al cabo la protagonista es Enola. Me imagino que se habrán planteado hacer una continuación, no sé si la harán o no, pero desde luego el final da pie a seguir con las aventuras de la hermana de Holmes.

Le parfum de l'invisible (1997)

Aquí la titulamos "El perfume del invisible".

Miel descubre por accidente a un hombre invisible cuando estaba aplicándose la solución y pronto se hacen amigos. Él está enamora de Beatrice, una actriz teatral, desde que eran niños, pero ella le ignora por completo.

Milo Manara es uno de mis dibujantes favoritos. Así de simple. Aunque curiosamente he leído pocos de sus libros, pero siempre me han encantado. Y precisamente el de esta película es uno de los pocos que poseo, aunque acabo de descubrir que tuvo una continuación que desconozco.

Aparte de su más que amplia colección de historias eróticas también ha tocado temas diversos como en “El rey mono” y “El monje del Tíbet”. Su historia más famosa es “El clic”, la cual tuvo una adaptación en una serie de 1997 titulada “Click” y en la película de acción real “Le déclic” (1985).

De hecho acabo de descubrir que esta película tuvo una versión de acción real titulada “The Invisible Maniac” (1990). Aunque por el argumento tiene pinta de alejarse un poco de la historia original. Me la apunto.

El estilo de dibujo es prácticamente idéntico al del autor. Sin embargo he de decir que la animación es bastante pobre, no es nada fluida.

La historia empieza con algo que no sale en el cómic y es que la protagonista escribió un libro sobre lo que le sucedió, un gran éxito de ventas y por ello la entrevistan. Tardan unos 12 minutos en llegar al comienzo del cómic en los cuales vemos un poco sobre el pasado de los dos protagonistas.

Juegan con los olores y los sabores. Por ejemplo el hombre invisible huele a caramelo debido a que es diabético y al volverse invisible desprende mucho calor su cuerpo. Y a ella le sabe el coño a miel, de ahí que la apoden así.

En el cómic ella le hace una paja nada más conocerlo, aquí también, la diferencia es que también le coge la polla de vez en cuando cuando van por ahí juntos.

La explicación de cómo es invisible es que su tío abuelo fue H.G.Wells.

En la parte en la que consigue pintarle de color dorado la cara al hombre invisible nunca entendí por qué simplemente les dice que le palpen el cuerpo.

La mayor parte de las escenas extra son o bien chicas semi-desnudas o practicando el sexo con hombres, otras mujeres o masturbándose. Tampoco son escenas muy largas y sin ellas la verdad es que la historia se hubiera quedado en menos de una hora.

Mi escena favorita es la del restaurante, cuando ella se sienta sobre él y le mete la polla por el culo y entonces ella “alguien está entrando… pero no por delante… por detrás”. Es para mearse.

Otra escena que no tiene demasiado sentido es cuando ella se lanza al mar y se quita los pantaloncitos que lleva, quedando desnuda de cintura para abajo (cosa que disfrutan los chopocientos tipos que casualmente están en el lugar).

Lo más curioso es que omiten a un personaje, precisamente al más raro de todos. Una especie de señor que parece un buda y que no habla que de repente toma el sitio del hombre invisible y por eso trata de violar a Miel, pero casi lo matan de una paliza (eso sí que sale en la película pero no tiene demasiado sentido).

Pero vamos, en líneas generales apenas se deja cosas de la historia original. Me ha gustado pero podría estar mucho mejor si la animación hubiera tenido algo más de calidad.

domingo, 25 de octubre de 2020

Manhattan (1979)

Hora de algo un poco más "serio".

Isaac es un guionista de televisión que está saliendo con Tracy, una chica de 17 años. Pero de repente deja su trabajo para escribir un libro y conoce a Mary, una mujer diametralmente opuesta a él de la que se enamora. Pero ella sale con un amigo suyo e Isaac ha de dividir su tiempo entre ambas mujeres.

Probablemente la película más icónica de Woody Allen (Isaac). Tras el éxito que tuvo con "Annie Hall" (1977) los directivos le dieron carta blanca a Woody. El resultado final fue esta película de la que nunca estuvo satisfecho, aunque es la que más éxito ha tenido de las que ha filmado.

En el reparto destacan los nombres de Diane Keaton (Mary), salió también en "Annie Hall" (1977). Michael Murphy (Yale), salió en "Magnolia" (1999). Mariel Hemingway (Tracy), conocida por "Personal Best" (1982). Meryl Streep (Jill), ese mismo año salió en "Kramer vs. Kramer" (1979).

De hecho Meryl Streep rodó sus escenas durante las pausas de "Kramer vs. Kramer" (1979), eso explica que tenga un aspecto similar en ambas películas.

Los diálogos son intensos, cargados de información y de toques cómicos. Es el estilo más puro de Woody Allen. Romance, comedia y sexo entremezclados, con un aderezo de religión y crítica social.

La escena más famosa es la del puente, cuando Isaac y Mary están sentados con el perro. En realidad tuvo ciertas complicaciones. Para empezar no había un banco para sentarse, tuvieron que traer uno. Luego grabaron a las 5 de la madrugada, mientras amanecía, y las luces del puente estaban a punto de apagarse de forma automática, así que tuvieron que pedir que las dejasen encendidas hasta terminar el rodaje, pero aún así una fila de luces se apaga en la toma final.

Otra de las cosas más conocidas es la inclusión de la canción "Rhapsody in blue" de George Gershwin, que prácticamente ha pasado a ser una representación de la música en el cine.

La pronunciación peculiar de Mary del apellido de Van Gogh es bastante cercana a como se diría en holandés. O dicho de otra manera, ella lo hace bien.

Personalmente me ha encantado, el cine de Woody Allen no me ha defraudado hasta ahora y en mi opinión esta es una de sus mejores películas, probablemente la mejor de lo que he visto suyo hasta el momento. La cinematografía es espectacular, el uso del realismo es fascinante, por ejemplo se ve pasar frente a la cámara a dos personas que estaban comiendo en el restaurante y dejaron esa toma. Y lo más importante, es fiel a su propio estilo.

劇場版 ジャングル大帝 (1997)

También conocida como "Jungle Emperor Leo". El título se traduce como “Emperador de la selva”.

El rey de la selva (Leo) acaba de tener dos hijos (Rune y Rukkio) y los animales se reúnen para celebrarlo. Mientras tanto un grupo de científicos va a la selva en busca del origen de una misteriosa gema.

Aunque salió unos años más tarde que “The Lion King” (1994) en realidad es una adaptación del manga de Osamu Tezuka publicado en 1950 que ya tuvo una adaptación en la serie de animación “Janguru Taitei” (1965), en otra serie de 1989 y en un ova de 1991.

Y menciono la película de Disney porque, esencialmente, copiaron prácticamente todo de la serie japonesa de los años 60, algunas cosas de forma bastante descarada.

Tiene sentido que usen el término emperador en el título y no rey pues en Japón es lo que tenían.

Osamu Tezuka, para los que no le conozcáis, es el creador de los mangas “Astroboy”, “Ribon no ishi” y la película “Metropolis” (2001), entre muchas otras.

Tratan de demostrar la tercera dimensión de los dibujos de una manera demasiado insistente. Al principio queda incluso bonito de ver pero hay escenas en las que se nota que están mostrando sus capacidades técnicas.

Está claro que quieren mostrar lo malísimo que es el villano de turno, un humano en este caso, pero no acabo de entender demasiado bien qué sentido tiene que se pongan a construir una carretera en medio de la selva cuando están buscando gemas. Osea, es literalmente lo primero que se ponen a hacer al día siguiente de llegar al campamento base. Además lo hacen en una zona muy poblada de animales y encima el tipo se dedica a matar a tiros a los que no acaban atrapados en las máquinas que usan.

No acabo de entender como el malo llegó al lugar secreto en las montañas en primer lugar y a sabiendas de los peligros que les aguardaban no se preparó mucho mejor para volver.

Luego tenemos al animalista, que se preocupa por salvar a todos los animalicos salvo a los lobos que les atacan en la parte final.

Es una película cargada de muertes, más de las que anticipaba. Desde luego esto no es Disney, ni muchísimo menos. Tengo la clara impresión de que esto son episodios combinados en los que diferentes personajes son los protagonistas.

Me he quedado con las ganas de ver la serie ahora, porque supongo que tendrá muchas más subtramas. Pero bueno, si llego a verla será más adelante, de momento prefiero seguir con las películas.

sábado, 24 de octubre de 2020

BraveStarr: The Legend (1988)

Más animación, ya quedan pocos títulos.

Tex Hex y su banda de criminales controla un planeta llamado New Texas gracias a los poderes que le otorgó Stampede. Los habitantes necesitan la ayuda de los marshals galácticos pero sólo envían a uno llamado BraveStarr y a una jueza.

Se trata de la continuación de la serie “BraveStarr” emitida entre 1987 y 1988 con un total de 65 episodios. La serie en sí la vi en su día, no entera, sólo episodios sueltos, y la recuerdo vagamente. De ahí que esto será toda una experiencia.

Hasta donde yo sé en VO mantienen los actores de doblaje de la serie. De ellos destaca Pat Fraley (Marshall Bravestarr / Thunder Stick), quien ha puesto su voz en películas como “I Am Legend” (2007), “Monsters, Inc.” (2001) o “Toy Story 2” (1999) y en un montón de series y videojuegos (pero muchos).

La serie es un poco extraña, se trata de un western espacial. Pero literalmente, osea hay vaqueros e indios navegando con sus naves espaciales.

La película en sí trata sobre el origen del protagonista, la podríamos considerar una precuela. El capítulo piloto es la continuación de la historia, dicho de otra manera.

De hecho la primera nave que aparece tiene forma de Tótem y es la de Shaman, que viene a ser el guardián de BraveStarr.

Los personajes se dividen entre los que están dibujados con detalle y bastante realismo y los personajes con aspecto cómico.

Y estos últimos adquieren bastante protagonismo en algunas escenas. Personalmente el que más me gusta es el enterrador, siempre que alguien dice algo cuya vida puede correr peligro aparece y le toma las medidas.

Las habilidades que adquiere BraveStarr tras encontrarse con Chaman son velocidad del puma, fuerza del oso, vista de águila y oído del lobo (diría que este último no lo usa en la película). Aparte va armado con una pistola (una neutra-laser) a la que llama Hexmaker.

El caballo semirobótico (un ecuestroide) con una escopeta láser se llama Thirty/Thirty.

Los vehículos que conducen que parecen unas motos flotadoras se llaman Turbo-mulas. No puedo decir que

A pesar de que todas las armas disparan rayos eléctricos el sonido que se oye es el de balas rebotando y armas convencionales disparando. Además sigue el topicazo de que los malos siempre fallan sus disparos y los buenos siempre aciertan.

En esencia aquí BraveStarr forma la alianza que posteriormente luchará contra todo tipo de enemigos en la serie, aparte que explica sus orígenes y cómo adquirió sus poderes.

viernes, 23 de octubre de 2020

Who Framed Roger Rabbit (1988)

Aquí la titulamos "¿Quién engañó a Roger Rabbit?".

Estamos en el año 1947. Acaba de ser asesinado Marvin Acme y Roger Rabbit es el principal sospechoso por ello acude a Eddie Valiant para que le ayude a descubrir al verdadero culpable. Pero Valiant hace tiempo que se retiró del mundo de los dibus.

En el reparto tenemos a Bob Hoskins (Eddie Valiant), salió en "Enemy at the Gates" (2001) y "Super Mario Bros." (1993). Christopher Lloyd (Juez Doom), conocido por "Back to the Future" (1985) y "Clue" (1985). Y Kathleen Turner (voz de Jessica Rabbit), conocida por "Romancing the Stone" (1984) y "Peggy Sue Got Married" (1986).

De hecho las voces de doblaje están llenas de curiosidades como Nancy Cartwright (el zapato que mojan), conocida por ser Bart Simpson, o Mae Questel (Betty Boop), la voz original de Betty Boop en los años 30.

Es la única película en la que salen personajes de la Disney y de la Warner. De hecho procuran poner uno de cada en cada escena. Originalmente querían que apareciesen más personajes de dibujos famosos como Popeye, Superman, Casper, Felix el gato o Tom & Jerry pero no lograron sus derechos. Aún así hay una mini-aparición de Felix el gato en el despacho de R.K.Maroon en una fotografía.

Los que sí salen son: Bugs Bunny, Daffy Duck, Porky Pig, Tweety, Sylvester, Yosemite Sam, Foghorn Leghorn, Marvin the Martian, Road Runner, Wile E. Coyote, Marc Anthony (el bulldog de "Feed the Kitty" (1952)), Sam (el perro ovejero de "Don't Give Up the Sheep" (1953)), Speedy Gonzales, Koko (el payaso de "Out of the Inkwell" (1919)), Betty Boop, Woody Woodpecker y Droopy.

Aparte de la Disney salen: Mickey Mouse, Minnie Mouse, Pluto, Donald Duck, Goofy, Pegleg Pete, Horace Horsecollar, Clarabell Cow, los enanos felices (de "The Merry Dwarfs" (1929)), las flores y los árboles (de "Flowers and Trees" (1932)), los tres cerditos y el lobo (de "Three Little Pigs" (1933)), Peter Pig (de "The Wise Little Hen" (1934)), Toby Tortoise, Max Hare y las conejas (de "The Tortoise and the Hare" (1935)), los huérfanos de Mickey (de "Orphan's Benefit" (1934)), Caperucita Roja (de "The Big Bad Wolf" (1934)), Jenny Wren  (de "Who Killed Cock Robin?" (1935)), Elmer Elephant (de "Elmer Elephant" (1936)), Blancanieves, los siete enanitos y la bruja (de "Snow White and the Seven Dwarfs" (1937)), Wynken, Blynken y Nod (de "Wynken, Blynken & Nod" (1938)), Ferdinand (el toro de "Ferdinand the Bull" (1938)), Pinocho y Pepito Grillo (de "Pinocchio" (1940)), las escobas, los cupidos, los pegasos bebé, un avestruz y un hipopótamo (de "Fantasia" (1940)), el dragon y Sir Giles (de "The Reluctant Dragon" (1941)), Dumbo, la señora Jumbo, Casey Jr. y los cuervos (de "Dumbo" (1941)), Bambi (de "Bambi" (1942)), Chicken Little (de "Chicken Little" (1943)), Jose Carioca (de "Saludos Amigos" (1942)), Monte (el pelícano de "The Pelican and the Snipe" (1944)), Peter (de "Make Mine Music" (1946)), Br'er Bear, los topos y el bebé de alquitrán (de "Song of the South" (1946)), el arpa cantarina (de "Fun & Fancy Free" (1947)), varios animales (de "Johnny Appleseed" (1948)), Danny (la oveja de "So Dear to My Heart" (1948)), Mr. Toad y su caballo Cyril (de "The Adventures of Ichabod and Mr. Toad" (1949)), Campanilla (de "Peter Pan" (1953), los esbirros de Maléfica de "Sleeping Beauty" (1959) y los pingüinos (de "Mary Poppins" (1964)).

Tiene algunas referencias a "Back to the Future" (1985), algunas sutiles como la música que suena de fondo cuando aparece por primera vez el Juez Doom, otras no tanto como el túnel que lleva a Toontown que es el mismo de "Back to the Future Part II" (1989).

Entre los titulares de los periódicos que hay sobre la mesa de Eddie hay uno que indica que el alcalde de Toontown es Mickey.

La frase "if it's Acme, it's a gasser" se podría traducir como "Si es Acme, las risas están garantizadas". En la versión doblada al castellano dicen algo muy parecido.

El juez Doom originalmente iba a ir con un buitre sobre el hombro y las comadrejas iban a ser siete, haciendo un paralelismo con los siete enanitos. También iba a haber una corte formada por canguros. Todos estos cambios fueron debidos a que eran muy costosos.

Los nombres de las comadrejas son Smart Ass (el líder), Psycho (el del pelo puntiagudo), Stupid (lleva una camisa a rayas), Greasy (el que tiene acento hispánico y va de verde) y Wheezy (fuma y va de azul).

La canción que tocan los patos Donald y Daffy apareció en el corto de Bugs Bunny "Rhapsody Rabbit" (1946).

El corto de Goofy que miran en el cine se titula "Goofy Gimnastics" (1948). Es un anacronismo pues la película transcurre un año antes.

Cuando vemos las fotos de la cartera de Roger Rabbit llama la atención la última. En ella él está sentado junto a Jessica frente a un muro lleno de dibujos, entre otros aparecen Steven Spielberg, Robert Zemeckis y Richard Williams.

En el baño para hombres hay una pintada que dice "For a good time call Allyson "Wonderland". The best is yet to be.". En inglés suena muy parecido a "Alice on Wonderland", osea Alicia en el país de las maravillas. En la versión que estrenaron en cines había también un número de teléfono que luego quitaron porque se trataba de un número real.

En las fotografías que toma Eddie de Jessica y Marvin Acme se ve claramente que Jessica tiene un dibujo muy diferente al diseño final. Fueron hechas en pre-producción cuando aún no tenían muy claro qué aspecto tendría.

La voz de la espada cantarina es la de Frank Sinatra, de hecho su aspecto está claramente basado en él. La canción que canta, de título "Witchcraft", es de 1957.

El dibujo que lleva el "traje" de Doom iba a ser originalmente el mismo que asesinó a la madre de Bambi.

Pensaron en hacer una secuela titulada "Toon Platoon" en la que Roger y varios dibujos animados se alistaban para ir a la Segunda Guerra Mundial porque Jessica había sido secuestrada por los nazis.

Es una película muy noir, de hecho se basaron en parte en "In Cold Blood" (1967). Aunque la principal referencia es "Chinatown" (1974).

Personalmente la encuentro bastante avanzada a su tiempo. Muchos de las escenas en las que combinan acción real y animación les costó muchísimo de hacer y no me sorprende. Es muy laboriosa y aún así desecharon escenas cuando las tenían hechas a pesar de que les costó mucho tiempo hacerlas. Me fascinan estas cosas.

Por cierto, el título original no es una pregunta. Casi todo el mundo cree que sí.

Starchaser: The Legend of Orin (1985)

Seguimos con más animación.

Estamos en el año 2985. Orin es un esclavo de Zygon obligado a trabajar en la mina. Un día encuentra una espada de la que emerge una figura que explica que quien encuentre el filo de la espada podrá liberar a su pueblo. Orin coge la empuñadura y tratará de hallar el mundo exterior.

En el reparto de dobladores de la versión original destacan los nombres de Carmen Argenziano, salió en “Broken Arrow” (1996) e “Identity” (2003), y Michael Wislow, conocido por “Police Academy” (1984).

Es una historia realmente interesante. En el mundo subterráneo tienen prohibido cavar hacia arriba porque la superficie es el infierno. En el mundo exterior creen que las minas las cavan los robots y no unos humanos esclavizados.

Recuerda demasiado a “Star Wars” (1977):

- Las fembots (robots femeninas) tienen un cuerpo demasiado detallado (literalmente les han puesto un culazo y tetas), y recuerdan a C3PO.

- Durante la escena de la incursión vemos un robot de dos patas que se asemeja a un AT-ST (aunque con la parte superior mucho más pequeña).

- El malo que lleva una máscara y una capa, a lo Darth Vader.

- El bueno va con una espada cuyo filo (invisible) se vuelve de color azul (como un sable láser) cuando golpea a sus enemigos.

- Dagg es un contrabandista que recuerda demasiado a Han Solo, especialmente cuando pasa a la acción.

- El malo hace un llamamiento a toda la galaxia para que localicen y maten al bueno. Como cuando Darth Vader contrata a unos cazarrecompensas.

- El malo captura a Dagg y lo tortura para sacarle la verdad usando una máquina muy dolorosa.

- La escena de la flota saltando al hiperespacio.

- Los dos robots (el de la nave y la fembot) discutiendo de manera muy cómica.

- También aparece un rayo tractor, usado por el malo además.

Además los robots guardianes de Zygon se asemejan a los Cylon de la serie “Battlestar Galactica”.

En Cienciología el rango “Kha-Khan” es equivalente a un santo católico.

Me hace gracia que la moneda de cambio sea el Starback.

También que hagan referencia a un ordenador que fue capaz de ganar a un ser humano al ajedrez… algo que sucedió en 1996, osea 11 años después de la película. Es más, durante los años 80 era algo puramente teórico.

Lo cierto es que desde que han mostrado la naturaleza volátil de los cristales rojos he tenido claro que habría una gran explosión. Pero bueno, aún así la historia depara varias sorpresas y maniobras de combate bastante complejas (aunque siempre con la ayuda de un ser “mágico”).

Me ha gustado mucho, no sabía muy bien qué esperarme y ha resultado una películas de aventuras espaciales con mucho drama, acción y algo de romance, incluso entre humanos y robots.

jueves, 22 de octubre de 2020

The Flight of Dragons (1982)

Aquí la titulamos "El vuelo de los dragones".

Estamos en una época en la que los dragones ocupaban los cielos y los avances de la ciencia están destruyendo a la magia. Por ello cuatro hermanos magos se reúnen, algo que no sucedía desde hacía siglos. Pero uno de ellos, el mago malvado, no está dispuesto a llegar a un acuerdo con los demás.

Estoy bastante seguro de que se basaron en el arranque de esta película a la hora de hacer el episodio de “My Little Pony: Friendship is Magic” en el que Spike se encuentra con los suyos. Son demasiadas las similitudes.

Me fascina que pasen de la época medieval (bueno, la típica época de los dragones) a la moderna y que tenga sentido.

El título hace referencia no sólo al vuelo de los dragones, osea a la capacidad de volar, sino también a un grupo de dragones volando.

La misión debe ser llevada a cabo por tres héroes, sin embargo terminan siendo seis y aunque cada uno tiene su momento de utilidad en general no hacen gran cosa.

El estilo de animación está bien, muy de los 80. No pretende ser realista ni muchísimo menos ya que la mayor parte de los seres que aparecen están sacados de la fantasía.

En ciertos momentos da la impresión de que sea una partida de "Dragones y Mazmorras", de hecho la historia podría ser una campaña perfectamente.

Guarda algunas similitudes con cuentos populares pero creo que es intencionado, un poco como un guiño.

En general me ha gustado, juega con los conceptos de magia y ciencia como antagónicos y funciona bastante bien.

miércoles, 21 de octubre de 2020

スペースアドベンチャーコブラ (1982)

También conocida como "Space Adventure Cobra".

Jane Flower es una cazarrecompensas que conoce a Cobra, uno de los hombres más buscados de la galaxia. Ella cree que le está engañando hasta que la salva usando el cañón psíquico de su brazo, algo que sólo posee un hombre en todo el universo.

Basado en el manga “Cobra” publicado en 1978 de Buichi Terasawa. El cual estuvo inspirado en el cuento “We Can Remember It for You Wholesale” de Philip K.Dick, el mismo en el que se basaron para hacer “Total Recall” (1990).

Hicieron una serie en 1982 y otra en el 2010, además de varios OVA. Había prevista una película de acción real anunciada en el 2011 que iba a ser estrenada en el 2013. No sucedió porque los directivos de la productora Lionsgate creyeron que no tenían nada que hacer para competir contra “Guardians of the Galaxy” (2014) y “Star Wars: Episode VII - The Force Awakens” (2015). Si bien es cierto que no podían alcanzar los éxitos de taquilla de esas dos películas estoy seguro que en un mercado como el japonés hubiera sido un éxito, al menos si hubiera sido una película mínimamente decente como la de “Space Battleship Yamato” (2010).

No tienen demasiados problemas a la hora de mostrar el cuerpo desnudo de Jane, cuyos pezones tienen forma de estrella, curiosamente. Lo mismo pasa con su hermana gemela.

El estilo de humor y los movimientos de los personajes me recuerdan bastante a “Rupan sansei”. Aunque quizás sea por la manera en la que se mueve la cámara. Es una temática muy alejada, aquí es pura ciencia ficción espacial.

Pero vamos, el apartado artístico de esta película es fascinante, no he visto nada igual. Hay ratos en los que las imágenes son pura imaginación y, desde luego, algunos de los diseños son increíbles y originales, como el caballo eléctrico de Dominique. Lo definiría como un estilo anticonvencional.

Una de las cosas que he leído es que Cobra es prácticamente inmortal, lo cual tiene sentido según lo que cuentan en la película.

Para conservar el sentido de justicia del protagonista el ejército del villano está formado por robots principalmente. Y, por supuesto, no tienen ningún problema a la hora de exterminar seres humanos con tal de alcanzar su objetivo. Es brutal la manera en la que asesinan.

Tiene algo de comedia, pero no os esperéis demasiado en ese sentido. De hecho casi todos los momentos mínimamente graciosos recaen en Cobra y sus comentarios y gesticulaciones.

Me ha sorprendido a niveles que ni siquiera pude anticipar. Me encantaría ver la serie o quizás los OVAS porque tengo la impresión de que no serán tan trágicos.

martes, 20 de octubre de 2020

The Flintstones Meet Rockula and Frankenstone (1979)

Aquí la titulamos "Los Picapiedra en un encuentro con Piedrácula y Frankenpiedra".

Los Picapiedra ganan un viaje al castillo de Rockula en un concurso televisivo. Allí descubrirán que el conde se ha despertado tras 500 años y echa a todos los turistas.

Creo que es la primera entrada con los Picapiedra como protagonistas. Se trata de una de las series más  famosas de Hannah-Barbera que empezó a emitirse en 1960.

El nombre original era The Flagstones pero lo cambiaron en el último momento.

Personalmente creo que el nombre que le pusimos en España es bastante acertado, pese a no ser una traducción exacta. De hecho Pedro Picapiedra (Fred Flintstone) y Pablo Mármol (Barney Rubble) también me parecen acertados.

La serie original duró hasta 1966 con un total de seis temporadas. Posteriormente hicieron el spin off “The Pebbles and Bamm-Bamm Show” (1971)  y luego “The Flintstone Comedy Hour” (1972), “The Flintstone Comedy Show” (1973), “Fred Flintstone and Friends” (1977), “The New Fred and Barney Show” (1979), “Fred and Barney Meet the Thing” (1979), “Fred and Barney Meet the Shmoo” (1979), “The Flintstone Comedy Show” (1980), “The Flintstone Funnies” (1982), “The Flintstone Kids” (1986), “Dino – World Premiere Toons” (1995) y “Cave Kids: Pebbles & Bamm-Bamm” (1996). Menuda explotación.

Lo que nos ocupa es un especial de televisión de los 10 que hicieron, concretamente el tercero. Aparte hicieron 6 películas animadas y 2 de acción real. Como podréis comprender es una serie muy famosa tanto en EEUU como en el extranjero. De hecho yo he visto un montón de episodios.

Hoy en día se suelen analizar las series hasta el aburrimiento y ésta no ha sido menos. Algunas de las cosas que se comentan sobre ella son las incoherencias como que celebren la Navidad millones de años antes de que existiese el concepto. Creo que a alguno habría que recordarle que la serie era un reflejo de la sociedad de los años 60, concretamente de la familia del trabajador medio estadounidense, y que no pretendía otra cosa que entretener.

Lo primero que llama la atención al verla son las risas enlatadas.

Me recuerda un poco a las películas de Abbott y Costello que hicieron con monstruos de la Universal.

Sueltan algunos chistes y juegos de palabras clásicos. Por no decir que ya eran viejos cuando la estrenaron.

Pero bueno, hasta un cierto punto respetan los personajes de Drácula y el monstruo de Frankenstein y hacen una historia mínimamente coherente con ellos.

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