Spider-Man! (1993)

Un cortometraje español.

Peter Parker es un empollón al que le picó una araña durante un experimento con radiación. Eso le dota de poderes y por ello decide confeccionarse un traje y ponerse como nombre Spider-man.

Tiene una duración de 20 minutos.

En el reparto tenemos a Cels Piñol (Policía), el creador de los cómics de Fanhunter. Y a Chema Ponze (Peter Parker/Spider-Man) en su debut en el cine.

Según explican en la introducción se trata del primer fan film español de un personaje de Marvel. Los creadores se hacen llamar Grupo Trauma (fundado por Chema Ponze y Naxo Fiol, el director del corto) y es el primero de los tres cortos que hicieron de Spider-man, las próximas entradas serán sobre los otros dos.

El presupuesto fue gastado en el disfraz del héroe (hecho a medida, costó unas 60.000 pts) y una cámara de Video 8.

Chema Ponze comentó en su twitter que adaptan el cómic “Amazing Fantasy #15”, que fue la primera aparición del personaje. ocasionalmente aparecen viñetas del cómic para acompañar a la acción.

Imagino que usarían algún tipo de edición rudimentaria ya que cuando suena música no se puede oír lo que hablan, por ejemplo.

Se nota que es un producto hecho por fans en detalles como que Spider-man dice la frase “un gran poder conlleva una gran responsabilidad”.

La mano de Naxo Fiol le otorga un toque tenebroso y algunos ángulos de cámara son peculiares, esto es debido a la influencia del cine de David Lynch. Lo cierto es que a pesar de la falta de recursos no se trata de un producto cutre.

Y eso hace que me pregunte qué hubiera sucedido si esta gente hubiera contado con más dinero. En todo caso, pasemos a su secuela.

It's a Bird... It's a Plane... It's Superman! (1975)

Esto es... diferente.

En el Daily Planet tenemos a los periodistas Max Mencken, quien odia a Superman, Lois Lane, quien le adora, y Clark Kent, que es la identidad secreta de Superman. Un científico se mezcla con Max para llevar a cabo un plan para acabar con el superhéroe.

Veamos, en 1966 hicieron un musical en Broadway sobre Superman que fue un fracaso aunque hicieron 129 pases. La idea detrás de este programa de televisión era ganar un poco de dinero para compensar las pérdidas, aunque sólo fue emitido una vez.

El guión fue escrito por algunos de los que luego participarían en el de “Superman” (1978), de ahí que repitan el “chiste” del protagonista mirando la ropa interior de una chica.

En el reparto destacan Lesley Ann Warren (Lois Lane), conocida por “Clue” (1985). Al Molinaro (Gangster), le vimos en “Get Smart”. Loretta Swit (Sydney), conocida por la serie “M*A*S*H”. Kenneth Mars (Max Mencken), conocido por “Young Frankenstein” (1974).

Aunque a mí lo que me llama la atención es que David Wilson (Superman/Clark Kent) sea un actor prácticamente desconocido. Esta fue su tercera película y anteriormente había hecho papeles menores. Su carrera posterior no tiene nada relevante.

Dos de los personajes son bastante curiosos. Concretamente me refiero a un tal Jerry y un tal Joe. Son los creadores de Superman, osea Jerry Siegel y Joe Shuster.

La película empieza con una presentación de los personajes principales, diciendo el nombre del actor que los interpreta. Seguidamente vemos unos dibujos fijos mientras narran la historia de cómo llegó Superman a la Tierra y cómo terminó con los Kent.

En esa parte vemos como evitan mostrar algunas de las cosas maravillosas que hacía Superman de niño enfocando a sus padres adoptivos quienes van describiéndolo.

Luego pasamos a la primera canción. En esta parte podemos apreciar mejor los escenarios. Son dibujos de unos edificios, como si fueran un cómic. No me parece mal, pero son todos de color blanco, podrían haberle dado un poco de colorido.

Me resulta particularmente gracioso que censuren una palabra (diría que es un “fuck” o quizás un “shit”) y no sólo pongan el típico pitido sino un mensaje en medio de la pantalla que pone “CENSORED” tapando la cara de quien la dice.

He dicho más de una vez que no soy demasiado fan de los musicales, pero esto resulta incluso duro de ver. Son numeritos bastante tontos y las letras de las canciones no ayudan lo más mínimo.

Pero vamos, el principal problema que le veo es el argumento y las líneas de diálogo que pretenden ser graciosas pero son como un chiste mal contado.

Por cierto, la película está dividida en episodios con un título propio. La voz en off consigue que algunos de ellos sí sean graciosos.

Dura hora y media y consiguen hacerlo aburrido. Aunque es precisamente por el formato de capítulos (primero avisan que la historia continuará en el próximo episodio y luego sale la introducción) que hace que se pierda el ritmo. Las abundantes canciones son también un factor determinante en ese sentido.

Estamos hablando de un producto realmente raro y en ese sentido, osea como curiosidad, está bien. Pero vamos, me imagino que la obra de teatro sería realmente dura de ver.

Spidey Super Stories (1974-1977)

Buf, esto es... complicado.

Veamos, por una parte tenemos “The Electric Company”, que es literalmente lo que parece, osea una compañía eléctrica de EEUU. En 1971 empezaron a emitir un programa infantil en televisión en el que aparecieron actores como Morgan Freeman, Rita Moreno, Mel Brooks, Bill Cosby…

El programa en sí tenía diferentes apartados de los cuales quisiera destacar dos. El primero fue las animaciones de Wile E.Coyote y el Correcaminos. El segundo, y a este es a lo que voy, fueron unos cortos sobre Spider-Man de acción real titulados “Spidey Super Stories”.

Su primera aparición fue en el episodio 391, en la cuarta temporada (la serie tiene unos 780 episodios en 6 temporadas). Técnicamente hablando es la primera aparición de acción real de un personaje de Marvel desde el serial “Captain America” (1944).

No se sabe a ciencia cierta cuántos cortos hay en total, pero se calcula que fueron una docena en la temporada de 1974-75 y otros tantos en la de 1975-76, por mi parte he dado con un listado de unos 29 de los cuales poseo una quincena de ellos y me ha costado mucho organizarlos.

En el primer episodio Morgan Freeman lo introduce como un nuevo personaje de la serie. Spider-man no habla, cada vez que quiere decir algo aparece un texto en un bocadillo de cómic junto a él (lo gracioso es que los otros personajes se paran a leerlo). Tiene unas pequeñas alas bajo los brazos y su cara es bastante expresiva.

En los siguientes episodios le vemos enfrentarse a algunos enemigos como The Spoiler, The Wall The Thumper, Queen Bee, The Birthday Bandit, The Prankster, The Blowhard, The Yeti, The Hum… todos ellos creados adrede para el show, no aparece ninguno de los cómics. Aunque en algunas de las introducciones podemos verlos dibujados.

Los cortos duran unos pocos minutos y la acción transcurre dentro de una viñeta combinando acción real y dibujo, con una voz en off que nos va poniendo en situación. Los dibujos los usan para las partes que son más complicadas de hacer en acción real.

En el segundo episodio Morgan Freeman hace de Drácula, lo que le convierte en otro de los Dráculas negros de los años 70. Y esto me ha roto la mente un poco.

Cuando Spider-man lanza sus telas de araña usan un efecto de edición sobre la imagen bastante pobre, luego la tela es una red gigante que aparece de repente sobre los villanos. En los primeros episodios donde sale dicha red es bastante gruesa pero más adelante usan una que queda un poco mejor.

Recuerda un poco al Batman de los 60 por su estilo bobalicón. Aunque al ser tan cortos no vemos un desarrollo del personaje per se, sólo aparece de repente para luchar contra el villano de turno. No vemos, por ejemplo, cual es su identidad real ni a qué se dedica cuando no lucha contra el crimen.

En definitiva es una rareza más de Marvel, yo la descubrí por pura casualidad y no tenía muy claro cómo enfocar el tema pero bueno, espero que al menos esto sirva como referencia.

Cabiria (1914)

Volvamos al cine mudo.

Cabiria es la hija pequeña de un pastor llamado Batto. Viven en Batto, una ciudad cercana al monte Etna cuando de repente entra en erupción destruyéndola por completo y obligando a sus habitantes a huir. Cabiria se salva pero termina presa de unos fenicios.

Se trata de un tiempo en el que había sacerdotes que elegían a niños para sacrificarlos a los dioses. Una auténtica salvajada, vaya. Encima son 100 los sacrificados.

También hay esclavos y, por supuesto, algunos de ellos son tratados como una mierda. Aparte que la facilidad con la que los consiguen los mercaderes es ridícula, aprovechándose siempre de las desgracias ajenas.

Al igual que en “Intolerance: Love's Struggle Throughout the Ages” (1916) los escenarios son enormes. El templo de sacrificios es una sala gigantesca con una estatua a la que se le abre la barriga donde van depositando a los niños que son sacrificados. He de decir que no había visto algo así jamás en otra película, no hay trucos de cámara (al menos no lo parece porque vemos distintos ángulos) e incluso la parte exterior es un monstruo gigantesco.

En el tercer episodio aparece Haníbal y como cruzó los Alpes con sus tropas. Es fascinante, incluso lleva elefantes (y para más detalle son indios como los que usó el propio Haníbal).

En el cuarto sale Arquímedes quien trata de lograr una invención para lograr mejorar las defensas de la ciudad.

Si mal no recuerdo en “Mythbusters” demostraron que el uso de los espejos para concentrar la luz solar en un punto y así hacer arder, por ejemplo, un barco era inviable.

También vemos una gran muralla y una puerta y en la parte final un barco con bastantes detalles. Me fascina la cantidad de escenarios de gran tamaño que construyeron.

Aunque lo que más me ha sorprendido es ver la cámara moviéndose de un lado a otro y luego rotando sobre sí misma. Es el conocido como sistema dolly y fue la primera película en usarlo, de hecho algunos lo llamaron “movimiento Cabiria”.

Es considerada una precursora del cine épico que más tarde acuñarían directores como D.W.Griffith y Cecil B. DeMille.

Se trata de una obra de ficción pero se apoya en algunos hechos históricos como el asedio a Siracusa o la conquista de Cartago por parte de los romanos.

Tuvo un spin off titulado “Maciste” (1915) y lo cierto es que no me sorprende. Posteriormente apareció en varias películas como un personaje similar a Hércules.

Una película que merece ser vista por todos los aficionados al cine que quieran conocer un poco más sobre el origen de ciertas técnicas cinematográficas.

El laberinto del fauno (2006)

Es conocida también como "Pan's Labyrinth".

Estamos en 1944, al norte de España. Los grupos de republicanos se ocultan en las montañas tras perder la guerra. Ofelia y su madre Mercedes, quien está embarazada, se van a vivir a una casa en el campo. Allí Ofelia descubrirá una serie de seres fantásticos.

Dirigida por Guillermo del Toro. Se plantó ante los productores estadounidenses cuando le exigieron que la hiciese en inglés. Aún así no se fiaba de los traductores y él mismo hizo los subtítulos en inglés.

Un reparto lleno de actores españoles conocidos como Ivana Barquero (Ofelia), Ariadna Gil (Carmen), Sergi López (Vidal), Maribel Verdú (Mercedes), Álex Angulo (Doctor Ferreiro) e Ivan Massagué (El Tarta).

Y también tenemos a Doug Jones (el Fauno). No sólo tuvo que aprenderse los diálogos en español (un idioma que no habla) sino también los de Ivana Barquero para poder responderle a tiempo, pero es que encima la máscara que llevaba le impedía oír bien. Podía ver a través de los orificios nasales.

Para lograr el efecto de cuando se come una hada lo hicieron con condones llenos de sangre falsa.

La rana gigante está inspirada en el monstruo de "The Maze" (1953).

Es una película que juega con la fantasía y la realidad. La niña se evade de los problemas que la rodean creando personajes fantásticos echándole mucha imaginación a los animales y los lugares en los que se encuentra. De hecho el final de la película es ella viviendo dicha fantasía mientras vemos paralelamente el drama que está sucediendo en realidad.

Personalmente me encanta el monstruo con los ojos en las manos. No sólo el diseño es diferente, al menos a lo que estamos habituados (en realidad guarda similitudes con un monstruo del folclore japonés) sino que verlo en acción resulta aterrador. El simple hecho de verle sentado en silencio frente a su mesa repleta de comida es fascinante.

Es una de esas películas que me encanta volver a ver pasado un tiempo. Algunos efectos CGI están un poco desfasados pero otros aún quedan resultones aunque siempre he sido de la opinión que estas cosas hay que tratar de valorarlas según el momento en qué fue estrenado la película y recuerdo que en su día me gustaron mucho.

Phantom from space (1953)

Aquí la titulamos "El fantasma del espacio".

Un objeto extraño ha aparecido a gran altura en diferentes lugares del planeta moviéndose a gran velocidad. Tras desaparecer empiezan a suceder una serie de asesinatos en la costa de California.

Denominan al alienígena "x-men" antes de empezar a usar la palabra fantasma. Y en realidad es algo llamativo. Está claro que se refieren a un ser desconocido pero es curioso que hayan optado por dicha nomenclatura.

La película arranca con unos 5~6 minutos de introducción con una voz en off que va narrando las diferentes posiciones de un objeto desconocido junto con la hora exacta y la velocidad. Se llega a hacer un poco pesada porque en realidad no hacía falta entrar tanto al detalle para describir a un objeto volador no identificado que describe una trayectoria por la atmósfera terrestre.

Luego tenemos al alienígena en sí al cual describen diferentes testigos de idéntica manera. Qué menos que variar un poco en los detalles para darle un poco de juego, pero es que todos dicen que lleva un traje de buzo y que no tiene cara. Y, por supuesto, los que lo investigan no acaban de creerse a los testigos.

Personalmente me han hecho gracia algunos detalles, porque es la única manera de disfrutar estas películas, osea buscando las cosas absurdas que aparecen o suceden.

Y entre las cosas graciosas está la manera en la que termina porque, en esencia, dejan que el ser se muera y se quedan mirando al cielo diciendo una frase tipo "oh, está amaneciendo", fin.

Pero vamos, que tampoco se puede exigir demasiado a un producto de presupuesto casi nulo con un guión muy sencillo y unas situaciones que recuerdan más a un episodio de Benny Hill que a una película de ciencia ficción de extraterrestres.

今際の国のアリス (2020)

También conocida como “Alice in Borderland”.

Arisu, Chota y Karube son tres amigos quienes tras meterse en el WC del metro huyendo de la policía salen y descubren que la ciudad está desierta. Al cabo de unas horas son partícipes de un juego mortal.

Una serie de acción real basada en el manga del mismo título. Tuvo previamente una adaptación en forma de 3 OVAs en el 2014.

Son un total de 8 episodios de 45 minutos de duración.

Lo primero fascinante es que hayan logrado vaciar diversas zonas de Tokio.

Al final del primer episodio vemos un montón de rayos letales que caen sobre la ciudad, indicando que hay muchos jugadores.

En el segundo episodio vemos dos cosas interesantes. Unos collares similares a los de “Battle Royale” (2000) y unas pulseras misteriosas.

Madre mía el tercer episodio, qué barbaridad.

La historia va evolucionando en pequeños arcos argumentales. Bueno, pequeños porque el formato de la serie tampoco da para más.

Los juegos están categorizados según unas cartas. Tréboles indica juego en equipo, Diamantes juego de ingenio, Corazones juego de traición y Picas juego físico (de fuerza). Y la cifra indica la dificultad.

Los juegos que aparecen en la serie, por orden son:

- Un tréboles 3, 5 participantes tienen que salir de un edificio eligiendo las puertas correctas.

- Un picas 5, 13 participantes tienen que huir de un cazador y llegar a una sala segura antes de que estalle una bomba y destruya el edificio.

- Un corazones 7, 4 participantes con armas y un collar. Es el juego del escondite, uno es el lobo y los otros los corderos, si se miran se intercambian los papeles. Gana el último que queda como lobo.

- Un trébol 4, 5 participantes han de llegar a la meta antes del final de tiempo marcado (2 horas).

- El quinto no llegamos a verlo pero está relacionado con una noria y como mínimo tiene dos participantes.

- Cazador de bestias, matar a unos animales salvajes en una feria. Tiene bastantes participantes.

- Competición de caza.

- Elevador humano. 2 participantes. Aguantar cogido a una grúa que va ascendiendo.

- Bingo en la fábrica de cerillas. Encontrar unos números hasta hacer un bingo usando sólo cerillas para iluminarte.

- Un diamantes 4, 7 participantes. Adivinar qué interruptor enciende una bombilla.

- Un corazones 10, con una burrada de participantes. Tienen que averiguar quién asesinó a una chica y quemarla en la hoguera en 2 horas.

Veo claras influencias de “Saw” (2004), aquello de los minijuegos mortales con una posible salvación. También tiene algo de “Battle Royale” (2000), grupos de personas que se enfrentan hasta la muerte. También veo similitudes con “As the gods will” (2014) donde un grupo de estudiantes tenía que sobrevivir a minijuegos mortales. Y el primer juego me recuerda a “Cube” (1997) en cierta manera.

El título parece indicar que se trata de algún tipo de versión de “Alicia en el país de las maravillas” y no está del todo errado pero las referencias son un poco sutiles. Por ejemplo Arisu es Alice (en el inglés de los japoneses), Usagi es el conejo blanco (es la traducción) y el tipo que lleva la “playa” se hace llamar “el sombrero”. También está lo de la baraja de cartas. Siendo un poco más rebuscado seguramente podría encontrar más paralelismos con los otros personajes (el rubiales que va con la capucha podría ser el gato, Karube podría ser el ciempiés…).

De momento no hay confirmada una segunda temporada. Pero vamos, por como termina espero que la hagan (en cuyo caso se calcula que será para dentro de un par de años).

En fin, una serie interesante. Me ha gustado la historia y que aún jugando con elementos bastante conocidos consigan hacerla entretenida y a la vez muy dramática.

Planet of Dinosaurs (1977)

Aquí la titulamos "El planeta de los dinosaurios".

Una nave se ve forzada a aterrizar en un planeta extraño. Pronto descubren que no están solos. Es un planeta poblado de criaturas prehistóricas que amenazarán sus vidas de manera constante.

Los primeros minutos recuerdan un poco a "Planet of the Apes" (1968).

El tipo que se quita la camisa tras aterrizar ya no se la vuelve a poner en toda la película.

Otro detalle es que todos los hombres llevan bigote (o barba) menos uno.

Los tripulantes van vestidos con telas similares a las de "Star Trek". Que tampoco importa mucho porque van muriendo poco a poco por los ataques de los dinosaurios.

Como curiosidad parte de la grabación fue en las famosas Vasquez Rocks.

El dinosaurio al que se enfrenta el capitán Lee en la parte final para distraer al Tiranosaurio Rex está basado en el Rhedosaurus, el protagonista de "The Beast from 20,000 Fathoms" (1953). Ray Harryhausen visitó el plató durante la producción y les dio permiso.

Lo que son las animaciones de los dinosaurios están muy bien, de hecho sería la única razón para verla en mi opinión ya que tanto el argumento, como los diálogos o las actuaciones dejan mucho que desear. Es más parece que la hayan rodado en un fin de semana improvisando la mayoría de las escenas.

Pero vamos, no se hace aburrida (que ya es mucho decir) y como curiosidad no está tan mal. Es de las que te lo puedes llegar a pasar bien si te la tomas a cachondeo.

Wasabi (2001)

Aquí la titulamos igual.

Hubert Fiorentini es un policía francés con un problema de violencia. Su jefe le pide amablemente que se tome unos días libres. Justo entonces descubre que el amor de su vida, una mujer japonesa a la que no ve desde hace 19 años, acaba de morir y le ha nombrado en su testamento, así que se va de viaje a Japón.

Una película dirigida por Gérard Krawczyk. De hecho una de las pocas que ha hecho. De sus títulos destaca también "Taxi 2" (2000) y las siguientes dos secuelas.

Protagonizada por Jean Reno (Hubert Fioerntini), en uno de sus papeles más recordados. Esa combinación de humor y acción le pega muchísimo y, aparte, se nota que se encuentra muy a gusto.

Está acompañado de Michel Muller (Maurice "Momo") que viene a ser su ayudante, a pesar de llevar 19 años sin verse sigue comportándose como tal.

El protagonista lleva una Magnum como la de "Dirty Harry" y, de hecho, guarda bastantes semejanzas con el personaje interpretado por Clint Eastwood.

Lo más interesante, en mi opinión, es ver algunas de las características de la cultura japonesa de principios del siglo XXI como son las salas recreativas con el DDR (en este caso sale el 5º), la música, la manera de vestir (especialmente lo vemos con el personaje de Yumi) y, sobre todo, por la comida.

Y es que el título se refiere a un picante que suele acompañar el Sushi, el cual era ya bastante popular en aquel momento y por ello muchos comprendieron el "chiste" de que el protagonista se lo tome a puñados como si tal cosa.

Pero bueno, preparaos para un montón de malos recibiendo puñetazos por parte del protagonista, algún que otro momento con exceso de violencia, la yakuza y un descubrimiento inesperado por parte del protagonista que le cambiará la vida.

Tuvo un remake indio titulado "Jaggubhai" (2010). No lo he visto y, de momento no tengo intención de buscarlo.

En todo caso, una película para pasar un rato entretenido a la que no hay que darle demasiadas vueltas.

大日本人 (2007)

También conocida como "El gigante de Japón".

Masaru Daisato es un hombre que puede crecer hasta alcanzar un tamaño enorme tras recibir una gran descarga eléctrica. Pero sólo lo hace si aparece algún monstruo en alguna ciudad de Japón. El problema es que la gente no lo ve con demasiados buenos ojos.

Se trata de un pseudo-documental.

Los monstruos que aparecen, por orden, son: estrangulador, saltarín, de la mirada maligna, rojo, apestoso, otro apestoso y niño.

Su abuelo se llama "el 4º" y a diferencia del protagonista era un tipo que imponía su voluntad y gozaba de gran popularidad, gracias a la cual tenía geishas y comía gratis donde quería, cosa que a Masaru le causa un poco de envidia porque se lo ha de pagar todo de su propio bolsillo.

Normalmente no me quejo del ritmo de las películas japonesas pero siendo un documental creo que deberían centrarse más en los aspectos interesantes del personaje en vez de ponerse a grabar, por ejemplo, unos gatos en la calle.

En realidad se trata de una película de Kaijus de aspecto perturbador, aunque llegan a ser tan grotescos que resultan cómicos. Especialmente cuando les vemos entrar en acción.

Los enfrentamientos son bastante breves y al morir cada monstruo su "alma" se va al cielo. Todo está hecho con CGI, por el año en que fueron hechos no son tan horribles como aparentan, pero podrían ser mejores.

Todos son CGI salvo el último en el también interviene un grupo llamado "Super defense team".

Es una película muy japonesa y, como tal, difícil de definir. Pero vamos, es de las que no te deja indiferente. Eso seguro.